Arnold Schoenberg o Schönberg [a] (13 de septiembre de 1874 - 13 de julio de 1951) fue un compositor, teórico musical, profesor y escritor austríaco y estadounidense. Fue uno de los primeros modernistas que transformaron la práctica de la armonía en la música clásica del siglo XX , y un elemento central de su música fue el uso de motivos como medio de coherencia. Propuso conceptos como el desarrollo de la variación , la emancipación de la disonancia y la " unidad del espacio musical ".
Las primeras obras de Schoenberg, como Verklärte Nacht (1899), representaron una síntesis brahmsiana - wagneriana sobre la que construyó. Como mentor de Anton Webern y Alban Berg , se convirtió en la figura central de la Segunda Escuela de Viena . [b] Se asociaron con artistas visuales, publicaron en Der Blaue Reiter y escribieron música atonal y expresionista , atrayendo fama y provocando debates. En su Cuarteto de cuerdas n.º 2 (1907-1908), Erwartung (1909) y Pierrot lunaire (1912), Schoenberg visitó extremos de emoción; en autorretratos enfatizó su mirada intensa. Mientras trabajaba en Die Jakobsleiter (de 1914) y Moses und Aron (de 1923), Schoenberg enfrentó el antisemitismo popular volviendo al judaísmo y desarrolló sustancialmente su técnica dodecafónica . En su música dodecafónica interrelacionó sistemáticamente todas las notas de la escala cromática , explotando a menudo hexacordios combinatorios y admitiendo en ocasiones elementos tonales .
Schoenberg renunció a la Academia Prusiana de las Artes (1926-1933), emigrando cuando los nazis tomaron el poder; prohibieron su música (y la de sus estudiantes), etiquetándola de " degenerada ". [1] [2] Enseñó en los EE. UU., incluida la Universidad de California en Los Ángeles (1936-1944), donde las instalaciones llevan su nombre en su honor . Exploró la escritura de música para películas (como lo había hecho idiosincráticamente en Begleitungsmusik zu einer Lichtspielscene , 1929-1930) y escribió música más tonal, completando su Sinfonía de cámara n.º 2 en 1939. Con la ciudadanía (1941) y la entrada de EE. UU. en la Segunda Guerra Mundial , satirizó a los tiranos fascistas en Oda a Napoleón (1942, después de Byron ), desplegando el motivo del destino de Beethoven y La Marsellesa . La Viena de posguerra lo atraía con su ciudadanía honoraria , pero Schoenberg estaba enfermo, como se describe en su Trío de cuerdas (1946). Cuando el mundo se enteró del Holocausto , conmemoró a sus víctimas en Un superviviente de Varsovia (1947). El Conservatorio y Academia de Música de Israel lo eligió presidente honorario (1951).
Su música innovadora estuvo entre las más influyentes y polémicas de la música clásica del siglo XX. Al menos tres generaciones de compositores ampliaron sus principios algo formales . Sus puntos de vista estéticos e histórico-musicales influyeron en los musicólogos Theodor W. Adorno y Carl Dahlhaus . [c] El Centro Arnold Schönberg recoge su legado de archivo.
Arnold Schoenberg nació en una familia judía de clase media baja en el distrito de Leopoldstadt (antiguamente un gueto judío ) de Viena, en Obere Donaustraße 5. Su padre Samuel, oriundo de Szécsény , Hungría, [d] más tarde se mudó a Pozsony (Presburgo, en ese momento parte del Reino de Hungría, ahora Bratislava , Eslovaquia) y luego a Viena, era zapatero , y su madre Pauline Schoenberg (de soltera Nachod), oriunda de Praga, era profesora de piano. [3] Arnold fue en gran parte autodidacta. Tomó solo lecciones de contrapunto con el compositor Alexander Zemlinsky , quien se convertiría en su primer cuñado. [4]
A sus veinte años, Schoenberg se ganaba la vida orquestando operetas , al tiempo que componía sus propias obras, como el sexteto de cuerda Verklärte Nacht ("Noche transfigurada") (1899). Más tarde hizo una versión orquestal de esta, que se convirtió en una de sus piezas más populares. Tanto Richard Strauss como Gustav Mahler reconocieron la importancia de Schoenberg como compositor; Strauss cuando se encontró con los Gurre-Lieder de Schoenberg , y Mahler después de escuchar varias de las primeras obras de Schoenberg.
Strauss adoptó un lenguaje más conservador en su propia obra después de 1909, y en ese momento descartó a Schoenberg. Mahler lo adoptó como protegido y continuó apoyándolo, incluso después de que el estilo de Schoenberg llegara a un punto que Mahler ya no podía entender. Mahler se preocupaba por quién cuidaría de él después de su muerte. [5] Schoenberg, que inicialmente había despreciado y se había burlado de la música de Mahler, se convirtió por el "rayo" de la Tercera Sinfonía de Mahler , que consideró una obra de genio. Después "habló de Mahler como un santo". [6] [7]
En 1898, Schoenberg se convirtió al cristianismo en la Iglesia luterana . Según MacDonald (2008, 93), esto fue en parte para fortalecer su apego a las tradiciones culturales de Europa occidental y en parte como un medio de autodefensa "en una época de resurgimiento del antisemitismo". En 1933, después de una larga meditación, regresó al judaísmo, porque se dio cuenta de que "su herencia racial y religiosa era ineludible", y para adoptar una posición inequívoca en el lado opuesto al nazismo. Más tarde en su vida se identificaría como miembro de la religión judía. [8]
En octubre de 1901, Schoenberg se casó con Mathilde Zemlinsky, hermana del director y compositor Alexander von Zemlinsky , con quien Schoenberg había estado estudiando desde aproximadamente 1894. Schoenberg y Mathilde tuvieron dos hijos, Gertrud (1902-1947) y Georg (1906-1974). Gertrud se casaría con el alumno de Schoenberg, Felix Greissle en 1921. [9]
Durante el verano de 1908, la esposa de Schoenberg, Mathilde, lo dejó durante varios meses por un joven pintor austríaco, Richard Gerstl (quien se suicidó en noviembre de ese año después de que Mathilde volviera a su matrimonio). Este período marcó un cambio claro en la obra de Schoenberg. Fue durante la ausencia de su esposa que compuso "Te apoyas contra un sauce plateado" ( ‹Ver Tfd› en alemán: Du lehnest broader eine Silberweide ), la decimotercera canción del ciclo Das Buch der Hängenden Gärten , Op. 15, basada en la colección del mismo nombre del poeta místico alemán Stefan George . Esta fue la primera composición sin ninguna referencia a una tonalidad . [10]
También en este año, Schoenberg completó una de sus composiciones más revolucionarias, el Cuarteto de cuerdas n.º 2. Los dos primeros movimientos, aunque cromáticos en color, utilizan las tonalidades tradicionales . Los dos movimientos finales, nuevamente utilizando poesía de George, incorporan una línea vocal de soprano, rompiendo con la práctica previa del cuarteto de cuerdas y debilitando audazmente los vínculos con la tonalidad tradicional . Ambos movimientos terminan en acordes tónicos y la obra no es completamente no tonal.
Durante el verano de 1910, Schoenberg escribió su Harmonielehre ( Teoría de la armonía , Schoenberg 1922), que sigue siendo uno de los libros de teoría musical más influyentes. Desde aproximadamente 1911, Schoenberg perteneció a un círculo de artistas e intelectuales que incluía a Lene Schneider-Kainer , Franz Werfel , Herwarth Walden y Else Lasker-Schüler .
En 1910 conoció a Edward Clark , un periodista musical inglés que trabajaba en Alemania. Clark se convirtió en su único alumno inglés y, en su función posterior como productor de la BBC, fue el responsable de presentar muchas de las obras de Schoenberg, y al propio Schoenberg, en Gran Bretaña (así como a Webern , Berg y otros).
Otra de sus obras más importantes de este período atonal o pantonal es el muy influyente Pierrot lunaire , Op. 21, de 1912, un novedoso ciclo de canciones expresionistas ambientadas en una traducción alemana de poemas del poeta belga-francés Albert Giraud . Utilizando la técnica de Sprechstimme , o recitación hablada melodramática, la obra empareja a una vocalista femenina con un pequeño conjunto de cinco músicos. El conjunto, que ahora se conoce comúnmente como el conjunto Pierrot , consta de flauta (doblando en flautín ), clarinete (doblando en clarinete bajo ), violín (doblando en viola), violonchelo, altavoz y piano.
Wilhelm Bopp ), director del Conservatorio de Viena desde 1907, quería un descanso del ambiente rancio que para él representaban Robert Fuchs y Hermann Graedener . Tras considerar a muchos candidatos, ofreció puestos de profesor a Schoenberg y Franz Schreker en 1912. En ese momento, Schoenberg vivía en Berlín. No estaba completamente apartado del Conservatorio de Viena, ya que había impartido un curso de teoría privado un año antes. Consideró seriamente la oferta, pero la rechazó. En una carta posterior a Alban Berg, citó su "aversión a Viena" como la principal razón de su decisión, al tiempo que contemplaba que podría haber sido la equivocada desde el punto de vista financiero, pero habiéndola tomado se sentía satisfecho. Un par de meses después, le escribió a Schreker sugiriendo que también podría haber sido una mala idea para él aceptar el puesto de profesor. [11]
La Primera Guerra Mundial supuso una crisis en su desarrollo. El servicio militar interrumpió su vida cuando a los 42 años se alistó en el ejército. Nunca pudo trabajar de forma ininterrumpida ni durante un tiempo prolongado, por lo que dejó muchas obras inacabadas y "comienzos" sin desarrollar.
En una ocasión, un oficial superior le exigió saber si él era "ese notorio Schoenberg, entonces"; Schoenberg respondió: "Permítame informarle, señor, sí. Nadie quería serlo, alguien tenía que serlo, así que dejé que fuera yo". [12] Según Norman Lebrecht , esto es una referencia al aparente "destino" de Schoenberg como el "Emancipador de la Disonancia" . [13]
Schoenberg hizo comparaciones entre el ataque de Alemania a Francia y su ataque a los valores artísticos burgueses decadentes. En agosto de 1914, al denunciar la música de Bizet , Stravinsky y Ravel , escribió: «¡Ahora llega el momento de rendir cuentas! Ahora arrojaremos a estos mediocres kitschmangers a la esclavitud y les enseñaremos a venerar el espíritu alemán y a adorar al Dios alemán». Alex Ross describió esto como un «acto de psicosis de guerra». [14]
El deterioro de la relación entre los compositores contemporáneos y el público lo llevó a fundar la Sociedad para Interpretaciones Musicales Privadas ( Verein für musikalische Privataufführungen en alemán) en Viena en 1918. Buscó proporcionar un foro en el que las composiciones musicales modernas pudieran prepararse y ensayarse cuidadosamente, e interpretarse adecuadamente en condiciones protegidas de los dictados de la moda y las presiones del comercio.
Desde su creación hasta su disolución en medio de la hiperinflación austríaca , la Sociedad presentó 353 interpretaciones a miembros que pagaban la entrada, a veces semanalmente. Durante el primer año y medio, Schoenberg no permitió que se interpretara ninguna de sus propias obras. [15] En cambio, el público de los conciertos de la Sociedad escuchó composiciones contemporáneas difíciles de Scriabin , Debussy , Mahler, Webern, Berg, Reger y otras figuras destacadas de la música de principios del siglo XX. [16]
Más tarde, Schoenberg desarrollaría la versión más influyente del método de composición dodecafónico (también conocido como dodecafonismo ), que en francés e inglés recibió el nombre alternativo de serialismo por parte de René Leibowitz y Humphrey Searle en 1947. Esta técnica fue adoptada por muchos de sus estudiantes, que constituyeron la llamada Segunda Escuela de Viena . Entre ellos se encontraban Anton Webern , Alban Berg y Hanns Eisler , todos ellos profundamente influenciados por Schoenberg. Publicó varios libros, que van desde su famoso Harmonielehre ( Teoría de la armonía ) hasta Fundamentos de la composición musical , [17] muchos de los cuales todavía se imprimen y son utilizados por músicos y compositores en desarrollo.
Schoenberg consideró su desarrollo como una progresión natural y no despreció sus obras anteriores cuando se aventuró en el serialismo. En 1923 escribió al filántropo suizo Werner Reinhart :
Por el momento, me importa más que la gente entienda mis obras antiguas... Son los precursores naturales de mis obras posteriores, y sólo aquellos que las entiendan y comprendan podrán llegar a comprenderlas más allá de un mínimo de moda. No le doy tanta importancia a ser un fantasma musical como a ser un continuador natural de una buena y antigua tradición bien entendida. [18] [19]
Su primera esposa murió en octubre de 1923, y en agosto del año siguiente Schoenberg se casó con Gertrud Kolisch (1898-1967), hermana de su alumno, el violinista Rudolf Kolisch . [9] [20] Tuvieron tres hijos: Nuria Dorothea (nacida en 1932), Ronald Rudolf (nacido en 1937) y Lawrence Adam (nacido en 1941). Gertrude Kolisch Schoenberg escribió el libreto para la ópera de un acto de Schoenberg Von heute auf morgen bajo el seudónimo de Max Blonda. A petición suya, la pieza de Schoenberg (finalmente inacabada), Die Jakobsleiter, fue preparada para su interpretación por el alumno de Schoenberg Winfried Zillig . Después de la muerte de su marido en 1951, fundó Belmont Music Publishers dedicada a la publicación de sus obras. [21] Arnold utilizó las notas Sol y Mi ♭ (en alemán: Es, es decir, "S") para "Gertrud Schoenberg", en la Suite para septeto, Op. 29 (1925). [22] (véase criptograma musical ).
Tras la muerte en 1924 del compositor Ferruccio Busoni , que había servido como director de una clase magistral de composición en la Academia Prusiana de las Artes en Berlín, Schoenberg fue designado para este puesto al año siguiente, pero debido a problemas de salud no pudo asumir su puesto hasta 1926. Entre sus estudiantes notables durante este período estaban los compositores Robert Gerhard, Nikos Skalkottas y Josef Rufer .
Junto con sus obras dodecafónicas, 1930 marca el regreso de Schoenberg a la tonalidad, con los números 4 y 6 de las Seis piezas para coro masculino Op. 35, siendo las otras piezas dodecafónicas. [23]
Schoenberg continuó en su puesto hasta que los nazis tomaron el poder en 1933. Mientras estaba de vacaciones en Francia, le advirtieron que regresar a Alemania sería peligroso. Schoenberg reclamó formalmente su membresía en la religión judía en una sinagoga de París [24] y luego emigró a los Estados Unidos con su familia [25] . Posteriormente consideró brevemente mudarse nuevamente, ya sea a Inglaterra o a la Unión Soviética [26] .
Su primer puesto de profesor en los Estados Unidos fue en el Conservatorio Malkin ( Universidad de Boston ). Se trasladó a Los Ángeles, donde enseñó en la Universidad del Sur de California y la Universidad de California en Los Ángeles , que más tarde bautizaron un edificio de música en sus respectivos campus como Schoenberg Hall. [27] [28] Fue nombrado profesor visitante en la UCLA en 1935 por recomendación de Otto Klemperer , director musical y conductor de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles ; [29] y al año siguiente fue ascendido a profesor con un salario de 5.100 dólares al año, lo que le permitió en mayo de 1936 o 1937 comprar una casa de estilo neoespañol en 116 North Rockingham en Brentwood Park , cerca del campus de la UCLA, por 18.000 dólares. Esta dirección estaba justo al otro lado de la calle de la casa de Shirley Temple , y allí se hizo amigo de su compañero compositor (y compañero de tenis) George Gershwin . Los Schoenberg pudieron contratar a ayuda doméstica y comenzaron a celebrar reuniones los domingos por la tarde que eran conocidas por su excelente café y sus pasteles vieneses. Entre los invitados frecuentes se encontraban Otto Klemperer (que estudió composición en forma privada con Schoenberg a partir de abril de 1936), Edgard Varèse , Joseph Achron , Louis Gruenberg , Ernst Toch y, en ocasiones, actores conocidos como Harpo Marx y Peter Lorre . [30] [31] [32] [33] [34] [35] Los compositores Leonard Rosenman [36] y George Tremblay [37] y el orquestador de Hollywood Edward B. Powell estudiaron con Schoenberg en esta época. [38]
Después de mudarse a los Estados Unidos, donde llegó el 31 de octubre de 1933, [39] el compositor utilizó la ortografía alternativa de su apellido Schoenberg , en lugar de Schönberg , en lo que llamó "deferencia a la práctica estadounidense", [40] aunque según un escritor hizo el cambio por primera vez un año antes. [41]
Schoenberg vivió allí el resto de su vida, pero al principio no se estableció. En 1934, solicitó un puesto de profesor de armonía y teoría en el Conservatorio Estatal de Nueva Gales del Sur en Sídney. Vincent Plush descubrió su solicitud en la década de 1970. Tenía dos notas con diferente letra: "judío" en una y "ideas modernistas y tendencias peligrosas" en otra marcada EB ( Edgar Bainton ). [42] Schoenberg también exploró la idea de emigrar a Nueva Zelanda. Su secretario y estudiante Richard Hoffmann , sobrino de la suegra de Schoenberg, Henriette Kolisch, vivió en Nueva Zelanda entre 1935 y 1947. Schoenberg había estado fascinado desde la infancia con las islas y con Nueva Zelanda en particular, posiblemente debido a sus sellos postales. [43] Abandonó la idea de mudarse a Nueva Zelanda después de que su salud comenzó a decaer en 1944. [44]
Durante este período final, compuso varias obras notables, incluyendo el difícil Concierto para violín , Op. 36 (1934/36), el Kol Nidre , Op. 39, para coro y orquesta (1938), la Oda a Napoleón Bonaparte , Op. 41 (1942), el inquietante Concierto para piano , Op. 42 (1942), y su memorial a las víctimas del Holocausto , Un superviviente de Varsovia , Op. 46 (1947). No pudo completar su ópera Moses und Aron (1932/33), que fue una de las primeras obras de su género escritas completamente utilizando la composición dodecafónica . Junto con la música dodecafónica, Schoenberg también regresó a la tonalidad con obras durante su último período, como la Suite para cuerdas en sol mayor (1935), la Sinfonía de cámara n.º 2 en mi bemol menor, Op. 38 (comenzó en 1906, terminó en 1939), las Variaciones sobre un recitativo en re menor, Op. 40 (1941). Durante este período, sus alumnos notables incluyeron a John Cage y Lou Harrison . [36]
En 1941 se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos. [45] Aquí fue el primer compositor residente en el conservatorio de verano de la Academia de Música del Oeste . [46]
La naturaleza supersticiosa de Schoenberg pudo haber desencadenado su muerte. El compositor tenía triscaidecafobia y, según su amiga Katia Mann, temía morir durante un año que fuera múltiplo de 13. [47] Esto posiblemente comenzó en 1908 con la composición de la decimotercera canción del ciclo de canciones Das Buch der Hängenden Gärten Op. 15. [10] Temía tanto su sexagésimo quinto cumpleaños en 1939 que un amigo le pidió al compositor y astrólogo Dane Rudhyar que preparara el horóscopo de Schoenberg . Rudhyar lo hizo y le dijo a Schoenberg que el año era peligroso, pero no fatal.
Pero en 1950, el día de su 76 cumpleaños, un astrólogo le escribió una nota a Schoenberg advirtiéndole que el año era crítico: 7 + 6 = 13. [48] Esto dejó atónito y deprimido al compositor, pues hasta ese momento sólo había tenido cuidado con los múltiplos de 13 y nunca había considerado sumar los dígitos de su edad. Murió el viernes 13 de julio de 1951, poco antes de medianoche. Schoenberg había permanecido en cama todo el día, enfermo, ansioso y deprimido. Su esposa Gertrud informó en un telegrama a su cuñada Ottilie al día siguiente que Arnold murió a las 11:45 pm, 15 minutos antes de medianoche. [49] En una carta a Ottilie fechada el 4 de agosto de 1951, Gertrud explica: "A eso de las doce menos cuarto miré el reloj y me dije: falta otro cuarto de hora y lo peor habrá pasado. Entonces me llamó el médico. La garganta de Arnold tembló dos veces, su corazón dio un fuerte latido y ese fue el final". [50]
Las cenizas de Schoenberg fueron enterradas posteriormente en el Zentralfriedhof de Viena el 6 de junio de 1974. [51]
Las composiciones más significativas de Schoenberg en el repertorio de la música moderna abarcan un período de más de 50 años. Tradicionalmente se las divide en tres períodos, aunque se podría decir que esta división es arbitraria, ya que la música de cada uno de estos períodos es considerablemente variada. La idea de que su período dodecafónico "representa un cuerpo de obras estilísticamente unificado simplemente no está respaldada por la evidencia musical", [54] y las características musicales importantes, especialmente las relacionadas con el desarrollo motívico , trascienden estos límites por completo.
El primero de estos períodos, 1894-1907, se identifica con el legado de los compositores del alto romanticismo de finales del siglo XIX, así como con los movimientos expresionistas en poesía y arte. El segundo, 1908-1922, se caracteriza por el abandono de los centros tonales , un movimiento que a menudo se describe (aunque no por Schoenberg) como " atonalidad libre ". El tercero, a partir de 1923, comienza con la invención por parte de Schoenberg del método compositivo dodecafónico o "dodecafónico". Los estudiantes más conocidos de Schoenberg, Hanns Eisler , Alban Berg y Anton Webern , siguieron fielmente a Schoenberg a través de cada una de estas transiciones intelectuales y estéticas, aunque no sin una considerable experimentación y variedad de enfoques.
A partir de canciones y cuartetos de cuerda escritos a finales del siglo XIX, las preocupaciones de Schoenberg como compositor lo posicionaron de manera única entre sus pares, en el sentido de que sus procedimientos exhibían características tanto de Brahms como de Wagner , quienes para la mayoría de los oyentes contemporáneos eran considerados polos opuestos, representando direcciones mutuamente excluyentes en el legado de la música alemana. Zwei Gesänge , Op. 1 de Schoenberg , interpretada por primera vez en 1903, puso música expresiva a dos poemas contemporáneos que bordeaban los límites del género Lied . Las Seis canciones, Op. 3 de Schoenberg (1899-1903), por ejemplo, exhiben una claridad conservadora de organización tonal típica de Brahms y Mahler, lo que refleja un interés en frases equilibradas y una jerarquía imperturbable de relaciones tonales. Sin embargo, las canciones también exploran un cromatismo incidental inusualmente audaz y parecen aspirar a un enfoque "representacional" wagneriano de la identidad motívica.
La síntesis de estos enfoques alcanza su punto culminante en su Verklärte Nacht , Op. 4 (1899), una obra programática para sexteto de cuerdas que desarrolla varios temas distintivos similares a " leitmotiv " , cada uno eclipsando y subordinando al anterior. Los únicos elementos motívicos que persisten a lo largo de la obra son aquellos que se disuelven, varían y recombinan perpetuamente, en una técnica, identificada principalmente en la música de Brahms, que Schoenberg llamó " variación en desarrollo ". Los procedimientos de Schoenberg en la obra están organizados de dos maneras simultáneamente; a la vez sugiriendo una narrativa wagneriana de ideas motívicas, así como un enfoque brahmsiano del desarrollo motívico y la cohesión tonal.
Citando a Berg y Webern sobre el Cuarteto de cuerdas n.º 1, Op. 7 (1904-1905) de Schoenberg , [55] Joseph N. Straus enfatizó la importancia de la "coherencia motívica" en las obras de los tres en general. [56] [e] "Cada giro de frase , incluso la figuración de acompañamiento , es significativa", afirmó Berg, elogiando entre paréntesis el "exceso inaudito desde Bach " de Schoenberg. Webern se maravilló de cómo "Schoenberg crea una figura de acompañamiento a partir de una partícula motívica", proclamando "¡todo es temático! No hay... ni una sola nota... que no tenga una base temática". [55]
La urgencia de las construcciones musicales carentes de centros tonales o de relaciones tradicionales de disonancia-consonancia se remonta a la Sinfonía de cámara n.º 1 , Op. 9 (1906) de Schoenberg. Esta obra es notable por su desarrollo tonal de armonías de tonos enteros y cuartales , y por su inicio de relaciones de conjunto dinámicas e inusuales, que implican interrupciones dramáticas y alianzas instrumentales impredecibles. Muchas de estas características caracterizarían la estética de la música de cámara orientada al timbre del siglo venidero.
La música de Schoenberg a partir de 1908 experimenta de diversas maneras con la ausencia de tonalidades tradicionales o centros tonales . Su primera pieza explícitamente atonal fue el segundo cuarteto de cuerdas , Op. 10, con soprano. El último movimiento de esta pieza no tiene armadura de tonalidad, lo que marca el divorcio formal de Schoenberg de las armonías diatónicas . Otras obras importantes de la época incluyen su ciclo de canciones Das Buch der Hängenden Gärten , Op. 15 (1908-1909), sus Cinco piezas orquestales , Op. 16 (1909), el influyente Pierrot lunaire , Op. 21 (1912), así como su dramática Erwartung , Op. 17 (1909). En las páginas 10, 15-16 y 19, Webern argumentó: “Crea valores expresivos completamente nuevos ; por lo tanto, también necesita nuevos medios de expresión. El contenido y la forma no pueden separarse”. [58]
Los analistas (sobre todo Allen Forte ) enfatizaron tanto las formas motívicas en la música "atonal libre" de Schoenberg (y de Berg y Webern) que Benjamin Boretz y William Benjamin sugirieron referirse a ella como música "motívica". El propio Schoenberg describió su uso de una unidad motívica "variada y desarrollada de múltiples maneras" en Cuatro canciones orquestales , Op. 22 (1913-1916), escribiendo que estaba "en las etapas preliminares de un procedimiento... que permite que un motivo sea una base constante". Straus consideró que la designación "música 'motívica'" podría aplicarse "de manera modificada" a la música dodecafónica en general. [55]
Después de la Primera Guerra Mundial , Schoenberg buscó un principio ordenador que hiciera más simple y clara su textura musical . Así llegó a su "método de composición con doce tonos que están relacionados sólo entre sí". [59] Los doce tonos de la octava (normalmente no realizados en la composición) se consideran iguales, y a ninguna nota o tonalidad se le da el énfasis que ocupaba en la armonía clásica. Schoenberg consideraba el sistema de doce tonos como el equivalente en música de los descubrimientos de Albert Einstein en física. Schoenberg le dijo a Josef Rufer : "He hecho un descubrimiento que asegurará la supremacía de la música alemana durante los próximos cien años". [60]
Entre las obras dodecafónicas de Schoenberg se encuentran las Variaciones para orquesta , Op. 31 (1928); Begleitungsmusik zu einer Lichtspielscene , Op. 34 (1930); Piezas para piano , Op. 33a y b (1931), y el Concierto para piano , Op. 42 (1942). Contrariamente a su reputación de estrictez doctrinaria, la técnica de Schoenberg variaba según las exigencias musicales de cada composición. Así, la estructura musical de su ópera inacabada Moses und Aron es fundamentalmente diferente de la de su Fantasía para violín y piano, Op. 47 (1949).
Diez características de la práctica dodecafónica madura de Schoenberg son generalmente características, interdependientes e interactivas según Ethan Haimo: [61]
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Después de algunas dificultades iniciales, Schoenberg comenzó a ganar aceptación del público con obras como el poema sinfónico Pelleas und Melisande en una interpretación en Berlín en 1907. En el estreno en Viena de los Gurre-Lieder en 1913, recibió una ovación que duró un cuarto de hora y culminó con la entrega de una corona de laurel a Schoenberg. [62] [63]
Sin embargo, gran parte de su obra no fue bien recibida. Su Sinfonía de cámara n.º 1 se estrenó sin mayor novedad en 1907. Sin embargo, cuando se interpretó nuevamente en el Skandalkonzert el 31 de marzo de 1913 (que también incluía obras de Berg , Webern y Zemlinsky ), "se podía escuchar el sonido estridente de las llaves de la puerta entre los aplausos violentos, y en la segunda galería comenzó la primera pelea de la noche". Más tarde en el concierto, durante una interpretación de los Lieder de Altenberg de Berg, estalló una pelea después de que Schoenberg interrumpiera la actuación para amenazar con que la policía expulsara a cualquier alborotador. [64]
Según Ethan Haimo, la comprensión general de la obra dodecafónica de Schoenberg ha sido difícil de lograr debido a la "naturaleza verdaderamente revolucionaria" de su nuevo sistema, la desinformación difundida por algunos de los primeros escritores sobre las "reglas" y "excepciones" del sistema que tienen "poca relación con las características más significativas de la música de Schoenberg", el secretismo del compositor y la falta generalizada de disponibilidad de sus bocetos y manuscritos hasta finales de la década de 1970. Durante su vida, Schoenberg fue "sometido a una serie de críticas y abusos que resultan impactantes incluso en retrospectiva". [65]
Schoenberg criticó la nueva tendencia neoclásica de Igor Stravinsky en el poema "Vielseitigkeit" (en el que deroga el neoclasicismo y se refiere oblicuamente a Stravinsky como "Der kleine Modernsky"), que utilizó como texto para el segundo de sus Drei Satiren , Op. 28. [66] El tercero de los Drei Satiren , "Der neue Klassizismus", también apunta a la tendencia neoclásica en general. [67]
La técnica serial de composición de Schoenberg con doce notas se convirtió en uno de los temas más centrales y polémicos entre los músicos estadounidenses y europeos durante mediados y fines del siglo XX. A partir de la década de 1940 y hasta la actualidad, compositores como Pierre Boulez , Karlheinz Stockhausen , Luigi Nono y Milton Babbitt han extendido el legado de Schoenberg en direcciones cada vez más radicales. Las principales ciudades de los Estados Unidos (por ejemplo, Los Ángeles, Nueva York y Boston) han tenido interpretaciones históricamente significativas de la música de Schoenberg, con defensores como Babbitt en Nueva York y el director de orquesta y pianista franco-estadounidense Jacques-Louis Monod . Los estudiantes de Schoenberg han sido profesores influyentes en las principales universidades estadounidenses: Leonard Stein en la USC , UCLA y CalArts ; Richard Hoffmann en Oberlin ; Patricia Carpenter en Columbia ; y Leon Kirchner y Earl Kim en Harvard . Los músicos asociados con Schoenberg han tenido una profunda influencia en la práctica interpretativa de la música contemporánea en los EE. UU. (por ejemplo, Louis Krasner , Eugene Lehner y Rudolf Kolisch en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra ; Eduard Steuermann y Felix Galimir en la Juilliard School ). En Europa, el trabajo de Hans Keller , Luigi Rognoni y René Leibowitz ha tenido una influencia medible en la difusión del legado musical de Schoenberg fuera de Alemania y Austria. Su alumno y asistente Max Deutsch , que más tarde se convirtió en profesor de música, también fue director. [68] quien hizo una grabación de tres "obras maestras" de Schoenberg con la Orquesta de la Suisse Romande , lanzada póstumamente a fines de 2013. Esta grabación incluye breves conferencias de Deutsch sobre cada una de las piezas. [69]
En la década de 1920, Ernst Krenek criticó una cierta corriente musical contemporánea (probablemente la de Schoenberg y sus discípulos) como "la autogratificación de un individuo que se sienta en su estudio e inventa reglas según las cuales luego escribe sus notas". Schoenberg se ofendió por esta observación y respondió que Krenek "sólo quiere putas como oyentes". [70]
Allen Shawn ha señalado que, dadas las circunstancias vitales de Schoenberg, su obra suele ser defendida en lugar de escuchada, y que es difícil experimentarla al margen de la ideología que la rodea. [71] Richard Taruskin afirmó que Schoenberg cometió lo que él llama una "falacia poiética", la convicción de que lo que más importa (o todo lo que importa) en una obra de arte es la realización de la misma, la aportación del creador, y que el placer del oyente no debe ser el objetivo principal del compositor. [72] Taruskin también critica las ideas de medir el valor de Schoenberg como compositor en términos de su influencia en otros artistas, la sobrevaloración de la innovación técnica y la restricción de la crítica a cuestiones de estructura y artesanía, al tiempo que deroga otros enfoques por vulgares. [73]
En 1977, Christopher Small escribió: «Muchos amantes de la música, incluso hoy en día, encuentran dificultades con la música de Schoenberg». [74] Small escribió su breve biografía un cuarto de siglo después de la muerte del compositor. Según Nicholas Cook , que escribió unos veinte años después de Small, Schoenberg había pensado que esta falta de comprensión
[75] El serialismo no fue más que una fase transitoria, aunque inevitable: la historia de la música, decían, mostraba que el público siempre se resistía a lo desconocido, pero con el tiempo se acostumbraba a ello y aprendía a apreciarlo... El propio Schoenberg esperaba con ilusión una época en la que, como decía, los mozos de los tenderos silbaban música serial en sus rondas. Si Schoenberg realmente creía lo que decía (y es difícil estar completamente seguro de ello), entonces representa uno de los momentos más conmovedores de la historia de la música. Porque el serialismo no alcanzó popularidad; el proceso de familiarización que él y sus contemporáneos esperaban nunca se produjo .
Ben Earle (2003) concluyó que Schoenberg, si bien era venerado por los expertos y se enseñaba a "generaciones de estudiantes" en cursos universitarios, seguía siendo poco apreciado por el público. A pesar de más de cuarenta años de promoción y de la producción de "libros dedicados a la explicación de este difícil repertorio para públicos no especializados", parecería que, en particular, "los intentos británicos de popularizar la música de este tipo... pueden decirse hoy con seguridad que han fracasado". [76]
En su biografía de 2018 de Debussy, compositor casi contemporáneo de Schoenberg y también pionero de la misma, Stephen Walsh cuestiona la idea de que no es posible "que un artista creativo sea a la vez radical y popular". Walsh concluye: "Schoenberg puede ser el primer 'gran' compositor de la historia moderna cuya música no ha entrado en el repertorio casi un siglo y medio después de su nacimiento". [77]
Adrian Leverkühn, el protagonista de la novela de Thomas Mann Doctor Faustus (1947), es un compositor cuyo uso de la técnica dodecafónica es paralelo a las innovaciones de Arnold Schoenberg. Leverkühn, que puede estar basado en Nietzsche , vende su alma al diablo y es recompensado con un talento sobrehumano. Schoenberg no estaba contento con esto e inició un intercambio de cartas con Mann después de la publicación de la novela. [78] El escritor Sean O'Brien comenta que "escrita a la sombra de Hitler, Doktor Faustus observa el ascenso del nazismo, pero su relación con la historia política es oblicua". [79] Thomas Mann siempre estuvo interesado principalmente en la música clásica, que también juega un papel en muchas de sus obras. Buscó el consejo de Theodor W. Adorno sobre los detalles técnicos de composición de la nueva música de Schoenberg, quien revisó los capítulos en consecuencia. [80]
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Schoenberg fue un pintor de considerable habilidad, cuyas obras fueron consideradas lo suficientemente buenas como para exhibirse junto a las de Franz Marc y Wassily Kandinsky . [81] como miembros del grupo expresionista Der Blaue Reiter . [82] Desde aproximadamente 1908 hasta 1910, ejecutaría aproximadamente dos tercios de una obra total que comprendía alrededor de sesenta y cinco óleos. [83]
Estaba interesado en las películas de Hopalong Cassidy , que Paul Buhle y David Wagner (2002, v–vii) atribuyen a los guionistas de izquierdas de las películas, una afirmación bastante extraña a la luz de la declaración de Schoenberg de que era un " burgués " convertido en monárquico . [84]
