El manierismo nórdico es la forma de manierismo que se encuentra en las artes visuales al norte de los Alpes en los siglos XVI y principios del XVII. [1] Los estilos en gran parte derivados del manierismo italiano se encontraron en los Países Bajos y en otros lugares desde aproximadamente mediados del siglo, especialmente el ornamento manierista en la arquitectura; este artículo se concentra en aquellos tiempos y lugares donde el manierismo nórdico generó su trabajo más original y distintivo.
Los tres centros principales del estilo estuvieron en Francia, especialmente en el período 1530-1550, en Praga a partir de 1576 y en los Países Bajos a partir de la década de 1580; las dos primeras fases estuvieron muy lideradas por el mecenazgo real . En los últimos 15 años del siglo, el estilo, que para entonces estaba quedando obsoleto en Italia, se extendió por el norte de Europa , difundiéndose en gran parte a través de grabados. En pintura, tendió a retroceder rápidamente en el nuevo siglo, bajo la nueva influencia de Caravaggio y el Barroco temprano , pero en arquitectura y artes decorativas, su influencia fue más sostenida. [2]
El arte sofisticado del manierismo italiano comienza durante el Alto Renacimiento de la década de 1520 como un desarrollo, una reacción contra y un intento de superar los triunfos serenamente equilibrados de ese estilo. Como explica el historiador de arte Henri Zerner: "El concepto de manierismo, tan importante para la crítica moderna y, en particular, para el renovado gusto por el arte de Fontainebleau, designa un estilo en oposición al clasicismo del Renacimiento italiano encarnado sobre todo por Andrea del Sarto en Florencia y Rafael en Roma". [3]
El Alto Renacimiento fue un fenómeno puramente italiano, y el manierismo italiano requería tanto de artistas como de un público altamente formado en los estilos renacentistas precedentes, cuyas convenciones a menudo se burlaban de manera deliberada. Sin embargo, en el norte de Europa, era difícil encontrar artistas y un público así. El estilo predominante siguió siendo el gótico , y en las primeras décadas del siglo XVI se realizaron diferentes síntesis de este estilo y de los estilos italianos por parte de artistas con mayor conciencia internacional, como Alberto Durero , Hans Burgkmair y otros en Alemania, y la escuela de nombre engañoso de manierismo de Amberes , de hecho no relacionada con el manierismo italiano y anterior a él. [4] El romanismo estuvo más profundamente influenciado por el arte italiano del Alto Renacimiento y por aspectos del manierismo, y muchos de sus principales exponentes habían viajado a Italia. La pintura neerlandesa había sido en general la más avanzada en el norte de Europa desde antes de 1400, y los mejores artistas neerlandeses estaban mejor capacitados que los de otras regiones para mantenerse al día con los desarrollos italianos, aunque rezagados.
Para cada generación sucesiva de artistas, el problema se hizo más agudo, ya que gran parte del trabajo del Norte continuó asimilando gradualmente aspectos del estilo renacentista, mientras que el arte italiano más avanzado había caído en una atmósfera de sofisticación y complejidad conscientes que debe haber parecido un mundo aparte para los mecenas y artistas del Norte, pero que disfrutaba de una reputación y un prestigio que no podían ignorarse. [5]
Francia recibió una inyección directa de estilo italiano en la forma de la primera Escuela de Fontainebleau , donde a partir de 1530 varios artistas florentinos de calidad fueron contratados para decorar el Palacio real de Fontainebleau , con algunos asistentes franceses. Las importaciones más notables fueron Rosso Fiorentino (Giovanni Battista di Jacopo di Gaspare, 1494-1540), Francesco Primaticcio ( c. 1505-1570 ), Niccolò dell'Abbate ( c. 1509-1571 ), todos los cuales permanecieron en Francia hasta su muerte. Esta conjunción logró generar un estilo francés nativo con fuertes elementos manieristas que luego pudo desarrollarse en gran medida por sí solo. Jean Cousin el Viejo , por ejemplo, produjo pinturas, como Eva Prima Pandora y Caridad , que, con sus desnudos sinuosos y alargados, se basaron palpablemente en los principios artísticos de la escuela de Fontainebleau. [6]
El hijo de Cousin , Jean el Joven , de cuyas obras no se ha conservado la mayor parte, y Antoine Caron siguieron esta tradición, produciendo una versión agitada de la estética manierista en el contexto de las guerras de religión francesas . La iconografía de las obras figurativas era en su mayoría mitológica, con un fuerte énfasis en Diana , diosa de la caza que era la función original de Fontainebleau, y homónima de Diana de Poitiers , amante y musa de Enrique II , y ella misma una entusiasta cazadora. Su figura esbelta, de piernas largas y atlética "quedó fijada en el imaginario erótico". [7]
Otras partes del norte de Europa no tuvieron la ventaja de un contacto tan intenso con los artistas italianos, pero el estilo manierista hizo sentir su presencia a través de grabados y libros ilustrados, las compras de obras italianas por parte de gobernantes y otros, [8] los viajes de los artistas a Italia y el ejemplo de artistas italianos individuales que trabajaban en el norte.
Gran parte de la obra más importante de Fontainebleau fue en forma de relieves de estuco , a menudo ejecutados por artistas franceses a partir de dibujos de los italianos (y luego reproducidos en grabados), y el estilo de Fontainebleau afectó a la escultura francesa con más fuerza que a la pintura francesa. Los enormes marcos de estuco que dominan sus pinturas enmarcadas con atrevidos trabajos en alto relieve , guirnaldas de frutas y generosos adornos de figuras desnudas parecidas a ninfas, fueron muy influyentes en el vocabulario del ornamento manierista en toda Europa, difundido por los libros de ornamentos y grabados de Androuet du Cerceau y otros; Rosso parece haber sido el creador del estilo.
Varias áreas de las artes decorativas se sumaron al estilo, especialmente donde había clientes de la corte. Los muebles de nogal de alto estilo fabricados en centros metropolitanos como París y Dijon, empleaban marcos de correas y soportes escultóricos en tocadores y aparadores . La misteriosa y sofisticada cerámica de Saint-Porchaire , de la que solo sobreviven unas sesenta piezas, aportó una estética similar a la cerámica, y gran parte de ella lleva cifras reales. A esto le siguió la cerámica "rústica" de Bernard Palissy , con vasijas cubiertas de animales y plantas en relieve elaboradamente modelados. El esmalte de Limoges pintado adoptó el estilo con entusiasmo alrededor de 1540, y muchos talleres produjeron pinturas muy detalladas hasta aproximadamente la década de 1580.
Aparte del propio Palacio de Fontainebleau, otros edificios importantes decorados con este estilo fueron el Château d'Anet (1547-1552) para Diana de Poitiers y partes del Palacio del Louvre . El mecenazgo de Catalina de Médici a las artes promovió el estilo manierista, excepto en el retrato, y sus festividades cortesanas fueron las únicas habituales del norte que rivalizaban con los intermedios y las entradas de la corte de los Médici en Florencia; todas ellas dependían en gran medida de las artes visuales. Después de un interludio en el que se abandonó el trabajo en Fontainebleau en el apogeo de las Guerras de religión francesas, se formó una "Segunda Escuela de Fontainebleau" a partir de artistas locales en la década de 1590.
Maximiliano II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico (reinó entre 1564 y 1576), que estableció su base en Viena , tenía gustos humanistas y artísticos y patrocinó a varios artistas, entre los que destacan Giambologna y Giuseppe Arcimboldo , cuyos retratos fantásticos compuestos por objetos eran un poco más serios en el mundo de la filosofía del Renacimiento tardío de lo que parecen ahora. Al final de su reinado ideó un proyecto para un nuevo palacio y justo antes de morir, el joven pintor flamenco Bartholomeus Spranger había sido convocado desde Roma, donde había hecho una carrera exitosa. El hijo de Maximiliano, Rodolfo II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, demostraría ser un mecenas aún mejor de lo que hubiera sido su padre, y Spranger nunca dejó su servicio. La corte pronto se trasladó a Praga , más segura de las invasiones turcas habituales, y durante su reinado de 1576-1612 Rodolfo se convertiría en un coleccionista obsesivo de arte antiguo y nuevo, y sus artistas se mezclarían con los astrónomos, relojeros, botánicos y "magos, alquimistas y cabalistas" a quienes Rodolfo también reunió a su alrededor. [9]
Las preferencias artísticas de Rodolfo eran las escenas mitológicas con desnudos, así como las piezas de propaganda alegórica que ensalzaban las virtudes de él mismo como gobernante. Una obra que combina los elementos del erotismo y la propaganda es Minerva triunfa sobre la Ignorancia ( Kunsthistorisches Museum ), que muestra a Minverva (la diosa romana de la guerra, la sabiduría, las artes y el comercio) con los pechos descubiertos y un casco pisoteando a la Ignorancia, simbolizada por un hombre con orejas de asno. Bellona , otra diosa romana de la guerra, y las nueve musas rodean a Minerva. El mensaje propagandístico es que el imperio está a salvo con Rodolfo al mando para que las artes y el comercio puedan florecer. [11] : 68–69 El escultor flamenco Hans Mont también trabajó para Rodolfo y diseñó el arco triunfal para la entrada formal de Rodolfo II en Viena en 1576. [12]
Las obras de la Praga de Rodolfo estaban muy acabadas y refinadas, y la mayoría de las pinturas eran relativamente pequeñas. La elongación de las figuras y las poses sorprendentemente complejas de la primera ola del manierismo italiano continuaron, y la distancia elegante de las figuras de Bronzino se vio mediada por las obras del ausente Giambologna, que representaba el ideal del estilo.
Los grabados fueron esenciales para difundir el estilo en Europa, en particular en Alemania y los Países Bajos, y algunos grabadores, como el más grande del período, Hendrik Goltzius , trabajaron a partir de dibujos enviados desde Praga, mientras que otros, como Aegidius Sadeler , que vivía en la casa de Spranger, habían sido tentados a ir a la propia ciudad. Rodolfo también encargó obras de Italia, sobre todo a Giambologna, a quien los Médicis no permitieron salir de Florencia, y cuatro grandes alegorías mitológicas fueron enviadas por Paolo Veronese . [13] La influencia del emperador afectó al arte de otras cortes alemanas, en particular Múnich y Dresde , donde estaba establecido el orfebre y artista Johann Kellerthaler.
Rodolfo no estaba muy interesado en la religión, y "en la Praga de Rodolfo II se produjo una explosión de imaginería mitológica que no se había visto desde Fontainebleau". [14] Las diosas solían estar desnudas, o casi, y prevalece una atmósfera de erotismo más abierta que la que se encuentra en la mayoría de las obras mitológicas del Renacimiento, lo que evidentemente refleja los "intereses especiales" de Rodolfo. [15]
La figura dominante era Hércules , identificado con el emperador, como lo había sido anteriormente con los monarcas Habsburgo y Valois . [16] Pero los demás dioses no fueron descuidados; sus conjunciones y transformaciones tuvieron importancia en el neoplatonismo y el hermetismo renacentistas , que se tomaron más en serio en la Praga de Rodolfo que en cualquier otra corte renacentista. [17] Sin embargo, parece que las alegorías pintadas de Praga no contienen significados complicados muy específicos ni recetas ocultas para la alquimia. Giambologna frecuentemente elegía, o dejaba que alguien más eligiera, un título para sus esculturas después de que estaban terminadas; para él, lo único que importaban eran las formas. [18]
Mientras que los artistas de Fontainebleau y Praga contaron en su mayoría con un hogar tan propicio, tanto intelectual como físicamente, que permanecieron allí hasta el final de sus vidas, para los artistas de la última fase neerlandesa del movimiento, el manierismo fue muy a menudo una fase por la que pasaron antes de pasar a un estilo influenciado por Caravaggio .
Para Hendrik Goltzius , el mayor grabador de la época, su fase más manierista bajo la influencia de Spranger sólo duró los cinco años entre 1585, cuando grabó su primer grabado a partir de uno de los dibujos de Spranger traídos de Praga por Karel van Mander , hasta su viaje a Roma en 1590, del que "regresó como un artista cambiado. A partir de ese momento ya no hizo grabados después de las extravagancias de Spranger. Los monstruosos hombres musculosos y los desnudos femeninos alargados con cabezas diminutas ... fueron reemplazados por figuras con proporciones y movimientos más normales". [20] La obra de Spranger "tuvo un efecto amplio e inmediato en los Países Bajos del Norte", [20] y el grupo conocido como los "Manieristas de Haarlem", principalmente Goltzius, van Mander y Cornelis van Haarlem, fue igualado por artistas de otras ciudades.
En parte, debido a que la mayoría de sus seguidores neerlandeses sólo habían visto la obra de Spranger a través de grabados y sus dibujos, en su mayoría muy libres, no adoptaron su estilo más pictórico y mantuvieron la técnica más estricta y realista en la que se habían formado. Muchos pintores manieristas holandeses podían cambiar de estilo en función del tema o del encargo, y siguieron produciendo retratos y escenas de género en estilos basados en las tradiciones locales al mismo tiempo que trabajaban en pinturas altamente manieristas. Después de su regreso de Italia, Goltzius se inclinó por un clasicismo protobarroco más tranquilo, y su obra en ese estilo influyó en muchos.
Joachim Wtewael , que se instaló en Utrech tras regresar de Italia en 1590, recibió más influencia de los manieristas italianos que de los praguenses y continuó produciendo escenas de cocina y retratos junto con sus deidades desnudas. A diferencia de muchos, en particular de su compatriota de Utrech Abraham Bloemaert , una vez formado el repertorio de estilos de Wtewael, nunca lo modificó hasta su muerte en 1631. [21]
Para los pintores de los Países Bajos también existía la alternativa de los estilos realistas tradicionales del norte, que habían continuado desarrollándose a través de Pieter Bruegel el Viejo (fallecido en 1567) y otros artistas, y que en el siglo siguiente dominarían la pintura del Siglo de Oro holandés . A pesar de su visita a Italia, Bruegel ciertamente no puede ser llamado manierista, pero al igual que sus pinturas fueron coleccionadas con entusiasmo por Rodolfo, los artistas manieristas, incluidos Gillis van Coninxloo y el hijo de Bruegel, Jan, lo siguieron en el desarrollo del paisaje como tema.
La pintura de paisajes se reconoció como una especialidad neerlandesa en Italia, donde se establecieron varios paisajistas del norte, como Matthijs y Paul Bril , y los alemanes Hans Rottenhammer y Adam Elsheimer , este último una figura importante en el Barroco temprano. La mayoría todavía pintaba panoramas neerlandeses desde un punto de vista alto, con pequeñas figuras que formaban un tema específico, pero Gillis van Coninxloo siguió la Escuela del Danubio anterior y a Albrecht Altdorfer en el desarrollo del paisaje forestal puro y "de cerca" en sus obras de alrededor de 1600, que fue retomado por su alumno Roelandt Savery y otros. [22] Bloemaert pintó muchos paisajes reconciliando estos tipos al combinar árboles en primer plano, con figuras y una pequeña vista lejana desde arriba hacia un lado (ejemplo a continuación). [23] Los primeros paisajes de Paul Brill eran claramente manieristas en su artificialidad y sus recargados efectos decorativos, pero después de la muerte de su hermano, gradualmente desarrolló un estilo más económico y realista, tal vez influenciado por Annibale Carracci . [24]
La pintura de naturalezas muertas , en su mayoría de flores e insectos, también surgió como género durante este período, reutilizando la tradición heredada de los bordes en miniatura de los últimos Países Bajos ; Jan Brueghel el Viejo también pintó estos temas. Estos temas atrajeron tanto a los mecenas aristocráticos como al mercado burgués, que era mucho más grande en los Países Bajos. Esto fue especialmente así en el norte protestante, después del movimiento de poblaciones en la Revuelta, donde la demanda de obras religiosas fue en gran medida nula. [25]
Joris Hoefnagel , pintor de la corte de Rodolfo II, desempeñó un papel importante en el desarrollo de la naturaleza muerta como género independiente, y en particular de las naturalezas muertas de flores. Una pieza de flores sin fecha realizada por Hoefnagel en forma de miniatura es la primera naturaleza muerta independiente conocida. Hoefnagel animó sus piezas de flores con insectos y atención al detalle, típica de sus estudios de la naturaleza. Esto se puede ver en su Amoris Monumentum Matri Chariss(imae) de 1589 (ex-Nicolaas Teeuwisse 2008). [26]
En la actualidad, Karel van Mander es recordado principalmente como un escritor sobre arte más que como un artista. Aunque apoyaba la jerarquía italiana de géneros , con la pintura histórica en la cima, estaba más dispuesto que Vasari y otros teóricos italianos (sobre todo Miguel Ángel , que rechazaba bruscamente las formas de arte "inferiores") a aceptar el valor de otros géneros especializados de arte y a aceptar que muchos artistas deberían especializarse en ellos, si ahí es donde residía su talento. [27] La especialización de muchos artistas en los diversos géneros estaba muy avanzada a finales de siglo, tanto en los Países Bajos como en Praga, ejemplificada por los dos hijos de Bruegel, Jan y Pieter , aunque también era típico de la época que ambos tuvieran más de una especialidad durante sus carreras. Aunque los comerciantes podían comprar paisajes, escenas de la vida campesina, marinas y naturalezas muertas para abastecerse, y siempre había demanda de buenos retratos, la demanda de pintura histórica no era igual a la oferta potencial, y muchos artistas, como Cornelius Ketel , se vieron obligados a especializarse en retratos; "los artistas recorren este camino sin deleite", según van Mander. [28]
Los pintores manieristas de las provincias meridionales de la Flandes de los Habsburgo , ahora permanentemente separadas , estaban de hecho menos influidos por Praga que los de las Provincias Unidas . Tenían un acceso más fácil a Italia, donde Denis Calvaert vivió desde los veinte años en Bolonia , aunque vendió gran parte de su obra a Flandes. Tanto Marten de Vos como Otto van Veen habían viajado allí; Van Veen, que había trabajado en la Praga de Rodolfo, fue el fundador del Gremio de Romanistas , un club de Amberes para artistas que habían visitado Roma. Eran más conscientes de las tendencias recientes en el arte italiano y del surgimiento del estilo barroco , que en manos del discípulo de Van Veen entre 1594 y 1598, Rubens , pronto arrasaría con el arte flamenco. [29] En las obras religiosas, los artistas flamencos también estuvieron sujetos a los decretos del Concilio de Trento , lo que llevó a una reacción contra los virtuosismos más extremos del manierismo y a un estilo más claro y monumental afín a la maniera grande italiana . [30] En los retablos de de Vos, por ejemplo, "un manierismo templado se combina con una preferencia por la narrativa que está más en línea con la tradición neerlandesa". [30]
En Flandes, aunque no en las Provincias Unidas, las exposiciones, en su mayoría temporales, de las entradas reales proporcionaban oportunidades ocasionales para exhibiciones públicas suntuosas de estilo manierista. Los libros de fiestas registraban las entradas en Amberes de príncipes franceses y archiduques de los Habsburgo. [31]
El manierismo fue dominante en Polonia-Lituania entre 1550 y 1650, cuando finalmente fue reemplazado por el barroco. [33] El estilo incluye varias tradiciones manieristas, [33] que están estrechamente relacionadas con la diversidad étnica y religiosa del país, así como con su situación económica y política en ese momento. [34] [35] El período entre 1550 y 1650 fue una Edad de Oro de la Mancomunidad Polaca-Lituana (creada en 1569) y una Edad de Oro de Polonia. [36] La primera mitad del siglo XVII está marcada por una fuerte actividad de los jesuitas y la Contrarreforma , que llevó al destierro de los arrianos progresistas ( Hermanos Polacos ) en 1658. Véase más abajo al pintor germano-silesio Bartholomeus Strobel , artista de la corte polaca de 1639.
Ya se ha mencionado la importancia de los grabados como medio de difusión del estilo manierista; el manierismo nórdico "era un estilo que se prestaba admirablemente a la estampación e inspiró la producción de una sucesión de obras maestras del arte del grabado". [37] Goltzius ya era el grabador más célebre de los Países Bajos cuando el virus manierista atacó, y a pesar de los trastornos de la guerra, él y otros grabadores neerlandeses estaban conectados con la bien engrasada maquinaria de distribución por toda Europa que se había construido durante los cincuenta años anteriores, originalmente centrada en Amberes .
No ocurrió lo mismo con la producción de grabados en Fontainebleau, y los grabados realizados allí (algo inusual para la época, todos en aguafuerte ) eran técnicamente bastante toscos, producidos en menor número y principalmente influyentes en Francia. Se realizaron en un período de intensa actividad aproximadamente de 1542 a 1548. [38] Los realizados en París eran grabados y de mayor calidad; producidos entre aproximadamente 1540 y 1580, tuvieron una distribución más amplia. [39]
Muchos de los grabados de Fontainebleau fueron aparentemente hechos directamente a partir de diseños dibujados para las decoraciones del palacio, y consistían en gran parte o en su totalidad en marcos ornamentales o cartuchos , aunque tal era la escala de Fontainebleau que estos podían contener varias figuras de cuerpo entero. Las variaciones sobre los elaborados marcos, como si estuvieran hechos de pergamino cortado, perforado y enrollado, se desarrollaron en esquemas de marcos decorativos, páginas de título grabadas y muebles tallados e incrustados hasta el siglo XVII. [40]
El ornamento manierista impreso, en un sentido más amplio de la palabra, era mucho más fácil de producir que la aplicación arriesgada de un estilo manierista extremo a composiciones de figuras grandes, y se había extendido por toda Europa mucho antes que la pintura en forma de marcos para grabados de retratos, frontispicios de libros , al igual que las elaboradas puertas y chimeneas de la arquitectura manierista, [41] libros de adornos para artistas y artesanos y libros de emblemas . A partir de estos y de obras en su propio medio, los orfebres, los fabricantes de marcos y muebles y los trabajadores de muchos otros oficios desarrollaron el vocabulario del ornamento manierista.
Las ilustraciones de patrones que se muestran en el libro Architectura de Wendel Dietterlin de 1593-94, producido en el relativamente remoto lugar de Estrasburgo , fueron algunas de las aplicaciones más extremas del estilo al ornamento arquitectónico. [37] El estilo manierista del norte fue especialmente influyente en las casas prodigio construidas en Inglaterra por los cortesanos isabelinos.
El ingenio visual y la sofisticación del manierismo en manos del norte, que lo convirtieron en un estilo cortesano preeminente , encontraron vehículos naturales en el trabajo de los orfebres, [42] realzados por gemas y esmaltes de colores, en los que las perlas deformadas que llamamos " barrocas " podían formar torsos humanos y animales, tanto como joyas para adorno personal como en objetos hechos para la Wunderkammer . Los jarrones y jarras adquirieron formas fantásticas, al igual que las tazas verticales con cuencos de ónice o ágata, y los elaborados saleros como la Saliera de Benvenuto Cellini , la cúspide de la orfebrería manierista, terminada en 1543 para Francisco I y luego entregada al tío de Rodolfo , otro gran coleccionista . Wenzel Jamnitzer y su hijo Hans, orfebres de una sucesión de emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico, incluido Rodolfo, no tuvieron igual en el norte. [43] Los plateros hacían copas cubiertas y jarras y platos ricamente labrados, estrictamente para exhibición, tal vez incorporando las grandes conchas marinas que ahora se traían de los trópicos, que eran "apreciadas como arte producido por la naturaleza". [44] En los Países Bajos, un " estilo auricular " singularmente anamórfico, que empleaba motivos cartilaginosos retorcidos y antiarquitectónicos, fue desarrollado por la familia de plateros van Vianen. [45]
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Aunque los escultores manieristas produjeron bronces de tamaño natural, la mayor parte de su producción por unidad fueron ediciones de bronces pequeños, a menudo versiones reducidas de las grandes composiciones, que estaban destinadas a ser apreciadas sosteniéndolas y girándolas en las manos, cuando las mejores "dan un estímulo estético de ese tipo involuntario que a veces proviene de escuchar música". [46] Las plaquetas , pequeños paneles de bajo relieve en bronce, a menudo dorados, se usaron en varios entornos, como en la corona de Rodolfo. [47]
Esfinges femeninas con cuellos extravagantemente alargados y pechos prominentes sostienen un gabinete borgoñón de nogal en la Colección Frick , Nueva York; pronto Amberes se especializó en gabinetes ricamente tallados y enchapados con incrustaciones de carey, ébano [48] y marfil, con interiores arquitectónicos, reflejados para multiplicar los reflejos en espacios fingidos. En Inglaterra, los excesos manieristas del mobiliario jacobino se expresaron en patas extremas giradas para imitar tazas cubiertas apiladas y una proliferación de superficies planas cubiertas con correas enlazadas . [49] Tras el éxito de los tapices de Bruselas tejidos según los Cartones de Rafael , se pidió a pintores manieristas como Bernard van Orley y Perino del Vaga que diseñaran cartones en estilo manierista para los talleres de tapices de Bruselas y Fontainebleau. Las composiciones pictóricas de gusto manierista también aparecieron en los esmaltes de Limoges , adaptando sus composiciones y bordes ornamentados a partir de grabados. Los moriscos , los banderines y los festones de frutas inspirados en los ornamentos grotescos de la antigua Roma redescubiertos , que se mostraron por primera vez en las Estancias del Vaticano de la escuela de Rafael , se difundieron a través de grabados ornamentales . Este vocabulario ornamental se expresó en el norte menos en esos frescos y más en tapices y bordes de manuscritos iluminados .
En Francia, la cerámica de Saint-Porchaire, con formas y decoración manieristas, se produjo en cantidades limitadas para una clientela restringida y consciente de la moda desde la década de 1520 hasta la de 1540, mientras que las composiciones abarrotadas y desconcertantemente realistas de serpientes y sapos caracterizan las fuentes de barro pintadas manieristas de Bernard Palissy . Al igual que los Jamnitzer en alguna ocasión, [50] Palissy hizo moldes a partir de pequeñas criaturas y plantas reales para aplicarlos a sus creaciones.
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El norte de Europa en el siglo XVI, y especialmente aquellas áreas donde el manierismo estaba en su apogeo, se vieron afectadas por grandes convulsiones, entre ellas la Reforma protestante , la Contrarreforma , las guerras de religión francesas y la Revuelta holandesa . La relación entre el manierismo, la religión y la política era muy compleja. Aunque se produjeron obras religiosas, el arte manierista del norte restó importancia a los temas religiosos y, cuando los trató, fue generalmente en contra del espíritu del intento de la Contrarreforma de controlar el arte católico y de las opiniones protestantes sobre la imaginería religiosa. [51]
En el caso del arte de Praga y Francia de Rodolfo después de mediados de siglo, el arte manierista secular y mitológico parece haber sido en parte un intento deliberado de producir un arte que atrajera a través de las divisiones religiosas y políticas. [52] Al mismo tiempo, el manierismo en su forma más extrema era generalmente un estilo cortesano, a menudo utilizado para hacer propaganda a favor de la monarquía, [53] y corría el riesgo de desacreditarse por asociación con gobernantes impopulares. Si bien la tolerancia genuina de Rodolfo parece haber evitado esto en Alemania y Bohemia , a fines de siglo el manierismo había sido asociado por los protestantes calvinistas y otros patriotas de Francia y los Países Bajos con sus gobernantes católicos impopulares. [54] Pero, al menos antes, muchos de los artistas que produjeron un estilo manierista extremo eran protestantes y, en Francia, calvinistas, por ejemplo, Bernard Palissy y una gran proporción de los maestros de los talleres de esmalte de Limoges.
Ciertas obras manieristas parecen hacer eco de la violencia de la época, pero vestidas con ropas clásicas. Antoine Caron pintó el inusual tema de Masacres bajo el Triunvirato (1562, Louvre), durante las Guerras de religión, cuando las masacres eran un suceso frecuente, sobre todo en la Masacre del día de San Bartolomé de 1572, seis años después de la pintura. [55] Según el historiador de arte Anthony Blunt , Caron produjo "lo que es quizás el tipo más puro conocido de manierismo en su forma elegante, apropiado para una sociedad aristocrática exquisita pero neurótica". [56] Sus cartones para los Tapices de Valois , que se remontan a los tapices triunfalistas de la Historia de Escipión diseñados para Francisco I por Giulio Romano , [57] fueron un ejercicio de propaganda en nombre de la monarquía de Valois, enfatizando su esplendor cortesano en el momento de su amenazada destrucción por la guerra civil. El único cuadro que se conserva de Jean Cousin el Joven , El juicio final , también habla de la guerra civil, delatando una "tendencia típicamente manierista a la miniaturización". [58] Seres humanos diminutos y desnudos "pululan sobre la tierra como gusanos", mientras Dios mira hacia abajo en juicio desde arriba. [56]
La Matanza de los inocentes (1590, Rijksmuseum ) de Cornelis van Haarlem , más barroca que manierista, puede incluir sus recuerdos de infancia de las matanzas (de hecho, solo de la guarnición) después del Sitio de Haarlem en 1572-3, que vivió. La versión completamente antimanierista de Brughel del mismo tema fue comprada por Rudolf, quien hizo que alguien convirtiera a muchos de los niños masacrados en gansos, terneros, quesos y otros despojos menos perturbadores. [59] En general, la pintura manierista enfatiza la paz y la armonía, y elige con menos frecuencia temas de batalla que el Alto Renacimiento o el Barroco.
Otro tema popularizado por Brughel, San Juan predicando en el desierto , recibió tratamientos manieristas de varios artistas como tema de paisaje exuberante. Pero para los protestantes holandeses, el tema recordaba los años anteriores y posteriores a la Rebelión, cuando se vieron obligados a congregarse para los servicios religiosos en el campo abierto, fuera de las ciudades controladas por los españoles. [54]
Enrique VIII de Inglaterra se había visto impulsado a imitar a Fontainebleau y a importar su propio equipo, bastante menos estelar, de artistas italianos y franceses para trabajar en su nuevo Palacio Nonsuch , que también dependía en gran medida de estucos y fue decorado a partir de 1541 aproximadamente. Pero Enrique murió antes de que se completara y una década después fue vendido por su hija María sin que la corte lo hubiera utilizado nunca de forma importante. El palacio fue destruido antes de 1700 y solo han sobrevivido pequeños fragmentos de las obras asociadas con él, así como una tenue onda de influencia detectable en el arte inglés posterior , por ejemplo en los grandes pero poco sofisticados estucos de Hardwick Hall .
Algunas (pero no todas) de las casas prodigio de la arquitectura isabelina hicieron uso de ornamentos derivados de los libros de Wendel Dietterlin y Hans Vredeman de Vries dentro de un estilo general distintivo derivado de muchas fuentes.
El miniaturista de retratos Isaac Oliver muestra una tentativa de influencia manierista tardía, [60] que también aparece en algunos retratistas inmigrantes, como William Scrots , pero en general Inglaterra fue uno de los países menos afectados por el movimiento, excepto en el área del ornamento.
Aunque el manierismo nórdico alcanzó un estilo paisajístico, la pintura de retratos no tuvo equivalentes nórdicos de Bronzino o Parmigianino , a menos que se considere como tal el notable pero algo ingenuo retrato de Isabel I.
Uno de los últimos florecimientos del manierismo nórdico se produjo en Lorena , cuyo pintor de corte, Jacques Bellange (c.1575-1616), es conocido hoy sólo por sus extraordinarios grabados al aguafuerte , aunque también era pintor. Su estilo deriva del manierismo neerlandés, aunque su técnica proviene de los grabadores italianos, especialmente Barocci y Ventura Salimbeni . [61] Inusualmente, sus temas eran principalmente religiosos, y aunque los trajes son a menudo extravagantes, sugieren intensos sentimientos religiosos por parte de él.
Más tarde, el pintor germano- sileso Bartholomeus Strobel , que había pasado los últimos años del reinado de Rodolfo como joven artista en Praga, continuó el estilo rodolfino hasta la década de 1640, a pesar de los horrores que la Guerra de los Treinta Años infligió a Silesia , en obras como su enorme Festín de Herodes con la decapitación de San Juan Bautista en el Prado . A partir de 1634 se retiró a la seguridad de Polonia como artista de la corte. [62]
Artistas franceses influenciados por la primera Escuela de Fontainebleau:
La continua tradición francesa:
Trabajando para Rudolf:
En los Países Bajos:
Flamenco:
Alemán:
En otra parte:
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![Hans von Aachen, Alegoría de la paz y las artes, 1602.[19]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/cb/Allegorie_des_Friedens_und_des_%C3%9Cberflusses_by_Hans_von_Aachen_001.jpg/1280px-Allegorie_des_Friedens_und_des_%C3%9Cberflusses_by_Hans_von_Aachen_001.jpg)
