En Japón , la música incluye una amplia gama de géneros distintos, tanto tradicionales como modernos. La palabra para "música" en japonés es 音楽 ( ongaku ), combinando el kanji音on (sonido) con el kanji 楽gaku (música, consuelo). [1] Japón es el mercado de música en medios físicos más grande del mundo [ cita necesaria ] y el segundo mercado musical más grande en general , con un valor minorista de 2.700 millones de dólares estadounidenses en 2017. [2]
Las formas más antiguas de música tradicional japonesa son:
ambos datan de los períodos Nara (710–794) y Heian (794–1185). [3] La música clásica gagaku se ha interpretado en la corte imperial desde el período Heian . [4] Kagura-uta (神楽歌), Azuma-asobi (東遊) y Yamato-uta (大和歌) son repertorios indígenas . Tōgaku (唐楽) supuestamente se parece al estilo chino de la dinastía Tang (618–907); El komagaku pudo haber venido de la península de Corea . [5] Además, gagaku se subdivide en kangen (管弦) (música instrumental) y bugaku (舞楽) (danza acompañada de gagaku).
Los samuráis escuchaban y realizaban estas actividades musicales, en sus prácticas de enriquecer sus vidas y su comprensión. [6]
El biwa (琵琶 - chino: pipa ), una forma de laúd de cuello corto , era tocado por un grupo de artistas itinerantes ( biwa hōshi ). La raíz de la música Biwa fue El cuento de Heike . [7] Biwa hōshi se organizó en una asociación similar a un gremio. La biwa es el instrumento tradicional de Japón. [ cita necesaria ]
Lafcadio Hearn relató en su libro Kwaidan: Historias y estudios de cosas extrañas (1903) "Mimi-nashi Hoichi" (Hoichi el sin orejas), una historia de fantasmas japonesa sobre un biwa hōshi ciego que interpreta "El cuento del Heike". [7]
Las mujeres ciegas, conocidas como goze (瞽女), realizaron giras a partir de la época medieval, cantaban y tocaban música de acompañamiento con un tambor regazo. [ cita necesaria ] Desde el siglo XVII a menudo jugaban el koto o el shamisen . Las organizaciones goze surgieron en muchos lugares y existieron hasta el siglo XXI en la prefectura de Niigata . [ cita necesaria ]
Wadaiko , un tambor japonés, viene en varios tamaños y se utiliza en una variedad de géneros musicales. Se ha vuelto particularmente popular en los últimos años como instrumento central de conjuntos de percusión cuyo repertorio se basa en una variedad de música folclórica y de festivales del pasado. Esta música taiko la tocan grandes conjuntos de tambores llamados kumi-daiko . Sus orígenes siguen siendo inciertos, pero se remontan al siglo VII, cuando una figura de arcilla de un tamborilero documentó su existencia. Siguieron influencias chinas , pero el instrumento y su música siguieron siendo exclusivamente japoneses. [8] Los tambores Taiko durante este período se usaban durante la batalla para intimidar al enemigo y comunicar órdenes. El taiko sigue utilizándose en la música religiosa del budismo y el sintoísmo . En el pasado, los jugadores eran hombres santos que tocaban sólo en ocasiones especiales y en grupos pequeños, pero con el tiempo los hombres seculares (rara vez mujeres) también tocaban el taiko en festivales semirreligiosos como el bon dance .
El taiko de conjunto moderno fue inventado por Daihachi Oguchi en 1951. [9] Oguchi , baterista de jazz , incorporó su formación musical en grandes conjuntos de su diseño. Su estilo enérgico hizo que su grupo fuera popular en todo Japón e hizo de la región de Hokuriku un centro de música taiko. Los grupos musicales que surgieron de esta ola de popularidad incluyeron Oedo Sukeroku Taiko , fundado por Seido Kobayashi . En 1969 surgió un grupo llamado Za Ondekoza ; Za Ondekoza reunió a jóvenes artistas que innovaron en un nuevo taiko de renacimiento de raíces , que se utilizó como forma de vida en los estilos de vida comunitarios . Durante la década de 1970, el gobierno japonés asignó fondos para preservar la cultura japonesa y se formaron muchos grupos comunitarios de taiko. Más adelante en el siglo, los grupos de taiko se extendieron por todo el mundo, especialmente en los Estados Unidos . El videojuego Taiko no Tatsujin se basa en el taiko.
Las canciones populares japonesas ( min'yō ) se pueden agrupar y clasificar de muchas maneras pero suele ser conveniente pensar en cinco categorías principales:
En min'yō , un laúd de tres cuerdas conocido como shamisen , tambores taiko y una flauta de bambú llamada shakuhachi suelen acompañar a los cantantes. [10] Otros instrumentos que podrían acompañar incluyen una flauta transversal conocida como shinobue , una campana conocida como kane , un tambor de mano llamado tsuzumi y/o una cítara de 13 cuerdas conocida como koto . En Okinawa el instrumento principal es el sanshin . Estos son instrumentos japoneses tradicionales, pero la instrumentación moderna, como guitarras eléctricas y sintetizadores , también se usa hoy en día, cuando los cantantes de enka interpretan canciones tradicionales min'yō ( el enka es un género musical japonés propio). [11]
Un ondo generalmente describe cualquier canción popular con un swing distintivo que se puede escuchar como un ritmo de 2/4 (aunque los intérpretes generalmente no agrupan ritmos). La canción folclórica típica que se escucha en los bailes del festival Obon es típicamente un ondo. Un bushi ("melodía" o "ritmo") es una canción con una melodía distintiva. La palabra rara vez se usa sola, pero generalmente va precedida de un término que se refiere a la ocupación, ubicación, nombre personal o similares. Bon uta son canciones para Obon , la fiesta de los faroles de los muertos. Komori uta son canciones de cuna . Los nombres de las canciones min'yo suelen incluir un término descriptivo, normalmente al final. Por ejemplo: Tokyo Ondo, Kushimoto Bushi, Hokkai Bon Uta e Itsuki no Komoriuta.
Muchas de estas canciones incluyen acento adicional en ciertas sílabas, así como gritos agudos ( kakegoe ). Los kakegoe son generalmente gritos de alegría, pero en min'yō a menudo se incluyen como parte de los coros. Hay muchos kakegoe , aunque varían de una región a otra. En Okinawa Min'yō, por ejemplo, el común "ha iya sasa!" aparece. En el Japón continental, sin embargo, "a yoisho!", "¡sate!" o "¡una llaga!" son más comunes. Otros incluyen "a donto koi!" y "dokoisho!"
Recientemente, un sistema basado en gremios conocido como sistema iemoto ha estado en vigor en algunas formas de min'yō. Este sistema se desarrolló originalmente para transmitir géneros clásicos como la música nagauta , shakuhachi o koto, pero resultó rentable para los profesores y contó con el apoyo de los estudiantes que deseaban obtener certificados de competencia. Continúa extendiéndose a géneros como min'yō, Tsugaru-jamisen y otras formas de música que tradicionalmente se transmitían de manera más informal. Hoy en día, algunos min'yō se transmiten en estas organizaciones pseudofamiliares y son comunes los aprendizajes prolongados.
Umui, canciones religiosas, shima uta , canciones de baile y, especialmente kachāshī , música animada de celebración, eran populares en la isla. La música folclórica de Okinawa se diferencia de la música folclórica japonesa continental en varios aspectos.
La música folclórica de Okinawa suele ir acompañada del sanshin , mientras que en el Japón continental la acompaña el shamisen . Otros instrumentos de Okinawa incluyen el sanba (que produce un sonido similar al de las castañuelas ), el taiko y un silbido de dedo afilado llamado yubi-bue (指笛) .
En los min'yō de las islas principales de Japón se utiliza a menudo una escala pentatónica . En esta escala pentatónica se omiten el tono subdominante y principal (grados 4 y 7 de la escala mayor occidental ), lo que da como resultado una escala musical sin semitonos entre cada nota. (Do, Re, Mi, Sol, La en solfeo , o escala grados 1, 2, 3, 5 y 6). El min'yō de Okinawa, sin embargo, utiliza escalas que incluyen los semitonos omitidos en la escala pentatónica antes mencionada, cuando se analiza en la disciplina occidental de la música. De hecho, la escala más común utilizada en el min'yō de Okinawa incluye los grados 1, 2, 3, 4, 5, 6 y 7.
Después de que la Restauración Meiji introdujo la instrucción musical occidental, Izawa Shuji (un burócrata) compiló canciones como " Auld Lang Syne ". [12] Dos formas principales de música que se desarrollaron durante este período fueron el shōka , que se compuso para llevar la música occidental a las escuelas, y el gunka . [13]
A medida que Japón avanzaba hacia la democracia representativa a finales del siglo XIX, los líderes contrataron cantantes para vender copias de canciones que transmitieran sus mensajes, ya que a los propios líderes generalmente se les prohibía hablar en público. Surgió una forma de tango distintivamente japonesa llamada "dodompa". Kayōkyoku se asoció con estructuras tradicionales japonesas influenciadas por Enka . Entre los cantantes de enka famosos se encuentran Hibari Misora , Saburo Kitajima , Ikuzo Yoshi y Haruo Minami.
Shuji Isawa (1851-1917) estudió música en la Escuela Normal de Bridgewater y en la Universidad de Harvard y fue una figura importante en el desarrollo de la música japonesa con influencia occidental en la era Meiji (1868-1912). Al regresar a Japón en 1879, Isawa formó la Ongaku-Torishirabe-Gakari (Agencia de Investigación Musical), un centro nacional de investigación de la música occidental; Más tarde pasó a llamarse Escuela de Música de Tokio (Tôkyô ongaku gakkô). En 1880, el amigo y maestro estadounidense de Isawa, Luther Whiting Mason , aceptó un nombramiento de dos años. Kosaku Yamada , Yoshinao Nakada y Toru Takemitsu son compositores japoneses que han desarrollado sucesivamente lo que hoy se conoce como música clásica japonesa. [14]
La música clásica occidental estableció una fuerte presencia en Japón, convirtiendo al país en uno de los mercados más importantes para esta tradición musical. [15] Toru Takemitsu compuso música de vanguardia, música clásica contemporánea y música para películas. [dieciséis]
Además de las orquestas sinfónicas tradicionales , Japón ocupa un lugar destacado a nivel internacional en el ámbito de las bandas de música . [17] La Asociación de Bandas de Japón es el organismo rector de las competiciones de bandas de viento en el país.
A partir de la década de 1930 (excepto durante la Segunda Guerra Mundial , cuando fue reprimido como música del enemigo) [18] [19] el jazz mantuvo una fuerte presencia en Japón. [20] El país es un mercado importante para la música, y es común que allí estén disponibles grabaciones que no están disponibles en Estados Unidos o Europa. Varios músicos de jazz japoneses, como June (nacido en Japón) y Sadao Watanabe, tienen una gran base de seguidores fuera de su país natal. [ cita necesaria ]
El J-pop, abreviatura de pop japonés , es un género musical vagamente definido que entró en la corriente musical principal de Japón en la década de 1990. El J-pop tiene sus raíces en la música pop y rock de los años 60 , como los Beatles , cuyas bandas de rock de los 70 fusionaron el rock con la música japonesa. [21] El J-pop fue definido aún más por bandas japonesas de nueva ola como Southern All Stars a finales de los años 1970. [22] Con el tiempo, el J-pop reemplazó al kayōkyoku ("Música de canto lírico", un término para la música pop japonesa de las décadas de 1920 a 1980) en la escena musical japonesa. [23] El término fue acuñado por los medios japoneses para distinguir la música japonesa de la música extranjera.
Los artistas musicales ídolos japoneses son una parte importante del mercado, con grupos de chicas y bandas de chicos que encabezan regularmente las listas de sencillos . Estos incluyen la banda de chicos Arashi , que tuvo los sencillos más vendidos de 2008 y 2009, y el grupo de chicas AKB48 , que tuvo los sencillos más vendidos cada año de la década de 2010. [ cita necesaria ] Desde finales de la década de 2010, han surgido cada vez más grupos de ídolos . Su éxito a veces se denomina "Idol sengoku jidai" (アイドル戦国時代; literalmente, Idol war age). [24] En 2014, alrededor de 486.000 personas asistieron a los conciertos en vivo de Momoiro Clover Z , lo que fue el récord más alto para músicas femeninas en Japón para este año. [25] Desde la pandemia de Covid-19, muchos grupos de ídolos han visto caer sus ventas. Por ejemplo, las ventas físicas de AKB48 han caído de más de un millón de copias vendidas por single a alrededor de 300.000, mientras que grupos como Nogizaka46 , Sakurazaka46 o Hinatazaka46 han experimentado una caída menor, con ventas promedio de 500.000 a 700.000 copias para sus singles recientes, lo que los convierte en Los grupos de ídolos japoneses más populares de la década de 2020.
En 1984, el álbum Thriller del músico estadounidense Michael Jackson se convirtió en el primer álbum de un artista occidental en vender más de un millón de copias en la historia de las listas japonesas Oricon . [26] Su estilo es citado como uno de los modelos de la música de baile japonesa , liderando la popularidad de los músicos y bailarines de Avex Group . [ cita necesaria ]
En 1990, Avex Trax comenzó a lanzar la serie Super Eurobeat en Japón. El eurobeat en Japón lideró la popularidad del grupo de baile Para Para . Si bien los artistas de Avex como Every Little Thing y Ayumi Hamasaki se hicieron populares en la década de 1990, a finales de la década de 1990 surgieron Hikaru Utada y Morning Musume . El álbum debut de Hikaru Utada, First Love , se convirtió en el álbum más vendido en Japón, vendiendo más de 7 millones de copias, mientras que Ayumi Hamasaki se convirtió en la artista solista y femenina con mayores ventas en Japón, y Morning Musume sigue siendo uno de los grupos de chicas más conocidos en Japón. industria de la música pop.
En la década de 1960, muchas bandas de rock japonesas estaban influenciadas por el rock occidental, junto con la música folclórica de los Apalaches , el rock psicodélico , el mod y géneros similares: un fenómeno llamado Group Sounds (GS). John Lennon se convirtió en uno de los músicos occidentales más populares de Japón. [27] A finales de la década de 1960, bandas de Group Sounds como The Tempters, the Tigers, the Golden Cups, the Spiders, the Jaguars, the Ox, the Village Singers, the Carnabeats, the Wild Ones, the Mops [28] eran populares. [29] Después del auge de los sonidos grupales vinieron los cantautores folk. The Tigers era la banda de Group Sounds más popular de la época. Posteriormente, algunos de los integrantes de los Tigers, the Tempters y the Spiders formaron el primer supergrupo japonés Pyg .
Kenji Sawada y Kenichi Hagiwara comenzaron su carrera en solitario a principios de la década de 1970 junto con bandas de rock como Power House, Blues Creation y bandas de hard rock de finales de los 70 como Murasaki, Condition Green y Bow Wow. Carol (dirigida por Eikichi Yazawa ), RC Succession y Funny Company ayudaron a definir el sonido del rock. A finales de los 70, Creation y Char interpretaron rock al estilo Jeff Beck . A partir de finales de los años sesenta, pero sobre todo en los setenta, los músicos mezclaron rock con elementos folk y pop de estilo americano, generalmente etiquetados como folk rock debido a su uso habitual de la guitarra acústica . Esto incluye bandas como Tulip, Banban y Garo . Los artistas de rock incluyen uno de los primeros Southern All Stars .
Los músicos japoneses comenzaron a experimentar con el rock electrónico en los años 1970. El más notable fue Isao Tomita , cuyo álbum de 1972 Electric Samurai: Switched on Rock incluía interpretaciones con sintetizador electrónico de canciones de rock y pop contemporáneo . [30] Otros ejemplos tempranos de discos de rock electrónico incluyen el álbum de folk rock y pop rock de Inoue Yousui Ice World (1973) y el álbum de rock psicodélico progresivo Benzaiten (1974) de Osamu Kitajima , los cuales involucraron contribuciones de Haruomi Hosono, [ 31] [32] quien más tarde fundó el grupo de música electrónica "Yellow Magic Band" (más tarde conocido como Yellow Magic Orchestra ) en 1977. [33]
En la década de 1980, Yutaka Ozaki era popular entre los jóvenes fanáticos del rock. Grupos de pop rock como CCB, Tokyo JAP y Red Wariors obtuvieron canciones exitosas. Boøwy inspiró bandas de rock alternativo como Shonen Knife , The Pillows y Tama & Little Creatures, así como bandas más experimentales como Boredoms y bandas convencionales como Glay . En 1980, Huruoma y Ry Cooder , un músico estadounidense, colaboraron en un álbum de rock con Shoukichi Kina , impulsor de la mencionada banda okinawense Champloose. Les siguieron Sandii & the Sunsetz , quienes mezclaron aún más influencias japonesas y de Okinawa. También durante la década de 1980, las bandas japonesas de metal y rock dieron origen al movimiento conocido como visual kei , representado durante su historia por bandas como X Japan , Buck-Tick , Luna Sea , Malice Mizer y muchas otras, algunas de las cuales experimentaron experiencias nacionales e internacionales. Éxito internacional en los últimos años.
En la década de 1990, músicos de rock japoneses como B'z , Mr. Children , L'Arc-en-Ciel , Glay , Southern All Stars , Judy and Mary , Tube , Spitz , Wands , T-Bolan , Field of View , Deen , Lindberg , Sharam Q , el Mono Amarillo , el Verde Brillante y Dragon Ash lograron un gran éxito comercial. [ cita necesaria ] B'z es el acto número uno en ventas de música japonesa desde que Oricon comenzó a contar, [ cita necesaria ] seguido por Mr. Children. [ cita necesaria ] En la década de 1990, las canciones pop se usaban a menudo en películas , anime , publicidad televisiva y programación dramática , convirtiéndose en algunos de los más vendidos de Japón. [ cita necesaria ] El auge del pop desechable se ha relacionado con la popularidad del karaoke , lo que ha generado críticas de que es consumista : Kazufumi Miyazawa de Boom dijo: "Odio esa mentalidad de comprar, escuchar, tirar y cantar en un bar de karaoke ". De las bandas visual kei, Luna Sea , cuyos miembros atenuaron su vestimenta en el escenario con un éxito continuo, tuvo mucho éxito, mientras que Malice Mizer , La'cryma Christi , Shazna , Janne Da Arc y Fanatic Crisis también lograron éxito comercial. a finales de los años 1990. [ cita necesaria ]
La banda de rock Supercar , que se caracterizó por tener "una importancia casi fundamental para el rock independiente japonés del siglo XXI", [34] lanzó su influyente primer álbum en 1998. [35] Permanecieron activos hasta 2005, y sus álbumes posteriores contenían más rock electrónico. . [35]
El primer Fuji Rock Festival se inauguró en 1997. El Rising Sun Rock Festival se inauguró en 1999. Summer Sonic Festival y Rock in Japan Festival se inauguraron en 2000. Aunque la escena del rock en la década de 2000 no era tan fuerte, bandas como Bump of Chicken , Asian Kung –Fu Generation , One Ok Rock , Flow , Orange Range , Radwimps , Sambomaster , Remioromen , Uverworld y Aqua Timez lograron el éxito. Orange Range también incursionó en el hip hop . Bandas establecidas como B'z, Mr. Children, Glay y L'Arc-en-Ciel continuaron encabezando las listas, aunque B'z y Mr. Children son las únicas bandas que mantienen altas ventas a lo largo de los años.
El rock japonés tiene una vibrante escena de rock underground, [ cita requerida ] mejor conocida internacionalmente por bandas de noise rock como Boredoms y Melt Banana , así como bandas de fumetas como Boris , bandas de rock psicodélico como Acid Mothers Temple y bandas alternativas como como Shonen Knife (que fueron defendidos en Occidente por Kurt Cobain ), Pizzicato Five y los Pillows (que ganaron atención internacional en 1999 por la banda sonora de FLCL ). Artistas de indie rock más convencionales como Eastern Youth , Band Apart y Number Girl encontraron cierto éxito en Japón [ cita requerida ] , pero poco reconocimiento fuera de su país de origen. Otros actos notables de indie rock que realizan giras internacionales son Mono y Nisennenmondai .
Los primeros ejemplos de punk rock incluyen SS , Star Club , Stalin , INU , Gaseneta , Bomb Factory , Lizard (que fueron producidos por los Stranglers ) y Friction (cuyo guitarrista Reck tocó con Teenage Jesus and the Jerks). antes de regresar a Tokio) y los Corazones Azules . La escena punk temprana fue filmada por Sogo Ishii , quien dirigió la película Burst City de 1982 con un elenco de bandas y músicos de punk y también filmó videos para The Stalin. En la década de 1980, comenzaron a aparecer bandas de hardcore como GISM , Gauze , Confuse, Lip Cream y Systematic Death, algunas de las cuales incorporaron elementos cruzados . [ cita necesaria ] La escena independiente también incluyó un número diverso de artistas alternativos/post-punk/new wave como Aburadako , P-Model , Uchoten , Auto-Mod, Buck-Tick , Guernica y Yapoos (ambos contando con Jun Togawa ), G-Schmitt, Totsuzen Danball y Jagatara , junto con bandas de ruido/industrial como Hijokaidan y Hanatarashi .
Las bandas de ska-punk de finales de los noventa que se extendieron hasta los años 2000 incluyen a Shakalabbits y 175R (pronunciado "inago rider").
Japón es un mercado exitoso para las bandas de metal . Ejemplos notables son Unleashed in the East de Judas Priest , Made in Japan de Deep Purple , Maiden Japan de Iron Maiden , One Night at Budokan de Michael Schenker Group y Live at Budokan de Dream Theater .
El metal japonés surgió a finales de los años 1970, liderado por bandas como Bow Wow , formada en 1975 por el guitarrista Kyoji Yamamoto , y Loudness , formada en 1981 por el guitarrista Akira Takasaki . Bandas contemporáneas como Earthshaker , Anthem y 44 Magnum lanzaron sus álbumes debut sólo a mediados de los años ochenta. Las primeras presentaciones en vivo en el extranjero fueron las de Bow Wow en 1978 en Hong Kong , el Festival de Jazz de Montreux y el Festival de Reading en Inglaterra en 1982. [36] En 1983, Loudness realizó una gira por Estados Unidos y Europa. En 1985, el primer acto de metal japonés firmó con un importante sello estadounidense. Sus álbumes Thunder in the East y Lightning Strikes , lanzados en 1985 y 1986, alcanzaron el puesto 74 (mientras que el número 4 en la lista nacional de Oricon ) y el número 64 en las listas Billboard 200 , respectivamente. [37] [38] Hasta finales de los años ochenta, sólo otras dos bandas, Ezo y Dead End , lanzaron álbumes en los Estados Unidos. En los años ochenta, pocas bandas tenían una miembro femenina, como la banda exclusivamente femenina Show-Ya liderada por Keiko Terada y Terra Rosa con Kazue Akao en la voz. En septiembre de 1989, se lanzó el álbum Outerlimits de Show-Ya, alcanzando el puesto número 3 en la lista de álbumes de Oricon. [39] Las bandas de heavy metal alcanzaron su apogeo a finales de los años 1980 y luego muchas se disolvieron hasta mediados de los años 1990.
En 1982, se formaron algunas de las primeras bandas japonesas de glam metal , como Seikima-II con maquillaje inspirado en Kabuki , y X Japan , que fue pionera en el movimiento japonés conocido como visual kei y se convirtió en la banda de metal con más ventas. [40] En 1985, se lanzó el álbum de Seikima-II, Seikima-II - Akuma ga Kitarite Heavy Metal, y aunque alcanzó el puesto 48 en la lista de álbumes de Oricon, superó las 100.000 en ventas, la primera vez para cualquier banda de metal japonesa. Sus álbumes se ubicaron regularmente entre los diez primeros hasta mediados de la década de 1990. En abril de 1989, se lanzó el segundo álbum de X Japan, Blue Blood , que alcanzó el puesto número 6 y, después de 108 semanas en las listas, vendió 712.000 copias. [41] Su tercer y más vendido álbum Jealousy fue lanzado en julio de 1991; encabezó las listas y vendió 1,11 millones de copias. [41] Dos álbumes de estudio número uno, Art of Life y Dahlia , una compilación de sencillos X Singles , vendieron más de medio millón, [42] terminando con trece sencillos entre los cinco primeros antes de disolverse en 1997. [43]
El metal japonés llamó la atención mundial en 2014 con el éxito de la banda de " metal kawaii " Babymetal . Grabaron éxitos virales de YouTube como " Gimme Chocolate!! ", así como presentaciones internacionales, incluso en el Festival Sonisphere 2014 del Reino Unido y en el Heavy Montréal de Canadá junto a artistas como Metallica y Slayer . Babymetal fue el acto de apertura de cinco de los conciertos de Lady Gaga en su gira ArtRave: The Artpop Ball 2014. [44] [45] ¡ Babymetal ganó numerosos premios, incluido Kerrang! 's Premio Espíritu de Independencia y Premio Banda Revelación de Metal Hammer . [46]
Las bandas japonesas de metal extremo se formaron a raíz de la ola estadounidense y europea, pero no obtuvieron una mayor exposición hasta la década de 1990, y el género tomó forma underground en Japón. [ cita necesaria ] Las primeras bandas de thrash metal se formaron a principios de la década de 1980, como United , cuya música incorpora elementos de death metal , y Outrage . United actuó en Los Ángeles en el festival de metal "Foundations Forum" en septiembre de 1995 y lanzó algunos álbumes en Norteamérica. Formado a mediados de la década de 1980, Doom tocó en los Estados Unidos en octubre de 1988 en el CBGB y estuvo activo hasta el año 2000, cuando se disolvió.
Las primeras bandas en tocar música black metal fueron Sabbat , que todavía está en activo, y Bellzlleb , que estuvo en activo hasta principios de los años 1990. Otros actos notables son Sigh , Abigail y Gallhammer .
El doom metal también ganó audiencia en Japón. Los dos grupos de doom metal japoneses más conocidos son Church of Misery y Boris : ambos ganaron considerable popularidad fuera del país.
En la década de 2000, se formaron bandas japonesas de metalcore como Crystal Lake de Tokio, Coldrain y Deathgaze de Nagoya , Kobe's Fear y Loathing in Las Vegas y Crossfaith de Osaka .
El hip-hop llegó a finales de los años 1980 y continúa prosperando. Esto se debió principalmente a la creencia del mundo de la música de que "las oraciones japonesas no eran capaces de formar el efecto de rima contenido en las canciones de los raperos estadounidenses". [47]
Diferentes "familias" de raperos actúan en el escenario de un genba o discoteca. Una familia es esencialmente una colección de grupos de rap que generalmente están encabezados por uno de los artistas más famosos de Tokio, que también incluye a sus protegidos. [48] Son importantes porque son "la clave para comprender las diferencias estilísticas entre grupos". [48] Los fanáticos del hip-hop en la audiencia tienen el control del club. Juzgan quién es el ganador en los concursos de rap en el escenario. Un ejemplo de esto se puede ver en la batalla entre los artistas de rap Dabo (un artista de un sello importante) y Kan (un artista independiente). Kan desafió a Dabo mientras Dabo estaba en mitad de su actuación. El evento destacado mostró "la apertura del escenario y la fluidez de los límites en los clubes". [49]
Grime es un género electrónico británico [50] [51] que surgió a principios de la década de 2000 derivado del garage y la jungla del Reino Unido , [52] y tiene influencia del dancehall , ragga y hip hop . [53] El estilo se caracteriza por ritmos rápidos y sincopados , generalmente alrededor de 140 bpm , [52] [54] y, a menudo, presenta un sonido electrónico agresivo o irregular. [55] El rap es un elemento importante y las letras a menudo giran en torno a representaciones crudas de la vida urbana. [56]
En 2004, los DJ japoneses comenzaron a tocar grime. [57] En 2008, comenzaron a surgir MC, principalmente de Osaka . Los MC se inspiraron en el equipo británico de grime Roll Deep y su mixtape Rules And Regulaciones. Los MC de Osaka estaban formados por los pioneros MC Dekishi, MC Duff y MC Tacquilacci. [58] [59] MC Dekishi lanzó el primer mixtape japonés de grime en 2009, titulado "Grime City Volumen 1". [57] Los MC de Osaka son conocidos por rapear extremadamente rápido. [60] Otra escena surgió en la región de Shibuya en Tokio liderada por Carpainter, Double Clapperz, MC ONJUICY, PAKIN y Sakana Lavenda. [58]
El synth-pop en Japón estuvo influenciado por artistas alemanes de electrónica y techno como Kraftwerk . Bandas de new wave y synth-pop como Hikasyuu, P-Model y The Plastics eran populares. Muchos músicos de los años 70 y 80 conocidos por la música pop recurrieron a la producción techno, como CCB y Akiko Yano . En la década de 1990, Denki Groove se formó y se convirtió en un pilar de la escena electrónica japonesa . Artistas como Polysics rinden homenaje explícito a esta época. Yasutaka Nakata de Capsule ha estado involucrado detrás de escena de los populares actos electropop Perfume y Kyary Pamyu Pamyu , los cuales tuvieron éxito nacional e internacional; Kyary en particular fue apodado el "Embajador Kawaii Harajuku".
Kawaii Future Bass es un subgénero de Future Bass , con un sonido generalmente alegre y fuertemente inspirado en la cultura japonesa, y a menudo incluye letras japonesas o referencias al anime o manga. Comenzó a tener éxito alrededor de 2015, principalmente impulsado por Snail's House . Debido a la creciente influencia de Japón en países extranjeros, Kawaii Future Bass se hizo popular en todo el mundo.
A finales de la década de 1980, bandas de raíces como Shang Shang Typhoon y Boom se hicieron populares. Las bandas de raíces de Okinawa como Nenes y Kina también tuvieron éxito comercial y de crítica. Esto llevó a una segunda ola de música de Okinawa, liderada por el repentino éxito de Rinken Band . Siguieron bandas, incluidos los regresos de Champluse y Kina, liderados por Kawachiya Kikusuimaru; Muy similar al kawachi ondo es el goshu ondo de Tadamaru Sakuragawa .
El J-country es una forma de J-pop que se originó en la década de 1960, durante la popularidad internacional de los westerns . [61] Grandes empresas como Nintendo y Sony continúan produciendo música country y occidental en Japón. [62] [63]
Se asimiló música de Indonesia , Jamaica y otros lugares. El soukous africano y la música latina, como la Orquesta de la Luz (オルケスタ・デ・ラ・ルス) , eran populares, al igual que el reggae y el ska jamaicanos , ejemplificados por Mice Teeth, Mute Beat , La-ppisch, Home Grown y Ska Flames, Determinations, y la Orquesta Tokyo Ska Paradise .
Otra forma musical reconocida de Japón es la música noise , también conocida como Japanoise cuando se refiere a la música noise hecha por artistas japoneses. Algunos de los representantes más destacados de esta forma incluyen Merzbow , Masonna , Hanatarash y The Gerogerigegege . Como corresponde a la naturaleza desafiante de la música, algunos intérpretes de música noise se han hecho famosos por sus travesuras extremas en el escenario que incluyen (entre otras) lastimarse físicamente, destruir su equipo musical o dañar el lugar en el que tocan.
Los temas musicales para películas, anime , tokusatsu (tokuson (特ソン) ) y doramas se consideran un género musical independiente. Si bien músicos y bandas de todos los géneros han grabado para la televisión y el cine japoneses, varios artistas y grupos han pasado la mayor parte de sus carreras interpretando temas musicales y componiendo bandas sonoras para medios visuales. Dichos artistas incluyen a Masato Shimon (actual poseedor del récord mundial del sencillo más exitoso en Japón por " Oyoge! Taiyaki-kun "), [64] Ichirou Mizuki , todos los miembros de JAM Project (es decir, Hironobu Kageyama , quien cantó las aperturas de Dengeki Sentai Changeman y Dragon Ball Z ), Akira Kushida , miembros de Project.R , Isao Sasaki y Mitsuko Horie . Entre los compositores notables de temas musicales japoneses se incluyen Joe Hisaishi , Michiru Oshima , Yoko Kanno , Toshihiko Sahashi , Yuki Kajiura , Kōtarō Nakagawa , Shunsuke Kikuchi y Yuki Hayashi .
Cuando se vendieron los primeros juegos electrónicos , contaban con chips de sonido rudimentarios con los que producir música. A medida que avanzó la tecnología, la calidad aumentó drásticamente. El primer juego en atribuirse el mérito de su música fue Xevious , también destacable (en aquel momento) por sus historias profundamente construidas. Uno de los juegos más importantes en la historia de los videojuegos musicales es Dragon Quest . Koichi Sugiyama , que compuso para varios animes y programas de televisión, incluido Cyborg 009 y una película de Godzilla vs. Biollante , se involucró en el proyecto por curiosidad y demostró que los juegos pueden tener bandas sonoras serias. Hasta su participación, la música y los sonidos a menudo se descuidaban en el desarrollo de los videojuegos y los programadores con pocos conocimientos musicales se veían obligados a escribir también las bandas sonoras. Sin dejarse intimidar por los límites tecnológicos, Sugiyama trabajó solo con polifonía de 8 partes para crear una banda sonora que no cansara al jugador a pesar de las horas de juego.
Un conocido autor de música de juegos es Nobuo Uematsu . Las composiciones anteriores de Uematsu para la serie de juegos Final Fantasy , en Famicom (Nintendo Entertainment System en Estados Unidos), fueron arregladas para partitura orquestal completa. En 2003, tomó sus canciones de rock de su formato MIDI original y creó Black Mages . Yasunori Mitsuda es el compositor de música para juegos como Xenogears , Xenosaga Episodio I , Chrono Cross y Chrono Trigger . Koji Kondo , el director de sonido de Nintendo , escribió temas para Zelda y Mario . Jun Senoue compuso para Sonic the Hedgehog . También es el guitarrista principal de Crush 40 , conocido por crear los temas musicales de Sonic Adventure , Sonic Adventure 2 , Sonic Heroes , Shadow the Hedgehog y Sonic and the Black Knight , así como de otros juegos de Sonic . Motoi Sakuraba compuso los juegos Tales , Dark Souls , Eternal Sonata , Star Ocean , Valkyrie Profile , Golden Sun y Baten Kaitos , así como numerosos juegos deportivos de Mario . Yuzo Koshiro compuso bandas sonoras influenciadas por la música electrónica para juegos como Revenge of Shinobi y la serie Streets of Rage .
Cantantes pop como Hikaru Utada , Nana Mizuki y BoA a veces cantan para los juegos.
'Gagaku' se compone de tres cuerpos de piezas musicales: 'togaku', que se dice que es del estilo de la dinastía china Tang (618-907); 'komagaku', que se dice que fue transmitido desde la península de Corea; y música de composición nativa asociada con rituales de la religión sintoísta.
[...] era común que los samuráis disfrutaran de la caligrafía, la ceremonia del té, la poesía y la música, y estudiaran.
Casi al mismo tiempo que las transmisiones de FEN, el jazz experimentó un resurgimiento de popularidad en Japón. Se hizo popular aquí por primera vez a finales de los años 1920 y 1930, pero fue prohibida durante la Segunda Guerra Mundial, junto con otra música occidental no alemana.
El jazz estadounidense fue prohibido durante la guerra, pero después, Japón saltó al jazz con entusiasmo.