Art pop (también art-pop tipográfico o artpop ) es un estilo de música pop vagamente definido [1] influenciado por teorías del arte [7] , así como ideas de otros medios artísticos, como la moda , las bellas artes , el cine y las vanguardias. literatura de guardia . [3] [8] El género se basa en la integración de la alta y baja cultura en el arte pop , y enfatiza los signos , el estilo y los gestos sobre la expresión personal. [7] [9] Los músicos de arte pop pueden desviarse de las audiencias pop tradicionales y las convenciones de la música rock , [10] en lugar de explorar enfoques e ideas posmodernos como el estatus del pop como arte comercial , nociones de artificio y del yo , y cuestiones de autenticidad histórica .
A partir de mediados de la década de 1960, músicos pop británicos y estadounidenses como Brian Wilson , Phil Spector y los Beatles comenzaron a incorporar las ideas del movimiento pop art en sus grabaciones. [1] Los músicos de art pop ingleses se inspiraron en sus estudios en la escuela de arte , [8] mientras que en Estados Unidos el estilo se basó en la influencia del artista pop Andy Warhol y la banda afiliada Velvet Underground . [11] El estilo experimentaría su "edad de oro" en la década de 1970 entre artistas de glam rock como David Bowie y Roxy Music , quienes abrazaron la teatralidad y la cultura pop de usar y tirar . [4]
La tradición del art pop continuó a finales de los años 1970 y 1980 a través de estilos como el post-punk y el synthpop , así como la escena del Nuevo Romántico británico, [5] [10] desarrollándose aún más con artistas que rechazaron la instrumentación y estructura del rock convencional en favor de estilos de danza . y el sintetizador . [10] En la década de 2010 se desarrollaron nuevas tendencias del arte pop, como artistas de hip hop que se basaban en el arte visual y artistas de vaporwave que exploraban las sensibilidades del capitalismo contemporáneo e Internet .
El arte pop se basa en la ruptura de la frontera cultural alta/baja por parte del posmodernismo y explora conceptos de artificio y comercio. [12] [nb 1] El estilo enfatiza la manipulación de los signos por encima de la expresión personal, basándose en una estética de lo cotidiano y lo desechable, en distinción a la tradición romántica y autónoma encarnada por el art rock o el rock progresivo . [13] [nb 2] El sociomusicólogo Simon Frith ha distinguido la apropiación del arte en la música pop por tener una preocupación particular por el estilo , el gesto y el uso irónico de épocas y géneros históricos . [16] Central para los proveedores particulares del estilo fueron las nociones del yo como una obra de construcción y artificio, [10] así como una preocupación por la invención de términos, imágenes, procesos y afectos. [17] Nick Coleman de The Independent escribió: "El arte-pop se trata en parte de actitud y estilo; pero se trata esencialmente de arte. Es, si se quiere, una forma de hacer que el formalismo puro sea socialmente aceptable en un contexto pop. [18 ]
El teórico cultural Mark Fisher escribió que el desarrollo del arte pop surgió de la triangulación del pop, el arte y la moda . [10] Frith afirma que se inspiró "más o menos" directamente en el arte pop . [2] [3] [nb 3] Según el crítico Stephen Holden , el arte pop a menudo se refiere a cualquier estilo pop que aspire deliberadamente a los valores formales de la música clásica y la poesía, aunque estas obras a menudo se comercializan por intereses comerciales en lugar de intereses culturales respetados. instituciones. [1] Los escritores de The Independent y Financial Times han notado los intentos de la música pop artística de distanciar a sus audiencias del público en general. [20] [21] Robert Christgau escribió en The Village Voice en 1987 que el arte-pop resulta "cuando una fascinación por la artesanía aumenta en espiral hasta convertirse en una obsesión esteticista". [22]
Lo que parece más claro en retrospectiva [...] es una distinción entre la primera ola de músicos de escuelas de arte, los intérpretes de r&b provinciales de Londres que simplemente adoptaron la actitud bohemia y la llevaron con ellos al rock progresivo, y una segunda generación, quien aplicó las teorías del arte a la creación de música pop
—Simon Frith, Del arte al pop (1988) [23]
Los límites entre el arte y la música pop se volvieron cada vez más borrosos a lo largo de la segunda mitad del siglo XX. [24] En la década de 1960, músicos pop como John Lennon , Syd Barrett , Pete Townshend , Brian Eno y Bryan Ferry comenzaron a inspirarse en sus estudios previos en la escuela de arte . [3] Frith afirma que en Gran Bretaña , la escuela de arte representaba "una ruta de escape tradicional para los niños brillantes de la clase trabajadora y un caldo de cultivo para bandas jóvenes como los Beatles y más allá". [12] En América del Norte, el arte pop fue influenciado por Bob Dylan y la Generación Beat , y se volvió más literario a través del movimiento de cantautores de música folk . [1] Antes de que el rock progresivo/artístico se convirtiera en el sonido británico de mayor éxito comercial de principios de los años 1970, el movimiento psicodélico de los años 1960 unió arte y comercialismo, abordando la cuestión de lo que significaba ser un "artista" en un medio de masas. [25] Los músicos progresistas pensaban que el estatus artístico dependía de la autonomía personal, por lo que la estrategia de los grupos de rock "progresivo" era presentarse como intérpretes y compositores "por encima" de la práctica pop normal. [26]
Otra influencia principal en el desarrollo del arte pop fue el movimiento del arte pop. [1] El término "arte pop", acuñado por primera vez para describir el valor estético de los bienes producidos en masa, era directamente aplicable al fenómeno contemporáneo del rock and roll (incluido Elvis Presley , uno de los primeros íconos del arte pop). [27] Según Frith: "[El arte pop] resultó señalar el fin del romanticismo, ser un arte sin artistas. El rock progresivo fue la última apuesta de los bohemios [...] En este contexto, el teórico clave del arte pop fue No [Richard] Hamilton ni ninguno de los otros artistas británicos que, a pesar de su interés en el mercado de masas, siguieron siendo sólo sus admiradores académicos, sino Andy Warhol . Para Warhol, la cuestión importante no eran los méritos relativos de lo "alto" y lo "alto". "bajo" arte sino la relación entre todo arte y "comercio". [28] La banda house de Warhol, The Velvet Underground , fue un grupo estadounidense que emuló la síntesis arte/pop de Warhol, haciéndose eco de su énfasis en la simplicidad y siendo pionero en un enfoque modernista y vanguardista del art rock que ignoraba las jerarquías convencionales de la representación artística. [29] [nota 4]
Holden remonta los orígenes del art pop a mediados de la década de 1960, cuando productores como Phil Spector y músicos como Brian Wilson de los Beach Boys comenzaron a incorporar texturas pseudosinfónicas a sus grabaciones pop, así como a las primeras grabaciones de los Beatles con un cuarteto de cuerda. [1] [nb 5] En palabras del autor Matthew Bannister, Wilson y Spector eran conocidos como "eremitas obsesivos del estudio [...] [que] habitualmente se ausentaban de su propio trabajo", y al igual que Warhol, Spector existía " no como presencia, sino como un principio controlador u organizador detrás y debajo de las superficies de los medios. Ambos artistas comerciales de gran éxito, y ambos simultáneamente ausentes y presentes en sus propias creaciones". [35]
El escritor Erik Davis calificó el art pop de Wilson como "único en la historia de la música", [36] mientras que su colaborador Van Dyke Parks lo comparó con el trabajo contemporáneo de Warhol y el artista Roy Lichtenstein , citando su capacidad para elevar material común o trillado al nivel de "alto nivel". arte". [37] [nb 6] En su libro de 2004 Sonic Alchemy: Visionary Music Producers and Their Maverick Recordings , David Howard atribuye al sencillo de 1966 de los Beach Boys, " Good Vibrations ", el lanzamiento del "breve y brillante momento [cuando] llegaron el pop y el arte". juntos como improbables compañeros de cama comerciales". [41]
En un movimiento que fue indicado por los Beatles, los Beach Boys, Phil Spector y Frank Zappa , [42] el formato dominante de la música pop pasó de los sencillos a los álbumes , y muchas bandas de rock crearon obras que aspiraban a hacer grandes declaraciones artísticas. donde florecería el arte rock. [1] El musicólogo Ian Inglis escribe que la portada del álbum de 1967 de los Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band fue "percibida como en gran parte responsable de que las conexiones entre el arte y el pop se hicieran explícitas". [43] Aunque el sargento. Pepper's fue precedido por varios álbumes que habían comenzado a tender un puente entre el pop "desechable" y el rock "serio", y dio con éxito una voz "comercial" establecida a una cultura juvenil alternativa. [44] El autor Michael Johnson escribió que la música pop artística continuaría existiendo después de los Beatles, pero sin alcanzar nunca su nivel de éxito popular. [33] [nota 7]
The Who fue calificado por su manager como "la primera banda pop art", mientras que su miembro Pete Townshend explica: "Defendemos la ropa pop art, la música pop art y el comportamiento pop art [...] no cambiamos fuera del escenario; vivimos arte pop." [46] Frith considera su álbum The Who Sell Out (diciembre de 1967) "quizás la obra maestra del pop art", donde The Who utiliza la "vitalidad" del comercio mismo, una táctica de la que se hicieron eco Roy Wood 's the Move y, más tarde, Kevin Godley y Lol Creme de 10cc . [46] Las ideas de Townshend se destacaron por su énfasis en el comercialismo: "[Su] uso de la retórica del arte pop [...] se refería no a la creación musical como tal, a la cuestión de la autoexpresión, sino a la creación musical comercial. , a cuestiones de embalaje, venta y publicidad, a los problemas de popularidad y estrellato". [46] En una entrevista de mayo de 1967, Townshend acuñó el término " power pop " para describir la música de Who, Small Faces y Beach Boys. Posteriormente, el power pop se desarrolló como un género conocido por su reconfiguración de los tropos de la década de 1960. El periodista musical Paul Lester sostuvo que este componente podría ratificar el power pop como uno de los primeros géneros musicales posmodernos. [47]
El periodista musical Paul Lester sitúa "la edad de oro del art-pop hábil e inteligente" en el momento en que las bandas 10cc , Roxy Music y Sparks "mezclaban y combinaban diferentes géneros y épocas, mucho antes de que existiera el término 'posmoderno' en el ámbito del pop. ". [4] El efecto de Velvet Underground dio a músicos de rock como Iggy Pop de los Stooges una conciencia de sí mismos sobre su trabajo. Iggy se inspiró para transformar su personalidad en un objeto de arte, lo que a su vez influenciaría al cantante David Bowie , y llevó al papel de los Stooges como el grupo que vinculaba el hard rock de los sesenta con el punk de los setenta . [11] En la década de 1970, una comunidad de arte/pop igualmente consciente de sí misma (que Frith llama "la más significativa" del período) comenzó a fusionarse en el Mercer Arts Center de Nueva York. La escuela fomentó la continuación de los tipos de colaboración entre el arte alto y bajo que alguna vez fue ejemplificado por The Factory, como explicó el baterista Jerry Harrison (más tarde de Talking Heads ): "comenzó con Velvet Underground y todas las cosas que se identificaban con Andy Warhol." [11] [nota 8]
La escena del glam rock de principios de la década de 1970 volvería a recurrir en gran medida a las sensibilidades de las escuelas de arte. [12] Inspirado en parte por el uso de alter egos de los Beatles en Sgt. El glamour de Pepper , [48] enfatizaba trajes extravagantes, representaciones teatrales y alusiones a fenómenos de la cultura pop desechables , convirtiéndose en uno de los fenómenos más deliberadamente visuales que surgieron en la música rock. [49] Algunos de sus artistas, como Bowie, Roxy Music y el ex miembro de Velvet Underground Lou Reed , continuarían las prácticas asociadas con la rama modernista de vanguardia del art rock. [14] [nota 9]
Bowie, ex estudiante de arte y pintor, [12] hizo de la presentación visual un aspecto central de su trabajo, [52] derivando su concepto de arte pop del trabajo y las actitudes de Warhol y Velvet Underground. [53] Frith describe a Roxy Music como la "banda de arte pop arquetípica". [12] El líder Bryan Ferry incorporó la influencia de su mentor, el pionero del arte pop Richard Hamilton [49] [54] mientras que el sintetizador Brian Eno se basó en su estudio de la cibernética y el arte con el teórico Roy Ascott . [55] [nb 10] Frith postula que Ferry y Bowie siguen siendo "las influencias más significativas del pop británico", escribiendo que ambos estaban preocupados por el "pop como arte comercial" y juntos hicieron del glam rock una forma de arte que debe tomarse en serio. , a diferencia de otros actos "camp" como Gary Glitter . Esto redefinió el rock progresivo y revitalizó la idea del artista romántico en términos de fama mediática. [57] Según Armond White, el compromiso de Roxy Music con las prácticas del arte pop efectivamente "mostró que la frivolidad superficial y el placer profundo del pop eran objetivos legítimos e imponentes". [17] Después de dejar Roxy Music en 1973, Eno exploraría más a fondo los estilos art pop en una serie de álbumes experimentales en solitario. [58] [nb 11] Durante el resto de la década, desarrolló los argumentos de Warhol en una dirección diferente a la de sus contemporáneos y colaboró con una amplia gama de músicos populares de la época. [57]
El teórico cultural Mark Fisher caracterizó una variedad de desarrollos musicales a finales de la década de 1970, incluido el post-punk, el synthpop y, en particular, el trabajo de la banda electrónica alemana Kraftwerk , [60] como situados dentro de las tradiciones del arte pop. [5] Afirma que el estilo de arte pop inglés de Bowie y Roxy Music "culminó" con la música del grupo británico Japan . [8] The Quietus caracterizó el álbum japonés de 1979 Quiet Life como definiendo "una forma muy europea de art-pop distante, sexualmente ambiguo y reflexivo" similar a la explorada por Bowie en Low de 1977 . [61] Brian Eno y John Cale jugarían un papel crucial en las carreras de Bowie, Talking Heads y muchos discos clave de punk y post-punk . [57] Siguiendo el amateurismo del movimiento punk , la era post-punk vio un regreso a la tradición de la escuela de arte previamente encarnada por el trabajo de Bowie y Roxy Music, [62] [5] con artistas que extraían ideas de la literatura , el arte y el cine. y la teoría crítica en contextos culturales musicales y pop, al tiempo que rechazan la distinción común entre arte elevado y cultura baja. [63] [64] [nb 12] Se volvió común un énfasis en la performance multimedia y el arte visual. [64]
Fisher caracterizó a artistas posteriores como Grace Jones , los grupos del Nuevo Romántico de la década de 1980 y Róisín Murphy como parte de un linaje de arte pop. [10] Señaló que el desarrollo del arte pop implicó el rechazo de la instrumentación y estructura del rock convencional en favor de estilos de danza y el sintetizador . [10] The Quietus nombra al grupo inglés del Nuevo Romántico Duran Duran , quienes fueron influenciados formativamente por el trabajo de Japón, Kraftwerk y David Bowie, como "arte emergente pionero al nivel de abarrotar arena", desarrollando el estilo en "un estilo barroco y romántico". escapar." [61] El crítico Simon Reynolds apodó a la cantante inglesa Kate Bush "la reina del art-pop", citando su fusión de glamour, conceptualismo e innovación sin abandonar el éxito pop comercial durante finales de los años 1970 y 1980. [68]
La cantante islandesa Björk fue una destacada proveedora de arte pop [69] por su amplia integración de formas dispares de arte y cultura popular. [70] Durante la década de 1990, se convirtió en la artista de mayor éxito comercial del arte pop. [71] Hablando de Björk en 2015, Jason Farago de The Guardian escribió: "Los últimos 30 años en la historia del arte son en gran parte una historia de empresas colaborativas, de fronteras colapsadas entre el arte elevado y el bajo, y del fin de las divisiones entre los medios". . Pocas figuras culturales han hecho que las distinciones parezcan tan insignificantes como el cantante islandés que combinó trip hop con 12 tonos , y que trajo la vanguardia a MTV justo antes de que ambas cosas desaparecieran." [72]
Según Barry Walters de NPR , el grupo de rap de la década de 1990 PM Dawn desarrolló un estilo de "art-pop caleidoscópico" que inicialmente fue descartado por los fanáticos del hip hop como "demasiado suave, reflexivo y de largo alcance", pero que eventualmente allanaría el camino para el trabajo. de artistas como Drake y Kanye West . [74] En 2013, Spin notó una "nueva era del arte-pop" en la música contemporánea, liderada por West, en la que los músicos recurren al arte visual como un significado de riqueza y extravagancia, así como de exploración creativa. [75] Fact etiqueta el álbum de West de 2008, 808s & Heartbreak, como una "obra maestra del art-pop" que tendría una influencia sustancial en la música hip hop posterior, ampliando el estilo más allá de su énfasis contemporáneo en el autoengrandecimiento y la valentía. [76] Jon Caramanica del New York Times describió las obras "que invitan a la reflexión y de gran escala" de West como si hubieran "ampliado las puertas [del hip hop], ya sea para los valores de la clase media o los sueños de alta costura y arte". " [77]
Con frecuencia se describe que las artistas femeninas contemporáneas que "fusionan glamour, conceptualismo, innovación y autonomía", como Grimes , Julia Holter , Lana Del Rey y FKA twigs , trabajan en la tradición de Kate Bush. [68] La Gaceta de Montreal describe a Grimes como "un fenómeno de arte-pop" y parte de "una larga tradición de fascinación por la estrella del pop como obra de arte en progreso", con especial atención al papel de Internet y las plataformas digitales en su éxito. [78]
En un artículo de 2012 para Dummy , el crítico Adam Harper describió un espíritu aceleracionista en el arte pop contemporáneo caracterizado por un compromiso ambiguo con elementos del capitalismo contemporáneo. [6] Menciona que el género vaporwave basado en Internet está formado por músicos de art-pop underground como James Ferraro y Daniel Lopatin "que exploran las fronteras tecnológicas y comerciales de las sensibilidades artísticas más sombrías del hipercapitalismo del siglo XXI". [6] Los artistas asociados con la escena pueden publicar música a través de seudónimos en línea mientras se basan en ideas de virtualidad y fuentes sintéticas de la década de 1990, como música ambiental corporativa , música lounge y muzak . [6]
