El Theatre Royal, Drury Lane , comúnmente conocido como Drury Lane , es un teatro del West End y un edificio catalogado de Grado I en Covent Garden , Londres , Inglaterra . El edificio da a Catherine Street (antes llamada Bridges o Brydges Street) y da a Drury Lane . El edificio actual, inaugurado en 1812, es el más reciente de los cuatro teatros que se alzaron en el lugar desde 1663, lo que lo convierte en el sitio de teatro más antiguo de Londres todavía en uso. [1] Según el autor Peter Thomson, durante sus primeros dos siglos, Drury Lane podría "haber afirmado razonablemente ser el teatro líder de Londres". [2] Durante la mayor parte de ese tiempo, fue uno de los pocos teatros patentados , a los que se les otorgaron derechos de monopolio para la producción de drama "legítimo" en Londres (es decir, obras habladas, en lugar de ópera, danza, conciertos u obras con música).
El primer teatro que se construyó en este lugar fue construido a instancias de Thomas Killigrew a principios de la década de 1660, cuando se permitió que los teatros reabrieran durante la Restauración inglesa . Inicialmente conocido como "Theatre Royal in Bridges Street", los propietarios del teatro contrataron a actores destacados que actuaban en el teatro de forma regular, incluidos Nell Gwyn y Charles Hart . En 1672, el teatro se incendió y Killigrew construyó un teatro más grande en el mismo terreno, rebautizado como "Theatre Royal in Drury Lane"; se inauguró en 1674. Este edificio duró casi 120 años, bajo los liderazgos de Colley Cibber , David Garrick y Richard Brinsley Sheridan , el último de los cuales empleó a Joseph Grimaldi como payaso residente del teatro.
En 1791, bajo la dirección de Sheridan, el edificio fue demolido para dar paso a un teatro más grande que se inauguró en 1794. Este nuevo Drury Lane sobrevivió durante 15 años antes de incendiarse en 1809. El edificio que se encuentra hoy en día se inauguró en 1812. Ha sido la residencia de actores conocidos, entre ellos Edmund Kean , el comediante Dan Leno y el compositor e intérprete musical Ivor Novello . Desde la Segunda Guerra Mundial , el teatro ha acogido principalmente largas temporadas de musicales, entre ellos Oklahoma!, My Fair Lady , 42nd Street y Miss Saigon , el espectáculo de mayor duración del teatro. [3] El teatro es propiedad del compositor Andrew Lloyd Webber . Desde enero de 2019, el lugar ha tenido renovaciones continuas y, en julio de 2021, el teatro reabrió después de más de dos años de trabajo extenso y cierres relacionados con la pandemia de COVID-19 . Frozen de Disney hizo su debut en el West End en Drury Lane el 27 de agosto, y las funciones generales comenzarán a partir del 8 de septiembre de 2021.
El 4 de marzo de 1617, un teatro conocido como Cockpit Theatre utilizado por los Hombres de la Reina Ana en Drury Lane fue atacado por aprendices amotinados. [4] Después del Interregno Puritano de once años de duración , que había visto la prohibición de pasatiempos considerados frívolos, como el teatro, la monarquía inglesa fue restaurada al trono con el regreso de Carlos II en 1660. Poco después, Carlos emitió Cartas Patentes a dos partes que otorgaban licencias para la formación de nuevas compañías de actuación. Una de ellas fue para Thomas Killigrew , cuya compañía se conoció como la Compañía del Rey , y que construyó un nuevo teatro en Drury Lane. Las Cartas Patentes también otorgaron a las dos compañías un monopolio compartido sobre la representación pública de drama legítimo en Londres; Este monopolio fue desafiado en el siglo XVIII por nuevos lugares y por una cierta ligereza en la definición de "teatro legítimo", pero permaneció legalmente vigente hasta 1843. [5] El nuevo teatro, de arquitecto desconocido, abrió sus puertas el 7 de mayo de 1663 y era conocido por la ubicación de la entrada como el "Teatro Real en Bridges Street". [a] También tuvo otros nombres, incluido el de "Teatro del Rey". El edificio era una estructura de madera de tres niveles, de 112 pies (34 m) de largo y 59 pies (18 m) de ancho; podía albergar una audiencia de 700 personas. [6] Ubicado bastante alejado de las calles más anchas, se accedía al teatro por estrechos pasajes entre los edificios circundantes. [7]
La King's Company se vio obligada a encargar el teatro Theatre Royal, técnicamente avanzado y costoso, debido al éxito de su rival, la Duke's Company , que atraía a multitudes fascinadas con su escenografía "móvil" o "cambiable" y sus producciones visualmente magníficas en la antigua cancha de tenis de Lisle en Lincoln's Inn Fields . [8] [9] Imitando las innovaciones de Lincoln's Inn Fields, el Theatre Royal también contaba con escenografía móvil con alas o contraventanas que podían cambiarse suavemente entre actos o incluso dentro de ellos. Cuando no se usaban, las contraventanas descansaban fuera de la vista detrás de los lados del arco del proscenio , que también servía como marco visual para los acontecimientos en el escenario. [10] La separación en forma de marco de imagen entre el público y la representación era un fenómeno nuevo en el teatro inglés, aunque ya se había encontrado en el continente antes. El diseño teatral en Londres siguió siendo ambivalente en cuanto a los méritos del escenario de "caja de imágenes" y, durante muchas décadas, los teatros londinenses, incluido el Drury Lane, tenían grandes antepechos que sobresalían del arco, [11] que a menudo incluían los escenarios de empuje que se encontraban en los teatros isabelinos . Los actores todavía podían avanzar y salvar la distancia entre el intérprete y el público y, además, no era inusual que los miembros del público subieran al escenario ellos mismos. [12]
La inversión de Killigrew en el nuevo teatro puso a las dos compañías al mismo nivel en lo que se refiere a recursos técnicos, pero la oferta en el Theatre Royal siguió estando dominada por el teatro hablado impulsado por los actores, en contraste con los espectáculos barrocos y óperas de William Davenant en Lincoln's Inn Fields . [13] Las estructuras de poder internas fueron la principal razón de esta diferencia: mientras que Davenant comandaba hábilmente una compañía joven y dócil, la autoridad de Killigrew sobre sus actores veteranos estaba lejos de ser absoluta. [14] Los actores experimentados Michael Mohun (a quien Pepys llamó "el mejor actor del mundo" [15] ) y Charles Hart lucharon por acciones y buenos contratos en la King's Company. Tal división de poder entre el titular de la patente, Killigrew, y sus actores principales condujo a frecuentes conflictos que obstaculizaron al Theatre Royal como empresa comercial. [16] Sin embargo, fue sobre todo en el Theatre Royal, que estaba en dificultades, en lugar de en el eficientemente administrado Lincoln's Inn Fields, donde se representaron las obras que son clásicos hoy en día. Esto se aplica especialmente a la nueva forma de comedia de la Restauración , dominada en la década de 1660 por William Wycherley y el dramaturgo de la casa del Theatre Royal, John Dryden . Actores como Hart y la amante de Carlos II, Nell Gwyn, desarrollaron y refinaron las famosas escenas de réplica, bromas y coqueteo en las comedias de Dryden y Wycherley. [17] Con la aparición de actrices por primera vez en Drury Lane y Lincoln's Inn Fields en la década de 1660, [18] los dramaturgos británicos escribieron partes para personajes femeninos francos, escenas de amor atrevidas y papeles provocativos con calzones . [6] [19] En cualquier caso, la competencia entre la Compañía del Rey y la del Duque fue buena para el renacimiento y desarrollo del drama inglés. [20] [21] El propio rey asistía con frecuencia a las producciones del teatro, al igual que Samuel Pepys , cuyos diarios privados proporcionan gran parte de lo que sabemos sobre la asistencia al teatro en Londres en la década de 1660. El día después de la inauguración del Theatre Royal, Pepys asistió a una representación de The Humorous Lieutenant de Francis Beaumont y John Fletcher . En su diario dice lo siguiente:
La casa está construida con un ingenio extraordinario y, sin embargo, tiene algunos defectos, como la estrechez de los pasillos de entrada y salida del foso y la distancia desde el escenario hasta los palcos, que estoy seguro no se pueden oír; pero por lo demás está bien, sólo que, sobre todo, la música está abajo y la mayor parte suena debajo del mismo escenario; no se oyen en absoluto los bajos, ni muy bien los agudos, que seguramente deben ser reparados. [22]
Las representaciones comenzaban normalmente a las 15 h para aprovechar la luz del día: el piso principal para el público, el foso, no tenía techo para dejar entrar la luz. Se construyó una cúpula de cristal sobre la abertura, pero según una de las entradas del diario de Pepys, la cúpula no era del todo eficaz para protegerse de los elementos: él y su esposa se vieron obligados a abandonar el teatro para refugiarse de una tormenta de granizo. [23] Una bayeta verde cubría los bancos del foso y servía para decorar los palcos (además ornamentados con cuero dorado) e incluso el propio escenario. [24] Los bancos verdes sin respaldo del foso estaban dispuestos en semicírculo de cara al escenario, según una carta de mayo de 1663 de un tal Monsieur de Maonconys: «Todos los bancos del foso, donde también se sientan las personas de rango, tienen forma de semicírculo, cada fila más alta que la siguiente». [25] Las tres galerías formaban un semicírculo alrededor de los asientos del piso; tanto la primera como la segunda galerías estaban divididas en palcos. [26]
La Gran Peste de Londres azotó Londres en el verano de 1665 y el Theatre Royal, junto con todos los demás espectáculos públicos, fue clausurado por orden de la Corona el 5 de junio. Permaneció cerrado durante 18 meses hasta el otoño de 1666, tiempo durante el cual recibió al menos una pequeña renovación interior, incluida la ampliación del escenario. [27] Ubicado bastante al oeste del límite de la ciudad, el teatro no se vio afectado por el Gran Incendio de Londres , que arrasó la ciudad en septiembre de 1666, pero se quemó seis años después, el 25 de enero de 1672. [28]
Durante el siglo XX, una ilustración fue publicada repetidamente –y erróneamente– como «Christopher Wren, diseño para el Theatre Royal Drury Lane, 1674». [29] Desde 1964, esta presunción ha sido cuestionada por los académicos. [30] Una inspección cuidadosa del dibujo en All Souls' College, Oxford Library muestra que tiene una inscripción a lápiz: «Play house» [ sic ], que puede haber sido añadida por un bibliotecario o por cualquier otra persona. No aparece ningún signo de una firma (de Wren o de cualquier otra persona) o una fecha en ninguna parte del dibujo. [31] Robert D. Hume de la Universidad Estatal de Pensilvania explicó que el uso del dibujo «se basa casi por completo en la suposición de que la llamada «sección Wren» en All Souls representa este teatro. Podría ser fácilmente un boceto descartado sin conexión alguna con Drury Lane». [32]
Se pueden encontrar pruebas comparativas del diseño de Drury Lane de 1674 en el Theatre Royal, Bristol , construido en 1766, cuyo diseño se inspiró, en parte, en el de Drury Lane. [31] [33] El sitio medía 112 pies (34 m) de este a oeste y 59 pies (18 m) de norte a sur. El edificio era más pequeño que esto, ya que los estudios y mapas confiables de la época muestran tres pasillos que miden entre 5 y 10 pies (1,5 y 3,0 m) de ancho que rodean el Theatre Royal en tres lados. El edificio probablemente medía entre 40 y 50 pies (12 y 15 m) de ancho (el ancho promedio de todos los teatros de la "Restauración") y entre 90 y 100 pies (27 y 30 m) de largo. El arquitecto Robert Adam diseñó el interior de Drury Lane de 1674. El teatro fue administrado, desde 1747 hasta la jubilación de Adam en la década de 1770, por David Garrick . [31]
La King's Company nunca se recuperó económicamente de la pérdida del antiguo Theatre Royal Bridges Street. El coste de construir el nuevo teatro, la sustitución del vestuario y la escenografía perdidos en el incendio y la presión competitiva de la rival Duke's Company contribuyeron a su declive. Finalmente, en 1682, la King's Company se fusionó con la Duke's Company. [34] El edificio del Theatre Royal de 1674 contenía un laberinto de habitaciones, incluidos espacios de almacenamiento y vestuarios utilizados por la dirección y los artistas, casi setenta personas en total, así como unos cincuenta miembros del personal técnico. [35] Además, se proporcionaron tres habitaciones para los guiones, incluida una biblioteca para su almacenamiento, una habitación separada para copiar las partes de los actores y una biblioteca especial para los libros de contabilidad del teatro, los libros de contabilidad y las partituras musicales. Este revoltijo de habitaciones a menudo dificultaba la comunicación entre los distintos departamentos, un problema que Garrick corrigió durante su mandato como director. El complejo entero ocupaba 13.134 pies cuadrados (1.220 m2 ) delimitado por Drury Lane (este), Brydges Street (oeste), Great Russell Street (norte) y Little Russell Street (sur). [36]
A partir de 1674, los aficionados al teatro accedían al Drury Lane a través de un largo pasadizo de tres metros de ancho desde Bridges Street. El pasadizo daba a un patio (anteriormente un "patio de equitación" [37] ) en el que se encontraba el teatro. Es probable que el patio permaneciera abierto al cielo en esa fecha, en tres lados de los muros del Theatre Royal. Henri Misson, un visitante de Francia, ofrece una descripción del teatro en 1698: su uso de la palabra "anfiteatro" respalda la opinión de que Drury Lane tenía una línea circular de palcos que rodeaban su foso:
El foso es un anfiteatro, lleno de bancos sin respaldo y adornado y cubierto con tela verde. Hombres de calidad, especialmente los más jóvenes, algunas damas de reputación y virtud, y una gran cantidad de damiselas que rondan en busca de presas, se sientan todos juntos en este lugar, desordenados, charlando, jugueteando, jugando, oyendo, oyendo no. Más arriba, contra la pared, bajo la primera galería y justo enfrente del escenario, se levanta otro anfiteatro, que está ocupado por personas de la mejor calidad, entre las que generalmente hay muy pocos hombres. Las galerías, de las que sólo hay dos filas, están llenas de gente común y corriente, especialmente la superior. [38]
Como señala Misson, los asientos estaban divididos por clase y las entradas tenían un precio acorde a ello. Los palcos, utilizados por la nobleza y la alta burguesía adinerada, costaban 5 chelines ; los bancos del foso donde se sentaban algunos nobles, pero también críticos y eruditos, costaban 3 chelines; los comerciantes y profesionales ocupaban la primera galería con asientos que costaban 2 chelines, mientras que los sirvientes y otra "gente corriente", como los llama Misson, ocupaban los asientos de 1 chelín de la galería superior. Los asientos no estaban numerados y se ofrecían por orden de llegada, lo que llevó a muchos miembros de la alta burguesía a enviar sirvientes para reservar asientos mucho antes de las actuaciones. [35] El escenario tenía 14 m (45 pies) de ancho y 9,1 m (30 pies) de profundidad con un suelo rastrillado desde las candilejas hasta el telón de fondo. El ángulo de la rastrillaje se elevaba una pulgada por cada 610 mm (24 pulgadas) de escenario horizontal. El suelo del escenario incluía ranuras para los laterales y los pisos, además de trampillas en el suelo. El arco del proscenio cubría el equipo escénico que se encontraba sobre el escenario, que incluía un par de girondeles, grandes ruedas que sostenían muchas velas que se usaban para contrarrestar la luz de las candilejas. Hacia finales del siglo XVIII, se colocaron puertas a ambos lados del escenario y una serie de pequeñas púas trazaban el borde del faldón del escenario para evitar que el público subiera al escenario. En la parte trasera del escenario, una amplia puerta se abría para revelar Drury Lane. [39]
Una dificultad añadida para Killigrew y sus hijos Thomas y Charles fue la inestabilidad política de 1678-1684 con la conspiración papista y la crisis de la Ley de Exclusión que distrajo a los potenciales espectadores de las cosas teatrales. Esto afectó tanto a las compañías del Rey como a las del Duque, pero sobre todo a la del Rey, que no tenía margen de beneficio para superar los años de vacas flacas. En 1682, las compañías se fusionaron, o mejor dicho, la del Rey fue absorbida por la del Duque. Liderada en ese momento por Thomas Betterton , la United Company, como se llamaba ahora, eligió Drury Lane como su casa de producción, dejando cerrado durante un tiempo el teatro de la Duke's Company en Dorset Garden . En 1688, Betterton fue apartado del control administrativo por Alexander Davenant, hijo de William Davenant , el titular original de la patente de la Duke's Company. La gestión de Davenant (con Charles Killigrew) resultó breve y desastrosa, y en 1693 huyó a las Islas Canarias tras ser acusado de malversación de fondos. El Theatre Royal quedó en manos del abogado Christopher Rich durante los siguientes 16 años. [40]
Ni los hijos de Davenant ni los de Killigrew eran mucho más que delincuentes, [41] y Rich intentó recuperar sus depredaciones de los recursos de la compañía mediante una tiranía de reducción de costos, enfrentando a actores contra actores y recortando salarios. En 1695, los actores, incluido el gerente diario y leyenda de la actuación Thomas Betterton, estaban lo suficientemente alienados y humillados como para abandonar la compañía y establecer su propia compañía cooperativa. Nueve hombres y seis mujeres se fueron, todos ellos artistas profesionales establecidos, incluidos personajes tan atractivos como la trágica Elizabeth Barry y la comediante Anne Bracegirdle , dejando a la United Company, en adelante conocida como la "Patent Company", en "una condición muy despreciable", según un panfleto anónimo contemporáneo:
La desproporción era tan grande al despedirse que era casi imposible, en Drury Lane, reunir un número suficiente para abarcar todos los papeles de una obra; y tan pocos de ellos eran tolerables, que una obra debía necesariamente ser condenada si no contaba con el apoyo extraordinario del público. No menos de dieciséis (la mayoría de los antiguos) se marcharon, y con ellos la belleza y el vigor del escenario; los que quedaron eran en su mayoría aprendices, chicos y chicas, un rival muy desigual para los que se rebelaron. [42]
Una carta privada del 19 de noviembre de 1696 informaba de que Drury Lane «no tenía compañía en absoluto y, a menos que saliera una nueva obra el sábado para revivir su reputación, debían irse». [43] Se supone que la nueva obra fue The Relapse de John Vanbrugh , y resultó ser el éxito que la compañía necesitaba. Christopher Rich continuó al frente de la compañía hasta 1709, cuando la patente en cuestión fue revocada en medio de una compleja maraña de maquinaciones políticas. A un abogado llamado William Collier se le concedió brevemente el derecho de montar producciones en Drury Lane, pero en 1710 la compañía estaba en manos de los actores Colley Cibber , Robert Wilks y Thomas Doggett , un triunvirato que finalmente se vio agudamente satirizado en Dunciad de Alexander Pope . [44] En 1713, Barton Booth sustituyó a Doggett. [45] El 2 de marzo de 1717 se estrenó el ballet Los amores de Marte y Venus , coreografiado por John Weaver , y fue el primer ballet que se representó en Inglaterra.
Cibber era el líder de facto del triunvirato y dirigió el teatro durante un período controvertido pero generalmente exitoso hasta 1733, cuando vendió su participación mayoritaria a John Highmore. Es probable que la venta se hiciera a un precio enormemente inflado y que el objetivo de Colley fuera simplemente salir de deudas y obtener ganancias (véase Robert Lowe en su edición de Cibber's Apology ). Los miembros de la compañía en ese momento estaban muy descontentos; se organizó y ejecutó una revuelta de actores; Charles Fleetwood llegó a controlar el teatro. El mandato de Fleetwood fue tumultuoso; su abolición de la práctica de permitir a los lacayos el libre acceso a la galería superior provocó disturbios en 1737, y los problemas de juego de Fleetwood enredaron al teatro en sus propias dificultades financieras. [46] Fue durante este período que el actor Charles Macklin (nativo de Inishowen en el condado de Donegal en el Ulster ) saltó a la fama, impulsado por una actuación singular como Shylock en una producción de principios de 1741 de El mercader de Venecia , en la que introdujo un estilo realista y naturalista de actuación, abandonando la grandilocuencia artificial típica de los papeles dramáticos anteriores. [46]
En 1747, la patente del teatro de Fleetwood expiró. El teatro y una renovación de la patente fueron adquiridos por el actor David Garrick (que se había formado con Macklin anteriormente) y su socio James Lacy . Garrick trabajó como director y actor principal del teatro hasta aproximadamente 1766 y continuó en el papel de director durante otros diez años después de eso. Se le recuerda como uno de los grandes actores de teatro y se le asocia especialmente con el avance de la tradición shakespeariana en el teatro inglés: durante su estancia en Drury Lane, la compañía montó al menos 24 obras de Shakespeare. [47] Parte del aumento de la popularidad de Shakespeare durante este período se puede rastrear hasta la Ley de Licencias de 1737 , que exigía la aprobación gubernamental de cualquier obra antes de que pudiera representarse y, por lo tanto, creó una especie de vacío de material nuevo para representar. Garrick compartió escenario con otros músicos, entre ellos Peg Woffington , Susannah Cibber , Hannah Pritchard , Kitty Clive , Spranger Barry , Richard Yates y Ned Shuter. Fue bajo la dirección de Garrick que, por primera vez, se prohibió a los espectadores acceder al escenario. [48]
Garrick encargó a Robert Adam y a su hermano James que renovaran el interior del teatro, lo que hicieron en 1775. Entre sus añadidos se encontraban un techo ornamentado y una fachada de estuco que daba a Bridges Street. Esta fachada era la primera vez que una estructura que pudiera considerarse parte del teatro propiamente dicho colindaba con la calle: el edificio, al igual que el original de 1663, se había construido en el centro de la manzana, rodeado por otras estructuras. El estrecho pasaje que unía Bridges Street con el teatro se convirtió en un pasillo interior; también se construyó un espacio para oficinas del teatro detrás de la nueva fachada. [49]
En 1776, tras una serie de actuaciones de despedida, Garrick abandonó el teatro y vendió sus acciones al dramaturgo irlandés Richard Brinsley Sheridan . Sheridan y sus socios, Thomas Linley el mayor y el doctor James Ford (médico de la corte del rey Jorge III [50] ), completaron la compra de Drury Lane dos años más tarde, y Sheridan fue su propietario hasta 1809. [51] Sheridan estrenó su propia comedia de costumbres The School for Scandal en 1777. La gestión activa del teatro estuvo a cargo de varias partes durante la propiedad de Sheridan, incluido él mismo, su padre Thomas y, de 1788 a 1796 y de 1800 a 1802, el popular actor John Philip Kemble . [52] Linley asumió el puesto de director musical del teatro, recibiendo un anticipo de 500 libras esterlinas al año. [53]
Sheridan empleó a docenas de niños como extras en Drury Lane, incluido Joseph Grimaldi , quien hizo su debut en el escenario del teatro en 1780. [54] Grimaldi se hizo más conocido por su desarrollo del payaso de cara blanca moderno y popularizó el papel de payaso en muchas pantomimas y arlequinadas . [55] Hacia fines de la década de 1790, Grimaldi protagonizó Robinson Crusoe , que lo confirmó como un intérprete clave de pantomima navideña. Siguieron muchas pantomimas, pero su carrera en Drury Lane se volvió turbulenta y abandonó el teatro para siempre en 1806. [56]
El teatro necesitaba una renovación a finales del siglo XVIII y fue demolido en 1791, y la compañía se trasladó temporalmente al nuevo King's Theatre , en Haymarket . Henry Holland diseñó un tercer teatro y se inauguró el 12 de marzo de 1794. Para el diseño de los palcos, Henry Holland pidió ayuda a John Linnell . Los diseños de Linnell sobreviven en la Sala de Grabados del V&A ; también hay diseños de Henry Holland y Charles Heathcote Tatham, que participaron en el proceso de diseño. Se trataba de un teatro cavernoso con capacidad para más de 3.600 espectadores. [57] ¿ Cuál fue la motivación detrás de la construcción a tan gran escala? En palabras de un propietario:
Yo era consciente de la idea muy popular de que nuestros teatros deben ser muy pequeños; pero me parecía que si se permitía que esa idea tan popular llegara demasiado lejos, deterioraría en todos los sentidos nuestras representaciones dramáticas, privando a los propietarios de los ingresos que son indispensables para sufragar los elevados gastos de tal empresa. [58]
La nueva tecnología facilitó la expansión: columnas de hierro reemplazaron a la madera voluminosa, y sostenían cinco niveles de galerías. El escenario también era grande: 25 m de ancho y 28 m de profundidad. Holland, el arquitecto, dijo que era "de mayor escala que cualquier otro teatro de Europa". A excepción de las iglesias, era el edificio más alto de Londres. [58]
La "noción muy popular de que nuestros teatros deberían ser muy pequeños" resultó difícil de superar. Varios relatos de la época lamentan el tamaño gigantesco del nuevo teatro, añorando los "asientos cálidos y cercanos del Old Drury", como dijo un aficionado al teatro en mayo de 1794. [b] La actriz Sarah Siddons , que entonces formaba parte de la compañía Drury Lane, lo llamó "un lugar salvaje" (y abandonó Drury Lane junto con su hermano John Philip Kemble en 1803). No solo se perdió cualquier sensación de intimidad y conexión con la compañía en el escenario, sino que el propio tamaño del teatro colocaba a gran parte del público a una distancia tal del escenario que resultaba bastante difícil escuchar la voz de un actor. Para compensar, las producciones montadas en el nuevo teatro tendían más al espectáculo que a la palabra hablada. [58] Un ejemplo de este tipo de espectáculo es una producción de 1794 en la que se mostraba agua real que fluía por un arroyo rocoso hasta un lago lo suficientemente grande como para remar en un bote. Esta agua salía de tanques en los áticos sobre la casa, que se instalaron (junto con una muy promocionada cortina de seguridad de hierro ) como protección contra el fuego. [60]
Richard Sheridan siguió siendo el propietario del teatro durante toda la vida útil de este tercer edificio. Había crecido en estatura como estadista durante este tiempo, pero las dificultades económicas iban a ser su perdición. La reconstrucción de 1794 había costado el doble de la estimación original de 80.000 libras esterlinas, y Sheridan cargó con la totalidad de la deuda. Las producciones eran más caras de montar en la estructura más grande, y el aumento de los ingresos por audiencia no logró compensar la diferencia. [61]
El 15 de mayo de 1800, en el teatro se produjo un intento de asesinato contra el rey Jorge III. James Hadfield disparó dos tiros de pistola desde el foso hacia el rey, que estaba sentado en el palco real. Los disparos fallaron por centímetros, ya que Hadfield había sido empujado por un tal señor Dyte . [62] Hadfield fue rápidamente sometido y Jorge, aparentemente imperturbable, ordenó que la función continuara. [63]
El actor de comedia John Bannister se convirtió en director interino en 1802. Con el hijo de Sheridan , Tom , y en el círculo de Richard Wroughton (director de escena), William Dowton , Michael Kelly , Tom Dibdin y otros como él, ayudó a que el Theatre Royal superara su siguiente catástrofe. [64] El 24 de febrero de 1809, a pesar de las precauciones de seguridad contra incendios mencionadas anteriormente, el teatro se incendió. [65] Se dice que, cuando lo encontraron bebiendo una copa de vino en la calle mientras miraba el incendio, RB Sheridan dijo: "Seguramente a un hombre se le puede permitir tomar una copa de vino junto a su propia chimenea". [66] Sheridan, que ya se encontraba en una situación financiera muy precaria, quedó completamente arruinado por la pérdida del edificio. Recurrió al cervecero Samuel Whitbread , un viejo amigo, en busca de ayuda. [67] Además de invertir fuertemente en el proyecto, Whitbread aceptó encabezar un comité que administraría la compañía y supervisaría la reconstrucción del teatro, pero le pidió a Sheridan que se retirara de la administración, lo que hizo por completo en 1811. [68]
El actual Theatre Royal en Drury Lane, diseñado por Benjamin Dean Wyatt en nombre del comité dirigido por Whitbread, abrió sus puertas el 10 de octubre de 1812 con una producción de Hamlet con Robert Elliston en el papel principal. El nuevo teatro hizo algunas concesiones en cuanto a intimidad, con capacidad para 3.060 personas, unas 550 menos que el edificio anterior (aunque este tamaño todavía se considera un teatro extremadamente grande). El 6 de septiembre de 1817, la iluminación de gas se extendió desde el área de la audiencia hasta el escenario, lo que lo convirtió en el primer teatro británico en tener iluminación de gas en toda su extensión. [69] En 1820, se agregó el pórtico que aún se encuentra en la entrada principal del teatro en Catherine Street, y en 1822 el interior sufrió una remodelación significativa. La columnata que corre por el lado de Russell Street del edificio se agregó en 1831. [70]
En las nuevas instalaciones, las producciones que dependían más de la escenografía y los efectos que de los diálogos y la actuación siguieron siendo algo habitual. La producción de 1823 de La catarata del Ganges tenía un final en el que se mostraba una huida a caballo por una catarata que fluía "con fuego por todas partes". [71] Los efectos para una producción de 1829 se produjeron con un aparato hidráulico que, según se dice, podía descargar 39 toneladas de agua. [72]
Había quienes se preocupaban de que el teatro estaba fallando en su papel como uno de los pocos teatros a los que se les permitía mostrar drama legítimo. La gestión del teatro después de su reapertura en 1813 recayó en Samuel James Arnold , supervisado por una junta directiva amateur y un subcomité centrado en el teatro como centro de la cultura nacional. ( Lord Byron estuvo brevemente en este subcomité, desde junio de 1815 hasta que dejó Inglaterra en abril de 1816.) [73] El actor Edmund Kean fue el punto culminante en el escenario; como Macklin antes que él, se hizo famoso como Shylock , estrenándose en el papel en 1814. Kean permaneció hasta 1820 a través de elogios y disputas notorias con dramaturgos locales como Charles Bucke . [74]
Elliston alquiló el teatro desde 1819 hasta que se declaró en quiebra en 1826. Un estadounidense, Stephen Price, del Park Theatre de la ciudad de Nueva York , lo siguió desde 1826 hasta 1830.
Durante la mayor parte del resto del siglo XIX, Drury Lane pasó rápidamente de un propietario a otro. En 1831, el arquitecto Samuel Beazley añadió una columnata a la fachada de Russell Street . [75] En 1833, Alfred Bunn obtuvo el control tanto de Drury Lane como de Covent Garden, administrando el primero de 1833 a 1839, y nuevamente de 1843 a 1850. Siguiendo el ejemplo del Lyceum Theatre de Londres , Bunn defendió la ópera inglesa, en lugar de las óperas italianas que se habían representado anteriormente en el teatro. Estas incluían Fair Rosamond y Farinelli de John Barnett ; una serie de doce óperas de Michael Balfe , incluidas The Maid of Artois y The Bohemian Girl ; Maritana y otras de William Vincent Wallace y varias de Julius Benedict . [76] En 1837, el actor y director Samuel Phelps (1804-1878) se unió a la compañía en Drury Lane, apareciendo con William Charles Macready , el talentoso actor y director en varias obras de Shakespeare. También creó el papel del capitán Channel en el melodrama de Douglas Jerrold , The Prisoner of War (1842), y el de Lord Tresham en A Blot in the 'Scutcheon (1843) de Robert Browning . [77] Macready fue brevemente director entre 1841 y 1843, y puso en marcha importantes reformas. Sin embargo, la mayoría de las producciones allí fueron desastres financieros. [78]
El monopolio teatral otorgado por primera vez por Royal Letters Patent 183 años antes fue abolido por la Theatres Act 1843 , pero la patente había estado prácticamente inoperante durante décadas y esto tuvo poco efecto inmediato. Por otro lado, otros teatros, acostumbrados a presentar espectáculos musicales, continuaron haciéndolo, y Drury Lane continuó siendo uno de los lugares más aceptados para el teatro legítimo. La racha de fracasos financieros y artísticos del siglo XIX en Drury Lane se vio interrumpida por cuatro obras producidas durante un período de veinticinco años por el actor y dramaturgo Dion Boucicault : The Queen of Spades (1851), Eugenie (1855), Formosa (1869) y The Shaughraun (1875). Pero este período de decadencia general culminó con la renuncia de FB Chatterton en 1878; en sus palabras, "Shakespeare significa ruina y Byron bancarrota". [46] Durante el siglo XIX, Drury Lane también organizó ballet, con intérpretes como la italiana Carlotta Grisi . [79]
Un famoso director musical de Drury Lane fue el excéntrico director y compositor de música ligera francés Louis-Antoine Jullien (1812-1860), quien invitó con éxito a Berlioz a visitar Londres y dar conciertos en el teatro. [80]
La fortuna de la casa volvió a mejorar bajo la dirección de Augustus Harris a partir de 1879. En las décadas de 1880 y 1890, el teatro albergó muchas de las producciones de la Compañía de Ópera Carl Rosa . Harris concentró mayores recursos en la pantomima anual del teatro , comenzando en la Navidad de 1888, y agregó un comediante conocido, Dan Leno . Estos espectaculares espectáculos navideños fueron un gran éxito y a menudo se representaban hasta marzo. Fueron coreografiados por el maestro de baile del teatro, John D'Auban . Muchos de los diseños bajo Harris fueron creados por el imaginativo diseñador C. Wilhelm , incluido el drama espectacular Armada (1888) y muchas de las pantomimas. [81] Las producciones que dependían del espectáculo se convirtieron en la norma en Drury Lane bajo las direcciones primero de Harris, de 1879 a 1896, y luego de Arthur Collins de 1896 a 1923. [46] Los ejemplos incluyen la obra de 1909, The Whip , que presentaba no solo un choque de trenes, sino también doce caballos recreando la carrera de 2000 Guineas en una cinta de correr en el escenario. [82] Jimmy Glover , director musical de 1893 a 1923, fue una figura importante en el teatro durante los años de Collins y escribió libros que registran mucho más que su vida musical. [83]
En 1922, bajo la propiedad del director gerente Sir Alfred Butt , el teatro experimentó su última renovación interior importante del siglo XX. [84] Con un costo de £ 150,000, [84] se convirtió en un teatro de cuatro niveles con capacidad para poco más de 2,000 personas. [85] Fue decorado con uno de los interiores más notables producidos por la compañía especializada en yeserías ornamentales de Clark y Fenn . [86] El compositor e intérprete Ivor Novello , inmensamente popular en su época aunque poco recordado hoy, presentó sus musicales en Drury Lane de 1931 a 1939.
El teatro cerró en 1939 debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial . Durante la guerra, sirvió como sede de la Asociación Nacional de Servicios de Entretenimiento , sufriendo algunos daños menores por bombas. Reabrió en 1946 con la obra Pacific 1860 de Noël Coward . [46]
El edificio fue declarado monumento histórico de Grado I en febrero de 1958. [87]
En 2000, el Theatre Royal Drury Lane fue adquirido por Andrew Lloyd Webber . [88] Desde 2014 [actualizar], ha sido propiedad y está gestionado por LW Theatres, la empresa de gestión de Lloyd Webber. [89] El plano de asientos del teatro sigue siendo el mismo y el auditorio sigue siendo uno de los más grandes del West End de Londres . Es uno de los 40 teatros que aparecen en la serie documental en DVD de 2012 Great West End Theatres , presentada por Donald Sinden . [90]
El 15 de mayo de 2013, Lloyd Webber reveló una restauración de £4 millones del teatro para conmemorar su 350 aniversario. [91] Utilizando un equipo de especialistas, [92] la restauración detallada ha devuelto las áreas públicas de la Rotonda, las Escaleras Reales y el Gran Salón, todas las cuales eran parte del teatro de 1810, a su estilo Regencia original . [91]
Cuatro de los musicales de Rodgers y Hammerstein debutaron en Londres en Drury Lane, y se mantuvieron en el escenario casi continuamente durante casi una década, entre ellos Oklahoma! (1947-1950), [93] Carousel (1950-1951), [3] South Pacific (1951-1953) y The King and I (1953-1956). [94] Las importaciones estadounidenses también incluyeron My Fair Lady de Lerner y Loewe , que comenzó una carrera de cinco años en 1958. [46] Las producciones de la década de 1960 incluyeron Camelot (1964-1965), Hello, Dolly! (1965-1967) y The Great Waltz (1970-1972). [3] En 1974, Monty Python grabó un álbum en el teatro, Live at Drury Lane . [95]
Las funciones posteriores de larga duración en el teatro incluyen producciones de A Chorus Line (1976-1979), 42nd Street (1984-1989), Miss Saigon (1989-1999, el espectáculo de mayor duración del teatro), [3] The Producers (2004-2007), [96] El señor de los anillos (2007-2008), [97] Oliver! (2009-2011), [98] Shrek The Musical (2011-2013), [99] Charlie and the Chocolate Factory the Musical (2013-2017), [100] y Frozen (2021-2024). [101]
Entre las producciones notables desde 1919 se incluyen: [102]
El autor Tom Ogden llama al Theatre Royal uno de los teatros más embrujados del mundo. [107] La aparición de casi cualquiera de los pocos fantasmas que se dice que frecuentan el teatro es señal de buena suerte para un actor o una producción. El fantasma más famoso es el "Hombre de Gris", que aparece vestido como un noble de finales del siglo XVIII: cabello empolvado debajo de un sombrero tricornio , una chaqueta de vestir y capa o manto, botas de montar y una espada. La leyenda dice que el Hombre de Gris es el fantasma de un hombre apuñalado con un cuchillo cuyos restos esqueléticos fueron encontrados dentro de un pasaje lateral tapiado en 1848. [108] Varias personas han informado haber visto al fantasma, incluido WJ MacQueen-Pope , quien describió su camino habitual como comenzando al final de la cuarta fila en el círculo superior y luego avanzando por la pasarela trasera hasta la pared cerca del palco real, donde se encontraron los restos. [109]
También se supone que los fantasmas del actor Charles Macklin y del payaso Joseph Grimaldi rondan el teatro. Macklin aparece entre bastidores, deambulando por el pasillo que ahora se encuentra en el lugar donde, en 1735, mató a su compañero actor Thomas Hallam en una discusión por una peluca ("¡Maldito seas por ser un canalla, un bribón, un granuja!", gritó, clavando un bastón en la cara de Hallam y atravesándole el ojo izquierdo). [110] Se dice que Grimaldi es una aparición servicial, que supuestamente guió hábilmente a actores nerviosos por el escenario en más de una ocasión. El comediante Stanley Lupino dijo que había visto el fantasma de Dan Leno en un camerino. [111]
