La escultura , y en particular la escultura en piedra, es un arte por el que Zimbabue es muy conocido en todo el mundo.
El centro de Zimbabue contiene el " Gran Dique ", una fuente de rocas serpentinas de muchos tipos, incluida una variedad dura llamada localmente springstone . Una cultura precolonial temprana de los pueblos Shona se asentó en la alta meseta alrededor del año 900 d. C. y el " Gran Zimbabue ", que data de alrededor de 1250-1450 d. C., era una ciudad amurallada de piedra que muestra evidencia en su arqueología de un hábil trabajo en piedra. Las paredes estaban hechas de un granito local y no se utilizó mortero en su construcción. [1] Cuando se excavó, se encontraron seis pájaros de esteatita y un cuenco de esteatita en el recinto oriental del monumento, por lo que las formas de arte en esteatita eran parte de esa cultura temprana y los habitantes locales ya estaban predispuestos artísticamente, creando obras de varios materiales naturales como fibras, madera, arcilla y piedra con fines funcionales, estéticos y rituales. [2] Sin embargo, la talla de piedra como arte no tuvo un linaje directo hasta la actualidad y fue solo en 1954 que comenzó su renacimiento moderno. Fue entonces cuando Frank McEwen se convirtió en asesor de la nueva Galería Nacional de Rhodes que se construiría en Harare y de 1955 a 1973 fue su director fundador (se inauguró en 1957). Se reunió con Thomas Mukarobgwa , un joven artista indígena impregnado de conocimiento rural y espiritualidad, y le ofreció la oportunidad de seguir una carrera en el arte. Mukarobgwa se convirtió en "el mentor perfecto para guiar al director de la nueva galería hacia las formas y costumbres del pueblo africano". [3] : 34 Fue una introducción al artista local Joram Mariga y sus primeras tallas de piedra blanda lo que impulsó a McEwen a alentar a los primeros talladores de esteatita a crear obras que reflejaran su cultura. La Escuela Taller establecida por la galería pronto atrajo a más artistas, muchos de los cuales ya habían estado expuestos a alguna forma de formación artística en las primeras escuelas de misiones y eran practicantes de arte establecidos. [3] : 38 Estos incluían a Joseph Ndandarika , John Takawira y Kingsley Sambo . [4] [5] El movimiento artístico en ciernes se desarrolló con relativa lentitud, pero recibió un impulso masivo en 1966 gracias a Tom Blomefield , un agricultor de tabaco blanco nacido en Sudáfrica cuya granja en Tengenenge, cerca de Guruve,Blomefield tenía grandes depósitos de piedra serpentina apta para tallar. Blomefield, que era escultor en piedra, quería diversificar el uso de su tierra y dio la bienvenida a nuevos escultores para formar una comunidad de artistas en activo. Esto se debió en parte a que en ese momento había sanciones internacionales contra el gobierno blanco de Rodesia, entonces dirigido por Ian Smith, que había declarado la Declaración Unilateral de Independencia en 1965, y el tabaco ya no podía generar suficientes ingresos. Apropiadamente, Tengenenge significa "El comienzo del comienzo", en este caso de una nueva empresa importante.
Se dan más detalles sobre el establecimiento de la "primera generación" de nuevos escultores Shona en las biografías individuales de sus miembros principales: Bernard Matemera , Sylvester Mubayi , Henry Mukarobgwa , Thomas Mukarobgwa , Henry Munyaradzi , Joram Mariga , Joseph Ndandarika , Bernard Takawira y su hermano Juan . Este grupo también incluye a la familia Mukomberanwa ( Nicholas Mukomberanwa y sus protegidos Anderson Mukomberanwa , Lawrence Mukomberanwa , Taguma Mukomberanwa , Netsai Mukomberanwa , Ennica Mukomberanwa y Nesbert Mukomberanwa ). Todos estos artistas han creado obras que se han exhibido en todo el mundo y varias de ellas ahora están incluidas en el legado McEwen al Museo Británico . [6] [7]
Durante sus primeros años de crecimiento, el naciente "movimiento de escultura Shona" fue descrito como un renacimiento artístico, un fenómeno artístico y un milagro. Los críticos y coleccionistas no podían entender cómo un género artístico se había desarrollado con tanto vigor, espontaneidad y originalidad en una zona de África que no tenía nada del gran patrimonio escultórico de África occidental y que anteriormente había sido descrita en términos de artes visuales como artísticamente estéril. [8] [9] [10] [11]
Quince años de sanciones contra Rhodesia limitaron la exposición internacional de la escultura. Sin embargo, debido principalmente a los esfuerzos de Frank McEwen , la obra se mostró en varias exposiciones internacionales, algunas de las cuales se enumeran a continuación. Este período anterior a la independencia fue testigo del perfeccionamiento de las habilidades técnicas, la profundización del poder expresivo, el uso de tipos de piedras más duras y diferentes y la creación de muchas obras destacadas. El "movimiento de la escultura Shona" estaba en pleno auge y tenía muchos patrocinadores y defensores.
Desde la independencia en 1980, la escultura ha seguido exhibiéndose en las capitales del arte del mundo y ha recibido gran reconocimiento tanto por parte de artistas contemporáneos como Dominic Benhura y Tapfuma Gutsa [12] como por parte de la propia forma de arte.
El apoyo y el estímulo han venido de muchas fuentes.
Roy Guthrie citó un artículo de 1991 en The Sunday Telegraph en su introducción a una exposición en Sudáfrica [16] para recordar a los amantes del arte que
"En la actualidad, se da por sentado que el arte debe ser necesariamente internacional... Pero frente a esta tendencia se encuentran focos aislados de resistencia que sugieren que el buen arte puede (y quizá deba) ser un asunto local, el producto de un lugar y una cultura particulares. Y una de las más notables en el mundo contemporáneo es la escuela de escultores que ha florecido en la tribu Shona de Zimbabwe en los últimos 30 años... colocadas junto a los objetos deprimentes tan queridos por la burocracia internacional del arte –como en la Bienal de 1990–, estas esculturas africanas brillan en un mundo desolado."
A pesar de la creciente demanda mundial de esculturas, hasta ahora ha ocurrido poco de lo que McEwen temía que pudiera ser simplemente un estilo de comercialización de "arte de aeropuerto". Los artistas más dedicados muestran un alto grado de integridad, nunca copian y siguen trabajando completamente a mano, con espontaneidad y confianza en sus habilidades, sin restricciones de ideas impuestas externamente sobre lo que debería ser su "arte". Ahora, más de cincuenta años después de los primeros pasos tentativos hacia una nueva tradición escultórica, muchos artistas zimbabuenses se ganan la vida con la escultura a tiempo completo y los mejores pueden compararse con los escultores contemporáneos de cualquier otro lugar. La escultura que producen habla de experiencias humanas fundamentales -experiencias como el dolor, la euforia, el humor, la ansiedad y la búsqueda espiritual- y siempre han logrado comunicarlas de una manera profundamente simple y directa que es a la vez poco común y extremadamente refrescante. El artista "trabaja" junto con su piedra, y se cree que "nada que existe de forma natural es inanimado" - tiene un espíritu y una vida propios. Uno siempre es consciente de la contribución de la piedra en la escultura terminada y es realmente afortunado que en Zimbabwe haya una magnífica variedad de piedras disponibles para elegir: piedra de manantial negra dura, serpentina y esteatitas de colores intensos , piedra caliza gris firme y verdita y lepidolita semipreciosas . [17] [18] [19] [20]
Jonathan Zilberg ha señalado que existe un mercado paralelo dentro de Zimbabwe para lo que él llama esculturas de flujo –cuyo tema es la familia ( ukama en shona)– y que se producen en todo el país, desde los suburbios de Harare hasta Guruve en el noreste y Mutare en el este. Estas formas de escultura, fácilmente disponibles y económicas, son, en su opinión, de mayor interés para los zimbabuenses negros locales que las esculturas figurativas semiabstractas del tipo que se ve principalmente en los museos y se exporta a destinos extranjeros. Las esculturas de flujo aún son capaces de demostrar innovación en el arte y la mayoría están talladas individualmente, en estilos que son característicos de los artistas individuales. [21]
Otro artista, Bryn Taurai Mteki, creó una gran escultura titulada “Chippi”, que se presentó durante los sextos Juegos Panafricanos , celebrados en Zimbabwe en septiembre de 1995. Esta escultura también sirvió como mascota de los juegos. Tiene 2,5 metros de altura y ahora se exhibe en el Estadio Nacional de Deportes en Harare junto con la Llama de los Juegos, como parte de la colección permanente. En 1996, Mteki, que ahora vive en Europa, fue honrado con medallas de plata de Oelsnitz, Auerbach y Adorf en Alemania. [22] [3] : 32
Algunos escultores de Zimbabwe trabajan con otros materiales además de la piedra. Por ejemplo, en la Exposición del Patrimonio de Zimbabwe de 1988, Paul Machowani ganó un premio de distinción por su pieza de metal "Ngozi" y en 1992 la pieza de metal de Joseph Chanota "Pensando en la sequía" ganó el mismo premio. Bulawayo ha sido un centro de esculturas de metal, con artistas como David Ndlovu y Adam Madebele. Arthur Azevedo, que trabaja en Harare y crea esculturas de metal soldado, ganó el Premio de Honor del Presidente en la Primera Bienal del Patrimonio Móvil de Zimbabwe en 1998. [23] La talla de madera tiene una larga historia en Zimbabwe y algunos de sus principales exponentes son Zephania Tshuma y Morris Tendai. [9]
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En 2017, el artista visual Boarding Dzinotizei introdujo la escultura computarizada. Sus esculturas digitales Shona hablan sobre la sociedad de Zimbabwe a través de la impresión 3D . El mensaje que transmiten representa una pérdida de significado de los tótems en la cultura Shona. Esto se representa, en este caso, a través de formas simplificadas y partes del cuerpo faltantes. [28]
Las malas condiciones económicas actuales en Zimbabwe y la reciente hiperinflación significan que es cada vez más difícil para sus artistas prosperar y ganarse la vida con la escultura a tiempo completo. [29]