El arte africano describe las pinturas, esculturas, instalaciones y otras culturas visuales modernas e históricas de los africanos nativos o indígenas y del continente africano . La definición también puede incluir el arte de las diásporas africanas , tales como: afroamericano , caribeño o el arte de las sociedades sudamericanas inspiradas en las tradiciones africanas. A pesar de esta diversidad, existen temas artísticos unificadores presentes al considerar la totalidad de la cultura visual del continente africano. [2]
La cerámica , la orfebrería , la escultura , la arquitectura , el arte textil y el arte con fibras son formas de arte visual importantes en toda África y pueden incluirse en el estudio del arte africano. El término "arte africano" no suele incluir el arte de las zonas del norte de África a lo largo de la costa mediterránea , ya que dichas zonas habían formado parte durante mucho tiempo de tradiciones diferentes. Durante más de un milenio, el arte de estas zonas había formado parte del arte bereber o islámico , aunque con muchas características locales particulares.
El Arte de Etiopía , de larga tradición cristiana , [3] también es diferente del de la mayor parte de África, donde la religión tradicional africana (con el Islam en el norte) fue dominante hasta el siglo XX. [4] El arte africano incluye el arte prehistórico y antiguo , el arte islámico de África occidental , el arte cristiano de África oriental y los artefactos tradicionales de estas y otras regiones. Históricamente, muchas esculturas africanas estaban hechas de madera y otros materiales naturales que no han sobrevivido desde hace unos pocos siglos, aunque en algunas áreas se pueden encontrar raras figuras antiguas de cerámica y metal. [5] Algunos de los primeros objetos decorativos, como cuentas de conchas y evidencia de pintura, se han descubierto en África y datan de la Edad de Piedra Media . [6] [7] [8] Las máscaras son elementos importantes en el arte de muchos pueblos, junto con las figuras humanas, y a menudo están muy estilizadas. Existe una gran variedad de estilos, que a menudo varían dentro del mismo contexto de origen y dependiendo del uso del objeto, pero son evidentes amplias tendencias regionales; La escultura es más común entre "grupos de agricultores asentados en las áreas drenadas por los ríos Níger y Congo " en África occidental. [9] Las imágenes directas de deidades son relativamente poco frecuentes, pero las máscaras en particular se hacían o se hacían a menudo para ceremonias rituales. Desde finales del siglo XIX ha habido una cantidad cada vez mayor de arte africano en las colecciones occidentales , cuyas mejores piezas se exhiben como parte de la historia de la colonización.
El arte africano ha tenido una importante influencia en el arte modernista europeo , [10] que se inspiró en su interés por la representación abstracta. Fue esta apreciación de la escultura africana la que se ha atribuido al concepto mismo de "arte africano", tal como lo ven los artistas e historiadores del arte europeos y estadounidenses. [11]
Las culturas de África occidental desarrollaron la fundición de bronce para relieves, como los famosos Bronces de Benin , para decorar palacios y para cabezas reales altamente naturalistas de los alrededores de la ciudad de Bini en la ciudad de Benin, estado de Edo , así como en terracota o metal, de los siglos XII al XIV. . Las pesas de oro akan son una forma de pequeñas esculturas de metal producidas durante el período 1400-1900; algunos representan proverbios , aportando un elemento narrativo poco común en la escultura africana; y las insignias reales incluían impresionantes elementos esculpidos en oro. [12] Muchas figuras de África occidental se utilizan en rituales religiosos y, a menudo, están recubiertas con materiales que se les colocan para ofrendas ceremoniales. Los pueblos de habla mandé de la misma región fabrican piezas de madera con superficies anchas y planas y brazos y piernas con forma de cilindro. En África Central , sin embargo, las principales características distintivas incluyen caras en forma de corazón que están curvadas hacia adentro y muestran patrones de círculos y puntos.
Hasta hace poco, el estudio del arte africano se centraba en el arte tradicional de ciertos grupos bien conocidos del continente, con especial énfasis en la escultura tradicional, las máscaras y otras culturas visuales del África occidental no islámica, África central [15] y el sur de África. África con especial énfasis en los siglos XIX y XX. Sin embargo, recientemente ha habido un movimiento entre los historiadores del arte africanos y otros académicos para incluir la cultura visual de otras regiones y períodos de tiempo. La idea es que al incluir todas las culturas africanas y su cultura visual a lo largo del tiempo en el arte africano , habrá una mayor comprensión de la estética visual del continente a lo largo del tiempo. Finalmente, las artes de los pueblos de la diáspora africana, en Brasil , el Caribe y el sureste de Estados Unidos , también han comenzado a ser incluidas en el estudio del arte africano.
El arte africano se produce utilizando una amplia gama de materiales y adopta muchas formas distintas. Debido a que la madera es un material muy común, las esculturas de madera constituyen la mayor parte del arte africano. La joyería es una forma de arte popular y se utiliza para indicar rango, afiliación a un grupo o puramente estética. [16] Las joyas africanas se fabrican con materiales tan diversos como piedra de ojo de tigre , hematita , sisal , cáscara de coco, cuentas y madera de ébano . Las esculturas pueden ser de madera, cerámica o talladas en piedra como las famosas esculturas Shona, [17] y la cerámica decorada o esculpida proviene de muchas regiones. Se fabrican diversas formas de textiles, incluidos chitenge , telas de barro y telas kente . Los mosaicos hechos con alas de mariposa o arena de colores son populares en África occidental. Las primeras esculturas africanas pueden identificarse como hechas de terracota y bronce. [18]
Las religiones tradicionales africanas han tenido una gran influencia en las formas de arte africanas en todo el continente. El arte africano a menudo surge de temas de simbolismo religioso, funcionalismo y utilitarismo, y muchas obras de arte se crean con fines espirituales más que puramente creativos. Muchas culturas africanas enfatizan la importancia de los antepasados como intermediarios entre los vivos, los dioses y el creador supremo, y el arte se ve como una forma de contactar con estos espíritus de los antepasados. El arte también puede usarse para representar dioses y se valora por sus propósitos funcionales. [19] Sin embargo, es importante señalar que la llegada tanto del cristianismo como del Islam también ha influido mucho en el arte del continente africano, y las tradiciones de ambos se han integrado en las creencias y el arte de la religión tradicional africana. [20]
Los orígenes del arte africano se remontan mucho antes de la historia registrada. Las cuentas más antiguas conocidas en la región se hicieron con conchas de Nassarius y se usaron como adornos personales hace 72.000 años. [6] En África, existen pruebas de la fabricación de pinturas mediante un proceso complejo desde hace unos 100.000 años [7] y del uso de pigmentos desde hace unos 320.000 años. [8] [21] El arte rupestre africano en el Sahara en Níger conserva tallas de 6000 años de antigüedad. [22] Junto con el África subsahariana, las artes culturales occidentales, las pinturas y artefactos del antiguo Egipto y la artesanía indígena del sur también contribuyeron en gran medida al arte africano. El arte, que a menudo representaba la abundancia de la naturaleza circundante, consistía a menudo en interpretaciones abstractas de animales, plantas o diseños y formas naturales. El reino nubio de Kush, en el actual Sudán , estaba en contacto estrecho y a menudo hostil con Egipto, y produjo esculturas monumentales, en su mayoría derivadas de estilos que no conducían al norte. En África occidental, las esculturas más antiguas conocidas pertenecen a la cultura Nok , que prosperó entre el 1500 a. C. y el 500 d. C. en la Nigeria moderna , con figuras de arcilla típicamente con cuerpos alargados y formas angulares.
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Alrededor del siglo X se desarrollaron métodos más complejos de producción de arte en el África subsahariana; algunos de los avances más notables incluyen el trabajo en bronce de Igbo Ukwu y la terracota y orfebrería de Ile Ife. Bronce y piezas fundidas de latón , a menudo adornadas con marfil y piedras preciosas. piedras , adquirieron gran prestigio en gran parte de África occidental , limitándose en ocasiones al trabajo de los artesanos de la corte y identificándose con la realeza , como ocurre con los bronces de Benin .
Durante y después del período colonial de los siglos XIX y XX, los occidentales caracterizaron durante mucho tiempo el arte africano como "primitivo". El término conlleva connotaciones negativas de subdesarrollo y pobreza. La colonización durante el siglo XIX estableció una comprensión occidental basada en la creencia de que el arte africano carecía de capacidad técnica debido a su bajo estatus socioeconómico.
A principios del siglo XX, historiadores del arte como Carl Einstein , Michał Sobeski y Leo Frobenius publicaron importantes obras sobre la temática, dando al arte africano el estatus de objeto estético , no sólo de objeto etnográfico . [24] Al mismo tiempo, artistas como Paul Gauguin , Pablo Picasso , Georges Braque , André Derain , Henri Matisse , Joseph Csaky y Amedeo Modigliani tomaron conciencia del arte africano y se inspiraron en él, entre otras formas de arte. [10] En una situación en la que la vanguardia establecida luchaba contra las limitaciones impuestas por servir al mundo de las apariencias, el arte africano demostró el poder de las formas supremamente bien organizadas; producido no sólo respondiendo a la facultad de la vista sino también, y a menudo principalmente, a la facultad de la imaginación, la emoción y la experiencia mística y religiosa. Estos artistas vieron en el arte africano una perfección y sofisticación formal unidas con un poder expresivo fenomenal. El estudio y la respuesta al arte africano por parte de los artistas de principios del siglo XX facilitó una explosión de interés en la abstracción, organización y reorganización de las formas, y la exploración de áreas emocionales y psicológicas hasta entonces invisibles en el arte occidental. De esta manera se cambió el estatus de las artes visuales. El arte dejó de ser meramente y principalmente estético , para convertirse también en un verdadero medio para el discurso filosófico e intelectual y, por tanto, más verdadera y profundamente estético que nunca. [25]
El arte tradicional describe las formas más populares y estudiadas del arte africano que normalmente se encuentran en las colecciones de los museos.
Las máscaras de madera , que pueden ser de criaturas humanas , animales o legendarias , son una de las formas de arte más comunes en África occidental. En sus contextos originales, las máscaras ceremoniales se usaban para celebraciones, iniciaciones, cosechas y preparación para la guerra. Las máscaras las porta un bailarín elegido o iniciado. Durante la ceremonia de la máscara el bailarín entra en un trance profundo, y durante este estado mental se "comunica" con sus antepasados. Las máscaras se pueden usar de tres maneras diferentes: cubriendo verticalmente la cara: como cascos, que cubren toda la cabeza, y como cresta, apoyada sobre la cabeza, que comúnmente estaba cubierta por un material como parte del disfraz. Las máscaras africanas a menudo representan un espíritu y se cree firmemente que el espíritu de los antepasados posee al portador. La mayoría de las máscaras africanas están hechas de madera y pueden decorarse con: marfil, pelo de animales, fibras vegetales (como la rafia), pigmentos (como el caolín ), piedras y gemas semipreciosas .
Las estatuas, generalmente de madera o marfil, suelen tener incrustaciones de conchas de cauri , tachuelas de metal y clavos. La ropa decorativa también es común y constituye otra gran parte del arte africano. Entre los textiles africanos más complejos se encuentra la colorida tela Kente tejida en tiras de Ghana . La tela de barro con estampados atrevidos es otra técnica muy conocida.
África es el hogar de una próspera cultura del arte contemporáneo y las bellas artes. Esto ha sido poco estudiado hasta hace poco, debido al énfasis de los académicos y coleccionistas de arte en el arte tradicional. Entre los artistas modernos notables se incluyen El Anatsui , Marlene Dumas , William Kentridge , Karel Nel, Kendell Geers , Yinka Shonibare , Zerihun Yetmgeta , Odhiambo Siangla, Elias Jengo, Olu Oguibe , Lubaina Himid , Bili Bidjocka y Henry Tayali . Se celebran bienales de arte en Dakar , Senegal y Johannesburgo , Sudáfrica . Muchos artistas africanos contemporáneos están representados en colecciones de museos y su arte puede venderse a precios elevados en subastas de arte . A pesar de ello, muchos artistas africanos contemporáneos suelen tener dificultades para encontrar un mercado para su trabajo. Muchas artes africanas contemporáneas toman prestado en gran medida de sus predecesoras tradicionales. Irónicamente, los occidentales ven este énfasis en la abstracción como una imitación de los artistas cubistas y totémicos europeos y estadounidenses, como Pablo Picasso , Amedeo Modigliani y Henri Matisse , quienes, a principios del siglo XX, estaban fuertemente influenciados por el arte tradicional africano. Este período fue fundamental para la evolución del modernismo occidental en las artes visuales, simbolizado por el revolucionario cuadro de Picasso, Les Demoiselles d'Avignon . [26]
Hoy en día, Fathi Hassan es considerado uno de los principales representantes del arte africano negro contemporáneo. El arte africano contemporáneo fue iniciado en las décadas de 1950 y 1960 en Sudáfrica por artistas como Irma Stern , Cyril Fradan y Walter Battiss y a través de galerías como la Goodman Gallery de Johannesburgo. Más recientemente, galerías europeas como la October Gallery de Londres y coleccionistas como Jean Pigozzi , [27] Artur Walther [28] y Gianni Baiocchi en Roma han ayudado a ampliar el interés por el tema. Numerosas exposiciones en el Museo de Arte Africano de Nueva York y en el Pabellón Africano de la Bienal de Venecia de 2007 , que mostró el Sindika Dokolo africano
Colección de Arte Contemporáneo, ha recorrido un largo camino para contrarrestar muchos de los mitos y prejuicios que acechan al arte africano contemporáneo . El nombramiento del nigeriano Okwui Enwezor como director artístico de Documenta 11 y su visión del arte centrada en África impulsó las carreras de innumerables artistas africanos al escenario internacional.
Se vende a turistas y otras personas una amplia gama de formas de arte más o menos tradicionales o adaptaciones de estilos tradicionales al gusto contemporáneo, incluido el llamado "arte de aeropuerto". Varias tradiciones populares vigorosas asimilan influencias occidentales en estilos africanos, como los elaborados ataúdes de fantasía del sur de Ghana, fabricados en una variedad de formas diferentes que representan las ocupaciones o intereses del difunto o elevan su estatus. Los Ga creen que un funeral elaborado beneficiará el estatus de sus seres queridos en el más allá, por lo que las familias a menudo no escatiman en gastos a la hora de decidir qué ataúd quieren para sus familiares. [29] Estos ataúdes pueden tomar la forma de automóviles, mazorcas de cacao, pollos o cualquier otra forma que una familia decida que representa mejor a su ser querido fallecido. [30]
El arte utilizado para anunciar empresas locales, incluidas barberías, cines y tiendas de electrodomésticos, se ha vuelto famoso internacionalmente en galerías y ha lanzado las carreras de muchos artistas africanos contemporáneos, desde Joseph Bertiers de Kenia hasta varios pintores de carteles de películas en Ghana. [31] Carteles de películas ghaneses pintados a mano sobre lienzos y sacos de harina de las décadas de 1980 y 1990 se han exhibido en museos de todo el mundo y despertaron la atención viral en las redes sociales debido a sus representaciones altamente imaginativas y estilizadas de películas occidentales. [32] [33] Esta interpretación creativa de la cultura occidental a través de estilos artísticos africanos también se muestra con la tradición de retratos de elogios que representan celebridades internacionales, que a menudo servían como arte publicitario en las tiendas y que desde entonces se han vuelto ampliamente valorados y coleccionados en el arte global. mercado.
Otro artista africano contemporáneo notable es Amir Nour, un artista sudanés que actualmente reside en Chicago. En la década de 1960 creó una escultura en metal llamada Grazing at Shendi (1969) que consta de formas geométricas que conectan con la memoria de su tierra natal. [34] La escultura se asemeja a una oveja pastando en la distancia. Valoraba descubrir el arte dentro de la sociedad del artista, incluida la cultura, la tradición y los antecedentes. [35]
Ghana es famosa por crear las expresiones y marcas africanas auténticas más famosas, que van desde tallas de madera, trabajos en latón, figuras, gemas y diferentes tipos de materiales. Ghana todavía tiene fama como nación con infinitas reservas de minerales, como oro, diamantes, plata, bronce, etc. Ghana brinda mucha ayuda a los artesanos para crear y diseñar joyas, ya sean contemporáneas o tradicionales.
Un Kente es una tela tradicional, multicolor, tejida a mano y acolchada. También es una especie de textura de seda y algodón hecha de tiras de tela entrelazadas. La tela es fundamental para la cultura ghanesa y también se usa tradicionalmente como envoltura tanto para hombres como para mujeres con variaciones ligeramente diferentes para ambos. Casi todos los miembros de la tribu ghanesa usan esta tela.
Existen diferentes variaciones de color para el kente, cada color tiene diferentes significados. Aquí hay unos ejemplos:
Negro: maduración
Blanco: purificación
Amarillo: preciosidad
Azul: tranquilidad
Rojo: derramamiento de sangre
El arte Akan se originó entre el pueblo Akan . El arte Akan es conocido por sus vibrantes tradiciones artísticas, que incluyen textiles, esculturas, pesas de oro Akan, así como joyas de oro y plata . El pueblo Akan es conocido por su fuerte conexión entre las expresiones visuales y verbales y una combinación distintiva de arte y filosofía. La cultura Akan valora el oro por encima de todos los demás metales y cree que puede representar los elementos sobrenaturales detrás de muchas cosas, incluida la autoridad real y los valores culturales. Los Asante, que son una cultura de habla Akan dominante en Ghana, tienen sus orígenes en la llegada de un taburete dorado, que ahora se dice que contiene el alma de la nación Asante en su interior. El oro se consideraba una contraparte terrenal del sol y, a menudo, se utilizaba en el arte para mostrar la importancia del rey, convirtiéndolo en una representación esencial de sus valores culturales y sociales. [36] La tela Kente es otra tradición artística extremadamente importante de la cultura Akan. La tradición afirma que la tela Kente se originó cuando los tejedores intentaron copiar las habilidades de tejido de las arañas con sus telas. La tela Kente es mundialmente conocida por sus colores y patrones. Su propósito original era representar el poder y la autoridad real, pero ahora se ha convertido en un símbolo de tradición y ha sido adoptado por varias otras culturas. [37]
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La cultura nigeriana se ilustra a través del arte y el folclore. Nigeria se inspira para su arte en el patrimonio popular tradicional de la región. Hay diferentes tipos de obras de arte de la cultura nigeriana. Algunas de estas obras de arte pueden ser tallas en piedra, alfarería, trabajos en vidrio, tallas en madera y trabajos en bronce. Benin y Awka se consideran los lugares centrales para el tallado en madera. Los talladores de madera han prosperado en todo el sur de Nigeria desde tiempos inmemoriales.
Ejemplos de arte tradicional nigeriano
Máscaras
Las máscaras son parte de la confianza animista del pueblo yoruba. Los velos están pintados y los fanáticos los usan en servicios conmemorativos y diferentes funciones para apaciguar los espíritus.
cerámica
La alfarería tiene una larga tradición en Nigeria. La alfarería era muy conocida desde el año 100 a.C. Hoy en día, Suleja, Abuja e Ilorin se consideran figuras importantes de la cerámica tradicional. Las alfareras en Nigeria suelen ser mujeres y, por lo general, practican para que los métodos se transmitan de familia.
Textiles
Los yorubas utilizan un arbusto para hacer telas de color batik con tonos índigo. Las mujeres generalmente hacen el marchitamiento, mientras que en el norte, la especialidad la practican sólo los hombres. Los tejedores de todo el país crean una textura espléndida con estructuras de cintas. El estado de Oyo es conocido por sus finos materiales en telar, mientras que las telas del estado de Abia utilizan una estrategia de telar en rollo.
La cultura Nok es una población temprana de la Edad del Hierro cuyos restos materiales llevan el nombre de la aldea Ham de Nok en el estado de Kaduna en Nigeria , donde se descubrieron por primera vez sus famosas esculturas de terracota en 1928. La cultura Nok apareció en el norte de Nigeria alrededor del año 1500 a.C. [23] y desapareció en circunstancias desconocidas alrededor del año 500 d.C., habiendo durado aproximadamente 2.000 años. [38]
Se desconoce la función de las esculturas de terracota de Nok. La mayor parte de la terracota se conserva en forma de fragmentos dispersos. Es por eso que el arte Nok es más conocido hoy en día sólo por las cabezas, tanto masculinas como femeninas, cuyos peinados son particularmente detallados y refinados. Las estatuas están fragmentadas porque los descubrimientos suelen estar hechos de lodo aluvial , [39] [40] [41] en terreno formado por la erosión del agua. Las estatuas de terracota encontradas allí están escondidas, enrolladas, pulidas y rotas. Rara vez se conservan intactas obras de gran tamaño, lo que las hace muy valoradas en el mercado internacional del arte. Las figuras de terracota son cabezas y cuerpos humanos huecos, construidos en forma de espiral, casi de tamaño natural, que se representan con rasgos muy estilizados, abundantes joyas y posturas variadas.
Poco se sabe sobre la función original de las piezas, pero las teorías incluyen representaciones de antepasados, lápidas y amuletos para prevenir las malas cosechas, la infertilidad y las enfermedades. Además, basándose en las bases en forma de cúpula encontradas en varias figuras, podrían haber sido utilizadas como remates para los techos de estructuras antiguas. Margaret Young-Sanchez, curadora asociada de arte de América, África y Oceanía en el Museo de Arte de Cleveland , explica que la mayoría de las cerámicas Nok fueron moldeadas a mano con arcilla de grano grueso y esculpidas sustractivamente de una manera que sugiere una influencia de la madera. tallado. Después de un poco de secado, las esculturas se cubrieron con barbotina y se pulieron para producir una superficie lisa y brillante. Las figuras son huecas, con varias aberturas para facilitar un minucioso secado y cocción. El proceso de cocción probablemente se parecía al que se utiliza hoy en día en Nigeria, en el que las piezas se cubren con hierba, ramitas y hojas y se queman durante varias horas.
Como resultado de la erosión y la deposición naturales, las terracotas Nok se esparcieron a diversas profundidades en las praderas del Sahel, lo que provocó dificultades en la datación y clasificación de los misteriosos artefactos. Se encontraron dos sitios arqueológicos, Samun Dukiya y Taruga , que contenían arte nok que había permanecido intacto. Las pruebas de radiocarbono y termoluminiscencia redujeron la edad de las esculturas a hace entre 2.000 y 2.500 años, lo que las convierte en algunas de las más antiguas de África occidental. En el transcurso de nuevas excavaciones arqueológicas se recuperaron muchas más fechas, lo que hizo retroceder aún más en el tiempo los inicios de la tradición Nok. [42]
Debido a las similitudes entre los dos sitios, el arqueólogo Graham Connah cree que "las obras de arte nok representan un estilo que fue adoptado por una variedad de sociedades agrícolas de diferentes culturas que utilizan el hierro, en lugar de ser la característica diagnóstica de un grupo humano particular como suele suceder". sido reclamado."
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El arte de Benin es el arte del Reino de Benin o Imperio Edo (1440-1897), un estado africano precolonial ubicado en lo que ahora se conoce como la región Sur-Sur de Nigeria. Los Bronces de Benin son un grupo de más de mil placas y esculturas de metal que decoraron el palacio real del Reino de Benin en lo que hoy es Nigeria. [a] En conjunto, los objetos forman los ejemplos más conocidos del arte de Benín , creado a partir del siglo XIII en adelante, por el pueblo Edo , que también incluía otras esculturas en latón o bronce, incluidos algunos famosos retratos de cabezas y piezas más pequeñas.
En 1897 la mayoría de las placas y otros objetos de la colección fueron tomados por una fuerza británica durante la Expedición a Benin de 1897 , que tuvo lugar mientras se consolidaba el control británico en el sur de Nigeria . [45] Doscientas de las piezas fueron llevadas al Museo Británico , mientras que el resto fueron compradas por otros museos de Europa. [46] Hoy en día, un gran número de ellas se encuentran en el Museo Británico, [45] así como en otras colecciones notables de museos alemanes y estadounidenses. [47]
Los igbo producen una amplia variedad de arte que incluye figuras, máscaras, artefactos y textiles tradicionales, además de trabajos en metales como el bronce. Se han encontrado obras de arte de los igbo desde el siglo IX con los artefactos de bronce encontrados en Igbo Ukwu . Sus máscaras son similares a las de Fang , ya que comparten una combinación de colores blanco y negro en aproximadamente las mismas áreas.
El arte yoruba es mejor conocido por las cabezas de Ife , hechas de cerámica, latón y otros materiales. Gran parte de su arte está asociado con las cortes reales. También produjeron elaboradas máscaras y puertas, llenas de detalles y pintadas en colores brillantes, como azul, amarillo, rojo y blanco.
Los principales grupos étnicos de Malí son los bambara (también conocidos como bamana) y los dogon. Los grupos étnicos más pequeños están formados por los Marka y los pescadores Bozo del río Níger. Civilizaciones antiguas florecieron en zonas como Djene y Tombuctú, donde se ha desenterrado una gran variedad de figuras antiguas de bronce y terracota.
Djenné-Djenno es famoso por sus figuras que representan humanos y animales, incluidas serpientes y caballos. Están hechos de terracota, un material que se utiliza en África occidental desde hace unos diez mil años.
El pueblo Bambara ( Bambara : Bamanankaw ) adaptó muchas tradiciones artísticas y comenzó a crear piezas de exhibición. Antes de que el dinero fuera el principal impulso para la creación de sus obras de arte, usaban sus habilidades únicamente como un oficio sagrado para mostrar orgullo espiritual, creencias religiosas y costumbres. Las obras de arte de ejemplo incluyen la máscara Bamana n'tomo . Se crearon otras estatuas para personas como cazadores y agricultores para que otros pudieran dejar ofrendas después de largas temporadas agrícolas o cacerías en grupo. Las variaciones estilísticas en el arte bambara son esculturas extremas, máscaras y tocados que muestran rasgos estilizados o realistas, y pátinas desgastadas o incrustadas. Hasta hace muy poco, la función de las piezas bambara era un misterio, pero en los últimos veinte años, los estudios de campo han revelado que ciertos tipos de figuras y tocados estaban asociados con varias de las sociedades que estructuran la vida bambara. Durante la década de 1970 se identificó un grupo de aproximadamente veinte figuras, máscaras y tocados TjiWara pertenecientes al llamado 'estilo Segou'. El estilo es distinto y reconocible por sus típicos rostros planos, narices en forma de flecha, escarificaciones triangulares en todo el cuerpo y, en las figuras, manos extendidas.
Hay tres tipos principales y uno menor de máscara Bambara. El primer tipo, utilizado por la sociedad N'tomo, tiene una estructura típica en forma de peine sobre la cara, se usa durante los bailes y puede estar cubierto con conchas de cauri. El segundo tipo de máscara, asociado con la sociedad Komo, tiene una cabeza esférica con dos cuernos de antílope en la parte superior y una boca agrandada y aplanada. Se utilizan durante los bailes, pero algunos tienen una pátina densamente incrustada adquirida durante otras ceremonias en las que se vierten libaciones sobre ellos.
El tercer tipo tiene conexiones con la sociedad Nama y está tallado en forma de cabeza de pájaro articulada, mientras que el cuarto, tipo menor, representa una cabeza de animal estilizada y es utilizado por la sociedad Kore. Se sabe que existen otras máscaras Bambara, pero a diferencia de las descritas anteriormente, no pueden vincularse a sociedades o ceremonias específicas. Los talladores bambara se han ganado una reputación por los tocados zoomórficos que usan los miembros de la sociedad Tji-Wara. Aunque todos son diferentes, todos muestran un cuerpo muy abstracto, que a menudo incorpora un motivo en zig-zag, que representa el curso del sol de este a oeste, y una cabeza con dos grandes cuernos. Los miembros bambara de la sociedad Tji-Wara usan el tocado mientras bailan en sus campos en el momento de la siembra, con la esperanza de aumentar el rendimiento de las cosechas.
Las estatuillas Bambara se utilizan principalmente durante las ceremonias anuales de la sociedad Guan. Durante estas ceremonias, los miembros mayores de la sociedad retiran de sus santuarios un grupo de hasta siete figuras, que miden entre 80 y 130 cm de altura. Las esculturas se lavan, se vuelven a aceitar y se les ofrecen sacrificios en sus santuarios. Estas figuras, algunas de las cuales datan de entre los siglos XIV y XVI, suelen lucir un típico peinado con cresta, a menudo adornado con un talismán.
A dos de estas figuras se les atribuyó gran importancia: una figura materna sentada o de pie llamada Guandousou -conocida en Occidente como 'Reina Bambara'- y una figura masculina llamada Guantigui, que suele aparecer sosteniendo un cuchillo. Las dos figuras estaban rodeadas por asistentes Guannyeni, de pie o sentados en diversas posiciones, sosteniendo una vasija, un instrumento musical o sus pechos. Durante la década de 1970, entraron en el mercado numerosas falsificaciones de Bamako basadas en estas esculturas. Fueron producidos en Bamako.
Se cree que otras figuras bambara, llamadas Dyonyeni, están asociadas con la sociedad Dyo del sur o con la sociedad Kwore. Estas figuras femeninas o hermafroditas suelen presentarse con rasgos geométricos como grandes pechos cónicos y miden entre 40 y 85 cm de altura. Los herreros miembros de la sociedad Dyo los utilizaban durante los bailes para celebrar el final de sus ceremonias de iniciación. Fueron manipulados, sostenidos por bailarines y colocados en medio del círculo ceremonial.
Entre el corpus de figuras bambara, las esculturas de Boh son quizás las más conocidas. Estas estatuas representan una figura animal o humana muy estilizada, y están hechas de madera que se cubre repetidamente con gruesas capas de tierra impregnadas con materiales de sacrificio como mijo, sangre de pollo o cabra, nueces de cola y bebidas alcohólicas. Fueron empleados por las sociedades Kono y Komo y servían como receptáculos de fuerzas espirituales y, a su vez, podían usarse con fines apotropaicos.
Cada rasgo creativo especial que obtenía una persona era visto como una forma diferente de complacer a los espíritus superiores.
El arte Dogon se compone principalmente de esculturas. Su arte gira en torno a los valores, ideales y libertades religiosas Dogon (Laude, 19). Las esculturas Dogon no están hechas para ser vistas en público y comúnmente se esconden del ojo público dentro de las casas de las familias, santuarios o se guardan con los Hogon (Laude, 20). La importancia del secreto se debe al significado simbólico detrás de las piezas y al proceso mediante el cual se elaboran.
Los temas que se encuentran en toda la escultura Dogon consisten en figuras con los brazos levantados, figuras barbudas superpuestas, jinetes, taburetes con cariátides, mujeres con niños, figuras que cubren sus rostros, mujeres moliendo mijo perla, mujeres con vasijas en la cabeza, burros con copas, músicos, perros. , comederos o bancos en forma de cuadrúpedo, figuras inclinadas desde la cintura, imágenes especulares, figuras con delantal y figuras de pie (Laude, 46-52). En el arte Dogon son evidentes signos de otros contactos y orígenes. Los Dogon no fueron los primeros habitantes de los acantilados de Bandiagara. La influencia del arte Tellem es evidente en el arte Dogon debido a sus diseños rectilíneos (Laude, 24).
El arte Dogon es extremadamente versátil, aunque en las estatuas son evidentes características estilísticas comunes, como una tendencia a la estilización. Su arte trata de los mitos cuyo complejo conjunto regula la vida del individuo. Las esculturas se conservan en innumerables lugares de culto, altares personales o familiares, altares para la lluvia, altares para proteger a los cazadores, en mercados. Como caracterización general de las estatuas Dogon, se podría decir que representan el cuerpo humano de forma simplificada, reduciéndolo a lo esencial. Algunas son extremadamente alargadas con énfasis en formas geométricas. La impresión subjetiva es de inmovilidad con una sensación misteriosa de gravedad solemne y majestad serena, aunque transmite al mismo tiempo un movimiento latente. La escultura Dogon recrea las siluetas hermafroditas de los Tellem, presentando brazos levantados y una espesa pátina hecha de sangre y cerveza de mijo. Las cuatro parejas Nommo, los ancestros míticos nacidos del dios Amma, adornan taburetes, pilares o casas de reunión de hombres, cerraduras y puertas de graneros. La pareja primordial está representada sentada en un taburete, cuya base representa la tierra mientras que la superficie superior representa el cielo; los dos están interconectados por el Nommo. Las figuras femeninas sentadas, con las manos sobre el abdomen, están vinculadas al culto a la fertilidad, encarnando al primer antepasado que murió al dar a luz, y son objeto de ofrendas de alimentos y sacrificios por parte de mujeres que esperan un hijo.
Se colocan estatuas arrodilladas de espíritus protectores a la cabeza de los muertos para absorber su fuerza espiritual y ser sus intermediarios con el mundo de los muertos, al que acompañan al difunto antes de ser colocados nuevamente en los santuarios de los antepasados. Los jinetes recuerdan que, según el mito, el caballo fue el primer animal presente en la tierra. El estilo Dogon ha evolucionado hasta convertirse en una especie de cubismo: cabeza ovoide, hombros cuadrados, extremidades ahusadas, pechos, antebrazos y muslos puntiagudos en un plano paralelo, peinados estilizados por tres o cuatro líneas incisas. Las esculturas Dogon sirven como medio físico en las iniciaciones y como explicación del mundo. Sirven para transmitir una comprensión a los iniciados, quienes descifrarán la estatua según el nivel de sus conocimientos. En los altares de los cimientos de las aldeas se colocan figuras talladas de animales, como perros y avestruces, para conmemorar a los animales sacrificados, mientras que las puertas de los graneros, los taburetes y los postes de las casas también se adornan con figuras y símbolos.
Hay casi ochenta estilos de máscaras, pero su característica básica es una gran audacia en el uso de formas geométricas, independientemente de los diversos animales que se supone que representan. La estructura de un gran número de máscaras se basa en la interacción de líneas y formas verticales y horizontales. Otro grupo grande tiene formas cónicas y triangulares. Todas las máscaras tienen grandes ojos geométricos y rasgos estilizados. Las máscaras suelen estar policromadas, pero en muchas se pierde el color; después de las ceremonias fueron dejados en el suelo y rápidamente se deterioraron debido a las termitas y otras condiciones. Los Dogon continúan una antigua tradición de disfraces que conmemora el origen de la muerte. Según sus mitos, la muerte vino al mundo como resultado de las transgresiones del hombre primitivo contra el orden divino. Se llevan a cabo ceremonias conmemorativas de Dama para acompañar a los muertos al reino ancestral y restaurar el orden en el universo. La participación de enmascarados (a veces hasta 400) en estas ceremonias se considera absolutamente necesaria. En el caso de la dama, el momento, los tipos de máscaras involucradas y otros elementos rituales son a menudo específicos de una o dos aldeas y pueden no parecerse a los que se ven en lugares que están a sólo varios kilómetros de distancia. Las máscaras también aparecen durante los ritos baga-bundo realizados por un pequeño número de enmascaradores antes del entierro de un Dogon macho. Las máscaras Dogon evocan la forma de animales asociados con su mitología, pero su significado sólo es comprendido por los miembros de más alto rango del culto, cuya función es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada.
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Burkina Faso es un país pequeño sin salida al mar al norte de Ghana y al sur de Malí y Níger. Económicamente, es uno de los cuatro o cinco países más pobres del mundo. Culturalmente es extremadamente rico. En parte, esto se debe a que muy pocos burkineses se han hecho musulmanes o cristianos. [49] Muchas de las antiguas tradiciones artísticas por las que África es tan conocida se han conservado en Burkina Faso porque muchas personas continúan honrando a los espíritus ancestrales y a los espíritus de la naturaleza. En gran parte, honran a los espíritus mediante el uso de máscaras y figuras talladas. Muchos de los países al norte de Burkina Faso se habían vuelto predominantemente musulmanes, mientras que muchos de los países al sur de Burkina Faso son predominantemente cristianos. Por el contrario, muchos habitantes de Burkina Faso siguen ofreciendo oraciones y sacrificios a los espíritus de la naturaleza y a los espíritus de sus antepasados. El resultado es que siguen utilizando el tipo de arte que vemos en los museos de Europa y América. [50]
Uno de los principales obstáculos para comprender el arte de Burkina Faso, incluido el de los Bwa, ha sido la confusión entre los estilos de los Bwa, "gurunsi" y Mossi, y la confusión del pueblo Bwa con sus vecinos del oeste. el pueblo Bobo. Esta confusión fue el resultado del uso de intérpretes de Jula por parte de los oficiales coloniales franceses a principios de siglo. estos intérpretes consideraban que los dos pueblos eran el mismo y por eso se referían a los bobo como "Bobo-Fing" y a los Bwa como "Bobo-Oule". De hecho estos dos pueblos no están relacionados en absoluto. Sus lenguajes son bastante diferentes, sus sistemas sociales son bastante diferentes y, ciertamente, su arte es bastante diferente. En términos de estilos artísticos, la confusión surge del hecho de que los Bwa, los "gurunsi'" y los Mossi hacen máscaras cubiertas con patrones gráficos geométricos rojos, blancos y negros. Este es simplemente el estilo de los pueblos voltaicos o gur, y también incluye a los dogon y otros pueblos que hablan lenguas voltaicas. [51]
Los pueblos Baoulé , Senoufo y Dan son expertos en tallar madera y cada cultura produce máscaras de madera en una amplia variedad. El pueblo de Costa de Marfil usa máscaras para representar animales en caricaturas para representar deidades o para representar las almas de los difuntos.
Como se considera que las máscaras tienen un gran poder espiritual, se considera tabú que cualquier persona que no sea personas especialmente entrenadas o elegidas use o posea ciertas máscaras. Se cree que cada una de estas máscaras ceremoniales tiene un alma o fuerza vital, y se cree que usarlas transforma al usuario en la entidad que representa la máscara.
Costa de Marfil(Côte d'Ivoire) también cuenta con pintores e ilustradores modernos. Gilbert G. Groud [52] critica las antiguas creencias en la magia negra , tal como se sostenía con las máscaras espirituales mencionadas anteriormente, en su libro ilustrado Magie Noire .
Alrededor del lago Turkana existen antiguos petroglifos que representan figuras humanas y animales. Las tribus bantúes construyen postes funerarios y todavía se crean tallas de cabezas humanas sobre diseños geométricos. Aunque las publicaciones originales ya no existen, se cree que estas creaciones más recientes son una continuación de la práctica. El pueblo Kikuyu también continúa los diseños de la antigua tradición en los diseños pintados en sus escudos. [53]
Entre los artistas kenianos contemporáneos bantúes se encuentra Elimo Njau, fundador del Centro de Arte Paa Ya Paa, un taller de artistas con sede en Nairobi. [54] De la Escuela de Bellas Artes y Diseño de la Universidad de Nairobi vinieron Bulinya Martins y Sarah Shiundu. Los dos, en virtud de haber aprendido muchas técnicas básicas de diseño, son muy innovadores tanto en estilo como en uso del color y ejecución. A diferencia de la mayoría de los artistas kenianos contemporáneos, pintan con óleos, acrílicos y acuarelas y/o una combinación de ellos. [55] [56]
El Museo de Arte Eskenazi de la Universidad de Indiana tiene una gran colección de objetos de arte tradicional de Kenia, que incluyen joyas, recipientes, armas, bastones, reposacabezas, taburetes, utensilios y otros objetos disponibles en línea. [57]
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El arte etíope desde el siglo IV hasta el XX se puede dividir en dos grandes grupos. Primero viene una tradición distintiva de arte cristiano, principalmente para iglesias, en formas que incluyen pinturas , cruces , íconos , manuscritos iluminados y otros trabajos en metal como coronas. En segundo lugar están las artes y artesanías populares como los textiles, la cestería y la joyería , en las que las tradiciones etíopes se acercan más a las de otros pueblos de la región. Su historia se remonta casi tres mil años al reino de D'mt . La Iglesia Ortodoxa Etíope Tewahedo ha sido la religión predominante en Etiopía durante más de 1500 años, durante la mayor parte de este período en una relación o unión muy estrecha con el cristianismo copto de Egipto , de modo que el arte copto ha sido la principal influencia formativa en Etiopía. arte de la iglesia.
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En varios lugares sobrevive arte rupestre prehistórico comparable al de otros sitios africanos y, hasta la llegada del cristianismo, en muchas regiones se erigían estelas de piedra , a menudo talladas con relieves simples, como lápidas y para otros fines; Tiya es un sitio importante. La cultura de la Edad del Hierro "pre-Axumita" de aproximadamente el siglo V a. C. al siglo I d. C. fue influenciada por el Reino de Kush al norte y por colonos de Arabia , y produjo ciudades con templos simples de piedra, como el en ruinas. en Yeha , que impresiona por su fecha en el siglo IV o V a. C.
El poderoso Reino de Aksum surgió en el siglo I a. C. y dominó Etiopía hasta el siglo X, habiéndose vuelto mayoritariamente cristiano a partir del siglo IV. [58] Aunque existen algunos edificios y grandes estelas precristianas , no parece haber sobrevivido ningún arte cristiano etíope del período axumita. Sin embargo, las primeras obras que quedan muestran una clara continuidad con el arte copto de períodos anteriores. Hubo una destrucción considerable de iglesias y su contenido en el siglo XVI cuando el país fue invadido por vecinos musulmanes. El resurgimiento del arte después de esto estuvo influenciado por el arte católico europeo tanto en la iconografía como en los elementos de estilo, pero conservó su carácter etíope. En el siglo XX, el gobierno comenzó a encargar artistas y arquitectos occidentales y a capacitar a estudiantes locales, y se produjo un arte más completamente occidentalizado junto con continuaciones del arte tradicional de la iglesia. [58]
Las pinturas de iglesias en Etiopía probablemente se produjeron ya en la introducción del cristianismo en el siglo IV d.C., [59] aunque los ejemplos más antiguos que se conservan provienen de la iglesia de Debre Selam Mikael en la región de Tigray , que data del siglo XI d.C. [60] Sin embargo, los seguidores del profeta islámico Mahoma en el siglo VII d. C. que huyeron a Axum en exilio temporal mencionaron que la Iglesia original de Nuestra Señora María de Sión estaba decorada con pinturas. [60] Otras pinturas tempranas incluyen las de las iglesias rupestres de Lalibela , que datan del siglo XII d.C., y las de la cercana Geneta Maryam, que datan del siglo XIII d.C. [60] Sin embargo, las pinturas en manuscritos iluminados son anteriores a las primeras pinturas de iglesias que se conservan; por ejemplo, los evangelios garima etíopes de los siglos IV-VI d. C. contienen escenas iluminadas que imitan el estilo bizantino contemporáneo . [61]
La pintura etíope, en las paredes, en los libros y en los iconos , [62] es muy distintiva, aunque el estilo y la iconografía están estrechamente relacionados con la versión copta simplificada del arte cristiano bizantino y de la Antigüedad tardía. A partir del siglo XVI, el arte de la iglesia católica romana y el arte europeo en general comenzaron a ejercer cierta influencia. Sin embargo, el arte etíope es muy conservador y conservó gran parte de su carácter distintivo hasta los tiempos modernos. La producción de manuscritos iluminados para su uso continuó hasta nuestros días. [63]
Otra forma importante de arte etíope, también relacionada con los estilos coptos, son las cruces hechas de madera y metal. [64] [65] Suelen ser aleaciones de cobre o latón , chapados (al menos originalmente) con oro o plata. Las cabezas suelen ser placas fundidas planas con una decoración calada elaborada y compleja . El motivo de la cruz emerge de la decoración, y todo el diseño a menudo forma un cuadrado o circular rotado, aunque los diseños son muy variados e inventivos. Muchos incorporan motivos curvos que se elevan desde la base, que se denominan "brazos de Adán ". Excepto en ejemplos recientes de influencia occidental, normalmente no tienen corpus o figura de Cristo, y el diseño suele incorporar numerosas cruces más pequeñas. En ocasiones se han añadido imágenes figurativas grabadas. Las cruces son en su mayoría cruces procesionales , con la cabeza de metal montada sobre un largo bastón de madera, llevadas en procesiones religiosas y durante la liturgia , o cruces de mano, con un mango de metal más corto del mismo molde que la cabeza. También son comunes las cruces más pequeñas que se usan como joyería.
Etiopía tiene una gran diversidad étnica y lingüística, y los estilos de la artesanía tradicional secular varían mucho en diferentes partes del país. Hay una variedad de tradiciones en textiles, muchas con decoración geométrica tejida, aunque muchos tipos también suelen ser lisos. Las prácticas eclesiásticas etíopes hacen un gran uso de textiles coloridos, y los tipos más elaborados se utilizan ampliamente como vestimentas de iglesia y como tapices, cortinas y envolturas en las iglesias, aunque ahora han sido suplantados en gran medida por telas occidentales. Se pueden ver ejemplos de ambos tipos en la imagen que encabeza el artículo. Normalmente, los iconos pueden estar velados con una tela semitransparente u opaca; La tela de algodón muy fina , tipo gasa, es una especialidad de Etiopía, aunque normalmente sin patrón.
La cestería colorida con una construcción en espiral es común en las zonas rurales de Etiopía. Los productos tienen muchos usos, como almacenar granos, semillas y alimentos y usarse como mesas y cuencos. La ciudad musulmana de Harar es bien conocida por su cestería de alta calidad, [66] y muchos productos artesanales de la minoría musulmana se relacionan con tradiciones decorativas islámicas más amplias.
El arte de Tanzania es conocido por las pinturas de artistas modernos como Tinga Tinga o George Lilanga , y por las esculturas makonde , tanto tradicionales como modernas . Como en otras regiones, también existe una tradición diversificada en la producción de arte textil . [9]
El arte Tinga Tinga tiene sus raíces en la decoración de las paredes de las cabañas en el centro y sur de Tanzania. Fue en 1968 cuando Edward Said Tingatinga comenzó a pintar sobre láminas de madera con colores esmaltados cuando se dio a conocer el arte Tinga Tinga. El arte del Makonde debe subdividirse en diferentes áreas. Los Makonde son conocidos como maestros talladores en todo el este de África, y sus estatuas se pueden encontrar a la venta tanto en mercados turísticos como en museos. Tradicionalmente tallan objetos domésticos, figuras y máscaras. Desde la década de 1950 se ha desarrollado el llamado Arte Makonde Moderno. Un paso esencial fue el giro hacia figuras abstractas, en su mayoría espíritus ( Shetani ) que desempeñan un papel especial. Los makonde también forman parte de los artistas contemporáneos más importantes de África en la actualidad. George Lilanga ocupa una posición destacada.
El Reino Kuba (también traducido como Reino de Bakuba, Songora o Bushongo) fue un reino precolonial en África Central . El Reino de Kuba floreció entre los siglos XVII y XIX en la región delimitada por los ríos Sankuru , Lulua y Kasai en el sureste de la actual República Democrática del Congo . Gran parte del arte se creó para las cortes de jefes y reyes y estaba profusamente decorado, incorporando conchas de cauri y pieles de animales (especialmente leopardo) como símbolos de riqueza, prestigio y poder. Las máscaras también son importantes para los Kuba. Se utilizan tanto en los rituales de la corte como en la iniciación de los niños a la edad adulta, así como en los funerales.
El Reino de Luba o Imperio Luba (1585-1889) fue un estado centroafricano precolonial que surgió en las praderas pantanosas de la depresión de Upemba en lo que hoy es el sur de la República Democrática del Congo . Hoy en día, el pueblo luba o baLuba es un grupo etnolingüístico indígena de la región centro-sur de la República Democrática del Congo . [68] La mayoría de ellos vive en este país, residiendo principalmente en sus provincias de Katanga , Kasai y Maniema .
Al igual que en el Reino de Kuba , el Reino de Luba tenía en alta estima las artes. Un tallador tenía un estatus relativamente alto, que se demostraba mediante una azuela (hacha) que llevaba al hombro. El arte luba no era muy uniforme debido al vasto territorio que controlaba el reino. Sin embargo, algunas características son comunes. El importante papel de la mujer en los mitos de la creación y la sociedad política dio lugar a que muchos objetos de prestigio estuvieran decorados con figuras femeninas.
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La civilización Sao en África Central desde aproximadamente el siglo VI a. C. hasta el siglo XVI d. C., vivió junto al río Chari alrededor del lago Chad en un territorio que luego pasó a formar parte de Camerún y Chad . Sus obras de arte más importantes son las figuras de terracota. Estas figuras representan humanos y animales. Otros tipos de artefactos muestran que los Saos eran trabajadores calificados en bronce , cobre y hierro . [69]
El pueblo Fang elabora máscaras, cestería, tallas y esculturas. El fang art se caracteriza por una claridad organizada y líneas y formas distintas. Los bieri, cajas para guardar los restos de los antepasados, están talladas con figuras protectoras. Las máscaras se usan en ceremonias y para la caza. Los rostros están pintados de blanco con rasgos negros. El arte de Myene se centra en los rituales de muerte de Myene. Los antepasados femeninos están representados por máscaras pintadas de blanco que usan los parientes masculinos. Los Bekota utilizan latón y cobre para cubrir sus tallas. Utilizan cestas para guardar restos ancestrales. El turismo es poco común en Gabón y, a diferencia de otros países africanos, el comercio no estimula el arte.
En la parte norte de Botswana, las mujeres de las aldeas de Etsha y Gumare [70] se destacan por su habilidad para elaborar cestas con palma Mokola y tintes locales . Las cestas generalmente se tejen en tres tipos: cestas grandes con tapa que se utilizan para almacenar cestas grandes y abiertas para llevar objetos en la cabeza o para aventar el grano trillado, y platos más pequeños para aventar el grano machacado. El arte de estas cestas se mejora constantemente mediante el uso de colores y diseños mejorados a medida que se producen cada vez más para uso comercial.
Las evidencias más antiguas son pinturas antiguas tanto de Botswana como de Sudáfrica . El pueblo San realizó representaciones de caza, tanto animales como figuras humanas, que datan de antes de la civilización, hace más de 20.000 años, en el desierto de Kalahari .
La cultura del Gran Zimbabwe dejó edificios más impresionantes que esculturas, pero los ocho pájaros de Zimbabwe de esteatita parecen haber tenido un significado especial y presumiblemente estaban montados sobre monolitos . Los escultores modernos de Zimbabwe en esteatita han logrado un éxito internacional considerable . Las figuras de arcilla más antiguas que se conocen en el sur de África datan del 400 al 600 d.C. y tienen cabezas cilíndricas con una mezcla de rasgos humanos y animales.
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El Reino de Mapungubwe (1075-1220) fue un estado precolonial del sur de África ubicado en la confluencia de los ríos Shashe y Limpopo , al sur del Gran Zimbabwe . La obra de arte más famosa de Mapungubwe es un pequeño rinoceronte dorado, conocido como el rinoceronte dorado de Mapungubwe . En otras tumbas de Mapengubwe se encontraron objetos hechos de hierro, oro, cobre, cerámica y cuentas de vidrio.
Los ndebele del sur son famosos por la forma en que pintan sus casas. Distintas formas geométricas contra colores vivos y contrastantes forman la base del estilo Ndebele, que abarcaba todo, desde la arquitectura, la vestimenta y las herramientas de la gente. Si bien el color casi siempre ha tenido un papel a la hora de generar emociones en el arte, los ndebele fueron una de las primeras tribus del sur de África en utilizar una amplia gama de colores para transmitir un significado específico como parte de sus vidas.
El arte "oficial" del Antiguo Egipto , que persistió durante 3.000 años y treinta dinastías, se centró en la religión estatal de la época. El arte abarcaba desde tallas en piedra de estatuas enormes y pequeñas estatuillas, hasta arte mural que representaba tanto la historia como la mitología. En 2600 a. C., la madurez de la talla egipcia alcanzó un punto máximo que no volvió a alcanzar hasta pasados 1.500 años durante el reinado de Ramsés II . [71]
Gran parte del arte posee cierta rigidez, con figuras erguidas y rígidas de una manera regia. Las proporciones corporales también parecen derivadas matemáticamente, lo que da lugar a una sensación de perfección fantástica en las figuras representadas. Lo más probable es que esto se utilizara para reforzar la piedad de la casta gobernante.
El pueblo de Nubia, que vivía en el sur de Egipto y la región norte de Sudán , desarrolló estilos artísticos históricos similares a los de sus vecinos egipcios del norte. Sin embargo, el arte nubio no fue simplemente producto de la colonización por parte del antiguo Egipto, sino más bien de un intercambio mutuo de ideas e ideologías a lo largo del valle del Nilo . El arte más antiguo de la región proviene de la cultura Kerma , que fue contemporánea del Egipto del Imperio Antiguo y Medio . El arte de este período exhibe loza egipcia junto con cerámica distintiva de origen nubio con tapa negra. En el último período Napatan del Reino de Kush , el arte mostró más influencia de Egipto ya que la gente de la región adoraba a dioses egipcios. [72] [73]
Después de estos períodos históricos, los habitantes de Sudán crearon obras de arte en diferentes estilos, tanto en formas indígenas africanas como influenciadas por las tradiciones artísticas bizantinas cristianas , islámicas y modernas . [74]
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Muchos museos de arte y etnográficos tienen una sección dedicada al arte del África subsahariana, por ejemplo el Museo Británico , el Museo del Quai Branly – Jacques Chirac en París, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y el Museo Etnológico de Berlín . No hay muchos museos occidentales dedicados únicamente al arte africano, como el Museo de África en Bruselas , el Museo Nacional de Arte Africano en Washington, DC y el Museo de Arte Africano de Maryland en Columbia, Maryland . [75] Algunos colegios y universidades tienen colecciones de arte africano, por ejemplo la Universidad Howard en Washington, DC y el Spelman College en Atlanta , Georgia.
Casi todos los países de África tienen al menos un museo nacional que alberga arte africano, a menudo en gran parte procedente de ese país, por ejemplo el Museo Nacional de Sierra Leona y el Museo Nacional de Nigeria en Lagos . También hay muchos museos más pequeños en las provincias.
La exhibición de arte y artefactos africanos en museos europeos ha sido durante mucho tiempo controvertida de diversas maneras, y el " Informe sobre la restitución del patrimonio cultural africano " encargado por Francia (2018) ha marcado un momento clave, lo que ha llevado a un aumento en el retorno de artefactos. Sin embargo, hay otros ejemplos, como el Museo de Arte Africano de Belgrado que se inauguró en 1977 debido a las relaciones de Yugoslavia con muchos países africanos gracias al Movimiento de los Países No Alineados . El museo se abrió con el deseo de familiarizar al pueblo de Yugoslavia con el arte y la cultura de África, ya que existía una noción profundamente arraigada de que Yugoslavia compartía una amistad con los países africanos gracias a sus luchas similares; Todos los artículos originales de los museos fueron comprados legalmente por el embajador yugoslavo y periodista Zdravko Pečar y su esposa Veda Zagorac, mientras que las adquisiciones más recientes fueron compradas por el museo, recibidas como obsequio de yugoslavos que vivían en África o fueron obsequios diplomáticos a el museo por los embajadores de los países africanos. [76]
El activista congoleño Mwazulu Diyabanza ha emprendido acciones directas contra los museos europeos para recuperar objetos que, según él, pertenecen a África. [77] [78]
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![Máscara para Obalufon II; alrededor del año 1300 d.C.; cobre; altura: 29,2 cm; descubierto en Ife; Museo de Antigüedades de Ife (Ife, Nigeria)[48]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Yoruba-bronze-head.jpg/1280px-Yoruba-bronze-head.jpg)
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![Paño; rafia; 20,3 x 85,7 cm (8 x 333⁄4 pulgadas); Museo de Brooklyn. En la cultura Kuba, los hombres son responsables del cultivo de la palma de rafia y del tejido de telas de rafia.[67] Se producen varios tipos de telas de rafia para diferentes propósitos, la forma más común es una tela tejida simple que se utiliza como base para la producción textil decorada.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4d/Brooklyn_Museum_26549_Raffia_Cloth.jpg/1280px-Brooklyn_Museum_26549_Raffia_Cloth.jpg)
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