Gioachino [n 1] Antonio Rossini [n 2] (29 de febrero de 1792 – 13 de noviembre de 1868) fue un compositor italiano que saltó a la fama por sus 39 óperas, aunque también escribió muchas canciones, algunas música de cámara y piezas para piano , y algo de música sacra. . Estableció nuevos estándares tanto para la ópera cómica como para la ópera seria antes de retirarse de la composición a gran escala cuando aún tenía treinta y tantos años, en el apogeo de su popularidad.
Nacido en Pesaro de padres que eran ambos músicos (su padre trompetista y su madre cantante), Rossini comenzó a componer a la edad de doce años y se educó en la escuela de música de Bolonia . Su primera ópera se representó en Venecia en 1810, cuando tenía 18 años. En 1815 fue contratado para escribir óperas y dirigir teatros en Nápoles. En el período 1810-1823, escribió 34 óperas para la escena italiana que se representaron en Venecia, Milán, Ferrara , Nápoles y otros lugares; esta productividad requirió un enfoque casi formulado para algunos componentes (como las oberturas) y una cierta cantidad de autopréstamo. Durante este período produjo sus obras más populares, incluidas las óperas cómicas L'italiana in Algeri , Il barbiere di Siviglia (conocida en inglés como El barbero de Sevilla ) y La Cenerentola , que llevaron a su apogeo la tradición de la ópera buffa que heredó de maestros como Domenico Cimarosa y Giovanni Paisiello . También compuso obras de ópera seria como Tancredi , Otello y Semiramide . Todos ellos atrajeron la admiración por su innovación en melodía, color armónico e instrumental y forma dramática. En 1824 fue contratado por la Ópera de París, para la que produjo una ópera para celebrar la coronación de Carlos X , Il viaggio a Reims (posteriormente canibalizada para su primera ópera en francés , Le comte Ory ), revisiones de dos de sus obras italianas . óperas , Le siège de Corinthe y Moïse , y en 1829 su última ópera, Guillaume Tell .
La retirada de Rossini de la ópera durante los últimos 40 años de su vida nunca ha sido explicada del todo; Los factores que contribuyeron pueden haber sido la mala salud, la riqueza que le había aportado su éxito y el surgimiento de la espectacular gran ópera bajo la dirección de compositores como Giacomo Meyerbeer . Desde principios de la década de 1830 hasta 1855, cuando abandonó París y se estableció en Bolonia, Rossini escribió relativamente poco. A su regreso a París en 1855 se hizo famoso por sus salones musicales de los sábados, a los que asistían regularmente músicos y los círculos artísticos y de moda de París, para los que escribió las entretenidas piezas Péchés de vieillesse . Entre los invitados se encontraban Franz Liszt , Anton Rubinstein , Giuseppe Verdi , Meyerbeer y Joseph Joachim . La última composición importante de Rossini fue su Petite messe solennelle (1863).
Rossini nació en 1792 en Pesaro , una localidad de la costa adriática de Italia que entonces formaba parte de los Estados Pontificios . [2] Era hijo único de Giuseppe Rossini, trompetista y trompetista, y de su esposa Anna, de soltera Guidarini, costurera de profesión, hija de un panadero. [12] Giuseppe Rossini era encantador pero impetuoso e irresponsable; La carga de mantener a la familia y criar al niño recayó principalmente en Anna, con algo de ayuda de su madre y su suegra. [13] [14] Stendhal , que publicó una colorida biografía de Rossini en 1824, [15] escribió:
La porción que Rossini recibió de su padre fue la verdadera herencia nativa de un italiano: un poco de música, un poco de religión y un volumen de Ariosto . El resto de su educación estuvo consignada a la escuela legítima de la juventud sureña, la sociedad de su madre, las jóvenes cantantes de la compañía, aquellas prima donnas en embrión y las comadres de cada pueblo por el que pasaban. Esto fue ayudado y refinado por el barbero musical y el dueño de café de la Villa Papal, amante de las noticias. [16] [n 3]
Giuseppe fue encarcelado al menos dos veces: primero en 1790 por insubordinación a las autoridades locales en una disputa sobre su empleo como trompetista de la ciudad; y en 1799 y 1800 por el activismo republicano y el apoyo a las tropas de Napoleón contra los partidarios austriacos del Papa. [17] En 1798, cuando Rossini tenía seis años, su madre comenzó una carrera como cantante profesional en ópera cómica, y durante poco más de una década tuvo un éxito considerable en ciudades como Trieste y Bolonia , antes de que su voz no entrenada comenzara a fallar. . [18]
En 1802 la familia se trasladó a Lugo , cerca de Rávena , donde Rossini recibió una buena educación básica en italiano, latín y aritmética además de música. [18] Estudió trompa con su padre y otras músicas con un sacerdote, Giuseppe Malerbe, cuya extensa biblioteca contenía obras de Haydn y Mozart , ambos poco conocidos en Italia en ese momento, pero que inspiraron al joven Rossini. Aprendía rápido y, a la edad de doce años, había compuesto un conjunto de seis sonatas para cuatro instrumentos de cuerda, que se interpretaron bajo los auspicios de un rico mecenas en 1804. [n 4] Dos años más tarde fue admitido en en el recientemente inaugurado Liceo Musicale de Bolonia , inicialmente estudió canto, violonchelo y piano, y poco después se unió a la clase de composición. [20] Escribió algunas obras sustanciales mientras era estudiante, incluida una misa y una cantata, y después de dos años fue invitado a continuar sus estudios. Rechazó la oferta: el estricto régimen académico del Liceo le había proporcionado una sólida técnica de composición, pero como dice su biógrafo Richard Osborne, "su instinto de continuar su educación en el mundo real finalmente se impuso". [21]
Mientras aún estaba en el Liceo, Rossini había actuado en público como cantante y trabajado en teatros como répétiteur y tecladista solista. [22] En 1810, a petición del popular tenor Domenico Mombelli, escribió su primera partitura operística, un drama serio operístico en dos actos , Demetrio e Polibio , con libreto de la esposa de Mombelli. Se representó públicamente en 1812, tras los primeros éxitos del compositor. [20] Rossini y sus padres concluyeron que su futuro estaba en componer óperas. El principal centro operístico del noreste de Italia era Venecia ; Bajo la tutela del compositor Giovanni Morandi , amigo de la familia, Rossini se trasladó allí a finales de 1810, cuando tenía dieciocho años. [23]
La primera ópera de Rossini que se representó fue La cambiale di matrimonio , [n 5] una comedia en un acto, representada en el pequeño Teatro San Moisè en noviembre de 1810. La pieza fue un gran éxito y Rossini recibió lo que entonces le pareció una considerable suma: "cuarenta escudos , una cantidad que nunca había visto reunida". [24] Más tarde describió el San Moisè como un teatro ideal para un joven compositor que estaba aprendiendo su oficio: "todo tendía a facilitar el debut de un compositor novato": [25] no tenía coro y tenía una pequeña compañía de directores; su repertorio principal consistía en óperas cómicas en un acto ( farsa ), puestas en escena con escenografía modesta y ensayo mínimo. [26] Rossini siguió el éxito de su primera pieza con tres farsas más para la casa: L'inganno felice (1812), [n 6] La scala di seta (1812), [n 7] e Il signor Bruschino (1813) . [27]
Rossini mantuvo sus vínculos con Bolonia, donde en 1811 tuvo un éxito dirigiendo Las estaciones de Haydn , [28] y un fracaso con su primera ópera de larga duración, L'equivoco stravagante . [n 8] [29] [30] También trabajó para teatros de ópera en Ferrara y Roma. [31] A mediados de 1812 recibió un encargo de La Scala de Milán, donde su comedia en dos actos La pietra del paragone [n 9] tuvo cincuenta y tres funciones, una carrera considerable para la época, que le reportó no sólo beneficios económicos, pero exención del servicio militar y el título de maestro di cartello , un compositor cuyo nombre en los carteles publicitarios garantizaba un lleno total. [26] Al año siguiente, su primera ópera seria , Tancredi , tuvo buenos resultados en La Fenice de Venecia, e incluso mejor en Ferrara, con un final trágico reescrito. [31] El éxito de Tancredi hizo que el nombre de Rossini fuera conocido internacionalmente; Siguieron producciones de la ópera en Londres (1820) y Nueva York (1825). [32] A las pocas semanas de Tancredi , Rossini tuvo otro éxito de taquilla con su comedia L'italiana in Algeri , [n 10] compuesta con gran prisa y estrenada en mayo de 1813. [33]
1814 fue un año menos notable para el compositor en ascenso: ni Il turco in Italia [n. 11] ni Sigismondo agradaron al público milanés o veneciano, respectivamente. [34] [35] 1815 marcó una etapa importante en la carrera de Rossini. En mayo se traslada a Nápoles , para asumir el cargo de director musical de los teatros reales. Estos incluían el Teatro di San Carlo , [31] la ópera más importante de la ciudad; su director Domenico Barbaia iba a ser una influencia importante en la carrera del compositor allí. [36]
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El establishment musical de Nápoles no dio la bienvenida de inmediato a Rossini, quien era visto como un intruso en sus queridas tradiciones operísticas. La ciudad había sido alguna vez la capital de la ópera de Europa; [37] la memoria de Cimarosa era venerada y Paisiello todavía vivía, pero no había compositores locales de talla que los siguieran, y Rossini rápidamente se ganó al público y a la crítica. [38] La primera obra de Rossini para San Carlo, Elisabetta, regina d'Inghilterra [n 12] fue un dramma per musica en dos actos, en el que reutilizó secciones sustanciales de sus obras anteriores, desconocidas para el público local. Los estudiosos de Rossini Philip Gossett y Patricia Brauner escriben: "Es como si Rossini quisiera presentarse al público napolitano ofreciendo una selección de la mejor música de óperas que probablemente no se resucitarán en Nápoles". [39] La nueva ópera fue recibida con tremendo entusiasmo, al igual que el estreno napolitano de L'italiana en Algeri , y la posición de Rossini en Nápoles quedó asegurada. [40]
Por primera vez, Rossini pudo escribir regularmente para una compañía residente de cantantes de primer nivel y una excelente orquesta, con ensayos adecuados y horarios que hacían innecesario componer apresuradamente para cumplir con los plazos. [38] Entre 1815 y 1822 compuso dieciocho óperas más: nueve para Nápoles y nueve para teatros de ópera de otras ciudades. En 1816, para el Teatro Argentina de Roma, compuso la ópera que se convertiría en la más conocida: Il barbiere di Siviglia ( El barbero de Sevilla ). Ya existía una ópera popular con ese título de Paisiello , y la versión de Rossini originalmente recibió el mismo título que su héroe, Almaviva . [n 13] A pesar de una noche de estreno fallida, con contratiempos en el escenario y muchos espectadores pro-Paisiello y anti-Rossini, la ópera rápidamente se convirtió en un éxito, y en el momento de su primera reposición, en Bolonia, unos meses más tarde, ya fue promocionado con su actual título italiano y rápidamente eclipsó el escenario de Paisiello. [39] [n.14]
Las óperas de Rossini para el Teatro San Carlo eran piezas sustanciales, principalmente serias. Su Otelo (1816) provocó que Lord Byron escribiera: "Han estado crucificando a Otelo para convertirlo en una ópera: buena música, pero lúgubre, ¡pero en cuanto a las palabras!" [42] No obstante, la pieza resultó ser popular en general y ocupó el escenario en frecuentes reposiciones hasta que fue eclipsada por la versión de Verdi , siete décadas después. [43] Entre sus otras obras para la casa se encuentran Mosè in Egitto , basada en la historia bíblica de Moisés y el Éxodo de Egipto (1818), y La donna del lago , del poema de Sir Walter Scott La dama del lago ( 1819). Para La Scala escribió la ópera semiseria La gazza ladra (1817), [n 15] y para Roma su versión del cuento de Cenicienta , La Cenerentola (1817). [44] En 1817 se produjo la primera representación de una de sus óperas ( L'Italiana ) en el Théâtre-Italien de París; su éxito llevó a que otras de sus óperas se representaran allí y, finalmente, a su contrato en París de 1824 a 1830. [45]
Rossini mantuvo su vida personal lo más privada posible, pero era conocido por su susceptibilidad hacia los cantantes de las compañías con las que trabajaba. Entre sus amantes en sus primeros años se encontraban Ester Mombelli (hija de Domenico) y Maria Marcolini de la compañía de Bolonia. [46] Con diferencia, la más importante de estas relaciones, tanto personales como profesionales, fue con Isabella Colbran , prima donna del Teatro San Carlo (y ex amante de Barbaia). Rossini la había escuchado cantar en Bolonia en 1807, y cuando se mudó a Nápoles le escribió una sucesión de papeles importantes en series de óperas . [47] [48]
A principios de la década de 1820, Rossini empezaba a cansarse de Nápoles. El fracaso de su tragedia operística Ermione el año anterior lo convenció de que él y el público napolitano ya estaban hartos el uno del otro. [49] Una insurrección en Nápoles contra la monarquía, aunque rápidamente aplastada , inquietó a Rossini; [50] cuando Barbaia firmó un contrato para llevar la empresa a Viena, Rossini se alegró de unirse a ellos, pero no le reveló a Barbaia que no tenía intención de regresar a Nápoles después. [51] Viajó con Colbran, en marzo de 1822, interrumpiendo su viaje en Bolonia, donde se casaron en presencia de sus padres en una pequeña iglesia en Castenaso , a pocos kilómetros de la ciudad. [52] La novia tenía treinta y siete años, el novio treinta. [n 16]
En Viena, Rossini recibió una bienvenida de héroe; sus biógrafos lo describen como "entusiasmo febril sin precedentes", [54] "fiebre Rossini", [55] y "casi histeria". [56] Al autoritario canciller del Imperio austríaco , Metternich , le gustaba la música de Rossini y la consideraba libre de toda posible asociación revolucionaria o republicana. Por lo tanto, estuvo feliz de permitir que la compañía de San Carlo interpretara las óperas del compositor. [57] En una temporada de tres meses interpretaron seis de ellos, ante un público tan entusiasta que el asistente de Beethoven , Anton Schindler , lo describió como "una orgía idólatra". [55]
Mientras estaba en Viena, Rossini escuchó la sinfonía Heroica de Beethoven y quedó tan conmovido que decidió conocer al solitario compositor. Finalmente lo consiguió y más tarde describió el encuentro a muchas personas, entre ellas Eduard Hanslick y Richard Wagner . Recordó que aunque la conversación se vio obstaculizada por la sordera de Beethoven y la ignorancia del alemán de Rossini, Beethoven dejó claro que pensaba que el talento de Rossini no era para la ópera seria, [ 58] y que "sobre todo" debería "hacer más Barbiere " (Barberos). . [59] [n.17]
Después de la temporada de Viena, Rossini regresó a Castenaso para trabajar con su libretista, Gaetano Rossi , en Semiramide , por encargo de La Fenice. Se estrenó en febrero de 1823, siendo su última obra para el teatro italiano. Colbran protagonizó, pero todos tenían claro que su voz estaba en grave declive y Semiramide terminó su carrera en Italia. [61] La obra sobrevivió a esa gran desventaja y entró en el repertorio operístico internacional, manteniéndose popular durante todo el siglo XIX; [62] en palabras de Richard Osborne, llevó "la carrera italiana [de Rossini] a un final espectacular". [63]
En noviembre de 1823, Rossini y Colbran partieron hacia Londres, donde se les había ofrecido un lucrativo contrato. De camino a París , hicieron escala durante cuatro semanas . Aunque no fue aclamado tan febrilmente por los parisinos como en Viena, tuvo sin embargo una acogida excepcionalmente acogedora por parte del establishment musical y del público. Cuando asistió a una representación de Il barbiere en el Théâtre-Italien, los músicos lo aplaudieron, lo arrastraron al escenario y le dieron una serenata. Se ofreció un banquete para él y su esposa, al que asistieron destacados compositores y artistas franceses, y el clima cultural de París le pareció agradable. [64]
A finales de año, Rossini llegó a Londres, donde fue recibido y ensalzado por el rey Jorge IV , aunque el compositor ya no estaba impresionado por la realeza y la aristocracia. [65] Rossini y Colbran habían firmado contratos para una temporada de ópera en el King's Theatre de Haymarket . Sus deficiencias vocales fueron un serio inconveniente y, a regañadientes, se retiró de la actuación. La opinión pública no mejoró porque Rossini no pudo ofrecer una nueva ópera, como había prometido. [66] El empresario Vincenzo Benelli incumplió su contrato con el compositor, pero esto no fue conocido por la prensa y el público londinense, que culpó a Rossini. [66] [67]
En una biografía del compositor de 2003, Gaia Servadio comenta que Rossini e Inglaterra no estaban hechos el uno para el otro. Estaba postrado por el cruce del Canal y era poco probable que le entusiasmara el clima o la cocina inglesa. [68] Aunque su estancia en Londres fue económicamente gratificante – la prensa británica informó con desaprobación que había ganado más de £ 30.000 [n 18] – estuvo feliz de firmar un contrato en la embajada francesa en Londres para regresar a París, donde había Me sentí mucho más como en casa. [69] [70]
El nuevo y altamente remunerativo contrato de Rossini con el gobierno francés fue negociado bajo Luis XVIII , quien murió en septiembre de 1824, poco después de la llegada de Rossini a París. Se había acordado que el compositor produciría una gran ópera para la Académie Royale de Musique y una ópera buffa o una ópera semiseria para el Théâtre-Italien. [71] También ayudaría a dirigir este último teatro y revisaría una de sus obras anteriores para su reactivación allí. [72] La muerte del rey y el ascenso de Carlos X cambiaron los planes de Rossini, y su primer trabajo nuevo para París fue Il viaggio a Reims , [n 19] un entretenimiento operístico presentado en junio de 1825 para celebrar la coronación de Carlos. Fue la última ópera de Rossini con libreto en italiano. [73] Sólo permitió cuatro interpretaciones de la pieza, [74] [n 20] con la intención de reutilizar lo mejor de la música en una ópera menos efímera. [76] Aproximadamente la mitad de la partitura de Le comte Ory (1828) proviene de la obra anterior. [77]
El retiro forzoso de Colbran puso a prueba el matrimonio de los Rossini, dejándola desocupada mientras él seguía siendo el centro de atención musical y constantemente solicitado. [61] Se consoló con lo que Servadio describe como "un nuevo placer de comprar"; [78] para Rossini, París ofrecía continuas delicias gourmet, a medida que su forma cada vez más redondeada comenzaba a reflejarse. [78] [n.21]
La primera de las cuatro óperas que Rossini escribió con libretos en francés fueron Le siège de Corinthe [n 22] (1826) y Moïse et Pharaon [n 23] (1827). Ambas fueron reelaboraciones sustanciales de piezas escritas para Nápoles: Maometto II y Mosè in Egitto . Rossini tuvo mucho cuidado antes de comenzar a trabajar en el primero, aprendiendo a hablar francés y familiarizándose con las formas operísticas tradicionales francesas de declamar el idioma. Además de eliminar parte de la música original que tenía un estilo ornamentado que no estaba de moda en París, Rossini se adaptó a las preferencias locales agregando bailes, números parecidos a himnos y un papel más importante para el coro. [80]
La madre de Rossini, Anna, murió en 1827; había sido devoto de ella y sentía profundamente su pérdida. Ella y Colbran nunca se habían llevado bien, y Servadio sugiere que después de la muerte de Anna, Rossini llegó a resentirse con la mujer superviviente de su vida. [81]
En 1828 Rossini escribió Le comte Ory , su única ópera cómica en lengua francesa. Su determinación de reutilizar la música de Il viaggio a Reims causó problemas a sus libretistas, quienes tuvieron que adaptar su argumento original y escribir palabras en francés para adaptarlas a los números italianos existentes, pero la ópera fue un éxito y se pudo ver en Londres seis meses después de su estreno. Estreno en París y en Nueva York en 1831. [77] Al año siguiente, Rossini escribió su tan esperada gran ópera francesa, Guillaume Tell , basada en la obra de Friedrich Schiller de 1804 que se basó en la leyenda de Guillermo Tell . [82]
Guillaume Tell fue bien recibido. La orquesta y los cantantes se reunieron frente a la casa de Rossini después del estreno y realizaron el conmovedor final del segundo acto en su honor. El periódico Le Globe comentó que había comenzado una nueva era de la música. [83] Gaetano Donizetti comentó que el primer y el último acto de la ópera fueron escritos por Rossini, pero el acto intermedio fue escrito por Dios. [84] La obra fue un éxito indudable, sin llegar a ser un gran éxito; el público tardó un poco en asimilarlo y algunos cantantes lo encontraron demasiado exigente. [85] Sin embargo, se produjo en el extranjero pocos meses después de su estreno, [n 24] y no había sospechas de que sería la última ópera del compositor. [87]
Junto con Semiramide , Guillaume Tell es la ópera más larga de Rossini, con tres horas y cuarenta y cinco minutos, [88] y el esfuerzo de componerla lo dejó exhausto. Aunque al cabo de un año estaba planeando un tratamiento operístico de la historia de Fausto , [83] los acontecimientos y la mala salud se apoderaron de él. Después del estreno de Guillaume Tell los Rossini habían abandonado París y se alojaban en Castenaso. Al cabo de un año, los acontecimientos en París hicieron que Rossini se apresurara a regresar. Carlos X fue derrocado en una revolución en julio de 1830, y la nueva administración, encabezada por Luis Felipe I , anunció recortes radicales en el gasto público. Entre los recortes estaba la renta vitalicia de Rossini, obtenida tras duras negociaciones con el régimen anterior. [89] Intentar restaurar la anualidad fue una de las razones de Rossini para regresar. El otro sería estar con su nueva amante, Olympe Pélissier . Dejó a Colbran en Castenaso; ella nunca regresó a París y nunca volvieron a vivir juntos. [90]
Las razones de la retirada de Rossini de la ópera se han discutido continuamente durante y desde su vida. [91] [92] Algunos han supuesto que, a la edad de treinta y siete años y con una salud variable, después de haber negociado una anualidad considerable con el gobierno francés y haber escrito treinta y nueve óperas, simplemente planeaba retirarse y mantenía ese plan. En un estudio del compositor de 1934, el crítico Francis Toye acuñó la frase "La Gran Renuncia" y calificó el retiro de Rossini como un "fenómeno único en la historia de la música y difícil de igualar en toda la historia del arte":
¿Hay algún otro artista que así deliberadamente, en la flor de la vida, haya renunciado a esa forma de producción artística que lo había hecho famoso en todo el mundo civilizado? [93]
El poeta Heine comparó el retiro de Rossini con el retiro de Shakespeare de la escritura: dos genios que reconocían cuándo habían logrado lo insuperable y no buscaban seguirlo. [n 25] Otros, entonces y después, sugirieron que Rossini se había retirado debido al resentimiento por los éxitos de Giacomo Meyerbeer y Fromental Halévy en el género de la gran ópera. [n 26] Los estudiosos modernos de Rossini generalmente han descartado tales teorías, manteniendo que Rossini no tenía intención de renunciar a la composición operística, y que las circunstancias, más que la elección personal, hicieron de Guillaume Tell su última ópera. [99] [100] Gossett y Richard Osborne sugieren que la enfermedad puede haber sido un factor importante en la jubilación de Rossini. A partir de ese momento, Rossini tuvo mala salud intermitente, tanto física como mental. En años anteriores había contraído gonorrea , que más tarde le provocó dolorosos efectos secundarios, desde uretritis hasta artritis ; [101] sufría ataques de depresión debilitante, que los comentaristas han relacionado con varias causas posibles: ciclotimia , [102] o trastorno bipolar , [103] o reacción a la muerte de su madre. [n 27]
Durante los siguientes veinticinco años, Guillaume Tell Rossini compuso poco, aunque Gossett comenta que sus comparativamente pocas composiciones de las décadas de 1830 y 1840 no muestran una pérdida de inspiración musical. [91] Incluyen las Soirées musicales (1830-1835: un conjunto de doce canciones para voces solistas o a dúo y piano) y su Stabat Mater (iniciado en 1831 y terminado en 1841). [n 28] Después de ganar su pelea con el gobierno por su anualidad en 1835, Rossini abandonó París y se instaló en Bolonia. Su regreso a París en 1843 para recibir tratamiento médico de Jean Civiale generó esperanzas de que pudiera producir una nueva gran ópera: se rumoreaba que Eugène Scribe le estaba preparando un libreto sobre Juana de Arco . La Ópera se vio obligada a presentar una versión francesa de Otello en 1844, que también incluía material de algunas de las óperas anteriores del compositor. No está claro en qué medida (si es que participó) Rossini estuvo involucrado en esta producción, que al final fue mal recibida. [106] Más controvertida fue la ópera pasticcio de Robert Bruce (1846), en la que Rossini, para entonces regresado a Bolonia, cooperó estrechamente seleccionando música de sus óperas pasadas que aún no se habían representado en París, en particular La donna del lago. La Ópera buscó presentar a Robert como una nueva ópera de Rossini. Pero aunque Otelo al menos podría afirmar que es un Rossini genuino y canónico, el historiador Mark Everist señala que los detractores argumentaron que Robert era simplemente "un producto falso, y además de una época pasada"; cita a Théophile Gautier lamentando que "la falta de unidad podría haber quedado enmascarada por una actuación superior; lamentablemente la tradición de la música de Rossini se perdió en la Ópera hace mucho tiempo". [107]
El período posterior a 1835 vio la separación formal de Rossini de su esposa, que permaneció en Castenaso (1837), y la muerte de su padre a la edad de ochenta años (1839). [108] En 1845 Colbran enfermó gravemente y en septiembre Rossini viajó para visitarla; un mes después ella murió. [109] Al año siguiente, Rossini y Pélissier se casaron en Bolonia. [108] Los acontecimientos del Año de la Revolución de 1848 llevaron a Rossini a alejarse de la zona de Bolonia, donde se sentía amenazado por la insurrección, y a hacer de Florencia su base, que permaneció hasta 1855. [110]
A principios de la década de 1850, la salud física y mental de Rossini se había deteriorado hasta el punto de que su esposa y amigos temían por su cordura o su vida. A mediados de la década, estaba claro que necesitaba regresar a París para recibir la atención médica más avanzada disponible en ese momento. En abril de 1855, los Rossini emprendieron su último viaje de Italia a Francia. [111] Rossini regresó a París a los sesenta y tres años y lo convirtió en su hogar por el resto de su vida. [112]
Ofrezco estas modestas canciones a mi querida esposa Olympe como un simple testimonio de gratitud por los cuidados afectuosos e inteligentes que me prodigó durante mi larga y terrible enfermedad.
Dedicación de Musique anodine , 1857 [113]
Gossett observa que aunque un relato de la vida de Rossini entre 1830 y 1855 resulta deprimente, "no es exagerado decir que, en París, Rossini volvió a la vida". Recuperó la salud y la alegría de vivir . Una vez instalado en París mantuvo dos casas: un piso en la rue de la Chaussée-d'Antin , una elegante zona céntrica, y una villa neoclásica construida para él en Passy , una comuna ahora absorbida por la ciudad, pero entonces semi -rural. [114] Él y su esposa establecieron un salón que se hizo famoso internacionalmente. [91] [115] La primera de sus reuniones de los sábados por la noche, las Samedi Soirs , se celebró en diciembre de 1858, y la última, dos meses antes de su muerte en 1868. [116]
Rossini empezó a componer de nuevo. Su música de su última década generalmente no estaba destinada a ser interpretada en público y, por lo general, no ponía fechas de composición en los manuscritos. En consecuencia, a los musicólogos les ha resultado difícil dar fechas definitivas para sus últimas obras, pero la primera, o entre las primeras, fue el ciclo de canciones Musique anodine , dedicado a su esposa y presentado a ella en abril de 1857. [117] Para su semanario En salones produjo más de 150 piezas, entre canciones, piezas para piano solo y obras de cámara para muchas combinaciones diferentes de instrumentos. Se refirió a ellos como sus Péchés de vieillesse - "pecados de vejez". [91] Los salones se celebraban tanto en Beau Séjour (la villa de Passy) como, en invierno, en el piso de París. Este tipo de reuniones eran una característica habitual de la vida parisina (el escritor James Penrose ha observado que las personas con buenos contactos podían asistir fácilmente a diferentes salones casi todas las noches de la semana), pero las Samedi Soirs de los Rossini se convirtieron rápidamente en las más buscadas: "una invitación era el máximo premio social de la ciudad." [118] La música, cuidadosamente elegida por Rossini, no era sólo suya sino que incluía obras de Pergolesi , Haydn y Mozart y piezas modernas de algunos de sus invitados. Entre los compositores que asistieron a los salones, y en ocasiones actuaron, se encontraban Auber , Gounod , Liszt , Rubinstein , Meyerbeer y Verdi . A Rossini le gustaba llamarse a sí mismo un pianista de cuarta clase, pero los muchos pianistas famosos que asistían a las Samedi Soirs quedaban deslumbrados por su forma de tocar. [119] Violinistas como Pablo Sarasate y Joseph Joachim y los principales cantantes de la época eran invitados habituales. [120] En 1860, Wagner visitó a Rossini a través de una introducción del amigo de Rossini, Edmond Michotte , quien unos cuarenta y cinco años más tarde escribió su relato de la genial conversación entre los dos compositores. [121] [n.29]
Una de las pocas obras tardías de Rossini destinadas a ser presentadas en público fue su Petite messe solennelle , representada por primera vez en 1864. [123] Ese mismo año, Napoleón III nombró a Rossini gran oficial de la Legión de Honor . [124]
Después de una breve enfermedad y de una operación fallida para tratar el cáncer colorrectal , Rossini murió en Passy el 13 de noviembre de 1868 a la edad de setenta y seis años. [125] Dejó a Olympe un interés vitalicio en su patrimonio, que después de su muerte, diez años más tarde, pasó a la Comuna de Pesaro para el establecimiento de un Liceo Musicale y financió un hogar para cantantes de ópera jubilados en París. [126] Después de un funeral al que asistieron más de cuatro mil personas en la iglesia de Sainte-Trinité , París, el cuerpo de Rossini fue enterrado en el cementerio Père Lachaise . [127] En 1887 sus restos fueron trasladados a la basílica de Santa Croce , Florencia. [128]
"Todos los géneros sont bons, hors le género ennuyeux". [n 30]
Rossini, en una carta de 1868 (citando a Voltaire ) [129]
El escritor Julian Budden , tomando nota de las fórmulas adoptadas tempranamente por Rossini en su carrera y seguidas constantemente por él en lo que respecta a oberturas, arias , estructuras y conjuntos, las ha llamado "el Código Rossini" en referencia al Código Napoleón, el código legal. sistema establecido por el emperador francés. [130] De hecho, es posible que el estilo general de Rossini haya estado influenciado más directamente por los franceses: el historiador John Rosselli sugiere que el dominio francés en Italia a principios del siglo XIX significó que "la música había adquirido nuevas cualidades militares de ataque, ruido y velocidad". – para ser escuchado en Rossini." [131] El enfoque de Rossini hacia la ópera se vio inevitablemente atenuado por los cambios en los gustos y las demandas del público. Los libretos formales "clasicistas" de Metastasio que habían sustentado la ópera seria de finales del siglo XVIII fueron reemplazados por temas más del gusto de la época del romanticismo , con historias que exigían una caracterización más fuerte y una acción más rápida; un compositor en activo necesitaba cumplir con estas demandas o fracasar. [132] Las estrategias de Rossini respondieron a esta realidad. Un enfoque formulado fue logísticamente indispensable para la carrera de Rossini, al menos al principio: en los siete años 1812-1819, escribió 27 óperas, [133] a menudo con muy poca antelación. Para La Cenerentola (1817), por ejemplo, tuvo poco más de tres semanas para escribir la música antes del estreno. [134]
Tales presiones condujeron a otro elemento significativo de los procedimientos compositivos de Rossini, no incluido en el "Código" de Budden, a saber, el reciclaje. El compositor a menudo transfirió una obertura exitosa a óperas posteriores: así, la obertura de La pietra del paragone se utilizó más tarde para la ópera seria Tancredi (1813), y (en la otra dirección) la obertura de Aureliano en Palmira (1813) terminó como ( y hoy se conoce como) la obertura de la comedia Il barbiere di Siviglia (El barbero de Sevilla) . [132] [135] También reempleó generosamente arias y otras secuencias en obras posteriores. Spike Hughes señala que de los veintiséis números de Eduardo y Cristina , producidos en Venecia en 1817, diecinueve fueron tomados de obras anteriores. "El público... estaba de muy buen humor... y preguntó astutamente por qué se había cambiado el libreto desde la última representación". [136] Rossini expresó su disgusto cuando el editor Giovanni Ricordi publicó una edición completa de sus obras en la década de 1850: "Las mismas piezas se encontrarán varias veces, porque pensé que tenía derecho a eliminar de mis fiascos aquellas piezas que me parecían mejores". , para rescatarlos del naufragio... ¡Un fiasco parecía estar bien y muerto, y ahora mira que los han resucitado a todos!" [44]
Philip Gossett señala que Rossini "fue desde el principio un consumado compositor de oberturas ". Su fórmula básica para estos se mantuvo constante a lo largo de su carrera: Gossett los caracteriza como " movimientos de sonata sin secciones de desarrollo , generalmente precedidos por una introducción lenta" con "melodías claras, ritmos exuberantes [y] estructura armónica simple" y un clímax en crescendo . [132] Richard Taruskin también señala que el segundo tema siempre se anuncia en un solo de viento de madera, cuyo "pegadizo" "graba un perfil distinto en la memoria auditiva", y que la riqueza y la inventiva de su manejo de la orquesta, incluso en estas primeras obras, marca el comienzo del "[e]l gran florecimiento de la orquestación del siglo XIX ". [137]
El manejo de Rossini de las arias (y dúos) en estilo cavatina marcó un desarrollo respecto del lugar común del recitativo y el aria del siglo XVIII . En palabras de Rosselli, en manos de Rossini, "el aria se convirtió en un motor para liberar emociones". [138] La estructura típica del aria de Rossini implicaba una introducción lírica ( "cantabile" ) y una conclusión más intensa y brillante ( "cabaletta" ). Este modelo podía adaptarse de varias maneras para hacer avanzar la trama (a diferencia del manejo típico del siglo XVIII que resultaba en que la acción se detuviera cuando se realizaban las repeticiones requeridas del aria da capo ). Por ejemplo, podrían estar puntuados por comentarios de otros personajes (convención conocida como "pertichini" ), o el coro podría intervenir entre el cantabile y la cabaletta para animar al solista. Si bien estos desarrollos no fueron necesariamente invención del propio Rossini, sin embargo, los hizo suyos gracias a su experto manejo de ellos. [139] Un hito en este contexto es la cavatina "Di tanti palpiti" de Tancredi , que tanto Taruskin como Gossett (entre otros) destacan como transformadora, "el aria más famosa jamás escrita por Rossini", [140] con una "melodía que parece capturar la belleza melódica y la inocencia características de la ópera italiana." [44] [n 31] Ambos escritores señalan el típico toque rossiniano de evitar una cadencia "esperada" en el aria mediante un cambio repentino de la tonalidad inicial de fa a la de la bemol (ver ejemplo); Taruskin nota el juego de palabras implícito, ya que las palabras hablan de regresar, pero la música avanza en una nueva dirección. [141] La influencia fue duradera; Gossett señala cómo el estilo de cabaletta rossiniano continuó influyendo en la ópera italiana hasta Aida (1871) de Giuseppe Verdi . [44]
Tal integración estructural de las formas de la música vocal con el desarrollo dramático de la ópera significó un cambio radical con respecto a la primacía metastasiana del aria; En las obras de Rossini, las arias solistas ocupan progresivamente una proporción menor de las óperas, a favor de los dúos (también típicamente en formato cantabile-caballetta ) y conjuntos. [44]
A finales del siglo XVIII, los creadores de la ópera buffa habían desarrollado cada vez más una integración dramática de los finales de cada acto. Los finales comenzaron a "extenderse hacia atrás", tomando una proporción cada vez mayor del acto, tomando la estructura de una cadena musicalmente continua, acompañada en todo momento por una orquesta, de una serie de secciones, cada una con sus propias características de velocidad y estilo, ascendiendo hasta un Escena final clamorosa y vigorosa. [142] En sus óperas cómicas, Rossini llevó esta técnica a su punto máximo y amplió su alcance mucho más allá de sus predecesores. Del final del primer acto de L'italiana in Algeri , Taruskin escribe que "recorriendo casi cien páginas de partitura vocal en un tiempo récord, es la dosis única más concentrada de Rossini que existe". [143]
De mayor importancia para la historia de la ópera fue la capacidad de Rossini para hacer progresar esta técnica en el género de la ópera seria . Gossett, en un análisis muy detallado del final del primer acto de Tancredi , identifica varios elementos en la práctica de Rossini. Estos incluyen el contraste de secuencias de acción "cinéticas", a menudo caracterizadas por motivos orquestales, con expresiones de emoción "estáticas", la sección final "estática" en forma de caballetta, con todos los personajes uniéndose en las cadencias finales. Gossett afirma que es "a partir de la época de Tancredi que la caballetta... se convierte en la sección de cierre obligatoria de cada unidad musical en las óperas de Rossini y sus contemporáneos". [144]
Con muy pocas excepciones, todas las composiciones de Rossini anteriores a los Péchés de vieillesse de su retiro involucran la voz humana. Su primera obra que se conserva (aparte de una sola canción) es, sin embargo, un conjunto de sonatas para cuerdas para dos violines, violonchelo y contrabajo, escritas a la edad de 12 años, cuando apenas había comenzado a recibir instrucción en composición. Melodiosos y atractivos, indican cuán alejado estaba el niño talentoso de la influencia de los avances en la forma musical desarrollados por Mozart, Haydn y Beethoven; el acento está en la melodía, el color, la variación y el virtuosismo cantabile más que en el desarrollo transformacional . [145] Estas cualidades también son evidentes en las primeras óperas de Rossini, especialmente en su farsa (farsas en un acto), en lugar de en su serie de óperas más formales . Gossett señala que estas primeras obras fueron escritas en una época en la que "[l]os mantos depositados de Cimarosa y Paisiello estaban vacíos"; estos fueron los primeros, y cada vez más apreciados, pasos de Rossini al probárselos. El Teatro San Moisè de Venecia, donde se representó por primera vez su farsa , y el Teatro La Scala de Milán, que estrenó su ópera en dos actos La pietra del paragone (1812), buscaban obras en esa tradición; Gossett señala que en estas óperas "la personalidad musical de Rossini comenzó a tomar forma... surgen muchos elementos que permanecen a lo largo de su carrera", incluido "[un] amor por el sonido puro, por los ritmos agudos y eficaces". El efecto inusual empleado en la obertura de Il signor Bruschino (1813), desplegando arcos de violín golpeando ritmos en atriles , es un ejemplo de tal ingeniosa originalidad. [132] [n.32]
El gran éxito en Venecia de los estrenos de Tancredi y de la ópera cómica L'italiana en Argel con unas pocas semanas de diferencia entre sí (6 de febrero de 1813 y 22 de mayo de 1813 respectivamente) puso el sello a la reputación de Rossini como el compositor de ópera en ascenso de su generación. Desde finales de 1813 hasta mediados de 1814 estuvo en Milán creando dos nuevas óperas para La Scala, Aureliano en Palmira e Il Turco en Italia . Arsace en Aureliano fue cantado por el castrato Giambattista Velluti ; Este fue el último papel de ópera que Rossini escribió para un cantante castrato , ya que la norma pasó a utilizar voces de contralto , otra señal de cambio en el gusto operístico. Se rumoreaba que a Rossini le disgustaba la ornamentación de su música por parte de Velluti; pero, de hecho, a lo largo de su período italiano, hasta Semiramide (1823), las líneas vocales escritas por Rossini se vuelven cada vez más floridas, y esto se atribuye más apropiadamente al estilo cambiante del propio compositor. [44] [n.33]
El trabajo de Rossini en Nápoles contribuyó a este desarrollo estilístico. La ciudad, cuna de las óperas de Cimarosa y Paisiello, tardó en reconocer al compositor de Pesaro, pero Domenico Barbaia lo invitó en 1815 con un contrato de siete años para gestionar sus teatros y componer óperas. Por primera vez, Rossini pudo trabajar durante un largo período con una compañía de músicos y cantantes, entre ellos Isabella Colbran , Andrea Nozzari , Giovanni David y otros, quienes, como señala Gossett, "todos se especializaban en el canto florido" y " cuyo talento vocal dejó una huella indeleble y no del todo positiva en el estilo de Rossini". Las primeras óperas de Rossini para Nápoles, Elisabetta, Regina d'Inghilterra y La gazzetta , fueron en gran medida recicladas de obras anteriores, pero Otello (1816) se caracteriza no sólo por sus virtuosas líneas vocales sino también por su último acto magistralmente integrado, con su drama subrayado por melodía, orquestación y color tonal; aquí, en opinión de Gossett, "Rossini alcanzó la mayoría de edad como artista dramático". [38] Comenta además:
El crecimiento del estilo de Rossini desde Elisabetta, Regina d'Inghilterra hasta Zelmira y, finalmente, Semiramide , es consecuencia directa de la[e] continuidad [que experimentó en Nápoles]. Rossini no sólo compuso algunas de sus mejores óperas para Nápoles, sino que estas óperas afectaron profundamente la composición operística en Italia e hicieron posible el desarrollo que conduciría a Verdi. [38]
Para entonces, la carrera de Rossini estaba despertando interés en toda Europa. Otros vinieron a Italia para estudiar el resurgimiento de la ópera italiana y utilizaron sus lecciones para avanzar; entre ellos se encontraba Giacomo Meyerbeer, nacido en Berlín, que llegó a Italia en 1816, un año después del establecimiento de Rossini en Nápoles, y vivió y trabajó allí hasta que lo siguió a París en 1825; utilizó a uno de los libretistas de Rossini, Gaetano Rossi , para cinco de sus siete óperas italianas, que fueron producidas en Turín, Venecia y Milán. [148] En una carta a su hermano de septiembre de 1818, incluye una crítica detallada de Otello desde el punto de vista de un observador informado no italiano. Es mordaz acerca de los préstamos propios en los dos primeros actos, pero admite que el tercer acto "estableció tan firmemente la reputación de Rossini en Venecia que ni siquiera mil locuras podrían arrebatársela. Pero este acto es divinamente hermoso, y lo que es tan extraño es que [sus] bellezas... son descaradamente no rossinianas: recitativos sobresalientes, incluso apasionados, acompañamientos misteriosos, mucho color local". [149] El contrato de Rossini no le impidió realizar otros encargos, y antes de Otello, Il barbiere di Siviglia , una gran culminación de la tradición de la ópera buffa , se había estrenado en Roma (febrero de 1816). Richard Osborne cataloga sus excelencias:
Más allá del impacto físico de... " Largo al factotum " de Figaro, está el oído de Rossini para los timbres vocales e instrumentales de una astringencia y brillantez peculiares, su ingeniosa composición de palabras y su dominio de las grandes formas musicales con sus a menudo brillantes y variaciones internas explosivas. Si a eso le sumamos lo que Verdi llamó la "abundancia de verdaderas ideas musicales" de la ópera, no son difíciles de encontrar las razones del surgimiento a largo plazo de la obra como la ópera buffa más popular de Rossini. [135]
Aparte de La Cenerentola (Roma, 1817) y el "boceto a pluma y tinta" farsa Adina (1818, no representada hasta 1826), [150] las otras obras de Rossini durante su contrato con Nápoles estaban todas en la tradición de la ópera seria . Entre las más notables, todas con papeles de canto virtuoso, se encuentran Mosè en Egitto (1818), La donna del lago (1819), Maometto II (1820), todas representadas en Nápoles, y Semiramide , su última ópera escrita para Italia, representada. en La Fenice de Venecia en 1823. Las tres versiones de la ópera semiseria Matilde di Shabran fueron escritas en 1821/1822. Tanto Mosè como Maometto II sufrirían más tarde una importante reconstrucción en París (ver más abajo). [38]
Ya en 1818, Meyerbeer había oído rumores de que Rossini buscaba un puesto lucrativo en la Ópera de París : "Si se aceptan [sus propuestas], irá a la capital francesa y tal vez vivamos cosas curiosas". [152] Pasaron unos seis años antes de que esta profecía se cumpliera.
En 1824 Rossini, en virtud de un contrato con el gobierno francés, se convirtió en director del Théâtre-Italien de París, donde presentó la ópera Il crociato in Egitto de Meyerbeer , y para la que escribió Il viaggio a Reims para celebrar la coronación de Carlos X (1825). ). Esta fue su última ópera con libreto italiano, y más tarde fue canibalizada para crear su primera ópera francesa, Le comte Ory (1828). Un nuevo contrato en 1826 le permitió concentrarse en las producciones de la Ópera y, para ello, revisó sustancialmente a Maometto II como Le siège de Corinthe (1826) y Mosé como Moïse et Pharaon (1827). Para satisfacer el gusto francés, las obras se amplían (cada una en un acto), las líneas vocales en las revisiones son menos floridas y se realza la estructura dramática, con la reducción de la proporción de arias. [153] Una de las adiciones más llamativas fue el coro al final del Acto III de Moïse , con una repetición en crescendo de una línea de bajo diatónica ascendente, subiendo primero en una tercera menor , luego en una tercera mayor , en cada aparición, y una línea superior cromática descendente , que despertó la emoción del público. [154]
El contrato gubernamental de Rossini le exigía crear al menos una nueva "gran ópera" , y Rossini se decidió por la historia de Guillermo Tell , trabajando estrechamente con el libretista Étienne de Jouy . La historia en particular le permitió satisfacer "un interés subyacente en los géneros relacionados de la música folclórica, pastoral y pintoresca". Esto queda claro en la obertura, que es explícitamente programática al describir el clima, el paisaje y la acción, y presenta una versión del Ranz des Vaches , el llamado del pastor suizo, que "sufre una serie de transformaciones durante la ópera" y lo da en Richard La opinión de Osborne "tiene algo de carácter de leitmotiv ". [155] [n 36] En opinión del historiador de la música Benjamin Walton, Rossini "satura la obra con color local hasta tal punto que no hay espacio para poco más". Así, el papel de los solistas se reduce significativamente en comparación con otras óperas de Rossini: el héroe ni siquiera tiene aria propia, mientras que el coro del pueblo suizo ocupa constantemente el primer plano musical y dramático. [157] [158]
Guillaume Tell se estrenó en agosto de 1829. Rossini también proporcionó para la Ópera una versión más corta en tres actos, que incorporaba la sección final pas redoublé (marcha rápida) de la obertura en su final; se representó por primera vez en 1831 y se convirtió en la base de las futuras producciones de la Ópera. [155] Tell tuvo mucho éxito desde el principio y fue revivido con frecuencia: en 1868 el compositor estuvo presente en su representación número 500 en la Ópera. El Globe informó con entusiasmo en su inauguración que "se ha abierto una nueva época no sólo para la ópera francesa, sino también para la música dramática en otros lugares". [159] Resultó que esta era una época en la que Rossini no iba a participar.
El contrato de Rossini le obligaba a realizar cinco nuevas obras para la Ópera durante diez años. Después del estreno de Tell ya estaba considerando algunos temas de ópera, incluido el Fausto de Goethe , pero las únicas obras importantes que completó antes de abandonar París en 1836 fueron el Stabat Mater , escrito para un encargo privado en 1831 (más tarde completado y publicado en 1841). ), y la colección de música vocal de salón Soirées musicales publicada en 1835. Viviendo en Bolonia, se dedicó a enseñar canto en el Liceo Musicale, y también creó un pasticcio de Tell , Rodolfo di Sterlinga , en beneficio del cantante Nicola Ivanoff , para la que Giuseppe Verdi proporcionó algunas arias nuevas. [91] La demanda continua en París resultó en la producción de una "nueva" versión francesa de Otello en 1844 (en la que Rossini no participó) y una "nueva" ópera de Robert Bruce para la cual Rossini cooperó con Louis Niedermeyer y otros para refundir la música. para La donna del lago y otras de sus obras poco conocidas en París para encajar en un nuevo libreto. El éxito de ambos fue, cuanto menos, limitado. [160]
No fue hasta que Rossini regresó a París en 1855 que hubo signos de un resurgimiento de su espíritu musical. Una serie de piezas, para voces, coro, piano y conjuntos de cámara, escritas para sus veladas, los Péchés de vieillesse (Pecados de vejez) se publicaron en trece volúmenes entre 1857 y 1868; de ellos, los volúmenes 4 a 8 comprenden "56 piezas para piano semi-cómicas... dedicadas a pianistas de cuarta promoción, a la que tengo el honor de pertenecer". [161] Estos incluyen una marcha fúnebre simulada , Marche et reminiscences pour mon dernier voyage (Marcha y reminiscencias de mi último viaje). [162] Gossett escribe sobre los Péchés : "Su posición histórica aún está por evaluarse, pero parece probable que su efecto, directo o indirecto, en compositores como Camille Saint-Saëns y Erik Satie fuera significativo". [163] [n.37]
La obra más sustancial de la última década de Rossini, la Petite messe solennelle (1863), fue escrita para grupos pequeños (originalmente voces, dos pianos y armonio ) y, por lo tanto, no era apta para interpretaciones en salas de conciertos; y como incluía voces de mujeres, era inaceptable para representaciones religiosas en ese momento. Por estas razones, sugiere Richard Osborne, la pieza ha sido pasada por alto entre las composiciones de Rossini. [123] No es ni especialmente petite (pequeño) ni enteramente solennelle (solemne), pero destaca por su gracia, contrapunto y melodía. [165] Al final del manuscrito, el compositor escribió:
Querido Dios, aquí está terminada esta pobre misa. ¿Es música sacra lo que he escrito o música maldita? Nací para la ópera buffa, como bien sabes. Un poco de técnica, un poco de corazón, eso es todo. Sean entonces benditos y concédanme el Paraíso. [166]
La popularidad de las melodías de Rossini llevó a muchos virtuosos contemporáneos a crear transcripciones para piano o fantasías basadas en ellas. Los ejemplos incluyen la fantasía de Sigismond Thalberg sobre temas de Moïse , [167] los conjuntos de variaciones de "Non più mesta" de La Cenerentola de Henri Herz , Frédéric Chopin , Franz Hünten , Anton Diabelli y Friedrich Burgmüller , [168] y las transcripciones de Liszt. de la obertura de Guillermo Tell (1838) y las Soirées musicales . [169] [n.38]
La continua popularidad de sus óperas cómicas (y el declive en la puesta en escena de sus series de óperas ), el derrocamiento de los estilos de canto y puesta en escena de su época, y el concepto emergente del compositor como un "artista creativo" en lugar de un artesano, disminuyeron y distorsionó el lugar de Rossini en la historia de la música a pesar de que las formas de la ópera italiana continuaron hasta el período del verismo deudoras de sus innovaciones. [171] El estatus de Rossini entre sus compositores italianos contemporáneos está indicado por la Messa per Rossini , un proyecto iniciado por Verdi pocos días después de la muerte de Rossini, que él y una docena de otros compositores crearon en colaboración. [n 39]
Si el principal legado de Rossini a la ópera italiana fueron las formas vocales y la estructura dramática de la ópera seria, su legado a la ópera francesa fue servir de puente entre la ópera buffa y el desarrollo de la opéra comique (y de ahí, a través de las óperas bouffes de Jacques Offenbach , a la ópera italiana). género de opereta ). Las óperas cómicas que muestran una deuda con el estilo de Rossini incluyen La dame blanche (1825) de François-Adrien Boieldieu y Fra Diavolo (1830) de Daniel Auber , así como obras de Ferdinand Hérold , Adolphe Adam y Fromental Halévy . [173] [174] Crítico del estilo de Rossini fue Héctor Berlioz , quien escribió sobre su "cinismo melódico, su desprecio por el dramatismo y el buen sentido, su repetición interminable de una sola forma de cadencia, su eterno crescendo pueril y su brutal bombo". . [175]
Quizás era inevitable que la formidable reputación que Rossini se había construido durante su vida se desvaneciera a partir de entonces. En 1886, menos de veinte años después de la muerte del compositor, Bernard Shaw escribió: "El otrora universal Rossini, cuya Semiramide parecía a nuestros abuelos más verdes una maravilla ninivesca , finalmente dejó de ser considerado un músico serio". [176] En una reseña de Il barbiere de 1877 , señaló que Adelina Patti cantó como bis en la escena de la lección " Hogar, dulce hogar " [n 40] pero que "la ópera resultó tan intolerablemente aburrida que parte de su público ya había "Mostró su aprecio por el sentimiento de la balada de la manera más práctica". [177]
A principios del siglo XX, Rossini recibió homenajes tanto de Ottorino Respighi , que había orquestado extractos de los Péchés de viellesse tanto en su ballet la boutique fantasque (1918) como en su suite Rossiniana de 1925 , [178] como de Benjamin Britten , que adaptó la música. de Rossini para dos suites, Soirées musicales (Op. 9) en 1937 y Matinées musicales (Op. 24) en 1941. [179] Richard Osborne destaca la biografía en tres volúmenes de Rossini escrita por Giuseppe Radiciotti (1927-1929) como una importante punto de inflexión hacia una apreciación positiva, que también puede haber sido favorecida por la tendencia del neoclasicismo en la música. [180] Una firme reevaluación de la importancia de Rossini comenzó sólo más tarde en el siglo XX a la luz del estudio y la creación de ediciones críticas de sus obras. Uno de los principales impulsores de estos desarrollos fue la "Fondazione G. Rossini", que fue creada por la ciudad de Pesaro en 1940 utilizando los fondos que el compositor había dejado a la ciudad. [4] [171] Desde 1980, la "Fondazione" ha apoyado el Festival anual de Ópera Rossini en Pesaro. [4] [181]
En el siglo XXI, el repertorio Rossini de los teatros de ópera de todo el mundo sigue dominado por Il barbiere , siendo La Cenerentola la segunda más popular. [182] Varias otras óperas se producen regularmente, incluidas Le comte Ory , La donna del lago , La gazza ladra , Guillaume Tell , L'italiana in Algeri , La scala di seta , Il turco in Italia e Il viaggio a Reims . [182] Otras piezas de Rossini en el repertorio internacional actual, que se presentan de vez en cuando, incluyen Adina , Armida , Elisabetta regina d'Inghilterra , Ermione , Mosé in Egitto y Tancredi . [182] El festival Rossini in Wildbad se especializa en producir obras más raras. [n 41] El sitio web de listado de actuaciones de Operabase registra 2319 representaciones de 532 producciones de óperas de Rossini en 255 lugares de todo el mundo en los tres años 2017-2019. [182] Se han grabado todas las óperas de Rossini. [n 42]
