Joseph Maurice Ravel [n 1] (7 de marzo de 1875 - 28 de diciembre de 1937) fue un compositor, pianista y director de orquesta francés. A menudo se lo asocia con el impresionismo junto con su contemporáneo Claude Debussy , aunque ambos compositores rechazaron el término. En las décadas de 1920 y 1930, Ravel fue considerado internacionalmente como el compositor vivo más importante de Francia.
Nacido en una familia amante de la música, Ravel asistió a la principal escuela de música de Francia, el Conservatorio de París ; no fue bien visto por su conservadora institución, cuyo trato parcial hacia él causó un escándalo. Después de dejar el conservatorio, Ravel encontró su propio camino como compositor, desarrollando un estilo de gran claridad e incorporando elementos del modernismo , el barroco , el neoclasicismo y, en sus obras posteriores, el jazz . Le gustaba experimentar con la forma musical, como en su obra más conocida, Boléro (1928), en la que la repetición toma el lugar del desarrollo. Famoso por sus habilidades en la orquestación , Ravel hizo algunos arreglos orquestales de la música para piano de otros compositores, de los cuales su versión de 1922 de Cuadros de una exposición de Músorgski es la más conocida.
Ravel, un trabajador lento y minucioso, compuso menos piezas que muchos de sus contemporáneos. Entre sus obras que entraron en el repertorio se encuentran piezas para piano, música de cámara, dos conciertos para piano, música de ballet, dos óperas y ocho ciclos de canciones; no escribió ninguna sinfonía ni música sacra. Muchas de sus obras existen en dos versiones: primero, una partitura para piano y, más tarde, una orquestación. Algunas de sus obras para piano, como Gaspard de la nuit (1908), son excepcionalmente difíciles de tocar, y sus complejas obras orquestales, como Daphnis et Chloé (1912), requieren un hábil equilibrio en la interpretación.
Ravel fue uno de los primeros compositores en reconocer el potencial de la grabación para acercar su música a un público más amplio. A partir de los años 1920, a pesar de su limitada técnica como pianista o director, participó en grabaciones de varias de sus obras; otras se realizaron bajo su supervisión.
Ravel nació en la ciudad vasca de Ciboure , Francia, cerca de Biarritz , a 18 kilómetros (11 millas) de la frontera española. Su padre, Pierre-Joseph Ravel , fue un ingeniero, inventor y fabricante culto y exitoso, nacido en Versoix, cerca de la frontera franco-suiza. [4] [n 2] Su madre, Marie, de soltera Delouart, era vasca pero había crecido en Madrid. En términos del siglo XIX, Joseph se había casado con una persona de un estatus inferior (Marie era ilegítima y apenas sabía leer y escribir), pero el matrimonio fue feliz. [7] Algunas de las invenciones de Joseph tuvieron éxito, incluido un motor de combustión interna temprano y una famosa máquina de circo, el "Torbellino de la Muerte", un auto de rizo que fue una gran atracción hasta un accidente fatal en el Circo Barnum y Bailey en 1903. [8]
Los padres de Ravel eran católicos romanos ; Marie también era una especie de librepensadora , un rasgo heredado por su hijo mayor. [9] Fue bautizado en la iglesia parroquial de Ciboure seis días después de su nacimiento. La familia se mudó a París tres meses después, y allí nació un hijo menor, Édouard. (Édouard era cercano a su padre, a quien finalmente siguió en la profesión de ingeniero). [10] Maurice era particularmente devoto de su madre; su herencia vasco-española fue una fuerte influencia en su vida y su música. [11] Entre sus primeros recuerdos se encuentran las canciones populares que ella le cantaba. [10] La casa no era rica, pero la familia era cómoda y los dos niños tuvieron infancias felices. [12]
A Ravel padre le encantaba llevar a sus hijos a las fábricas para que vieran los últimos dispositivos mecánicos, pero también tenía un gran interés por la música y la cultura en general. [13] Más adelante, Ravel recordó: "Durante toda mi infancia fui sensible a la música. Mi padre, mucho más instruido en este arte que la mayoría de los aficionados, supo cómo desarrollar mi gusto y estimular mi entusiasmo a una edad temprana". [14] No hay constancia de que Ravel recibiera una educación general formal en sus primeros años; su biógrafo Roger Nichols sugiere que el niño pudo haber sido educado principalmente por su padre. [15]
Cuando tenía siete años, Ravel comenzó a tomar lecciones de piano con Henri Ghys , un amigo de Emmanuel Chabrier ; cinco años después, en 1887, comenzó a estudiar armonía , contrapunto y composición con Charles-René, un alumno de Léo Delibes . [15] Sin ser un niño prodigio, era un niño muy musical. [16] Charles-René encontró que la concepción de la música de Ravel era natural para él "y no, como en el caso de tantos otros, el resultado del esfuerzo". [17] Las primeras composiciones conocidas de Ravel datan de este período: variaciones sobre un coral de Schumann , variaciones sobre un tema de Grieg y un solo movimiento de una sonata para piano. [18] Sobreviven solo en forma fragmentaria. [19]
En 1888, Ravel conoció al joven pianista Ricardo Viñes , quien no solo se convirtió en un amigo de por vida, sino también en uno de los principales intérpretes de sus obras y en un vínculo importante entre Ravel y la música española. [20] Los dos compartían una apreciación por Wagner , la música rusa y los escritos de Poe , Baudelaire y Mallarmé . [21] En la Exposición Universal de París de 1889, Ravel quedó muy impresionado por las nuevas obras rusas dirigidas por Nikolai Rimsky-Korsakov . [22] Esta música tuvo un efecto duradero tanto en Ravel como en su contemporáneo mayor Claude Debussy , al igual que el sonido exótico del gamelán javanés , que también se escuchó durante la Exposición. [18]
Émile Decombes asumió como profesor de piano de Ravel en 1889; en el mismo año, Ravel dio su primera actuación pública. [23] A los catorce años, participó en un concierto en la Salle Érard junto con otros alumnos de Decombes, incluidos Reynaldo Hahn y Alfred Cortot . [24]
Con el apoyo de sus padres, Ravel solicitó ingresar en la escuela de música más importante de Francia, el Conservatorio de París . En noviembre de 1889, tocando música de Chopin , aprobó el examen de admisión a la clase preparatoria de piano dirigida por Eugène Anthiome. [25] Ravel ganó el primer premio en el concurso de piano del Conservatorio en 1891, pero por lo demás no destacó como estudiante. [26] Sin embargo, estos años fueron una época de considerable avance en su desarrollo como compositor. El musicólogo Arbie Orenstein escribe que para Ravel la década de 1890 fue un período "de inmenso crecimiento ... desde la adolescencia hasta la madurez". [27]
En 1891, Ravel avanzó a las clases de piano de Charles-Wilfrid de Bériot y de Émile Pessard , de armonía. [23] Hizo un progreso sólido y poco espectacular, con el apoyo particular de Bériot, pero, en palabras de la musicóloga Barbara L. Kelly , "sólo se le podía enseñar en sus propios términos". [28] Su profesor posterior, Gabriel Fauré , lo comprendió, pero no era generalmente aceptable para el profesorado conservador del Conservatorio de la década de 1890. [28] Ravel fue expulsado en 1895, al no haber ganado más premios. [n 3] Sus primeras obras que sobreviven íntegramente son de esta época de estudiante: Sérénade grotesque , para piano, y "Ballade de la Reine morte d'aimer", [n 4] una mélodie ambientada en un poema de Roland de Marès (ambas de 1893). [18]
Ravel nunca fue un estudiante de piano tan asiduo como lo fueron sus colegas Viñes y Cortot. [n 5] Estaba claro que como pianista nunca podría igualarlos, y su ambición primordial era ser compositor. [26] A partir de este punto se concentró en la composición. Sus obras de este período incluyen las canciones "Un grand sommeil noir" y "D'Anne jouant de l'espinette" con textos de Paul Verlaine y Clément Marot , [18] [n 6] y las piezas para piano Menuet antique y Habanera (para cuatro manos), esta última finalmente incorporada a la Rapsodie espagnole . [31] En esta época, Joseph Ravel presentó a su hijo a Erik Satie , que se ganaba la vida como pianista de café. Ravel fue uno de los primeros músicos (Debussy fue otro) que reconoció la originalidad y el talento de Satie. [32] Los constantes experimentos de Satie en la forma musical fueron una inspiración para Ravel, quien los consideraba "de valor inestimable". [33]
En 1897, Ravel fue readmitido en el Conservatorio, donde estudió composición con Fauré y tomó lecciones privadas de contrapunto con André Gedalge . [23] Ambos profesores, particularmente Fauré, lo tenían en alta estima y fueron influencias clave en su desarrollo como compositor. [18] A medida que avanzaba el curso de Ravel, Fauré informó "una clara ganancia en madurez ... una atractiva riqueza de imaginación". [34] Sin embargo, la posición de Ravel en el Conservatorio se vio socavada por la hostilidad del director, Théodore Dubois , quien deploró la perspectiva musical y políticamente progresista del joven. [35] En consecuencia, según un compañero de estudios, Michel-Dimitri Calvocoressi , era "un hombre marcado, contra el cual todas las armas eran buenas". [36] Escribió algunas obras importantes mientras estudiaba con Fauré, incluyendo la obertura Shéhérazade y una sonata para violín de un solo movimiento , pero no ganó ningún premio y, por lo tanto, fue expulsado nuevamente en 1900. Como exalumno, se le permitió asistir a las clases de Fauré como "auditor" no participante hasta que finalmente abandonó el Conservatorio en 1903. [37]
En mayo de 1897, Ravel dirigió la primera interpretación de la obertura Shéhérazade , que tuvo una recepción mixta, con abucheos mezclados con aplausos del público y críticas poco halagadoras de los críticos. Uno describió la pieza como "un debut impactante: un torpe plagio de la Escuela Rusa" y llamó a Ravel un "debutante mediocremente dotado ... que tal vez se convertirá en algo, si no en alguien, en unos diez años, si trabaja duro". [38] [n 7] Otro crítico, Pierre Lalo , pensó que Ravel mostró talento, pero estaba demasiado en deuda con Debussy y en su lugar debería emular a Beethoven . [40] Durante las décadas siguientes , Lalo se convirtió en el crítico más implacable de Ravel. [40] En 1899, Ravel compuso su primera pieza que se hizo ampliamente conocida, aunque inicialmente tuvo poco impacto: Pavana para una princesa muerta. [41] Originalmente era una obra para piano solo, encargada por la Princesa de Polignac . [42] [n 8]
Desde el comienzo de su carrera, Ravel se mostró tranquilamente indiferente a las críticas o los elogios. Quienes lo conocieron bien creían que no se trataba de una pose, sino de algo totalmente genuino. [43] La única opinión que realmente valoraba sobre su música era la suya propia, perfeccionista y severamente autocrítica. [44] A los veinte años era, en palabras del biógrafo Burnett James, "dueño de sí mismo, un poco distante, intelectualmente parcial, dado a las bromas suaves". [45] Vestía como un dandi y era meticuloso con su apariencia y comportamiento. [46] Orenstein comenta que, de baja estatura, [n 9] de complexión ligera y rasgos huesudos, Ravel tenía la "apariencia de un jockey bien vestido", cuya gran cabeza parecía combinarse adecuadamente con su formidable intelecto. [47] A fines de la década de 1890 y principios del siglo siguiente, Ravel llevaba barba a la moda de la época; Desde los treinta y tantos años estaba bien afeitado. [48]
Alrededor de 1900, Ravel y varios artistas jóvenes e innovadores, poetas, críticos y músicos se unieron en un grupo informal; llegaron a ser conocidos como Les Apaches ("Los Hooligans"), un nombre acuñado por Viñes para representar su condición de "parias artísticos". [49] Se reunieron regularmente hasta el comienzo de la Primera Guerra Mundial, y los miembros se estimulaban entre sí con discusiones intelectuales e interpretaciones de sus obras. La membresía del grupo era fluida, y en varios momentos incluyó a Igor Stravinsky y Manuel de Falla , así como a sus amigos franceses. [n 10]
Entre los entusiastas de los apaches estaba la música de Debussy. Ravel, doce años menor que él, conocía a Debussy desde la década de 1890 y su amistad, aunque nunca estrecha, continuó durante más de diez años. [51] En 1902, André Messager dirigió el estreno de la ópera Pelléas et Mélisande de Debussy en la Opéra-Comique . La obra dividió la opinión musical. Dubois prohibió inútilmente a los estudiantes del Conservatorio asistir y el amigo y antiguo profesor del director, Camille Saint-Saëns, se encontraba entre los que detestaban la pieza. [52] Los apaches lo apoyaron enérgicamente. [53] La primera representación de la ópera consistió en catorce funciones: Ravel asistió a todas ellas. [54]
Debussy era considerado un compositor impresionista , una etiqueta que le disgustaba profundamente. Muchos amantes de la música comenzaron a aplicar el mismo término a Ravel, y las obras de los dos compositores se tomaron con frecuencia como parte de un solo género. [55] Ravel pensaba que Debussy era de hecho un impresionista, pero que él mismo no lo era. [56] [n 11] Orenstein comenta que Debussy era más espontáneo y casual en su composición, mientras que Ravel estaba más atento a la forma y la artesanía. [58] Ravel escribió que el "genio de Debussy era obviamente de gran individualidad, creando sus propias leyes, en constante evolución, expresándose libremente, pero siempre fiel a la tradición francesa. Por Debussy, el músico y el hombre, he tenido una profunda admiración, pero por naturaleza soy diferente de Debussy ... Creo que siempre he seguido personalmente una dirección opuesta a la de [su] simbolismo ". [59] Durante los primeros años del nuevo siglo, las nuevas obras de Ravel incluyeron la pieza para piano Jeux d'eau [n.° 12] (1901), el Cuarteto de cuerdas y el ciclo de canciones orquestales Shéhérazade (ambos de 1903). [60] Los comentaristas han notado algunos toques debussianos en algunas partes de estas obras. Nichols llama al cuarteto "a la vez homenaje y exorcismo de la influencia de Debussy". [61]
Los dos compositores dejaron de tener una relación amistosa a mediados de la primera década del siglo XX, por razones musicales y posiblemente personales. Sus admiradores comenzaron a formar facciones, con los partidarios de un compositor denigrando al otro. Surgieron disputas sobre la cronología de las obras de los compositores y quién influyó en quién. [51] Destacado en el campo anti-Ravel fue Lalo, quien escribió: "Donde M. Debussy es todo sensibilidad, M. Ravel es todo insensibilidad, tomando prestada sin dudarlo no sólo la técnica sino la sensibilidad de otras personas". [62] La tensión pública condujo a un distanciamiento personal. [62] Ravel dijo: "Probablemente sea mejor para nosotros, después de todo, estar en términos fríos por razones ilógicas". [63] Nichols sugiere una razón adicional para la ruptura. En 1904 Debussy dejó a su esposa y se fue a vivir con la cantante Emma Bardac . Ravel, junto con su amiga íntima y confidente Misia Edwards y la estrella de la ópera Lucienne Bréval , contribuyeron a generar unos ingresos regulares modestos para la abandonada Lilly Debussy, un hecho que, según sugiere Nichols, puede haber irritado a su marido. [64]
Durante los primeros años del nuevo siglo, Ravel intentó cinco veces ganar el premio más prestigioso de Francia para jóvenes compositores, el Prix de Rome , cuyos ganadores anteriores incluyeron a Berlioz , Gounod , Bizet , Massenet y Debussy. [65] En 1900, Ravel fue eliminado en la primera ronda; en 1901 ganó el segundo premio del concurso. [66] En 1902 y 1903 no ganó nada: según el musicólogo Paul Landormy , los jueces sospecharon que Ravel se burlaba de ellos al presentar cantatas tan académicas que parecían parodias. [60] [n 13] En 1905, Ravel, que ya tenía treinta años, compitió por última vez, provocando inadvertidamente un furor . Fue eliminado en la primera ronda, lo que incluso los críticos poco simpatizantes de su música, incluido Lalo, denunciaron como injustificable. [68] La indignación de la prensa aumentó cuando se supo que el profesor titular del Conservatorio, Charles Lenepveu , formaba parte del jurado y que sólo sus alumnos habían sido seleccionados para la ronda final; [69] su insistencia en que se trataba de pura coincidencia no fue bien recibida. [70] El caso Ravel se convirtió en un escándalo nacional, lo que llevó a la jubilación anticipada de Dubois y a su reemplazo por Fauré, designado por el gobierno para llevar a cabo una reorganización radical del Conservatorio. [71]
Entre quienes se interesaron de cerca por la controversia se encontraba Alfred Edwards , propietario y editor de Le Matin , para el que escribía Lalo. Edwards estaba casado con la amiga de Ravel, Misia; [n 14] la pareja llevó a Ravel a un crucero de siete semanas por el Rin en su yate en junio y julio de 1905, la primera vez que viajaba al extranjero. [73]
A finales de la década de 1900, Ravel había establecido un patrón de escritura de obras para piano y, posteriormente, de arreglos para orquesta completa. [74] En general, era un trabajador lento y minucioso, y la reelaboración de sus primeras composiciones para piano le permitió aumentar el número de piezas publicadas e interpretadas. [75] No parece haber habido ningún motivo mercenario para esto; Ravel era conocido por su indiferencia hacia los asuntos financieros. [76] Las piezas que comenzaron como composiciones para piano y luego recibieron vestimenta orquestal fueron Pavane pour une infante défunte (orquestada en 1910), Une barque sur l'océan (1906, de la suite para piano Miroirs de 1905 ), la sección Habanera de Rapsodie espagnole (1907-08), Ma mère l'Oye (1908-10, orquestada en 1911), Valses nobles et sentimentales (1911, orquestada en 1912), Alborada del gracioso (de Miroirs , orquestada en 1918) y Le tombeau de Couperin (1914-17, orquestada en 1919). [18]
Ravel no era profesor por inclinación, pero dio lecciones a unos pocos músicos jóvenes que creía que podían beneficiarse de ellas. Manuel Rosenthal fue uno de ellos, y registra que Ravel era un profesor muy exigente cuando pensaba que su alumno tenía talento. Al igual que su propio maestro, Fauré, se preocupaba de que sus alumnos encontraran su propia voz individual y no se dejaran influenciar excesivamente por maestros consagrados. [77] Advirtió a Rosenthal de que era imposible aprender estudiando la música de Debussy: "Sólo Debussy podría haberla escrito y hecho sonar como sólo Debussy puede sonar". [78] Cuando George Gershwin le pidió lecciones en la década de 1920, Ravel, después de considerarlo seriamente, se negó, con el argumento de que "probablemente harían que escribiera mal Ravel y perdiera su gran don para la melodía y la espontaneidad". [79] [n 15] El compositor más conocido que estudió con Ravel fue probablemente Ralph Vaughan Williams , quien fue su alumno durante tres meses entre 1907 y 1908. [n 16] Vaughan Williams recordó que Ravel lo ayudó a escapar de "la pesada manera contrapuntística teutónica ... Complexe mais pas compliqué era su lema". [85]
Los recuerdos de Vaughan Williams arrojan algo de luz sobre la vida privada de Ravel, sobre la que la personalidad reservada y secreta de este último ha dado lugar a mucha especulación. Vaughan Williams, Rosenthal y Marguerite Long han registrado que Ravel frecuentaba burdeles; [86] Long atribuyó esto a su timidez sobre su estatura diminuta y la consiguiente falta de confianza con las mujeres. [76] Según otros relatos, ninguno de ellos de primera mano, Ravel estaba enamorado de Misia Edwards, [72] o quería casarse con la violinista Hélène Jourdan-Morhange . [87] Rosenthal registra y descarta la especulación contemporánea de que Ravel, soltero de toda la vida, puede haber sido homosexual. [88] Tal especulación se repitió en una vida de Ravel de 2000 por Benjamin Ivry ; [89] estudios posteriores han concluido que la sexualidad y la vida personal de Ravel siguen siendo un misterio. [90]
El primer concierto de Ravel fuera de Francia fue en 1909. Como invitado de los Vaughan Williams, visitó Londres, donde tocó para la Société des Concerts Français, recibiendo críticas favorables y mejorando su creciente reputación internacional. [91] [n 17]
La Société Nationale de Musique , fundada en 1871 para promover la música de los compositores franceses en ascenso, había estado dominada desde mediados de la década de 1880 por una facción conservadora liderada por Vincent d'Indy . [93] Ravel, junto con varios otros ex alumnos de Fauré, creó una nueva organización modernista, la Société Musicale Indépendente, con Fauré como su presidente. [n 18] El concierto inaugural de la nueva sociedad tuvo lugar el 20 de abril de 1910; los siete elementos del programa incluían estrenos del ciclo de canciones de Fauré La chanson d'Ève , la suite para piano de Debussy D'un cahier d'esquisses , Six pièces pour piano de Zoltán Kodály y la versión original para dúo de piano de Ma mère l'Oye de Ravel . Entre los intérpretes se encontraban Fauré, Florent Schmitt , Ernest Bloch , Pierre Monteux y, en la obra de Debussy, Ravel. [95] Kelly considera que fue una señal de la nueva influencia de Ravel que la sociedad presentara la música de Satie en un concierto en enero de 1911. [18]
La primera de las dos óperas de Ravel, la comedia de un acto La hora española [n.° 19], se estrenó en 1911. La obra se había terminado en 1907, pero el director de la Opéra-Comique, Albert Carré , aplazó repetidamente su presentación. Le preocupaba que su trama (una farsa de alcoba ) fuera mal recibida por las madres e hijas ultrarespetables que eran una parte importante del público de la Opéra-Comique. [96] La pieza tuvo un éxito modesto en su primera producción, y no fue hasta la década de 1920 que se hizo popular. [97]
En 1912, Ravel estrenó tres ballets. El primero, sobre la versión orquestada y ampliada de Ma mère l'Oye , se estrenó en el Théâtre des Arts en enero. [98] Las críticas fueron excelentes: el Mercure de France calificó la partitura como «absolutamente deslumbrante, una obra maestra en miniatura». [99] La música entró rápidamente en el repertorio de conciertos; se interpretó en el Queen's Hall de Londres a las pocas semanas del estreno en París, y se repitió en los Proms más tarde ese mismo año. El Times elogió «el encanto de la obra ... el efecto de espejismo, por el cual algo muy real parece flotar en la nada». [100] El público de Nueva York escuchó la obra ese mismo año. [101] El segundo ballet de Ravel de 1912 fue Adelaida o el lenguaje de las flores , bailado sobre la partitura de Valses nobles y sentimentales , que se estrenó en el Châtelet en abril. Dafnis y Chloé se estrenó en el mismo teatro en junio. Esta fue su obra orquestal de mayor escala, y le llevó un inmenso esfuerzo y varios años completarla. [102]
Daphnis et Chloé fue un encargo del empresario Sergei Diaghilev para su compañía, los Ballets Russes , en torno a 1909. [n 20] Ravel comenzó a trabajar con el coreógrafo de Diaghilev, Michel Fokine , y el diseñador, Léon Bakst . [104] Fokine tenía fama de adoptar un enfoque moderno de la danza, en el que los números individuales eran reemplazados por música continua. Esto atrajo a Ravel y, tras discutir la acción en gran detalle con Fokine, Ravel comenzó a componer la música. [105] Hubo frecuentes desacuerdos entre los colaboradores y el estreno no se ensayó lo suficiente debido a la finalización tardía de la obra. [106] Tuvo una recepción poco entusiasta y fue rápidamente retirada, aunque se repuso con éxito un año después en Montecarlo y Londres. [107] El esfuerzo por completar el ballet afectó la salud de Ravel; [n 21] La neurastenia le obligó a guardar reposo durante varios meses tras el estreno. [109]
Ravel compuso poco durante 1913. Colaboró con Stravinski en una versión interpretada de la ópera inacabada de Músorgski Khovanshchina , y sus propias obras fueron los Trois poèmes de Mallarmé para soprano y conjunto de cámara, y dos piezas cortas para piano, À la manière de Borodine y À la manière de Chabrier . [23] En 1913, junto con Debussy, Ravel estuvo entre los músicos presentes en el ensayo general de La consagración de la primavera . [110] Stravinski dijo más tarde que Ravel fue la única persona que comprendió inmediatamente la música. [111] Ravel predijo que el estreno de La consagración sería visto como un evento de importancia histórica igual al de Pelléas et Mélisande . [112] [n 22]
Cuando Alemania invadió Francia en 1914, Ravel intentó unirse a la Fuerza Aérea Francesa . Consideró que su pequeña estatura y peso ligero eran ideales para un aviador, pero fue rechazado debido a su edad y una pequeña dolencia cardíaca. [114] Mientras esperaba a alistarse, Ravel compuso Trois Chansons , su única obra para coro a capela , ambientando sus propios textos en la tradición de las chansons francesas del siglo XVI. Dedicó las tres canciones a personas que pudieran ayudarlo a alistarse. [115] Después de varios intentos infructuosos de alistarse, Ravel finalmente se unió al Decimotercer Regimiento de Artillería como conductor de camión en marzo de 1915, cuando tenía cuarenta años. [116] Stravinski expresó admiración por el coraje de su amigo: "a su edad y con su nombre podría haber tenido un lugar más fácil, o no haber hecho nada". [117] Algunas de las tareas de Ravel lo pusieron en peligro mortal, conduciendo municiones de noche bajo un intenso bombardeo alemán. Al mismo tiempo, su tranquilidad de espíritu se vio socavada por la mala salud de su madre. Su propia salud también se deterioró: sufrió insomnio y problemas digestivos, se sometió a una operación de intestino tras una disentería amebiana en septiembre de 1916 y sufrió congelación en los pies el invierno siguiente. [118]
Durante la guerra, Saint-Saëns, Dubois, d'Indy y otros formaron la Liga Nacional para la Defensa de la Música Francesa, que hacía campaña a favor de la prohibición de la interpretación de música alemana contemporánea. [119] Ravel se negó a unirse, y en 1916 le dijo al comité de la liga: "Sería peligroso para los compositores franceses ignorar sistemáticamente las producciones de sus colegas extranjeros y así convertirse en una especie de camarilla nacional: nuestro arte musical, tan rico en la actualidad, pronto degeneraría, quedando aislado en fórmulas banales". [120] La liga respondió prohibiendo la música de Ravel en sus conciertos. [121]
La madre de Ravel murió en enero de 1917, y él cayó en una «horrible desesperación», agravando la angustia que sentía por el sufrimiento que padeció la gente de su país durante la guerra. [122] Compuso pocas obras en los años de guerra. El Trío para piano estaba casi completo cuando comenzó el conflicto, y la más importante de sus obras de guerra es Le tombeau de Couperin , compuesta entre 1914 y 1917. La suite celebra la tradición de François Couperin , el compositor francés del siglo XVIII; cada movimiento está dedicado a un amigo de Ravel que murió en la guerra. [123]
Después de la guerra, los allegados a Ravel reconocieron que había perdido gran parte de su resistencia física y mental. Como dice el musicólogo Stephen Zank, «el equilibrio emocional de Ravel, tan duramente ganado en la década anterior, se había visto seriamente comprometido». [124] Su producción, que nunca fue grande, se redujo. [124] No obstante, después de la muerte de Debussy en 1918, se le consideraba en general, en Francia y en el extranjero, el compositor francés más importante de la época. [125] Fauré le escribió: «Estoy más feliz de lo que puedas imaginar por la sólida posición que ocupas y que has adquirido tan brillantemente y tan rápidamente. Es una fuente de alegría y orgullo para tu antiguo profesor». [125] A Ravel le ofrecieron la Legión de Honor en 1920, [n. 23] y, aunque rechazó la condecoración, la nueva generación de compositores, representada por los protegidos de Satie, Les Six , lo consideraba una figura del establishment. Satie se había vuelto contra él y comentó: «Ravel rechaza la Legión de Honor, pero toda su música la acepta». [128] [n 24] A pesar de este ataque, Ravel continuó admirando la música temprana de Satie y siempre reconoció la influencia del hombre mayor en su propio desarrollo. [56] Ravel tenía una visión benigna de Les Six, promovía su música y la defendía contra los ataques periodísticos. Consideraba que su reacción contra sus obras era natural y preferible a que copiaran su estilo. [132] A través de la Société Musicale Indépendente, pudo alentarlos a ellos y a compositores de otros países. La Société presentó conciertos de obras recientes de compositores estadounidenses, incluidos Aaron Copland , Virgil Thomson y George Antheil , y de Vaughan Williams y sus colegas ingleses Arnold Bax y Cyril Scott . [133]
Tanto Orenstein como Zank comentan que, aunque la producción de posguerra de Ravel fue pequeña, con un promedio de solo una composición al año, incluía algunas de sus mejores obras. [134] En 1920 completó La valse , en respuesta a un encargo de Diaghilev. Había trabajado en ella de forma intermitente durante algunos años, planeando una pieza de concierto, "una especie de apoteosis del vals vienés, mezclado, en mi mente, con la impresión de un fantástico y fatal remolino". [135] Fue rechazada por Diaghilev, quien dijo: "Es una obra maestra, pero no es un ballet. Es el retrato de un ballet". [136] Ravel escuchó el veredicto de Diaghilev sin protestar ni discutir, se fue y no tuvo más tratos con él. [137] [n 25] Nichols comenta que Ravel tuvo la satisfacción de ver el ballet representado dos veces por otras representaciones antes de que Diaghilev muriera. [140] En noviembre de 1920 se representó un ballet bailado con la versión orquestal de Le tombeau de Couperin en el Théâtre des Champs-Elysées, y en diciembre se estrenó La valse . [141] Al año siguiente, Daphnis et Chloé y L'heure espagnole fueron reestrenadas con éxito en la Ópera de París. [141]
En la era de la posguerra hubo una reacción contra la música a gran escala de compositores como Gustav Mahler y Richard Strauss . [142] Stravinsky, cuya Consagración de la primavera fue escrita para una gran orquesta, comenzó a trabajar en una escala mucho más pequeña. Su partitura de ballet de 1923 Les noces está compuesta para voces y veintiún instrumentos. [143] A Ravel no le gustó la obra (su opinión provocó un enfriamiento en la amistad de Stravinsky con él) [144] pero simpatizaba con la moda del "dépouillement" - el "despojarse" de la extravagancia de antes de la guerra para revelar lo esencial. [132] Muchas de sus obras de la década de 1920 son notablemente más sobrias en textura que las piezas anteriores. [145] Otras influencias en él en este período fueron el jazz y la atonalidad . El jazz era popular en los cafés parisinos y compositores franceses como Darius Milhaud incorporaron elementos de él en su obra. [146] Ravel comentó que prefería el jazz a la gran ópera , [147] y su influencia se escucha en su música posterior. [148] El abandono de la tonalidad convencional por parte de Arnold Schönberg también tuvo ecos en algunas de las piezas de Ravel, como las Chansons madécasses [n.° 26] (1926), que Ravel dudaba que hubiera podido escribir sin el ejemplo de Pierrot Lunaire . [149] Sus otras obras importantes de la década de 1920 incluyen el arreglo orquestal de la suite para piano de Mussorgsky Cuadros de una exposición (1922), la ópera L'enfant et les sortilèges [n.° 27] con libreto de Colette (1926), Tzigane (1924) y la Sonata para violín n.° 2 (1927). [141]
Al encontrar agotadora la vida en la ciudad, Ravel se trasladó al campo. [150] En mayo de 1921 se instaló en Le Belvédère, una pequeña casa en la periferia de Montfort-l'Amaury , a 50 kilómetros al oeste de París, en el departamento de Seine-et-Oise . Al cuidado de una devota ama de llaves, Mme Revelot, vivió allí el resto de su vida. [151] En Le Belvédère, Ravel componía y se ocupaba del jardín, cuando no actuaba en París o en el extranjero. Su agenda de giras aumentó considerablemente en la década de 1920, con conciertos en Gran Bretaña, Suecia, Dinamarca, Estados Unidos, Canadá, España, Austria e Italia. [141]
A Ravel le fascinaba el dinamismo de la vida norteamericana, sus enormes ciudades, sus rascacielos y su tecnología avanzada, y le impresionaban el jazz, los espirituales negros y la excelencia de las orquestas norteamericanas. La cocina norteamericana era, al parecer, otra cosa.
Arbie Orenstein [152]
Después de dos meses de planificación, Ravel hizo una gira de cuatro meses por América del Norte en 1928, tocando y dirigiendo. Su honorario era un mínimo garantizado de $10,000 y un suministro constante de cigarrillos Gauloises . [153] Apareció con la mayoría de las principales orquestas de Canadá y los EE. UU. y visitó veinticinco ciudades. [154] El público se mostró entusiasta y los críticos elogiosos. [n 28] En un programa exclusivamente de Ravel dirigido por Serge Koussevitzky en Nueva York, todo el público se puso de pie y aplaudió cuando el compositor tomó asiento. Ravel se sintió conmovido por este gesto espontáneo y observó: "Sabes, esto no me pasa en París". [152] Orenstein, comentando que esta gira marcó el cenit de la reputación internacional de Ravel, enumera como puntos destacados no musicales una visita a la casa de Poe en Nueva York y excursiones a las cataratas del Niágara y el Gran Cañón . [152] Ravel no se conmovió ante su nueva celebridad internacional. Comentó que el reciente entusiasmo de los críticos no tenía más importancia que su juicio anterior, cuando lo llamaron "el ejemplo más perfecto de insensibilidad y falta de emoción". [156]
La última composición que Ravel completó en la década de 1920, Boléro , se convirtió en su obra más famosa. Se le encargó que proporcionara una partitura para la compañía de ballet de Ida Rubinstein y, al no poder conseguir los derechos para orquestar Iberia de Albéniz , decidió «un experimento en una dirección muy especial y limitada ... una pieza que dura diecisiete minutos y que consiste completamente en tejido orquestal sin música». [157] Ravel continuó diciendo que la obra era «un crescendo largo y muy gradual. No hay contrastes y prácticamente no hay invención excepto el plan y la manera de la ejecución. Los temas son completamente impersonales». [157] Quedó asombrado, y no del todo satisfecho, de que se convirtiera en un éxito de masas. Cuando un miembro anciano de la audiencia de la Ópera gritó «¡Tonterías!» en el estreno, comentó: «¡Esa anciana captó el mensaje!» . [158] La obra fue popularizada por el director Arturo Toscanini , [159] y ha sido grabada varios cientos de veces. [n 29] Ravel le comentó a Arthur Honegger , uno de los seis compositores: "He escrito sólo una obra maestra: el Bolero . Desafortunadamente, no tiene música". [161]
A principios de la década de 1930, Ravel estaba trabajando en dos conciertos para piano. Primero completó el Concierto para piano en re mayor para mano izquierda . Fue encargado por el pianista austríaco Paul Wittgenstein , que había perdido su brazo derecho durante la Primera Guerra Mundial. Ravel se sintió estimulado por los desafíos técnicos del proyecto: "En una obra de este tipo, es esencial dar la impresión de una textura no más fina que la de una parte escrita para ambas manos". [162] Ravel, que no era lo suficientemente competente como para interpretar la obra solo con su mano izquierda, lo demostró con ambas manos. [n 30] Wittgenstein se sintió inicialmente decepcionado por la pieza, pero después de un largo estudio quedó fascinado por ella y la calificó como una gran obra. [164] En enero de 1932 la estrenó en Viena con una aclamación instantánea, y la interpretó en París con Ravel dirigiendo el año siguiente. [165] El crítico Henry Prunières escribió: "Desde los primeros compases, nos sumergimos en un mundo en el que Ravel rara vez nos ha introducido". [156]
El Concierto para piano en sol mayor se completó un año después. Tras el estreno en enero de 1932, hubo grandes elogios para la solista, Marguerite Long, y para la partitura de Ravel, aunque no para su dirección. [166] Long, a quien se dedicaría el concierto, lo interpretó en más de veinte ciudades europeas, bajo la dirección del compositor; [167] planearon grabarlo juntos, pero en las sesiones Ravel se limitó a supervisar los procedimientos y Pedro de Freitas Branco dirigió. [168]
Sus últimos años fueron crueles, pues poco a poco fue perdiendo la memoria y parte de sus poderes de coordinación, y, por supuesto, él era muy consciente de ello.
Ígor Stravinski [169]
En octubre de 1932, Ravel sufrió un golpe en la cabeza en un accidente de taxi. La lesión no se consideró grave en ese momento, pero en un estudio para el British Medical Journal en 1988, el neurólogo RA Henson concluye que puede haber exacerbado una afección cerebral existente. [170] Ya en 1927, los amigos cercanos habían estado preocupados por la creciente distracción de Ravel, y un año después del accidente comenzó a experimentar síntomas que sugerían afasia . [171] Antes del accidente, había comenzado a trabajar en la música para una película, Don Quijote (1933), pero no pudo cumplir con el cronograma de producción, y Jacques Ibert escribió la mayor parte de la banda sonora. [172] Ravel completó tres canciones para barítono y orquesta destinadas a la película; se publicaron como Don Quichotte à Dulcinée . La partitura orquestal manuscrita está en la mano de Ravel, pero Lucien Garban y Manuel Rosenthal ayudaron en la transcripción. Ravel no compuso más después de esto. [170] Se desconoce la naturaleza exacta de su enfermedad. Los expertos han descartado la posibilidad de un tumor y han sugerido demencia frontotemporal , enfermedad de Alzheimer y enfermedad de Creutzfeldt-Jakob . [173] [n 31] Aunque ya no podía escribir música ni actuar, Ravel se mantuvo activo física y socialmente hasta sus últimos meses. Henson señala que Ravel preservó la mayor parte o la totalidad de su imaginería auditiva y aún podía escuchar música en su cabeza. [170]
En 1937, Ravel empezó a sufrir dolores a causa de su enfermedad y fue examinado por Clovis Vincent , un conocido neurocirujano parisino. Vincent le recomendó un tratamiento quirúrgico. Pensó que era poco probable que se tratara de un tumor y esperaba encontrar una dilatación ventricular que la cirugía podría impedir que progresara. El hermano de Ravel, Edouard, aceptó este consejo; como comenta Henson, el paciente no estaba en condiciones de expresar una opinión meditada. Después de la operación pareció haber una mejoría en su estado, pero duró poco y pronto cayó en coma. Murió el 28 de diciembre, a la edad de 62 años. [176]
El 30 de diciembre de 1937, Ravel fue enterrado junto a sus padres en una tumba de granito en el cementerio de Levallois-Perret , en el noroeste de París. Era ateo y no hubo ceremonia religiosa. [177]
El catálogo de las obras completas de Ravel elaborado por Marcel Marnat enumera ochenta y cinco obras, incluidas muchas incompletas o abandonadas. [178] Aunque ese total es pequeño en comparación con la producción de sus principales contemporáneos, [n 32] sin embargo, está inflado por la frecuente práctica de Ravel de escribir obras para piano y luego reescribirlas como piezas independientes para orquesta. [75] El conjunto de obras interpretables asciende a unas sesenta; un poco más de la mitad son instrumentales. La música de Ravel incluye piezas para piano, música de cámara, dos conciertos para piano, música de ballet, ópera y ciclos de canciones. No escribió sinfonías ni obras de iglesia. [178]
Ravel se inspiró en muchas generaciones de compositores franceses, desde Couperin y Rameau hasta Fauré y las innovaciones más recientes de Satie y Debussy. Las influencias extranjeras incluyen a Mozart, Schubert , Liszt y Chopin. [180] Se consideraba a sí mismo en muchos sentidos un clasicista , que a menudo utilizaba estructuras y formas tradicionales, como el ternario , para presentar su nuevo contenido melódico y rítmico y sus armonías innovadoras. [181] La influencia del jazz en su música posterior se escucha dentro de las estructuras clásicas convencionales en el Concierto para piano y la Sonata para violín. [182]
La salsa que se le ponga a la melodía es cuestión de gustos. Lo importante es la línea melódica.
De Ravel a Vaughan Williams [183]
Ravel le dio una gran importancia a la melodía, y le dijo a Vaughan Williams que hay "un esquema melódico implícito en toda música vital". [184] Sus temas son frecuentemente modales , evitando las escalas mayores o menores familiares. [185] Los acordes de la novena y la undécima y las apoyaturas no resueltas , como las de los Valses nobles et sentimentales , son característicos del lenguaje armónico de Ravel. [186]
Las formas de danza atrajeron a Ravel, las más famosas fueron el bolero y la pavana, pero también el minueto , el forlano , el rigaudon , el vals , las czardas , la habanera y la pasacalle . La conciencia nacional y regional era importante para él, y aunque un concierto planeado sobre temas vascos nunca se materializó, sus obras incluyen alusiones a temas hebreos , griegos , húngaros y gitanos . [187] Escribió varias piezas cortas en homenaje a compositores que admiraba: Borodin , Chabrier, Fauré y Haydn , interpretando sus características en un estilo raveliano. [188] Otra influencia importante fue literaria más que musical: Ravel dijo que aprendió de Poe que "el verdadero arte es un equilibrio perfecto entre el intelecto puro y la emoción", [189] con el corolario de que una pieza musical debe ser una entidad perfectamente equilibrada sin que se permita que se entrometa ningún material irrelevante. [190]
Ravel completó dos óperas y trabajó en otras tres. Las tres que no se realizaron fueron Olympia , La cloche engloutie y Jeanne d'Arc . Olympia iba a estar basada en El hombre de arena de Hoffmann ; hizo bocetos para ella en 1898-99, pero no avanzó mucho. La cloche engloutie después de La campana hundida de Hauptmann lo ocupó intermitentemente desde 1906 hasta 1912, Ravel destruyó los bocetos de ambas obras, excepto una "Sinfonía relojera" que incorporó en la apertura de L'heure espagnole . [191] El tercer proyecto no realizado fue una versión operística de la novela de Joseph Delteil de 1925 sobre Juana de Arco . Iba a ser una obra a gran escala y de larga duración para la Ópera de París, pero la enfermedad final de Ravel le impidió escribirla. [192]
La primera ópera completada de Ravel fue L'heure espagnole (estrenada en 1911), descrita como una "comédie musicale". [193] Se encuentra entre las obras ambientadas en España o que ilustran España que Ravel escribió a lo largo de su carrera. Nichols comenta que el colorido español esencial le dio a Ravel una razón para el uso virtuoso de la orquesta moderna, que el compositor consideró "perfectamente diseñada para subrayar y exagerar los efectos cómicos". [194] Edward Burlingame Hill encontró la escritura vocal de Ravel particularmente hábil en la obra, "dando a los cantantes algo más que recitativo sin obstaculizar la acción", y "comentando orquestalmente las situaciones dramáticas y los sentimientos de los actores sin desviar la atención del escenario". [195] Algunos encuentran a los personajes artificiales y a la pieza carente de humanidad. [193] El crítico David Murray escribe que la partitura "brilla con la famosa tendresse de Ravel ". [196]
La segunda ópera, también en un acto, es L'enfant et les sortilèges (1926), una "fantaisie lyrique" con libreto de Colette. Ella y Ravel habían planeado la historia como un ballet, pero por sugerencia del compositor Colette lo convirtió en un libreto de ópera. Es más inflexiblemente moderno en su estilo musical que L'heure espagnole , y los elementos de jazz y la bitonalidad de gran parte de la obra molestaron a muchos aficionados a la ópera parisina. Ravel fue acusado una vez más de artificialidad y falta de emoción humana, pero Nichols encuentra "un sentimiento profundamente serio en el corazón de esta obra vívida y entretenida". [197] La partitura presenta una impresión de simplicidad, disfrazando intrincados vínculos entre temas, con, en palabras de Murray, "sonidos extraordinarios y fascinantes desde el foso de la orquesta en todo momento". [198]
Aunque las óperas de un acto suelen representarse con menos frecuencia que las de larga duración, [199] las de Ravel se representan regularmente en Francia y en el extranjero. [200]
Una parte sustancial de la producción de Ravel fue vocal. Sus primeras obras en ese ámbito incluyen cantatas escritas para sus intentos fallidos de ganar el Prix de Rome. Su otra música vocal de ese período muestra la influencia de Debussy, en lo que Kelly describe como "un estilo vocal estático, similar al recitativo", partes prominentes para piano y flexibilidad rítmica. [18] En 1906, Ravel estaba llevando aún más lejos que Debussy la composición natural, a veces coloquial, de la lengua francesa en Histoires naturelles . La misma técnica se destaca en Trois poèmes de Mallarmé (1913); Debussy compuso dos de los tres poemas al mismo tiempo que Ravel, y la composición de palabras del primero es notablemente más formal que la del segundo, en la que a menudo se eliden las sílabas. En los ciclos Shéhérazade y Chansons madécasses , Ravel da rienda suelta a su gusto por lo exótico, incluso por lo sensual, tanto en la línea vocal como en el acompañamiento. [18] [201]
Las canciones de Ravel a menudo recurren a estilos vernáculos, utilizando elementos de muchas tradiciones populares en obras como Cinq mélodies populaires grecques , Deux mélodies hébraïques y Chants populaires . [202] Entre los poetas en cuyas letras se basó se encuentran Marot, Léon-Paul Fargue , Leconte de Lisle y Verlaine. Para tres canciones que datan de 1914 a 1915, escribió sus propios textos. [203]
Aunque Ravel escribió para coros mixtos y voces solistas masculinas, en sus canciones se le asocia principalmente con las voces de soprano y mezzosoprano. Incluso cuando escribía letras claramente narradas por un hombre, a menudo prefería una voz femenina [204] y parece haber preferido que su ciclo más conocido, Shéhérazade , fuera cantado por una mujer, aunque una voz de tenor es una alternativa permitida en la partitura [205] .
Durante su vida, Ravel fue famoso sobre todo como maestro de la orquestación. [206] Estudió minuciosamente la capacidad de cada instrumento orquestal para determinar su potencial, aprovechando al máximo su color y timbre individuales. [207] El crítico Alexis Roland-Manuel escribió: "En realidad, es, junto con Stravinsky, el único hombre en el mundo que mejor conoce el peso de una nota de trombón, los armónicos de un violonchelo o de un tam -tam en las relaciones de un grupo orquestal con otro". [208]
A pesar de la maestría orquestal de Ravel, solo cuatro de sus obras fueron concebidas como obras de concierto para orquesta sinfónica: Rapsodie espagnole , La valse y los dos conciertos. Todas las demás obras orquestales fueron escritas para el escenario, como en Daphnis et Chloé , o como reelaboraciones de piezas para piano, Alborada del gracioso y Une barque sur l'ocean , ( Miroirs ), Valses nobles et sentimentales, Ma mère l'Oye , Tzigane (originalmente para violín y piano) y Le tombeau de Couperin. [209] En las versiones orquestales, la instrumentación generalmente clarifica el lenguaje armónico de la partitura y aporta agudeza a los ritmos de danza clásica. [210] Ocasionalmente, como en la Alborada del gracioso , los críticos han encontrado que la versión orquestal posterior es menos persuasiva que el original para piano de bordes afilados. [211]
En algunas de sus partituras de la década de 1920, incluida Dafnis y Cloé , Ravel divide con frecuencia las cuerdas superiores, haciéndolas tocar en seis u ocho partes, mientras que a los instrumentos de viento se les exige que toquen con extrema agilidad. Su escritura para los metales varía desde suaves sordinas hasta estallidos de triple fuerte en los puntos culminantes. [212] En la década de 1930 tendió a simplificar sus texturas orquestales. El tono más ligero del Concierto para piano en sol mayor sigue los modelos de Mozart y Saint-Saëns, junto con el uso de temas similares al jazz. [213] Los críticos Edward Sackville-West y Desmond Shawe-Taylor comentan que en el movimiento lento, "una de las melodías más hermosas que Ravel haya inventado", el compositor "realmente puede decirse que une sus manos con Mozart". [214] La obra orquestal más popular de Ravel, Boléro (1928), fue concebida varios años antes de su finalización; En 1924 dijo que estaba contemplando "un poema sinfónico sin tema, donde todo el interés estará en el ritmo". [215]
Ravel hizo versiones orquestales de obras para piano de Schumann, Chabrier, Debussy y la suite para piano de Músorgski Cuadros de una exposición . Las versiones orquestales de esta última obra, a cargo de Mijaíl Tushmalov , Sir Henry Wood y Leo Funtek, fueron anteriores a la versión de Ravel de 1922, y se han hecho muchas más desde entonces, pero la de Ravel sigue siendo la más conocida. [216] Kelly destaca su "deslumbrante variedad de color instrumental", [18] y un crítico contemporáneo comentó cómo, al tratar la música de otro compositor, Ravel había producido un sonido orquestal completamente distinto al suyo. [217]
Aunque Ravel escribió menos de treinta obras para piano, estas ejemplifican su alcance; Orenstein señala que el compositor mantiene su toque personal "desde la sorprendente simplicidad de Ma mère l'Oye hasta el virtuosismo trascendental de Gaspard de la nuit ". [218] La primera obra importante para piano de Ravel, Jeux d'eau (1901), se cita con frecuencia como evidencia de que desarrolló su estilo independientemente de Debussy, cuyas principales obras para piano llegaron todas más tarde. [219] Cuando escribía para piano solo, Ravel rara vez buscaba el efecto de cámara íntimo característico de Debussy, sino que buscaba un virtuosismo lisztiano. [220] Los autores de The Record Guide consideran que obras como Gaspard de la Nuit y Miroirs tienen una belleza y originalidad con una inspiración más profunda "en el genio armónico y melódico del propio Ravel". [220]
La mayor parte de la música para piano de Ravel es extremadamente difícil de tocar y presenta a los pianistas un equilibrio de desafíos técnicos y artísticos. [221] [n 33] Al escribir sobre la música para piano, el crítico Andrew Clark comentó en 2013: "Una interpretación exitosa de Ravel es algo finamente equilibrado. Implica una musicalidad sutil, un sentido del color pianístico y el tipo de virtuosismo ligeramente desgastado que enmascara los desafíos técnicos avanzados que hace en Alborada del gracioso ... y los dos movimientos externos de Gaspard de la nuit . Demasiado temperamento, y la música pierde su forma clásica; muy poco, y suena pálida". [223] Este equilibrio provocó una ruptura entre el compositor y Viñes, quien dijo que si observaba los matices y las velocidades que Ravel estipuló en Gaspard de la nuit , "Le gibet" "aburriría al público hasta la muerte". [224] Algunos pianistas continúan atrayendo críticas por sobreinterpretar la escritura para piano de Ravel. [225] [n 34]
El respeto de Ravel por sus predecesores se escucha en varias de sus obras para piano; Menuet sur le nom de Haydn (1909), À la manière de Borodine (1912), À la manière de Chabrier (1913) y Le tombeau de Couperin incorporan elementos de los compositores nombrados interpretados de una manera típicamente raveliana. [227] Clark comenta que aquellas obras para piano que Ravel orquestó posteriormente quedan eclipsadas por las versiones revisadas: "Escuchen Le tombeau de Couperin y la música de ballet completa para Ma mère L'Oye en las grabaciones clásicas dirigidas por André Cluytens , y las versiones para piano nunca volverán a sonar igual". [223]
Aparte de una Sonata para violín y piano de un solo movimiento que data de 1899, inédita en vida del compositor, Ravel escribió siete obras de cámara. [18] La más antigua es el Cuarteto de cuerdas (1902-03), dedicado a Fauré, y que muestra la influencia del cuarteto de Debussy de diez años antes. Al igual que el de Debussy, se diferencia de los cuartetos más monumentales de la escuela francesa establecida de Franck y sus seguidores, con melodías más sucintas, intercambiadas con fluidez, en tempos flexibles y variedades de color instrumental. [228] La Introducción y Allegro para arpa, flauta, clarinete y cuarteto de cuerdas (1905) fue compuesta muy rápidamente para los estándares de Ravel. Es una pieza etérea en la línea de la Pavana para un infante difunto . [229] Ravel también trabajó a una velocidad inusual en el Trío para piano (1914) para completarlo antes de unirse al ejército francés. Contiene influencias vascas, barrocas y del lejano Oriente, y muestra la creciente habilidad técnica de Ravel, lidiando con las dificultades de equilibrar el piano percusivo con el sonido sostenido del violín y el violonchelo, "mezclando los dos elementos dispares en un lenguaje musical que es inequívocamente suyo", en palabras del comentarista Keith Anderson. [230]
Las cuatro obras de cámara de Ravel compuestas después de la Primera Guerra Mundial son la Sonata para violín y violonchelo (1920-22), la "Berceuse sur le nom de Gabriel Fauré" para violín y piano (1922), el original de cámara de Tzigane para violín y piano (1924) y finalmente la Sonata para violín (1923-27). [18] Las dos obras intermedias son respectivamente un homenaje afectuoso al maestro de Ravel, [231] y una pieza de exhibición virtuosa para el violinista Jelly d'Arányi . [232] La Sonata para violín y violonchelo se aleja de las ricas texturas y armonías del Trío para piano de antes de la guerra: el compositor dijo que marcó un punto de inflexión en su carrera, con la delgadez de la textura llevada al extremo y el encanto armónico renunciado a favor de la melodía pura. [233] Su última obra de cámara, la Sonata para violín (a veces llamada la Segunda después de la publicación póstuma de su sonata de estudiante), es una obra frecuentemente disonante . Ravel dijo que el violín y el piano son instrumentos "esencialmente incompatibles", y que su Sonata revela su incompatibilidad. [233] Sackville-West y Shawe-Taylor consideran que las sonatas de posguerra son "bastante laboriosas e insatisfactorias", [234] y ninguna de las dos obras ha igualado la popularidad de las obras de cámara de Ravel de antes de la guerra. [235]
Las interpretaciones de Ravel de algunas de sus obras para piano fueron capturadas en rollos de piano entre 1914 y 1928, aunque algunos rollos supuestamente tocados por él pueden haber sido hechos bajo su supervisión por Robert Casadesus , un mejor pianista. [236] Se han publicado transferencias de los rollos en disco compacto. [236] En 1913 hubo una grabación en gramófono de Jeux d'eau interpretado por Mark Hambourg , y a principios de la década de 1920 hubo discos que presentaban la Pavane pour une infante défunte y Ondine , y movimientos del Cuarteto de cuerdas, Le tombeau de Couperin y Ma mère l'Oye . [237] Ravel fue uno de los primeros compositores que reconocieron el potencial de la grabación para llevar su música a un público más amplio, [n 35] y durante la década de 1920 hubo un flujo constante de grabaciones de sus obras, algunas de las cuales presentaban al compositor como pianista o director. [239] Una grabación de 1932 del Concierto para piano en sol mayor se publicitó como "Dirigida por el compositor", [240] aunque de hecho él había supervisado las sesiones mientras un director más competente tomó la batuta. [241] Las grabaciones en las que Ravel fue realmente el director incluyeron un Boléro en 1930 y una película sonora de una interpretación de 1933 del Concierto para piano en re mayor con Wittgenstein como solista. [242]
Ravel no sólo rechazó la Legión de Honor, sino todos los honores estatales de Francia, negándose a que su nombre fuera elegido para el Institut de France . [243] Aceptó premios extranjeros, incluyendo la membresía honoraria de la Royal Philharmonic Society en 1921, [244] la Orden de Leopoldo belga en 1926, y un doctorado honorario de la Universidad de Oxford en 1928. [245]
Tras la muerte de Ravel, su hermano y legatario, Edouard, transformó la casa del compositor en Montfort-l'Amaury en un museo, dejándola prácticamente tal y como la había conocido Ravel. En 2023, la casa-museo de Maurice Ravel sigue abierta para visitas guiadas. [246]
En sus últimos años, Edouard Ravel declaró su intención de dejar la mayor parte del patrimonio del compositor a la ciudad de París para la dotación de un Premio Nobel de música, pero evidentemente cambió de opinión. [247] Después de su muerte en 1960, el patrimonio pasó por varias manos. A pesar de las importantes regalías pagadas por la interpretación de la música de Ravel, la revista de noticias Le Point informó en 2000 que no estaba claro quiénes eran los beneficiarios. [248] El periódico británico The Guardian informó en 2001 que no se había recibido dinero de las regalías para el mantenimiento del museo de Ravel en Montfort-l'Amaury, que se encontraba en mal estado de conservación. [247]
Numerosas obras han sido dedicadas a Ravel o compuestas en su memoria por Satie, Stravinsky y otros. [n 36]
