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En el arte, una Virgen ( italiano: [maˈdɔnna] ) es una representación de María , ya sea sola o con su niño Jesús . Estas imágenes son íconos centrales tanto para la iglesia católica como para la ortodoxa . [1] La palabra proviene del italiano ma donna 'mi señora' (arcaico). El tipo de la Virgen y el Niño es muy frecuente en la iconografía cristiana , dividido en muchos subtipos tradicionales, especialmente en la iconografía ortodoxa oriental , a menudo conocido por la ubicación de un icono notable del tipo, como la Theotokos de Vladimir , Agiosoritissa , Blachernitissa , etc. o descriptivo de la postura representada, como en Hodegetria , Eleusa , etc.
El término Madonna en el sentido de "cuadro o estatua de la Virgen María" entra en uso inglés en el siglo XVII, principalmente en referencia a obras del Renacimiento italiano . En el contexto ortodoxo oriental, estas imágenes se conocen típicamente como Theotokos . "Madonna" puede usarse generalmente para representaciones de María, con o sin el niño Jesús, donde ella es el foco y la figura central de la imagen, posiblemente flanqueada o rodeada por ángeles o santos. Otros tipos de imágenes marianas que tienen un contexto narrativo, que representan escenas de la vida de la Virgen , por ejemplo, la Anunciación a María , no suelen denominarse "Madonna".
Las primeras representaciones de María datan del arte paleocristiano de los siglos II al III, encontradas en las catacumbas de Roma . [2] Están en un contexto narrativo. Las imágenes clásicas de "Madonna" o "Theotokos" se desarrollan a partir del siglo V. , ya que la devoción mariana adquirió gran importancia después de que el Concilio de Éfeso afirmara formalmente su estatus como " Madre de Dios o Theotokos ("portadora de Dios") en 431. [3] La iconografía de la Theotokos , tal como se desarrolló en los siglos VI al VIII, aumentó de gran importancia en el período altomedieval (siglos XII al XIV) tanto en el ámbito ortodoxo oriental como en el latino.
Según una tradición registrada por primera vez en el siglo VIII, y todavía fuerte en la Iglesia oriental, la iconografía de las imágenes de María se remonta a un retrato extraído del natural por Lucas evangelista , con varios iconos (como la Panagia Portaitissa ) . afirma representar este icono original o ser una copia directa del mismo. En la tradición occidental, las representaciones de la Virgen fueron muy diversificadas por maestros del Renacimiento como Duccio , Leonardo da Vinci , Miguel Ángel , Rafael , Giovanni Bellini , Caravaggio y Rubens (y además por ciertos modernistas como Salvador Dalí y Henry Moore ), mientras que La iconografía ortodoxa oriental se adhiere más estrechamente a los tipos tradicionales heredados.
La liturgia que representa a María como una poderosa intercesora (como la acatista ) fue introducida de la tradición griega a la latina en el siglo VIII. El título griego de Δεσποινα ( Despoina ) fue adoptado como Domina latina "Dama". El italiano medieval Ma Donna pronunciado [maˈdɔnna] ("Mi Señora") refleja Mea Domina , mientras que Nostra Domina (δεσποινίς ἡμῶν) fue adoptada en francés, como Nostre Dame "Nuestra Señora". [4]
Estos nombres señalan tanto la creciente importancia del culto a la virgen como la prominencia del arte al servicio de la devoción mariana durante el período medieval tardío. Durante el siglo XIII, especialmente, con la creciente influencia de la caballería y la cultura aristocrática en la poesía, el canto y las artes visuales, la Virgen es representada como la reina del cielo, a menudo entronizada, [5] [ 6 ] como la Virgen Ognissanti . Madonna pretendía más bien recordar a la gente el concepto teológico que otorga un valor tan alto a la pureza o la virginidad. Esto también está representado por el color de su ropa. El color azul simbolizaba pureza, virginidad y realeza. [7] [8] El ultramarino generalmente se reservaba sólo para los encargos más importantes, como las túnicas azules de la Virgen María en La Virgen y el Niño con santas de Gérard David .
Si bien el término italiano Madonna fue paralelo al inglés Nuestra Señora en la devoción mariana de finales de la Edad Media, se importó como un término histórico del arte al uso inglés en la década de 1640, designando específicamente el arte mariano del Renacimiento italiano . En este sentido, "una Virgen" o "una Virgen con el Niño" se utiliza para obras de arte específicas, históricamente en su mayoría obras italianas. Alternativamente, una "Madonna" puede llamarse "Virgen" o "Nuestra Señora", pero "Madonna" no se aplica normalmente a las obras orientales; por ejemplo, la Theotokos de Vladimir puede llamarse en inglés "Nuestra Señora de Vladimir", mientras que es menos habitual, pero no inaudito, referirse a ella como "Madonna de Vladimir". [9]
Hay varios tipos distintos de representación de la Virgen.
La representación más antigua de la Virgen y el Niño puede ser la pintura mural de la Catacumba de Priscila , Roma, en la que la Virgen sentada amamanta al Niño, que gira la cabeza para mirar al espectador. [15]
Las primeras representaciones consistentes de la Madre y el Niño se desarrollaron en el Imperio Oriental, donde a pesar de una tendencia iconoclasta en la cultura que rechazaba las representaciones físicas como " ídolos ", el respeto por las imágenes veneradas se expresaba en la repetición de una estrecha gama de tipos altamente convencionalizados, los imágenes repetidas familiares como iconos ( del griego "imagen"). En una visita a Constantinopla en 536, el Papa Agapito fue acusado de oponerse a la veneración de la theotokos y a la representación de su imagen en las iglesias. [16] Los ejemplos orientales muestran a la Virgen entronizada, incluso llevando la corona bizantina cerrada con incrustaciones de perlas y colgantes, con el Niño Jesús en su regazo. [17]
En Occidente, los modelos hieráticos bizantinos fueron seguidos de cerca en la Alta Edad Media, pero con la creciente importancia del culto a la Virgen en los siglos XII y XIII se desarrolló una amplia variedad de tipos para satisfacer una avalancha de formas de piedad más intensamente personales. . En las fórmulas habituales góticas y renacentistas, la Virgen María se sienta con el Niño Jesús en su regazo o envuelto en sus brazos. En representaciones anteriores la Virgen está entronizada, y el Niño puede estar plenamente consciente, levantando la mano para ofrecer bendición. En una variación italiana del siglo XV, un bebé Juan Bautista observa. La llamada Madonna della seggiola los muestra a ambos: la Virgen abraza al niño Jesús, cerca de Juan Bautista.
Las esculturas del gótico tardío de la Virgen y el Niño pueden mostrar a una virgen de pie con el niño en brazos. La iconografía varía entre imágenes públicas e imágenes privadas proporcionadas en menor escala y destinadas a la devoción personal en la cámara: la Virgen amamantando al Niño (como la Madonna Litta ) es una imagen confinada en gran medida a iconos devocionales privados.
Hubo una gran expansión del culto a María después del Concilio de Éfeso en 431, cuando se confirmó su condición de Theotokos ("portadora de Dios"); esto había sido objeto de cierta controversia hasta entonces, aunque principalmente por razones relacionadas con discusiones sobre la naturaleza de Cristo . En los mosaicos de Santa María la Mayor en Roma, que datan de 432-440, justo después del concilio, todavía no se la muestra con una aureola , y tampoco se la muestra en los belenes de esta fecha, aunque está incluida en la Adoración de los magos .
En el siglo siguiente se estableció la representación icónica de la Virgen entronizada llevando al niño Cristo, como en el ejemplo del único grupo de iconos que se conserva de este período, en el Monasterio de Santa Catalina en Egipto . Este tipo de representación, con diferencias de énfasis sutilmente cambiantes, ha seguido siendo el pilar de las representaciones de María hasta el día de hoy. La imagen del Monte Sinaí consigue combinar dos aspectos de María descritos en el Magnificat , su humildad y su exaltación sobre los demás humanos, y tiene la Mano de Dios arriba, hacia la que miran los arcángeles. Un icono temprano de la Virgen como reina se encuentra en la iglesia de Santa María en Trastevere en Roma, datable entre 705 y 707 por la figura arrodillada del Papa Juan VII , un notable promotor del culto a la Virgen, a quien llega el niño Cristo. Su mano. Este tipo estuvo confinado durante mucho tiempo a Roma. Aproximadamente media docena de iconos variados de la Virgen y el Niño en Roma de los siglos VI al VIII forman la mayoría de las representaciones que se conservan de este período; "Las imágenes aisladas de la Virgen y el Niño... son tan comunes... hasta el día de hoy en la tradición católica y ortodoxa, que es difícil recuperar un sentido de la novedad de tales imágenes en la Alta Edad Media, al menos en Europa Oriental". [18]
En este período la iconografía de la Natividad iba tomando la forma, centrada en María , que ha conservado hasta nuestros días en la ortodoxia oriental , y en la que se basaron las representaciones occidentales hasta la Alta Edad Media . Se fueron desarrollando otras escenas narrativas para los ciclos bizantinos sobre la Vida de la Virgen , apoyándose en fuentes apócifas para completar su vida antes de la Anunciación a María . En ese momento, el colapso político y económico del Imperio Romano Occidental significó que la iglesia latina occidental no podía competir en el desarrollo de una iconografía tan sofisticada y dependía en gran medida de los desarrollos bizantinos.
La imagen más antigua que se conserva en un manuscrito occidental iluminado de la Virgen y el Niño proviene del Libro de Kells de aproximadamente 800 [19] (hay una imagen tallada similar en la tapa del ataúd de San Cuthbert de 698) y, aunque magníficamente decorada en el En el estilo del arte insular , el dibujo de las figuras sólo puede describirse como bastante tosco en comparación con el trabajo bizantino de la época. De hecho, se trataba de una inclusión inusual en un libro del Evangelio , y las imágenes de la Virgen tardaron en aparecer en grandes cantidades en el arte manuscrito hasta que se ideó el libro de horas en el siglo XIII.
La Virgen de la humildad de Domenico di Bartolo , 1433, está considerada una de las imágenes devocionales más innovadoras del inicio del Renacimiento . [20]
Muy pocas imágenes tempranas de la Virgen María sobreviven, aunque la representación de la Virgen tiene sus raíces en antiguas tradiciones pictóricas y escultóricas que informaron a las primeras comunidades cristianas en Europa, el norte de África y el Medio Oriente. Importantes para la tradición italiana son los iconos bizantinos , especialmente los creados en Constantinopla (Estambul), la capital de la civilización medieval más antigua y duradera cuyos iconos participaron en la vida cívica y fueron celebrados por sus propiedades milagrosas. Bizancio (324-1453) se veía a sí mismo como el verdadero imperio cristiano de Roma , aunque de habla griega , con colonias de italianos viviendo entre sus ciudadanos, participando en cruzadas en las fronteras de su tierra y, en última instancia, saqueando sus iglesias, palacios y monasterios de muchos de sus tesoros. Más adelante en la Edad Media , la escuela cretense fue la principal fuente de iconos para Occidente, y los artistas de allí pudieron adaptar su estilo a la iconografía occidental cuando fuera necesario.
Si bien el robo es una de las formas en que las imágenes bizantinas llegaron a Italia, la relación entre los íconos bizantinos y las imágenes italianas de la Virgen es mucho más rica y complicada. El arte bizantino desempeñó un papel fundamental durante mucho tiempo en Europa occidental, especialmente cuando los territorios bizantinos incluían partes de Europa del este, Grecia y gran parte de la propia Italia. Por todo Occidente se distribuyeron manuscritos bizantinos, marfiles, oro, plata y textiles lujosos . En Bizancio, el título habitual de María era Theotokos o Madre de Dios, en lugar de Virgen María y se creía que la salvación era entregada a los fieles en el momento de la encarnación de Dios . Ese concepto teológico toma forma pictórica en la imagen de María sosteniendo a su hijo pequeño.
Sin embargo, lo más relevante para la herencia bizantina de la Virgen tiene dos aspectos. En primer lugar, las primeras imágenes independientes de la Virgen María que se conservan se encuentran en Roma, el centro del cristianismo en el Occidente medieval. Se trata de una valiosa posesión de Santa María en Trastevere , una de las muchas iglesias romanas dedicadas a la Virgen María. Otro, un fantasma astillado y repintado de lo que era antes, es venerado en el Panteón , esa gran maravilla arquitectónica del Antiguo Imperio Romano , que fue dedicada nuevamente a María como expresión del triunfo de la Iglesia. Ambos evocan la tradición bizantina en términos de su medio, es decir, la técnica y los materiales de las pinturas, ya que originalmente fueron pintadas al temple (yema de huevo y pigmentos molidos) sobre paneles de madera. En este sentido, comparten la herencia romana antigua de los iconos bizantinos. En segundo lugar, comparten iconografía o temática. Cada imagen enfatiza el papel maternal que desempeña María, representándola en relación con su hijo pequeño. Es difícil determinar las fechas del conjunto de estas imágenes anteriores; sin embargo, parecen ser principalmente obras de los siglos VII y VIII.
No fue hasta el resurgimiento de la pintura sobre paneles monumentales en Italia durante los siglos XII y XIII, que la imagen de la Virgen gana prominencia fuera de Roma, especialmente en toda la Toscana . Si bien los miembros de las órdenes mendicantes de las Ordenes Franciscana y Dominicana son algunos de los primeros en encargar paneles que representen este tema, tales obras rápidamente se hicieron populares en monasterios, iglesias parroquiales y hogares. Algunas imágenes de la Virgen fueron pagadas por organizaciones laicas llamadas cofradías, que se reunían para cantar alabanzas a la Virgen en capillas que se encuentran dentro de las espaciosas iglesias recién reconstruidas que a veces estaban dedicadas a ella. Pagar por un trabajo de este tipo también podría verse como una forma de devoción. Su coste se registra en el uso de finas láminas de pan de oro auténtico en todas las partes del panel que no están cubiertas con pintura, un análogo visual no sólo de las costosas fundas que los orfebres medievales usaban para decorar los altares, sino también un medio para rodear el altar. Imagen de la Virgen iluminada con lámparas de aceite y velas. Aún más precioso es el manto azul brillante coloreado con lapislázuli , una piedra importada de Afganistán.
Este es el caso de una de las obras más famosas, innovadoras y monumentales que Duccio realizó para los Laudesi de Santa Maria Novella de Florencia. A menudo, la escala de la obra indica mucho sobre su función original. A menudo denominada Rucellia Madonna (c. 1285), la pintura del panel se eleva sobre el espectador y ofrece un foco visual para que los miembros de la cofradía Laudesi se reúnan ante ella mientras cantan alabanzas a la imagen. Duccio hizo una imagen aún mayor de la Virgen entronizada para el altar mayor de la catedral de Siena, su ciudad natal. Conocida como la Maesta (1308-1311), la imagen representa a la pareja como el centro de un patio densamente poblado en la parte central de una compleja obra de carpintería que eleva el patio sobre una predela (pedestal del retablo) de escenas narrativas y figuras de pie. de profetas y santos. A su vez, en la Galería Nacional de Londres se encuentra una imagen a escala modesta de la Virgen como una figura de medio cuerpo sosteniendo a su hijo en una representación memorablemente íntima. Esto está claramente hecho para la devoción privada de un cristiano lo suficientemente rico como para contratar a uno de los artistas italianos más importantes de su época.
El propietario privilegiado no necesita ir a la iglesia a decir sus oraciones o suplicar por la salvación; todo lo que tenía que hacer era abrir las contraventanas del tabernáculo en un acto de revelación privada. Duccio y sus contemporáneos heredaron las primeras convenciones pictóricas que mantuvieron, en parte, para vincular sus propias obras a la autoridad de la tradición.
A pesar de todas las innovaciones de los pintores de la Virgen durante los siglos XIII y XIV, normalmente se puede reconocer a María por su vestimenta. Habitualmente, cuando se la representa como una joven madre de su hijo recién nacido, viste un manto azul muy saturado sobre una prenda roja. Este manto suele cubrir su cabeza, donde a veces se puede ver un velo de lino, o más tarde de seda transparente. Ella sostiene al Niño Jesús, o Niño Jesús, que comparte su halo y su porte regio. A menudo su mirada se dirige al espectador, sirviendo como intercesora o conducto para las oraciones que fluyen del cristiano a ella y, sólo entonces, a su hijo. Sin embargo, los artistas italianos de finales de la Edad Media también siguieron las tendencias de la pintura de iconos bizantinos y desarrollaron sus propios métodos para representar a la Virgen. A veces, el complejo vínculo de la Virgen con su pequeño hijo toma la forma de un momento cercano e íntimo de ternura impregnado de tristeza en el que ella sólo tiene ojos para él.
Si bien el enfoque de esta entrada actualmente enfatiza la representación de la Virgen en pinturas sobre paneles, su imagen también aparece en la decoración mural, ya sean mosaicos o pinturas al fresco en el exterior e interior de edificios sagrados. Se encuentra muy por encima del ábside, o extremo este de la iglesia donde se celebra la liturgia en Occidente. También se la encuentra en forma esculpida, ya sean pequeños marfiles para la devoción privada, o grandes relieves escultóricos y esculturas exentas. Como participante del drama sacro, su imagen inspira uno de los ciclos de frescos más importantes de toda la pintura italiana: el ciclo narrativo de Giotto en la Capilla de la Arena, junto al palacio de la familia Scrovegni en Padua. Este programa data de la primera década del siglo XIV.
Los artistas italianos del siglo XV en adelante están en deuda con las tradiciones establecidas en los siglos XIII y XIV en su representación de la Virgen.
Si bien los siglos XV y XVI fueron una época en la que los pintores italianos ampliaron su repertorio para incluir acontecimientos históricos, retratos independientes y temas mitológicos, el cristianismo mantuvo un fuerte control en sus carreras. La mayoría de las obras de arte de esta época son sagradas. Si bien la variedad de temas religiosos incluía temas del Antiguo Testamento e imágenes de santos cuyos cultos datan de después de la codificación de la Biblia, la Virgen siguió siendo un tema dominante en la iconografía del Renacimiento.
Algunos de los pintores italianos más eminentes del siglo XVI que abordaron este tema fueron Leonardo da Vinci , Miguel Ángel , Rafael , [nota 1] Giorgione , Giovanni Bellini y Tiziano . Se desarrollaron sobre la base de las imágenes marianas del siglo XV de Fra Angelico , Fra Filippo Lippi , Mantegna y Piero della Francesca en particular, entre muchos otros. El tema fue igualmente popular en la pintura holandesa temprana y en la del resto del norte de Europa.
El tema que mantuvo el mayor poder en todos estos hombres siguió siendo el vínculo materno, aunque otros temas, especialmente la Anunciación , y más tarde la Inmaculada Concepción , llevaron a un mayor número de pinturas que representaban a María sola, sin su hijo. Como imagen conmemorativa, la Piedad se convirtió en un tema importante, recientemente liberado de su papel anterior en los ciclos narrativos, en parte, una consecuencia de las estatuas devocionales populares en el norte de Europa. Tradicionalmente, se representa a María expresando compasión, dolor y amor, generalmente en obras de arte muy cargadas de emociones, aunque las primeras obras más famosas de Miguel Ángel reprimen los signos de duelo. Se captura la ternura que una madre corriente podría sentir hacia su amado hijo, evocando el momento en que abrazó por primera vez a su pequeño hijo Cristo . Después de todo, el espectador debe simpatizar, compartir la desesperación de la madre que sostiene el cuerpo de su hijo crucificado.
En algunos países europeos, como Alemania, Italia y Polonia, se encuentran esculturas de la Virgen en el exterior de las casas y edificios de la ciudad, o a lo largo de las calles en pequeños recintos.
En Alemania, una estatua de este tipo colocada en el exterior de un edificio se llama Hausmadonna . Algunos se remontan a la Edad Media, mientras que otros todavía se fabrican en la actualidad. Por lo general, se encuentran en el nivel del segundo piso o más arriba, y a menudo en la esquina de una casa, estas esculturas se encontraron en grandes cantidades en muchas ciudades; Mainz , por ejemplo, debía tener más de 200 antes de la Segunda Guerra Mundial . [23] La variedad en tales estatuas es tan grande como en otras imágenes de Madonna; se encuentran Vírgenes sosteniendo uvas (en referencia al Cantar de los Cantares 1:14, traducido como "Mi amante es para mí un racimo de flores de henna" en la NVI ), Vírgenes "inmaculadas" en un blanco puro y perfecto, sin niños ni accesorios, y Vírgenes con rosas que simbolizan su vida determinada por los misterios de la fe. [24]
En Italia, la Virgen al borde de la carretera es una vista común tanto en los costados de los edificios como a lo largo de las carreteras en pequeños recintos. Se espera que estos brinden alivio espiritual a las personas que los pasen. [25] Algunas estatuas de Madonnas se colocan alrededor de ciudades y pueblos italianos como cuestión de protección o como conmemoración de un milagro reportado. [26]
En la década de 1920, las Hijas de la Revolución Americana colocaron estatuas llamadas la Virgen del Camino de costa a costa, marcando el camino de la antigua Carretera Nacional y el Camino de Santa Fe . [27]
A lo largo de su vida, el pintor Ray Martìn Abeyta creó obras inspiradas en el estilo de pintura de Madonna de la Escuela Cusqueña, creando un híbrido de temas latinos tradicionales y contemporáneos que representan los encuentros colonialistas entre europeos y mesoamericanos. [28] [29]
En 2015, el iconógrafo Mark Dukes creó el icono Nuestra Señora de Ferguson , que representa a la Virgen y el niño, en relación con el tiroteo de Michael Brown en Ferguson, Missouri . [30]
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Se dice que el primer encuentro importante entre el Islam y la imagen de la Virgen ocurrió durante la conquista de La Meca por parte del profeta Mahoma . En la culminación de su misión, en 629 EC, Mahoma conquistó La Meca con un ejército musulmán, siendo su primera acción la "limpieza" o "purificación" de la Kaaba , donde eliminó todas las imágenes e ídolos paganos preislámicos del interior. el templo. Según informes recopilados por Ibn Ishaq y al-Azraqi , Mahoma, sin embargo, puso su mano de manera protectora sobre una pintura de María y Jesús , y un fresco de Abraham para evitar que fueran borrados. [31] [32] En palabras del historiador Barnaby Rogerson , "Mahoma levantó la mano para proteger un icono de la Virgen y el Niño y una pintura de Abraham, pero por lo demás sus compañeros limpiaron el interior de su desorden de tesoros votivos, objetos de culto implementos, estatuillas y amuletos colgantes." [33]
El erudito islámico Martin Lings narró así el acontecimiento en su biografía del Profeta : "A veces los cristianos venían a honrar el Santuario de Abraham, y eran bienvenidos como todos los demás. Además, a un cristiano se le había permitido e incluso alentado a pintar un icono de la Virgen María y el Niño Cristo en una pared interior de la Kaaba, donde contrastaba marcadamente con todas las demás pinturas, pero los Quraysh eran más o menos insensibles a este contraste: para ellos era simplemente una cuestión de aumentar la multitud de ídolos por otros dos, y fue en parte su tolerancia lo que los hizo tan impenetrables... Aparte del icono de la Virgen María y el niño Jesús, y una pintura de un anciano, que se dice que es Abraham , el Las paredes del interior habían sido cubiertas con imágenes de deidades paganas . Colocando su mano protectoramente sobre el ícono, el Profeta le dijo a Uthman que se encargara de que todas las demás pinturas, excepto la de Abraham, fueran borradas. [34]
En la historia del arte del subcontinente indio se encuentran sorprendentes similitudes entre las imágenes de la Virgen y el Niño Jesús, y Yashoda o Devaki y Krishna , ya que tanto las figuras hindúes como cristianas del "niño eterno" [35] se muestran abrazadas. cálidamente en el regazo de su madre. [36]
También existe un templo en Goa , el templo Shree Devakikrishna en Marcel, donde al ver el ídolo de Krishna-Devaki, los portugueses no diezmaron el templo, porque les recordaba a la Virgen María-Jesús. [37]
"Un impresionante ídolo de Devaki, llevando al niño señor en su cintura, se encuentra en el santuario interior del templo. La imagen es inusual porque, si bien existe una gran cantidad de templos en el país dedicados a Krishna, no hay ninguna imagen de Devaki" . [36] [37] El historiador Anant Dhume, en su libro 'La historia cultural de Goa desde el 10.000 a. C. hasta el 1352 d. C.', compara el ídolo con la imagen de la Virgen y el Niño Jesús debido a las similitudes. [38]
En el libro, Dhume explica: "Sin embargo, el ídolo de Devkikrishna originario de la isla Chodan, Tiswadi taluka, transferido en el momento del abuso por parte de los misioneros cristianos a la aldea de Mashela (Marcela en portugués) de la aldea de Orgaon, Ponda taluka, es interesante... La historia dice que Vasco da Gama en su vejez fue nombrado Virrey de todas las colonias del Lejano Oriente como gesto de honor. Un día visitó la isla de Chodan. Cuando vio este ídolo a través de la puerta principal, inmediatamente saludó. la imagen y se arrodilló, considerándola la imagen de la Madre María, con el niño Jesús…” [38]
Durante el reinado portugués en Goa a partir del siglo XVI, las estatuillas de marfil indoportuguesas realizadas reflejaban tales similitudes. [39] "Los portugueses se habían asentado con el objetivo de dominar el comercio de especias y difundir su fe cristiana, y estas pequeñas estatuas de marfil portátiles embellecerían los altares de las iglesias y las casas de Goa, y también fueron transportadas al extranjero para cumplir su proyecto posterior. Estas figuras fueron talladas por artistas indios bajo la dirección de los jesuitas". [36] El historiador de arte Gauvin Alexander Bailey señala que los encargos de arte jesuitas "fueron... una asociación en la que se alentaron y fomentaron las propias interpretaciones de los artistas del arte sacro". [39] Los jesuitas obtuvieron pequeñas pinturas, grabados y esculturas de Europa para que los escultores indios las usaran como referencia, y los artistas indígenas utilizaron sus propias tradiciones para modelar tales figuras. Uno de los ejemplos más brillantes de esta forma sincrética es la figura llamada Rocalla del Buen Pastor (también conocida como Monte del Buen Pastor o Bom Pastor) que "muestra la unión de culturas tanto en su iconografía como en sus características, y resume cómo los escultores de Goa creado imágenes de lo divino que son católicas, europeas y del sur de Asia". [36] [39] La forma infantil de Cristo en esta figura, con rostro redondo y piel suave, tal vez fue extraída de esculturas del bebé Krishna como "Krishna, el ladrón de mantequilla, India, Tamil Nadu, siglo XVI" (LACMA). [40] [39] [36]
Mientras que, en Bengala, el Chore Bagan Art Studio, el Kansaripara Art Studio y el Calcutta Art Studio produjeron grabados locales alrededor de la segunda mitad del siglo XIX. Estos artistas fueron influenciados por las diversas representaciones de Cristo en los grabados europeos que se habían infiltrado en el mercado de la época. Y quizás la conexión más cercana que pudieron establecer fue entre el niño Cristo y Krishna. [41] Jyotindra Jain comenta: "... el Chore Bagan Art Studio publicó una imagen popular, titulada El nacimiento de Krishna, que se basó casi en su totalidad en grabados populares de El nacimiento de Jesucristo, en la medida en que la presencia de tres sabios Los hombres de Oriente también fueron literalmente imitados en esta obra". [41]
Artistas como Jamini Roy también adoptaron esta imagen, y Jesús y María aparecerían en los lienzos de Tyeb Mehta , Krishnen Khanna , Madhvi Parekh y otros en formas que brindan un comentario y una visión de la escena social india. [41] Las iglesias en la India, como el Santuario de Nuestra Señora de Vailankanni en Tamil Nadu, que fue considerado basílica por la Iglesia Católica Romana en 1962, albergaban de manera similar ídolos de María vestidos con un sari tradicional . [41] "Estos siguen siendo ejemplos de cómo en el arte y en la fe las tradiciones se fusionan, también lo hacen los símbolos y las imágenes, dando origen a culturas sincréticas que atestiguan los estragos del odio comunitario, las diferencias creadas por el hombre y las interpretaciones ortodoxas". [36] Nirendranath Chakraborty , uno de los mejores poetas modernos de Bengala, escribió, tomando adelante esta imagen de la madre y el niño, un famoso poema titulado "Kolkatar Jishu" (El Jesús de Calcuta). [42]
La ternura eterna de la figura madre-hijo, de la maternidad y el vínculo incondicional de amor y calidez que encierra esta relación, "que el niño Cristo en el regazo de Madonna significa y reverbera en la imagen de Krishna-Yashoda o Devaki, es quizás lo que marca la cultura del amor", [36] y justifica las diversas interpretaciones de este símbolo en el arte y la poesía que se encuentran en todo el subcontinente.
Hay una gran cantidad de artículos sobre obras individuales de diversos tipos en la Categoría:La Virgen María en el arte y su subcategoría. Véase también la Lista incompleta de representaciones de la Virgen y el Niño . El término "Madonna" se aplica a menudo a representaciones de María que no fueron creadas por italianos. Una pequeña selección de ejemplos incluye:
Quraysh había colocado imágenes en la Ka'ba, incluidas dos de Jesús, hijo de María y María (¡la paz sea con ambos!). ... El apóstol ordenó que se borraran las imágenes excepto las de Jesús y María.
Cuando Mahoma ordenó a sus hombres que limpiaran la Kaaba de las estatuas y cuadros expuestos allí, salvó las pinturas de la Virgen y el Niño y de Abraham.
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