En arquitectura y arte decorativo , el ornamento es la decoración utilizada para embellecer partes de un edificio u objeto. Los elementos figurativos de gran tamaño, como la escultura monumental y sus equivalentes en el arte decorativo, están excluidos del término; la mayoría de los ornamentos no incluyen figuras humanas y, si las hay, son pequeñas en comparación con la escala general. El ornamento arquitectónico puede estar tallado en piedra, madera o metales preciosos, formado con yeso o arcilla, o pintado o impreso sobre una superficie como ornamento aplicado ; en otras artes aplicadas, se puede utilizar el material principal del objeto o uno diferente, como pintura o esmalte vítreo .
Se han desarrollado una amplia variedad de estilos y motivos decorativos para la arquitectura y las artes aplicadas, incluida la cerámica , el mobiliario y la metalistería . En textiles , papel tapiz y otros objetos donde la decoración puede ser la principal justificación de su existencia, es más probable que se utilicen los términos patrón o diseño. La amplia gama de motivos utilizados en la ornamentación se inspira en formas y patrones geométricos, plantas y figuras humanas y animales. En toda Eurasia y el mundo mediterráneo ha habido una rica y vinculada tradición de ornamentación basada en plantas durante más de tres mil años; la ornamentación tradicional de otras partes del mundo generalmente se basa más en motivos geométricos y animales. La inspiración para los patrones generalmente radica en la naturaleza que rodea a la gente de la región. Muchas tribus nómadas en Asia Central tenían muchos motivos animales antes de la penetración del Islam en la región.
En un ensayo de 1941, [1] el historiador de la arquitectura Sir John Summerson lo llamó "modulación de la superficie". La decoración y el ornamento más antiguos a menudo sobreviven de las culturas prehistóricas en simples marcas en la cerámica, donde la decoración en otros materiales (incluidos los tatuajes ) se ha perdido. Donde se utilizó el torno de alfarero , la tecnología hizo que algunos tipos de decoración fueran muy fáciles; el tejido es otra tecnología que también se presta muy fácilmente a la decoración o el patrón, y hasta cierto punto dicta su forma. El ornamento ha sido evidente en las civilizaciones desde el comienzo de la historia registrada , que van desde la arquitectura del Antiguo Egipto hasta la asertiva falta de ornamento de la arquitectura modernista del siglo XX . Los ornamentos también representan una cierta filosofía de la gente para el mundo que los rodea. Por ejemplo, en Asia Central entre los kazajos nómadas, las líneas circulares de los ornamentos señalaban la percepción secuencial del tiempo en las amplias estepas y la amplitud y libertad del espacio.
El ornamento implica que el objeto ornamentado tiene una función que un equivalente sin ornamentar también podría cumplir. Cuando el objeto no tiene esa función, sino que existe solo para ser una obra de arte, como una escultura o una pintura, es menos probable que se utilice el término, excepto para elementos periféricos. En los últimos siglos se ha aplicado una distinción entre las bellas artes y las artes aplicadas o decorativas (excepto en el caso de la arquitectura), y el ornamento se considera principalmente una característica de esta última clase. [ cita requerida ]
La historia del arte en muchas culturas muestra una serie de tendencias en forma de ola donde el nivel de ornamentación utilizada aumenta durante un período, antes de una reacción aguda que regresa a formas más simples, después de lo cual la ornamentación aumenta gradualmente de nuevo. El patrón es especialmente claro en el arte europeo posromano, donde el arte insular altamente ornamentado del Libro de Kells y otros manuscritos influyó en la Europa continental, pero el arte carolingio y otoniano de inspiración clásica lo reemplazó en gran medida. El ornamento aumentó durante los períodos románico y gótico , pero se redujo en gran medida en los estilos del Renacimiento temprano , nuevamente bajo la influencia clásica. Otro período de aumento, en el manierismo del norte , el barroco y el rococó , fue frenado por el neoclasicismo y el período romántico . El ornamento en la ropa masculina pasó de moda alrededor de 1800, en la Gran Renuncia Masculina . El ornamento en la arquitectura y el mobiliario se reanudó a fines del siglo XIX en el estilo Napoleón III , las artes decorativas victorianas y sus equivalentes de otros países, para ser reducido decisivamente por el movimiento Arts and Crafts y luego el Modernismo .
El estudio detallado de las formas ornamentales euroasiáticas fue iniciado por Alois Riegl en su estudio formalista Stilfragen : Grundlegungen zu einer Geschichte der Ornamentik ( Problemas de estilo: fundamentos para una historia del ornamento ) de 1893, quien en el proceso desarrolló su influyente concepto de Kunstwollen . [2] Riegl trazó la continuidad formalista y el desarrollo en formas vegetales decorativas desde el arte del Antiguo Egipto y otras civilizaciones antiguas del Cercano Oriente a través del mundo clásico hasta el arabesco del arte islámico . Si bien el concepto de Kunstwollen tiene pocos seguidores hoy en día, su análisis básico del desarrollo de las formas ha sido confirmado y refinado por el corpus más amplio de ejemplos conocidos hoy. [3] Jessica Rawson ha ampliado recientemente el análisis para cubrir el arte chino , que Riegl no cubrió, rastreando muchos elementos de la decoración china hasta la misma tradición; el trasfondo compartido ayudó a hacer que la asimilación de motivos chinos en el arte persa después de la invasión mongola fuera armoniosa y productiva. [4]
Los estilos de ornamentación se pueden estudiar en relación con la cultura específica que desarrolló formas únicas de decoración o modificó la ornamentación de otras culturas. Se podría decir que la cultura del Antiguo Egipto fue la primera civilización en agregar decoración pura a sus edificios. [ cita requerida ] Su ornamentación toma las formas del mundo natural en ese clima, decorando los capiteles de las columnas y las paredes con imágenes de papiros y palmeras. La cultura asiria produjo una ornamentación que muestra influencia de fuentes egipcias y una serie de temas originales, incluidas figuras de plantas y animales de la región.
La antigua civilización griega creó muchas nuevas formas de ornamentación, que se difundieron por toda Eurasia , ayudada por las conquistas de Alejandro Magno y la expansión del budismo , que llevó algunos motivos al este de Asia en una forma algo modificada. [5] En Occidente, las formas latinizadas de la antigua Roma del ornamento griego duraron alrededor de un milenio y, después de un período en el que fueron reemplazadas por formas góticas , revivieron poderosamente en el Renacimiento italiano y siguen siendo muy utilizadas en la actualidad.
En el Imperio romano, la ornamentación utilizaba una gran variedad de estilos y materiales, como mármol, vidrio, obsidiana y oro. La erudita Jessica Powers ha estudiado y escrito sobre la ornamentación romana, específicamente en el contexto de Pompeya, en el capítulo de su libro "Beyond Painting in Pompeii's Houses: Wall Ornaments and Their Patrons" (Más allá de la pintura en las casas de Pompeya: adornos de pared y sus patrones). En lugar de estudiar los objetos ornamentales de forma aislada, Powers sostiene que, si se proporciona la información, se debe abordar a los objetos en su contexto original. Esta información puede incluir la ubicación donde se encontró la obra, otros objetos ubicados o encontrados cerca, o quién fue el patrón que podría haber encargado la obra. [6] El capítulo de Jessica Powers analiza principalmente la Casa Degli Amorini Dorati en Pompeya, donde se encontraron 18 adornos de pared, la mayor cantidad de cualquier casa pompeyana. La ornamentación de pared interior en una casa pompeyana normalmente dividiría la pared en tres o más secciones bajo las cuales habría un friso que ocuparía aproximadamente una sexta parte de la altura de la pared. [7] Las secciones de la pared estarían divididas por amplias pilastras conectadas por un friso que se extiende a lo largo de la parte superior de la pared. El adorno encontrado en la Casa Degli Amorini Dorati en Pompeya reflejaba este estilo estándar e incluía objetos que claramente habían sido reutilizados, y objetos raros e importados. Varios de los paneles de las paredes de la Casa Degli Amorini Dorati fueron retirados durante el trabajo arqueológico en la década de 1970, lo que reveló que los paneles habían estado pegados en diferentes paredes antes de aquella en la que fueron encontrados. Jessica Powers sostiene que estos paneles ilustran al propietario de la casa y la disposición de los clientes a utilizar materiales dañados o de segunda mano en su propia casa. Además, los materiales utilizados en los paneles decorativos de la pared fueron identificados como provenientes del Oriente griego o Egipto, no de Pompeya. Esto apunta a las elaboradas rutas comerciales que florecieron en todo el Imperio Romano, y que los propietarios de las casas estaban interesados en usar materiales de fuera de Pompeya para embellecer sus hogares.
Además de las viviendas, los edificios públicos y los templos son lugares donde se exhibían estilos ornamentales romanos. En el templo romano, el uso extravagante de ornamentos sirvió como un medio de autoglorificación, como señala el erudito Owen Jones en el capítulo de su libro, Roman Ornament. Las técnicas de ornamentación romanas incluyen el modelado de superficies, donde se aplican estilos ornamentales sobre una superficie. Este era un estilo ornamental común con superficies de mármol. [8] Un estilo ornamental común era el uso de hojas de acanto, un motivo adoptado de los griegos. El uso de hojas de acanto y otros motivos naturalistas se puede ver en capiteles corintios, en templos y en otros sitios públicos.
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Sobreviven algunos cuadernos medievales, el más famoso de los cuales es el de Villard de Honnecourt (siglo XIII), que muestra cómo los artistas y artesanos registraban los diseños que veían para su uso futuro. Con la llegada de la imprenta , las estampas ornamentales se convirtieron en una parte importante de la producción de los impresores, especialmente en Alemania, y desempeñaron un papel vital en la rápida difusión de los nuevos estilos renacentistas a los creadores de todo tipo de objetos. Además de la recuperación del ornamento clásico, tanto arquitectónico como del estilo grotesco derivado de la decoración de interiores romana, estos incluían nuevos estilos como el morisco , una adaptación europea del arabesco islámico (una distinción no siempre clara en esa época).
A medida que la impresión se hizo más barata, la impresión de un solo ornamento se convirtió en juegos y, finalmente, en libros. Desde el siglo XVI al XIX, se publicaron libros de patrones en Europa que dieron acceso a elementos decorativos, que finalmente incluyeron aquellos registrados de culturas de todo el mundo. I quattro libri dell'architettura (Cuatro libros sobre arquitectura) de Andrea Palladio (Venecia, 1570), [9] que incluía dibujos de edificios romanos clásicos y representaciones de los propios diseños de Palladio utilizando esos motivos, se convirtió en el libro más influyente jamás escrito sobre arquitectura. Napoleón hizo documentar las grandes pirámides y templos de Egipto en la Description de l'Egypte (1809) . Owen Jones publicó The Grammar of Ornament en 1856 con ilustraciones en color de la decoración de Egipto, Turquía, Sicilia y España. Se instaló en el Palacio de la Alhambra para hacer dibujos y vaciados en yeso de los detalles ornamentados de los ornamentos islámicos allí, incluidos arabescos , caligrafía y patrones geométricos . El interés por la arquitectura clásica también se vio impulsado por la tradición de viajar en el Grand Tour y por la traducción de la literatura temprana sobre arquitectura en la obra de Vitruvio y Miguel Ángel .
Durante el siglo XIX, el uso aceptable del ornamento y su definición precisa se convirtieron en fuente de controversia estética en la arquitectura académica occidental, ya que los arquitectos y sus críticos buscaban un estilo adecuado. "La gran pregunta es", preguntó Thomas Leverton Donaldson en 1847, "¿vamos a tener una arquitectura de nuestro período, un estilo distintivo, individual y palpable del siglo XIX?". [10] En 1849, cuando Matthew Digby Wyatt vio la Exposición Industrial Francesa instalada en los Campos Elíseos de París, desaprobó en términos reconociblemente modernos los adornos de yeso en bronce falso y vetas de madera falsas: [11]
Tanto en el interior como en el exterior hay una buena cantidad de adornos insípidos e inútiles... Si se hubiera permitido que cada material simple contara su propia historia, y las líneas de la construcción se hubieran dispuesto de manera que condujeran a un sentimiento de grandeza, las cualidades de "poder" y "verdad", que su enorme extensión debe haber asegurado necesariamente, difícilmente habrían dejado de excitar admiración, y eso con un ahorro de gastos muy considerable.
Los contactos con otras culturas a través del colonialismo y los nuevos descubrimientos arqueológicos ampliaron el repertorio de ornamentos disponibles para los renovadores. Después de 1880, la fotografía hizo que los detalles de los ornamentos estuvieran aún más disponibles que las impresiones.
Los ornamentos de carpintería modernos están hechos de madera, plástico, materiales compuestos, etc. Vienen en muchos colores y formas diferentes. La arquitectura moderna , concebida como la eliminación del ornamento en favor de estructuras puramente funcionales, dejó a los arquitectos el problema de cómo adornar adecuadamente las estructuras modernas. [12] Había dos rutas disponibles para esta crisis percibida. Una era intentar idear un vocabulario ornamental que fuera nuevo y esencialmente contemporáneo. Esta fue la ruta tomada por arquitectos como Louis Sullivan y su alumno Frank Lloyd Wright , o por el singular Antoni Gaudí . El Art Nouveau , popular a principios del siglo XX, fue en parte un esfuerzo consciente por desarrollar un vocabulario de ornamentos "natural".
Una vía más radical fue la de abandonar por completo el uso de ornamentos, como en algunos diseños de objetos de Christopher Dresser . En aquella época, este tipo de objetos sin ornamentación se podían encontrar en muchos objetos cotidianos y sin pretensiones del diseño industrial, como la cerámica producida en la fábrica Arabia de Finlandia, por ejemplo, o los aisladores de vidrio de las líneas eléctricas.
Este último enfoque fue descrito por el arquitecto Adolf Loos en su manifiesto de 1908, traducido al inglés en 1913 y polémicamente titulado Ornament and Crime , en el que declaró que la falta de decoración es el signo de una sociedad avanzada. Su argumento era que el ornamento es económicamente ineficiente y "moralmente degenerado", y que la reducción del ornamento era un signo de progreso. [13] Los modernistas estaban ansiosos por señalar al arquitecto estadounidense Louis Sullivan como su padrino en la causa de la simplificación estética, descartando los nudos de ornamento intrincadamente estampados que articulaban la piel de sus estructuras.
Con la obra de Le Corbusier y la Bauhaus durante las décadas de 1920 y 1930, la falta de detalles decorativos se convirtió en un sello distintivo de la arquitectura moderna y se equiparó con las virtudes morales de la honestidad, la simplicidad y la pureza. En 1932, Philip Johnson y Henry-Russell Hitchcock lo denominaron " estilo internacional ". Lo que comenzó como una cuestión de gusto se transformó en un mandato estético. Los modernistas declararon que su estilo era la única forma aceptable de construir. A medida que el estilo alcanzó su apogeo en la obra altamente desarrollada de posguerra de Mies van der Rohe , los principios del modernismo de la década de 1950 se volvieron tan estrictos que incluso arquitectos consumados como Edward Durrell Stone y Eero Saarinen podían ser ridiculizados y efectivamente condenados al ostracismo por alejarse de las reglas estéticas. [ cita requerida ]
Al mismo tiempo, las leyes no escritas contra el ornamento empezaron a ponerse seriamente en tela de juicio. «La arquitectura se ha liberado, con cierta dificultad, del ornamento, pero no se ha liberado del miedo al ornamento», observó John Summerson en 1941. [14]
La diferencia entre ornamento y estructura es sutil y tal vez arbitraria. Los arcos apuntados y los arbotantes de la arquitectura gótica son ornamentales pero estructuralmente necesarios; las bandas rítmicas de colores de un rascacielos de estilo internacional de Pietro Belluschi son parte integral, no aplicadas, pero ciertamente tienen un efecto ornamental. Además, el ornamento arquitectónico puede cumplir el propósito práctico de establecer la escala, señalar las entradas y ayudar a orientarse, y estas útiles tácticas de diseño habían sido prohibidas. Y a mediados de la década de 1950, los líderes modernistas Le Corbusier y Marcel Breuer habían roto sus propias reglas al producir obras de hormigón escultóricas y sumamente expresivas.
El debate en contra de los ornamentos alcanzó su punto álgido en 1959, durante las discusiones sobre el edificio Seagram , donde Mies van der Rohe instaló una serie de vigas en I verticales estructuralmente innecesarias en el exterior del edificio, y en 1984, cuando Philip Johnson produjo su edificio AT&T en Manhattan con un frontón neogeorgiano ornamental de granito rosa, el debate prácticamente había terminado. En retrospectiva, los críticos han visto al edificio AT&T como el primer edificio posmodernista . [ cita requerida ]
