El pop art es un movimiento artístico que surgió en el Reino Unido y los Estados Unidos a mediados y finales de la década de 1950. [ 1] [2] El movimiento presentó un desafío a las tradiciones de las bellas artes al incluir imágenes de la cultura popular y de masas , como la publicidad , los cómics y los objetos mundanos producidos en masa. Uno de sus objetivos es utilizar imágenes de la cultura popular en el arte, enfatizando los elementos banales o kitsch de cualquier cultura, con mayor frecuencia mediante el uso de la ironía . [3] También se asocia con el uso por parte de los artistas de medios mecánicos de reproducción o técnicas de renderizado. En el pop art, el material a veces se elimina visualmente de su contexto conocido, se aísla o se combina con material no relacionado. [2] [3]
Entre los primeros artistas que dieron forma al movimiento del arte pop se encuentran Eduardo Paolozzi y Richard Hamilton en Gran Bretaña , y Larry Rivers , Ray Johnson , Robert Rauschenberg y Jasper Johns, entre otros, en los Estados Unidos . El arte pop se interpreta ampliamente como una reacción a las ideas entonces dominantes del expresionismo abstracto , así como una expansión de esas ideas. [4] Debido a su utilización de objetos e imágenes encontrados, es similar al dadaísmo . El arte pop y el minimalismo se consideran movimientos artísticos que preceden al arte posmoderno , o son algunos de los primeros ejemplos de arte posmoderno en sí mismos. [5]
El arte pop a menudo toma imágenes que se utilizan actualmente en la publicidad. Las etiquetas y los logotipos de los productos ocupan un lugar destacado en las imágenes elegidas por los artistas pop, como se puede ver en las etiquetas de las latas de sopa Campbell's , de Andy Warhol . Incluso el etiquetado del exterior de una caja de envío que contiene alimentos para la venta minorista se ha utilizado como tema en el arte pop, como lo demuestra la caja de jugo de tomate Campbell's de Warhol , de 1964 (en la imagen).
Los orígenes del arte pop en América del Norte se desarrollaron de manera diferente a los de Gran Bretaña. [3] En los Estados Unidos, el arte pop fue una respuesta de los artistas; marcó un regreso a la composición de bordes duros y al arte figurativo . Utilizaron la realidad impersonal y mundana, la ironía y la parodia para "desactivar" el simbolismo personal y la " soltura pictórica " del expresionismo abstracto . [4] [6] En los EE. UU., algunas obras de arte de Larry Rivers , Alex Katz y Man Ray anticiparon el arte pop. [7]
En cambio, los orígenes del arte pop en la Gran Bretaña de la posguerra , si bien empleaban la ironía y la parodia, eran más académicos. Gran Bretaña se centró en las imágenes dinámicas y paradójicas de la cultura pop estadounidense como dispositivos simbólicos poderosos y manipuladores que afectaban a patrones enteros de vida, al tiempo que mejoraban la prosperidad de una sociedad. [6] El arte pop temprano en Gran Bretaña era una cuestión de ideas alimentadas por la cultura popular estadounidense cuando se miraba desde lejos . [4] De manera similar, el arte pop era a la vez una extensión y un repudio del dadaísmo . [4] Si bien el arte pop y el dadaísmo exploraron algunos de los mismos temas, el arte pop reemplazó los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento dadaísta con una afirmación distante de los artefactos de la cultura de masas. [4] Entre los artistas en Europa que se considera que produjeron obras que condujeron al arte pop se encuentran: Pablo Picasso , Marcel Duchamp y Kurt Schwitters .
Aunque tanto el pop art británico como el estadounidense comenzaron durante la década de 1950, Marcel Duchamp y otros en Europa como Francis Picabia y Man Ray son anteriores al movimiento; además, hubo algunos orígenes proto-pop estadounidenses anteriores que utilizaron objetos culturales "tal como se encontraban". [4] Durante la década de 1920, los artistas estadounidenses Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy , Charles Demuth y Stuart Davis crearon pinturas que contenían imágenes de la cultura pop (objetos mundanos seleccionados de productos comerciales estadounidenses y diseño publicitario), casi "prefigurando" el movimiento del arte pop. [8] [9]
El Independent Group (IG), fundado en Londres en 1952, es considerado el precursor del movimiento del arte pop. [2] [10] Era una reunión de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban los enfoques modernistas predominantes de la cultura, así como las visiones tradicionales de las bellas artes. Sus discusiones grupales se centraron en las implicaciones de la cultura pop a partir de elementos como la publicidad masiva, las películas, el diseño de productos, las tiras cómicas, la ciencia ficción y la tecnología. En la primera reunión del Independent Group en 1952, el miembro cofundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi presentó una conferencia utilizando una serie de collages titulada Bunk! que había reunido durante su estancia en París entre 1947 y 1949. [2] [10] Este material de "objetos encontrados", como publicidad, personajes de cómics, portadas de revistas y varios gráficos producidos en masa, representaba principalmente la cultura popular estadounidense . Uno de los collages de esa presentación fue I was a Rich Man's Plaything (1947) de Paolozzi, que incluye el primer uso de la palabra "pop", que aparece en una nube de humo que emerge de un revólver. [2] [11] Después de la presentación seminal de Paolozzi en 1952, el IG se centró principalmente en las imágenes de la cultura popular estadounidense, en particular la publicidad masiva. [6]
Según el hijo de John McHale , el término "pop art" fue acuñado por primera vez por su padre en 1954 en una conversación con Frank Cordell , [12] aunque otras fuentes atribuyen su origen al crítico británico Lawrence Alloway . [13] [14] (Ambas versiones coinciden en que el término se utilizó en las discusiones del Grupo Independiente a mediados de 1955).
El término "arte pop" se utilizó luego en las discusiones de los miembros del IG en la Segunda Sesión del IG en 1955, y el término específico "arte pop" apareció por primera vez impreso en el artículo "Pero hoy coleccionamos anuncios" de los miembros del IG Alison y Peter Smithson en la revista Ark en 1956. [15] Sin embargo, el término a menudo se atribuye al crítico de arte / curador británico Lawrence Alloway por su ensayo de 1958 titulado Las artes y los medios de comunicación , aunque el lenguaje preciso que utiliza es "cultura de masas popular". [16] "Además, lo que yo quería decir con eso entonces no es lo que significa ahora. Utilicé el término, y también 'cultura pop', para referirme a los productos de los medios de comunicación masivos, no a las obras de arte que se nutren de la cultura popular. En cualquier caso, en algún momento entre el invierno de 1954-55 y 1957 la frase adquirió vigencia en la conversación..." [17] Sin embargo, Alloway fue uno de los principales críticos en defender la inclusión de la imaginería de la cultura de masas en las bellas artes. Alloway aclaró estos términos en 1966, momento en el que el arte pop ya había pasado de las escuelas de arte y las pequeñas galerías a una fuerza importante en el mundo del arte. Pero su éxito no había sido en Inglaterra. Prácticamente de manera simultánea e independiente, la ciudad de Nueva York se había convertido en el semillero del arte pop. [17]
En Londres, la exposición anual de jóvenes talentos de la Royal Society of British Artists (RBA) de 1960 mostró por primera vez las influencias del pop estadounidense. En enero de 1961, la más famosa de todas las RBA- Young Contemporaries puso a David Hockney , al estadounidense RB Kitaj , al neozelandés Billy Apple , Allen Jones , Derek Boshier , Joe Tilson , Patrick Caulfield , Peter Phillips , Pauline Boty y Peter Blake en el mapa; Apple diseñó los carteles e invitaciones para las exposiciones de Young Contemporaries de 1961 y 1962. [18] Hockney, Kitaj y Blake ganaron premios en la Exposición John-Moores en Liverpool en el mismo año. Apple y Hockney viajaron juntos a Nueva York durante las vacaciones de verano de 1961 del Royal College, que es cuando Apple hizo contacto por primera vez con Andy Warhol; ambos se mudaron más tarde a los Estados Unidos y Apple se involucró con la escena del arte pop de Nueva York. [18]
Aunque el arte pop comenzó a principios de los años 50, en Estados Unidos recibió su mayor impulso durante los años 60. El término "arte pop" se introdujo oficialmente en diciembre de 1962; la ocasión fue un "Simposio sobre arte pop" organizado por el Museo de Arte Moderno . [19] En ese momento, la publicidad estadounidense había adoptado muchos elementos del arte moderno y funcionaba a un nivel muy sofisticado. En consecuencia, los artistas estadounidenses tuvieron que buscar más profundamente estilos dramáticos que distanciaran el arte de los materiales comerciales bien diseñados e ingeniosos. [6] Como los británicos veían la imaginería de la cultura popular estadounidense desde una perspectiva algo distante, sus puntos de vista a menudo estaban imbuidos de matices románticos, sentimentales y humorísticos. Por el contrario, los artistas estadounidenses, bombardeados todos los días con la diversidad de imágenes producidas en masa, produjeron obras que eran generalmente más audaces y agresivas. [10]
Según el historiador, curador y crítico Henry Geldzahler , " los collages de Ray Johnson Elvis Presley No. 1 y James Dean se destacan como el Plymouth Rock del movimiento pop". [20] La autora Lucy Lippard escribió que "Los collages de Elvis... y Marilyn Monroe... anunciaron el pop warholiano". [21] Johnson trabajó como diseñador gráfico, conoció a Andy Warhol en 1956 y ambos diseñaron varias portadas de libros para New Directions y otras editoriales. Johnson comenzó a enviar folletos extravagantes que anunciaban sus servicios de diseño impresos mediante litografía offset. Más tarde se lo conoció como el padre del arte postal como el fundador de su "Escuela de Correspondencia de Nueva York", trabajando en pequeñas cantidades metiendo recortes y dibujos en sobres en lugar de trabajar en grandes cantidades como sus contemporáneos. [22] Una nota sobre la imagen de portada en Art News de enero de 1958 señaló que "la primera exposición individual de [Jasper] Johns... lo coloca junto a colegas más conocidos como Rauschenberg, Twombly, Kaprow y Ray Johnson". [23]
De hecho, otros dos artistas importantes en el establecimiento del vocabulario del arte pop estadounidense fueron los pintores Jasper Johns y Robert Rauschenberg . [10] Rauschenberg, quien como Ray Johnson asistió al Black Mountain College en Carolina del Norte después de la Segunda Guerra Mundial , fue influenciado por el trabajo anterior de Kurt Schwitters y otros artistas dadaístas , y su creencia de que "la pintura se relaciona tanto con el arte como con la vida" desafió la perspectiva modernista dominante de su tiempo. [24] Su uso de objetos ready-made descartados (en sus Combines ) e imágenes de la cultura pop (en sus pinturas serigráficas) conectaron sus obras con eventos de actualidad en los Estados Unidos cotidianos. [10] [25] [26] Las pinturas serigráficas de 1962-64 combinaron pinceladas expresivas con recortes de revistas serigrafiados de Life , Newsweek y National Geographic . Las pinturas de Johns de banderas, objetivos, números y mapas de los EE. UU., así como representaciones tridimensionales de latas de cerveza, llamaron la atención sobre cuestiones de representación en el arte. [27] El trabajo de Johns y Rauschenberg de la década de 1950 se conoce con frecuencia como Neo-Dada y es visualmente distinto del arte pop estadounidense prototípico que explotó a principios de la década de 1960. [28] [29]
Roy Lichtenstein es de igual importancia para el arte pop estadounidense. Su trabajo, y su uso de la parodia , probablemente define la premisa básica del arte pop mejor que cualquier otro. [10] Al seleccionar la tira cómica antigua como tema, Lichtenstein produce una composición precisa y de bordes duros que documenta mientras que también parodia de una manera suave. Lichtenstein usó óleo y pintura Magna en sus obras más conocidas, como Drowning Girl (1963), que fue apropiada de la historia principal de Secret Hearts # 83 de DC Comics . ( Drowning Girl es parte de la colección del Museo de Arte Moderno ). [30] Su trabajo presenta contornos gruesos, colores llamativos y puntos Ben-Day para representar ciertos colores, como si fueran creados por reproducción fotográfica. Lichtenstein dijo: "[Los expresionistas abstractos] plasman cosas en el lienzo y responden a lo que han hecho, a las posiciones y tamaños de los colores. Mi estilo parece completamente diferente, pero la naturaleza de plasmar líneas es prácticamente la misma; las mías simplemente no parecen caligráficas, como las de Pollock o Kline". [31] El arte pop fusiona la cultura popular y de masas con las bellas artes, a la vez que inyecta humor, ironía e imágenes y contenidos reconocibles en la mezcla.
Las pinturas de Lichtenstein, como las de Andy Warhol, Tom Wesselmann y otros, comparten un vínculo directo con la imagen común de la cultura popular estadounidense, pero también tratan el tema de una manera impersonal, ilustrando claramente la idealización de la producción en masa. [10]
Andy Warhol es probablemente la figura más famosa del arte pop. De hecho, el crítico de arte Arthur Danto una vez lo llamó "lo más cercano a un genio filosófico que la historia del arte ha producido". [19] Warhol intentó llevar el pop más allá de un estilo artístico a un estilo de vida, y su obra a menudo muestra una falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la parodia de muchos de sus pares. [32] [33]
Claes Oldenburg , Jim Dine y Tom Wesselmann tuvieron sus primeras exposiciones en la Judson Gallery en 1959 y 1960 y más tarde, entre 1960 y 1964, junto con James Rosenquist , George Segal y otros, en la Green Gallery de la calle 57 de Manhattan. En 1960, Martha Jackson mostró instalaciones y ensamblajes ; New Media – New Forms contó con la participación de Hans Arp , Kurt Schwitters , Jasper Johns , Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg , Jim Dine y May Wilson . 1961 fue el año de la muestra de primavera de Martha Jackson , Environments, Situations, Spaces . [34] [35] Andy Warhol realizó su primera exposición individual en Los Ángeles en julio de 1962 en la Ferus Gallery de Irving Blum , donde mostró 32 pinturas de latas de sopa de Campell, una para cada sabor. Warhol vendió el conjunto de pinturas a Blum por 1.000 dólares; en 1996, cuando el Museo de Arte Moderno lo adquirió, el conjunto fue valorado en 15 millones de dólares. [19]
Donald Factor, hijo de Max Factor Jr. , coleccionista de arte y coeditor de la revista literaria de vanguardia Nomad , escribió un ensayo en el último número de la revista, Nomad/New York . El ensayo fue uno de los primeros sobre lo que se conocería como arte pop, aunque Factor no utilizó el término. El ensayo, "Cuatro artistas", se centró en Roy Lichtenstein, James Rosenquist , Jim Dine y Claes Oldenburg. [36]
En la década de 1960, Oldenburg, que se asoció con el movimiento de arte pop, creó muchos happennings , que eran producciones relacionadas con el arte de performance de esa época. El nombre que dio a sus propias producciones fue "Ray Gun Theater". El elenco de colegas en sus performances incluía a: los artistas Lucas Samaras , Tom Wesselmann , Carolee Schneemann , Öyvind Fahlström y Richard Artschwager ; la comerciante Annina Nosei; la crítica de arte Barbara Rose ; y el guionista Rudy Wurlitzer . [37] Su primera esposa, Patty Mucha, que cosió muchas de sus primeras esculturas blandas, fue una intérprete constante en sus happennings. Este enfoque descarado, a menudo humorístico, del arte estaba en gran desacuerdo con la sensibilidad prevaleciente de que, por su naturaleza, el arte trataba con expresiones o ideas "profundas". En diciembre de 1961, alquiló una tienda en el Lower East Side de Manhattan para albergar The Store , una instalación de un mes de duración que había presentado por primera vez en la Martha Jackson Gallery de Nueva York, repleta de esculturas que tenían aproximadamente la forma de bienes de consumo. [37]
En 1962, la galería Sidney Janis , el marchante de arte neoyorquino de Willem de Kooning , organizó la revolucionaria Exposición Internacional de los Nuevos Realistas , un estudio de los nuevos realismos americano, francés, suizo e italiano y del arte pop británico. Entre los cincuenta y cuatro artistas expuestos se encontraban Richard Lindner , Wayne Thiebaud , Roy Lichtenstein (y su cuadro Blam ), Andy Warhol, Claes Oldenburg, James Rosenquist , Jim Dine, Robert Indiana , Tom Wesselmann , George Segal , Peter Phillips, Peter Blake ( The Love Wall de 1961), Öyvind Fahlström , Yves Klein , Arman , Daniel Spoerri , Christo y Mimmo Rotella . La muestra fue vista por los europeos Martial Raysse , Niki de Saint Phalle y Jean Tinguely en Nueva York, que quedaron atónitos por el tamaño y el aspecto de las obras de arte estadounidenses. También se exhibieron Marisol , Mario Schifano , Enrico Baj y Öyvind Fahlström . Janis perdió a algunos de sus artistas expresionistas abstractos cuando Mark Rothko , Robert Motherwell , Adolph Gottlieb y Philip Guston abandonaron la galería, pero ganó a Dine, Oldenburg, Segal y Wesselmann. [38] En una velada de inauguración organizada por el coleccionista Burton Tremaine, Willem de Kooning apareció y fue rechazado por Tremaine, quien irónicamente poseía varias obras de De Kooning. Rosenquist recordó: "en ese momento pensé, algo en el mundo del arte definitivamente ha cambiado". [19] Rechazar a un respetado artista abstracto demostró que, ya en 1962, el movimiento del arte pop había comenzado a dominar la cultura artística en Nueva York.
Un poco antes, en la Costa Oeste , Roy Lichtenstein, Jim Dine y Andy Warhol de la ciudad de Nueva York; Phillip Hefferton y Robert Dowd de Detroit; Edward Ruscha y Joe Goode de Oklahoma City; y Wayne Thiebaud de California fueron incluidos en la muestra New Painting of Common Objects . Esta primera exposición de arte pop en un museo de Estados Unidos fue comisariada por Walter Hopps en el Museo de Arte de Pasadena . [39] El arte pop estaba listo para cambiar el mundo del arte. Nueva York siguió a Pasadena en 1963, cuando el Museo Guggenheim exhibió Six Painters and the Object , comisariada por Lawrence Alloway . Los artistas fueron Jim Dine, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, James Rosenquist y Andy Warhol. [40] Otra exposición fundamental de la primera época fue The American Supermarket , organizada por la Galería Bianchini en 1964. La muestra se presentó como el típico entorno de un pequeño supermercado, excepto que todo lo que contenía (productos, alimentos enlatados, carne, carteles en la pared, etc.) había sido creado por destacados artistas pop de la época, entre ellos Apple, Warhol, Lichtenstein, Wesselmann, Oldenburg y Johns. Este proyecto se recreó en 2002 como parte de la exposición Shopping: A Century of Art and Consumer Culture de la Tate Gallery . [41]
En 1962, los artistas pop comenzaron a exponer en galerías comerciales de Nueva York y Los Ángeles; para algunos, fue su primera exposición individual comercial. La Galería Ferus presentó a Andy Warhol en Los Ángeles (y a Ed Ruscha en 1963). En Nueva York, la Galería Green mostró a Rosenquist, Segal, Oldenburg y Wesselmann. La Galería Stable mostró a R. Indiana y Warhol (en su primera exposición en Nueva York). La Galería Leo Castelli presentó a Rauschenberg, Johns y Lichtenstein. Martha Jackson mostró a Jim Dine y Allen Stone mostró a Wayne Thiebaud. En 1966, después de que la Galería Green y la Galería Ferus cerraran, la Galería Leo Castelli representó a Rosenquist, Warhol, Rauschenberg, Johns, Lichtenstein y Ruscha. La Galería Sidney Janis representó a Oldenburg, Segal, Dine, Wesselmann y Marisol, mientras que Allen Stone continuó representando a Thiebaud y Martha Jackson continuó representando a Robert Indiana. [42]
En 1968, la Exposición São Paulo 9 – Environment USA: 1957–1967 presentó el «Quién es quién» del arte pop. Considerada como un resumen de la fase clásica del período del arte pop estadounidense, la exposición fue curada por William Seitz. Los artistas fueron Edward Hopper , James Gill , Robert Indiana , Jasper Johns , Roy Lichtenstein , Claes Oldenburg , Robert Rauschenberg , Andy Warhol y Tom Wesselmann . [43]
El nouveau réalisme se refiere a un movimiento artístico fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany [44] y el artista Yves Klein durante la primera exposición colectiva en la galería Apollinaire de Milán. Pierre Restany escribió el manifiesto original del grupo, titulado "Declaración Constitutiva del Nuevo Realismo", en abril de 1960, proclamando: "Nouveau Réalisme: nuevas formas de percibir lo real". [45] Esta declaración conjunta fue firmada el 27 de octubre de 1960, en el taller de Yves Klein, por nueve personas: Yves Klein, Arman , Martial Raysse , Pierre Restany, Daniel Spoerri , Jean Tinguely y los ultraletristas , Francois Dufrêne , Raymond Hains , Jacques de la Villeglé ; en 1961 se unieron a ellos César , Mimmo Rotella , luego Niki de Saint Phalle y Gérard Deschamps . El artista Christo participó en el grupo, que se disolvió en 1970. [45]
Contemporáneo del pop art americano —a menudo concebido como su transposición en Francia— el nuevo realismo fue, junto con Fluxus y otros grupos, una de las numerosas tendencias de la vanguardia en la década de 1960. El grupo eligió inicialmente Niza , en la Riviera Francesa, como su base de operaciones, ya que Klein y Arman eran originarios de allí; por lo tanto, los historiadores a menudo consideran al nuevo realismo como un representante temprano del movimiento École de Nice . [46] A pesar de la diversidad de su lenguaje plástico, percibieron una base común para su trabajo; siendo esta un método de apropiación directa de la realidad, equivalente, en los términos utilizados por Restany, a un "reciclaje poético de la realidad urbana, industrial y publicitaria". [47]
En España, el estudio del pop art se asocia a la "nueva figuración", que surge de las raíces de la crisis del informalismo . Eduardo Arroyo podría decirse que se enmarca en la tendencia del pop art, por su interés por el medio ambiente, su crítica a nuestra cultura mediática que incorpora iconos tanto de los medios de comunicación de masas como de la historia de la pintura, y su desprecio por casi todos los estilos artísticos establecidos. Sin embargo, el artista español que podría considerarse más auténticamente parte del arte "pop" es Alfredo Alcaín, por el uso que hace de imágenes populares y espacios vacíos en sus composiciones. [ cita requerida ]
También en la categoría de arte pop español se encuentra el Equipo Crónica , que existió en Valencia entre 1964 y 1981, formado por los artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes. Su movimiento puede caracterizarse como "pop" por su uso de cómics e imágenes publicitarias y su simplificación de imágenes y composiciones fotográficas. El cineasta Pedro Almodóvar surgió de la subcultura madrileña de "La Movida" de los años 70 haciendo películas pop art en super 8 de bajo presupuesto , y posteriormente fue llamado el Andy Warhol de España por los medios de comunicación de la época. En el libro Almodóvar sobre Almodóvar , se le cita diciendo que la película de los años 50 "Funny Face" fue una inspiración central para su trabajo. Una marca registrada pop en las películas de Almodóvar es que siempre produce un anuncio falso para insertarlo en una escena. [ cita requerida ]
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En Nueva Zelanda, el arte pop ha florecido predominantemente desde la década de 1990, y a menudo se lo conecta con Kiwiana . Kiwiana es una representación idealizada y centrada en el pop de íconos clásicos de Kiwi , como pasteles de carne , kiwis , tractores , sandalias y supermercados Four Square ; la cursilería inherente de esto a menudo se subvierte para significar mensajes culturales. [48] Dick Frizzell es un famoso artista pop neozelandés, conocido por usar símbolos antiguos de Kiwiana en formas que parodian la cultura moderna. Por ejemplo, Frizzell disfruta imitar el trabajo de artistas extranjeros, dándoles a sus obras una visión o influencia neozelandesa única. Esto se hace para mostrar el impacto históricamente moderado de Nueva Zelanda en el mundo; el arte naif está conectado con el arte pop de Aotearoa de esta manera. [49]
Esto también se puede hacer de una manera abrasiva y sin expresión, como en el caso de la famosa obra Pisupo Lua Afe (Corned Beef 2000) de Michel Tuffrey . De ascendencia samoana , Tuffery construyó la obra, que representa un toro, a partir de latas de comida procesada conocidas como pisupo . Es una obra única de arte pop occidental porque Tuffrey incluye temas de neocolonialismo y racismo contra culturas no occidentales (significado por las latas de comida de las que está hecha la obra, que representan la dependencia económica que Occidente ha traído a los samoanos ). El innegable punto de vista indígena hace que se destaque entre las obras de arte pop no indígenas más comunes. [50] [51]
Uno de los primeros y más famosos artistas pop de Nueva Zelanda es Billy Apple , uno de los pocos miembros no británicos de la Royal Society of British Artists . Destacado entre personas como David Hockney , el estadounidense RB Kitaj y Peter Blake en la exposición Young Contemporaries de la RBA de enero de 1961 , Apple se convirtió rápidamente en un artista internacional icónico de la década de 1960. Esto fue antes de que concibiera su apodo de "Billy Apple", y su trabajo se exhibió bajo su nombre de nacimiento, Barrie Bates. Buscó distinguirse por su apariencia y su nombre, por lo que se decoloró el cabello y las cejas con Lady Clairol Instant Creme Whip. Más tarde, Apple se asoció con el movimiento de arte conceptual de la década de 1970. [52]
En Japón, el arte pop evolucionó a partir de la prominente escena de vanguardia del país . El uso de imágenes del mundo moderno, copiadas de revistas en las pinturas de estilo fotomontaje producidas por Harue Koga a fines de la década de 1920 y principios de la de 1930, presagiaron elementos del arte pop. [53] El movimiento Gutai japonés condujo a una exposición Gutai en 1958 en la galería de Martha Jackson de Nueva York que precedió por dos años a su famosa muestra New Forms New Media que puso al arte pop en el mapa. [54] El trabajo de Yayoi Kusama contribuyó al desarrollo del arte pop e influyó en muchos otros artistas, incluido Andy Warhol. [55] [56] A mediados de la década de 1960, el diseñador gráfico Tadanori Yokoo se convirtió en uno de los artistas pop más exitosos y un símbolo internacional del arte pop japonés. Es bien conocido por sus anuncios y la creación de obras de arte para íconos de la cultura pop, como encargos de The Beatles , Marilyn Monroe y Elizabeth Taylor , entre otros. [57] Otro artista pop destacado en esa época fue Keiichi Tanaami . Personajes icónicos del manga y el anime japoneses también se han convertido en símbolos del arte pop, como Speed Racer y Astro Boy . El manga y el anime japoneses también influyeron en artistas pop posteriores como Takashi Murakami y su movimiento superflat .
En Italia, hacia 1964 el arte pop era conocido y tomó diferentes formas, como la "Scuola di Piazza del Popolo" en Roma, con artistas pop como Mario Schifano , Franco Angeli , Giosetta Fioroni, Tano Festa, Claudio Cintoli y algunas obras de arte. de Piero Manzoni , Lucio Del Pezzo , Mimmo Rotella y Valerio Adami .
El pop art italiano tiene su origen en la cultura de los años cincuenta, y las obras de los artistas Enrico Baj y Mimmo Rotella, para ser más precisos, se consideran, con razón, los precursores de esta escena. De hecho, fue alrededor de 1958-1959 cuando Baj y Rotella abandonaron sus carreras anteriores (que podrían definirse genéricamente como pertenecientes a un género no figurativo , a pesar de ser completamente postdadaísta), para catapultarse a un nuevo mundo de imágenes y de reflexiones sobre ellas, que estaba surgiendo a su alrededor. Los carteles rasgados de Rotella mostraban un gusto cada vez más figurativo, a menudo haciendo referencia explícita y deliberadamente a los grandes iconos de la época. Las composiciones de Baj estaban impregnadas de kitsch contemporáneo , que resultó ser una "mina de oro" de imágenes y el estímulo para toda una generación de artistas.
La novedad viene del nuevo panorama visual, tanto en el interior de los muros de la casa como en el exterior. Los coches, las señales de tráfico, la televisión, todo el "nuevo mundo", todo puede pertenecer al mundo del arte, que es nuevo en sí mismo. En este sentido, el pop art italiano sigue el mismo camino ideológico que el internacional. Lo único que cambia es la iconografía y, en algunos casos, la presencia de una actitud más crítica hacia ella. También en este caso, los prototipos se remontan a las obras de Rotella y Baj, ambos lejos de ser neutrales en su relación con la sociedad. Pero no se trata de un elemento exclusivo; hay una larga lista de artistas, entre ellos Gianni Ruffi, Roberto Barni , Silvio Pasotti, Umberto Bignardi y Claudio Cintoli, que asumen la realidad como un juguete, como un gran depósito de imágenes del que extraer material con desencanto y frivolidad, cuestionando los modelos lingüísticos tradicionales con un renovado espíritu de "déjame divertirme" a la Aldo Palazzeschi . [58]
En Bélgica , el arte pop estuvo representado en cierta medida por Paul Van Hoeydonck, cuya escultura Astronauta caído fue dejada en la Luna durante una de las misiones Apolo , así como por otros artistas pop notables. Artistas reconocidos internacionalmente como Marcel Broodthaers ( «¿Sois muñecas?» ), Evelyne Axell y Panamarenko están en deuda con el movimiento del arte pop; la gran influencia de Broodthaers fue George Segal . Otro artista conocido, Roger Raveel , montó una jaula de pájaros con una paloma viva real en una de sus pinturas. A finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, las referencias al arte pop desaparecieron de la obra de algunos de estos artistas cuando comenzaron a adoptar una actitud más crítica hacia Estados Unidos debido al carácter cada vez más horripilante de la guerra de Vietnam . Panamarenko, sin embargo, ha conservado la ironía inherente al movimiento del arte pop hasta el día de hoy. Evelyne Axell de Namur fue una prolífica artista pop en el período 1964-1972. Axell fue una de las primeras artistas pop femeninas, había sido mentora de Magritte y su pintura más conocida es Ice Cream . [59]
Si bien no hubo un movimiento de arte pop formal en los Países Bajos , hubo un grupo de artistas que pasaron un tiempo en Nueva York durante los primeros años del arte pop y se inspiraron en el movimiento de arte pop internacional. Los representantes del arte pop holandés incluyen a Daan van Golden , Gustave Asselbergs, Jacques Frenken, Jan Cremer , Wim T. Schippers y Woody van Amen . Se opusieron a la mentalidad pequeñoburguesa holandesa creando obras humorísticas con un trasfondo serio. Ejemplos de esta naturaleza incluyen Sex O'Clock, de Woody van Amen, y Crucifix / Target , de Jacques Frenken. [60]
Rusia tardó un poco en sumarse al movimiento del arte pop, y algunas de las obras de arte que se asemejan al arte pop solo aparecieron a principios de los años 1970, cuando Rusia era un país comunista y las declaraciones artísticas audaces eran vigiladas de cerca. La propia versión rusa del arte pop tenía una temática soviética y se la conocía como Sots Art . Después de 1991, el Partido Comunista perdió su poder y con él llegó la libertad de expresión. El arte pop en Rusia adoptó otra forma, personificada por Dmitri Vrubel con su pintura titulada Dios mío, ayúdame a sobrevivir a este amor mortal en 1990. Se podría argumentar que los carteles soviéticos hechos en los años 1950 para promover la riqueza de la nación eran en sí mismos una forma de arte pop. [61]
Robert Rauschenberg, de 37 años, recuerda a un profesor de arte que "me enseñó a pensar: '¿Por qué no?'". Dado que Rauschenberg es considerado un pionero del arte pop, probablemente aquí es donde el movimiento se desvió por su particular tangente. ¿Por qué no hacer arte con periódicos viejos, trozos de ropa, botellas de Coca-Cola, libros, patines, relojes?
