La historia del diseño de moda se refiere específicamente al desarrollo del propósito y la intención detrás de las prendas, zapatos, accesorios y su diseño y confección. La industria moderna, basada en firmas o casas de moda dirigidas por diseñadores individuales, comenzó en el siglo XIX con Charles Frederick Worth, quien, a partir de 1858, fue el primer diseñador en tener su etiqueta cosida en las prendas que creaba. [1]
La moda comenzó cuando los seres humanos empezaron a usar ropa. Estas prendas estaban hechas generalmente de plantas, pieles de animales y huesos. Antes de mediados del siglo XIX, la división entre alta costura y prêt-à-porter no existía realmente. Pero las prendas femeninas más básicas eran confeccionadas a medida por modistas y costureras que trataban directamente con el cliente. La mayoría de las veces, la ropa se confeccionaba, cosía y confeccionaba en casa. Cuando aparecieron tiendas que vendían ropa lista para usar, esta necesidad se eliminó de la carga de trabajo doméstica.
El diseño de estas prendas se fue haciendo cada vez más a partir de diseños impresos, especialmente de París, que circulaban por toda Europa y eran esperados con entusiasmo en las provincias. Las costureras interpretaban entonces estos patrones lo mejor que podían. El origen de los diseños eran las prendas ideadas por las figuras más de moda, normalmente las de la corte, junto con sus costureras y sastres. Aunque se habían distribuido muñecas vestidas desde Francia desde el siglo XVI y Abraham Bosse había producido grabados de moda en la década de 1620, el ritmo del cambio se aceleró en la década de 1780 con un aumento de la publicación de grabados franceses que ilustraban los últimos estilos de París, seguidos de revistas de moda como Cabinet des Modes . En 1800, todos los europeos occidentales se vestían igual (o creían que lo hacían); las variaciones locales se convirtieron primero en un signo de la cultura provincial y más tarde en una insignia del campesino conservador. [2]
En el siglo XX, las revistas de moda y, con el rotograbado , los periódicos, comenzaron a incluir fotografías y se volvieron aún más influyentes. En todo el mundo, estas revistas fueron muy solicitadas y tuvieron un profundo efecto en el gusto del público. Ilustradores talentosos, entre ellos Paul Iribe , Georges Lepape, Erté y George Barbier , dibujaron atractivas láminas de moda para estas publicaciones, que cubrían los desarrollos más recientes en moda y belleza. Quizás la más famosa de estas revistas fue La Gazette du Bon Ton , fundada en 1912 por Lucien Vogel y publicada regularmente hasta 1925. [3]
A principios del siglo XVIII, los primeros diseñadores de moda se hicieron conocidos como los líderes de la moda. En la década de 1720, la modista de la reina, Françoise Leclerc, se convirtió en una mujer muy solicitada por las mujeres de la aristocracia francesa [4] y, a mediados de siglo, Marie Madeleine Duchapt , Mademoiselle Alexandre y Le Sieur Beaulard obtuvieron reconocimiento nacional y ampliaron su base de clientes de la aristocracia francesa a la aristocracia extranjera [5] . Sin embargo, Rose Bertin es considerada generalmente como la primera diseñadora de moda de fama internacional.
Rose Bertin (2 de julio de 1747 - 22 de septiembre de 1813), apodada la "Ministra de la Moda", fue la modista de María Antonieta, reina de Francia entre 1770 y 1793. Bertin abrió una tienda en París y tuvo una influencia considerable en el estilo parisino, hasta que la Revolución Francesa la obligó a exiliarse en Londres. [6]
María Antonieta, una forastera en la corte francesa, confió en los meticulosos diseños de Bertin para ayudarla a "combatir a sus enemigos con estilo". Las preferencias de moda únicas de María Antonieta, como los pantalones de montar masculinos o los sencillos vestidos de muselina, contrastaban marcadamente con los elaborados vestidos, ya que la reina intentaba crear una personalidad que permitiera a los ciudadanos de Francia conectarse con ella y su estilo de vida. Aunque los intentos de María Antonieta fueron en gran medida infructuosos, la forma en que Bertin ayudó a la reina a expresarse a través de la moda fue innovadora y sentó un precedente para los monarcas que la siguieron y sus diseñadores, como Louis Hippolyte Leroy . Y a principios del siglo XIX, diseñadores como Ann Margaret Lanchester y Mary Ann Bell estaban expandiendo sus negocios y publicando sus propios diseños en revistas de moda. [7] En la primera mitad del siglo XIX, los diseñadores de moda parisinos, como Madame Vignon , Madame Victorine y Madame Palmyre , normalmente no diseñaban de forma independiente un producto que sus clientes pudieran elegir comprar, sino que creaban el producto en colaboración con los deseos de sus clientes, para producir algo único. [8]
EspañolCharles Frederick Worth (1825-1905) , inglés residente en París, es considerado el primer diseñador en el sentido moderno del término, con una gran empresa que empleaba a muchos sastres y costureras en su mayoría anónimos. Worth, que había sido comerciante de telas, tuvo tanto éxito que pudo dictar lo que debían llevar los clientes. Worth, que saltó a la fama como el diseñador principal de la emperatriz Eugenia , utilizó sus conexiones reales para ganar reconocimiento y clientes. La proclamación del 1 de febrero de 1853 de Napoleón III de que ningún visitante sería recibido en su corte sin traje formal hizo que la popularidad de los vestidos de estilo Worth se volviera abrumadora. Los vestidos de Worth, profusamente decorados y confeccionados con los mejores materiales, son famosos por sus crinolinas (estructuras metálicas en forma de jaula que sujetaban el vestido con una forma elegante).
Durante las primeras décadas del siglo XX, la alta moda se originó en París y, en menor medida, en Londres. [ cita requerida ] Las revistas de moda de otros países enviaban a sus editores a los desfiles de París. Los grandes almacenes también enviaban compradores a los desfiles de París, donde compraban prendas para copiar (y robaban abiertamente las líneas de estilo y los detalles de acabado de otros). Tanto los salones de confección a medida como los departamentos de prêt-à-porter presentaban las últimas tendencias parisinas, adaptadas a las suposiciones de las tiendas sobre los estilos de vida y los bolsillos de su público objetivo.
Los atuendos que usaban las mujeres de moda durante la Belle Époque (1871-1914) eran sorprendentemente similares a los que se usaban en el apogeo del pionero de la moda Charles Worth. A finales del siglo XIX, los horizontes de la industria de la moda se habían ampliado, debido a los estilos de vida más estables e independientes de las mujeres adineradas y a la ropa práctica que exigían. Sin embargo, las modas de la Belle Époque aún conservaban el estilo elaborado y tapizado del siglo XIX. El cambio de moda era impensable, por lo que el uso de diferentes adornos era lo único que diferenciaba la ropa de una temporada a otra.
El derroche y el consumo ostentosos definieron las modas de la década y los atuendos de los modistos de la época eran extravagantes, ornamentados y cuidadosamente confeccionados. La silueta curvilínea en forma de S dominó la moda hasta alrededor de 1908. El corsé en forma de S empujaba el pecho hacia adelante en el mono-pecho y, con la ayuda del relleno, la colocación juiciosa de los adornos en la ropa y, sobre todo, una postura particular completamente independiente del corsé, creaba la ilusión de una silueta en "S". [9] Hacia el final de la década, Paul Poiret introdujo diseños que no incluían ni enagua ni corsé, haciendo que la forma de S pasara de moda. Esto fue un gran cambio, ya que las cinturas de las mujeres habían sido moldeadas por corsés desde el Renacimiento. [10]
La Maison Redfern , fundada por el sastre inglés John Redfern (1820–1895), fue la primera casa de moda en ofrecer a las mujeres ropa deportiva y trajes a medida basados en sus homólogos masculinos, y sus prendas prácticas y sobriamente elegantes pronto se convirtieron en indispensables en los guardarropas de las mujeres bien vestidas.
Durante los primeros años de la década de 1910, la silueta de moda se volvió mucho más ágil y fluida, y más suave que en el siglo XIX. Cuando los Ballets Russes interpretaron Sherazade en París en 1910, se desató una locura por el orientalismo . El modisto Paul Poiret fue uno de los primeros diseñadores en trasladar esto al mundo de la moda. Las clientas de Poiret se transformaron de inmediato en chicas de harén con pantalones sueltos, turbantes y colores vivos y geishas con kimonos exóticos . Poiret también ideó el primer atuendo que las mujeres podían ponerse sin la ayuda de una criada. [11]
El movimiento Art Déco comenzó a surgir en esta época y su influencia fue evidente en los diseños de muchos modistos de la época. Los sombreros de fieltro sencillos, los turbantes y las nubes de tul reemplazaron los estilos de tocados populares en el siglo XIX. También es notable que los primeros desfiles de moda reales se organizaran durante este período, a cargo de Jeanne Paquin , una de las primeras modistas femeninas, quien también fue la primera modista parisina en abrir sucursales extranjeras en Londres, Buenos Aires y Madrid. [12]
Dos de los diseñadores de moda más influyentes de la época fueron Jacques Doucet y Mariano Fortuny . Doucet sobresalía en la superposición de colores pastel y sus elaborados vestidos vaporosos sugerían los destellos impresionistas de la luz reflejada. Sus distinguidas clientas nunca perdieron el gusto por sus líneas fluidas y materiales endebles y diáfanos. Aunque obedecía a imperativos que dejaban poco a la imaginación del modisto, Doucet era, no obstante, un diseñador de inmenso gusto y discernimiento, un papel que muchos han intentado desempeñar desde entonces, pero rara vez con el nivel de éxito de Doucet.
El diseñador veneciano Mariano Fortuny y Madrazo fue una figura curiosa, con muy pocos paralelos en cualquier época. Para sus diseños de vestidos concibió un proceso especial de plisado y nuevas técnicas de teñido. Dio el nombre de Delphos a sus vestidos largos y ajustados que ondulaban con color. Cada prenda estaba hecha de una sola pieza de la más fina seda, su color único adquirido por inmersiones repetidas en tintes cuyos tonos sugerían la luz de la luna o los reflejos acuáticos de la laguna veneciana. La paja bretona, la cochinilla mexicana y el índigo del Lejano Oriente estaban entre los ingredientes que usaba Fortuny. Entre sus muchos devotos estaban Eleonora Duse , Isadora Duncan , Cléo de Mérode , la marquesa Casati , Émilienne d'Alençon y Liane de Pougy .
Los cambios en la vestimenta durante la Primera Guerra Mundial estuvieron dictados más por la necesidad que por la moda. A medida que más y más mujeres se vieron obligadas a trabajar, exigieron prendas que se adaptaran mejor a sus nuevas actividades. Los eventos sociales tuvieron que posponerse en favor de trabajos más urgentes y la necesidad de lamentar el creciente número de muertos, las visitas a los heridos y la gravedad general de la época hicieron que los colores más oscuros se convirtieran en la norma. Surgió un nuevo estilo monocromático que era desconocido para las mujeres jóvenes en circunstancias cómodas. En 1915, las faldas de moda habían subido por encima del tobillo y, en 1920, hasta la mitad de la pantorrilla.
El período entre las dos guerras mundiales, a menudo considerado como la Edad de Oro de la moda francesa, fue un período de grandes cambios y reformas. La alta costura encontró nuevos clientes entre las actrices de cine, las herederas estadounidenses y las esposas e hijas de ricos industriales [ cita requerida ] .
Después de la Primera Guerra Mundial, se produjo un cambio radical en la moda. Los peinados abultados dieron paso a los bobs cortos , los vestidos con largas colas dieron paso a los delantales por encima de la rodilla. Los corsés fueron abandonados y las mujeres tomaron prestada su ropa del guardarropa masculino y optaron por vestirse como los chicos. Aunque, al principio, muchos modistos se mostraron reacios a adoptar el nuevo estilo andrógino , lo abrazaron de todo corazón a partir de 1925 aproximadamente. Surgió una silueta sin busto ni cintura y la vestimenta agresiva se vio mitigada por boas de plumas, bordados y accesorios llamativos. El estilo flapper (conocido por los franceses como el look "garçonne") se hizo muy popular entre las mujeres jóvenes. El sombrero cloche se usó ampliamente y la ropa deportiva se hizo popular tanto entre hombres como mujeres, con diseñadores como Jean Patou y Coco Chanel popularizando el estilo deportivo y atlético.
La gran modista Coco Chanel fue una figura importante de la moda en su época, conocida tanto por su personalidad magnética como por sus diseños elegantes y progresistas. Chanel ayudó a popularizar el corte de pelo bob, el vestido negro corto y el uso del punto de jersey para la ropa femenina; también elevó el estatus de la bisutería y las prendas de punto.
Otros dos destacados diseñadores franceses de la década de 1920 fueron Jeanne Lanvin y Jean Patou . Jeanne Lanvin, que comenzó su carrera como modista, hizo unos trajes tan bonitos para su hija pequeña Marguerite que la gente empezó a pedir copias. El nombre de Lanvin aparece en el anuario de moda de alrededor de 1901, sin embargo, fue en la década de 1920 cuando alcanzó la cima de su éxito. El estilo Lanvin adoptó el estilo de la época, con su hábil uso de adornos complejos, bordados deslumbrantes y decoraciones de cuentas en colores claros y florales que finalmente se convirtieron en una marca registrada de Lanvin. En 1925, Lanvin produjo muchos productos diferentes, incluyendo ropa deportiva, pieles, lencería, moda masculina y diseños de interiores. Su enfoque global de la moda prefiguró los esquemas que todas las grandes casas de moda contemporáneas adoptarían más tarde en sus esfuerzos por diversificarse.
El estilo de Jean Patou nunca fue mainstream, sino que estaba lleno de originalidad y se caracterizaba por una estudiada simplicidad que le haría famoso, sobre todo en los mercados americanos. Muchas de sus prendas, con sus líneas limpias, motivos geométricos y cubistas y mezcla de lujo y practicidad, fueron diseñadas para satisfacer la nueva moda de la vida al aire libre y guardaban una notable similitud con la ropa deportiva moderna. La defensora más famosa de su estilo fue Suzanne Lenglen , la legendaria campeona de tenis.
En el mundo de la moda masculina, sobre todo entre los norteamericanos, se fue extendiendo el espíritu informal, que se reflejaba en una moda que enfatizaba la juventud y la relajación. En el pasado, en la época del caballero bien vestido había un atuendo especial para cada evento, pero en los años 20 los jóvenes, que ya no tenían miedo de mostrar su juventud, empezaron a llevar el mismo traje de lana suave todo el día. Las chaquetas cortas sustituyeron a las antiguas chaquetas largas, que ahora sólo se usaban en ocasiones formales. Los hombres tenían a su disposición una gran variedad de prendas deportivas, incluidos suéteres y pantalones cortos, comúnmente conocidos como knickers. Para la noche, el esmoquin corto estaba más de moda que el frac, que ahora se consideraba algo anticuado. El corte londinense, con sus líneas delgadas, mangas sueltas y hombreras, perfeccionado por el sastre inglés Scholte, era muy popular.
Los patrones Fair Isle se volvieron muy populares para ambos sexos. Los tacones, en ese momento, solían medir más de dos pulgadas de alto y ayudaron a popularizar el zapato de dos tonos. Salvatore Ferragamo y André Perugia fueron dos de los diseñadores de calzado más influyentes y respetados. Muchas estrellas del cine mudo tuvieron un impacto significativo en la moda durante la década de 1920, incluidas Louise Brooks , Gloria Swanson y Colleen Moore . Las modas desenfadadas y progresistas de la década de 1920 se detuvieron gradualmente después del colapso de Wall Street de 1929 y sucumbieron a un estilo más conservador. Si bien el estilo flapper persistió hasta 1930, desapareció rápidamente después, aunque los sombreros con forma de campana perduraron hasta 1933.
En la década de 1930, cuando el público empezó a sentir los efectos de la Gran Depresión , muchos diseñadores descubrieron que las crisis no eran el momento para la experimentación. La moda se volvió más comprometida, aspirando a preservar las victorias del feminismo mientras redescubría una elegancia y sofisticación sutiles y tranquilizadoras. En general, la ropa de la década de 1930 era sombría y modesta, reflejando la difícil situación social y económica de la década. La moda femenina se alejó del estilo atrevido y descarado de la década de 1920 hacia una silueta más romántica y femenina. Se restableció la cintura, los dobladillos se redujeron a casi la altura de los tobillos, hubo una renovada apreciación del busto y los vestidos de noche sin espalda y los vestidos de día suaves y ajustados se hicieron populares. El cuerpo femenino fue remodelado en una forma más neoclásica y los cuerpos delgados, tonificados y atléticos se pusieron de moda. La moda para las actividades al aire libre estimuló a los modistos a fabricar lo que hoy se denominaría "ropa deportiva". El término "prêt-à-porter" todavía no se utilizaba ampliamente, pero las boutiques describían estas prendas como "para hacer deporte". En lugar del corte de pelo corto estilo flapper, el peinado estándar de las mujeres de la década de 1930 era una permanente corta y modesta.
Dos de las diseñadoras de moda más prominentes e influyentes de la década de 1930 fueron Elsa Schiaparelli y Madeleine Vionnet . Elsa Schiaparelli mostró su primera colección en 1929 y fue aclamada inmediatamente por la prensa como "una de las raras innovadoras" de la época. Con sus diseños emocionantes e inventivos, Schiaparelli no revolucionó la moda, sino que rompió sus cimientos. El primer jersey que mostró en sus escaparates causó sensación: estaba tejido en negro con un lazo blanco en trampantojo . Schiaparelli era amiga íntima de Christian Bérard , Jean Cocteau y Salvador Dalí , quienes diseñaron motivos de bordado para ella y le proporcionaron inspiración para modelos como el traje de escritorio con cajones en lugar de bolsillos, el sombrero con forma de zapato, los vestidos de seda pintados con moscas o langostas . Todo París acudió en masa a su salón en el 21 de Place Vendôme a medida que se sucedían las colecciones.
Madeleine Vionnet se inspiró en las estatuas antiguas y creó vestidos atemporales y hermosos que no desentonarían en un friso griego. Reina del corte al bies (cortando en diagonal los hilos longitudinales del tejido), produjo vestidos de noche que se ajustaban al cuerpo sin excesivas elaboraciones ni disimulos, empleando una línea fluida y elegante. Su perfecto drapeado de gasa, seda y crepé marroquí creaba un efecto maravillosamente equilibrado y sensual. El éxito sin igual de los cortes de Vionnet garantizó su reputación hasta su jubilación en 1939.
Mainbocher , el primer diseñador estadounidense que vivió y trabajó en París, también fue influyente, con sus diseños sencillos pero sumamente elegantes, que a menudo empleaban el corte al bies iniciado por Vionnet. El fabricante de artículos de lujo Hermès comenzó a vender pañuelos cuadrados de seda estampados a mano a principios de la década de 1930, además de popularizar la cremallera y muchas otras innovaciones prácticas. Hacia finales de la década, la moda femenina adoptó una silueta algo más imponente y de hombros anchos, posiblemente influenciada por Elsa Schiaparelli. La moda masculina continuó la tendencia informal y práctica que había dominado desde el final de la Primera Guerra Mundial.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la reputación de París como centro mundial de la moda empezó a desmoronarse. En los años cincuenta surgió un nuevo estilo juvenil que cambió el enfoque de la moda. En Occidente, se puso en tela de juicio la división tradicional entre la alta sociedad y la clase trabajadora. En particular, una nueva generación de jóvenes quería aprovechar los beneficios de una sociedad de consumo en auge. Los privilegios se hicieron menos evidentes que en el pasado y las diferencias se pasaron por alto. A medida que se derribaron las antiguas jerarquías europeas, las marcas externas de distinción se desvanecieron. Cuando se lanzaron los primeros cohetes al espacio, Europa estaba más que preparada para adoptar una prenda de prêt-à-porter de calidad al estilo estadounidense, algo que ocupara un lugar intermedio entre la ropa confeccionada y la alta costura. Esta necesidad era aún más apremiante porque el aumento de los costes generales y de las materias primas empezaba a relegar a un segundo plano la moda artesanal. Mientras tanto, el rápido desarrollo de nuevas tecnologías hizo que fuera cada vez más fácil fabricar un producto cada vez mejor y de alta calidad.
Ante la amenaza de un producto fabricado en fábrica y basado en la moda, la alta costura parisina montó sus defensas, pero con poco efecto. Mientras el viejo mundo hacía su última reverencia, los cambios en la moda fueron una de las manifestaciones más visibles de la conmoción general que se estaba produciendo en la sociedad. En poco tiempo, las clases de mujeres que hasta entonces se habían visto limitadas a sustitutos inferiores de la alta costura disfrutaron de una libertad de elección mucho mayor. Al vender en cantidades mucho mayores, los ciclos de producción eran más largos que los de los talleres de alta costura, lo que significaba que los estilistas que planificaban sus líneas para las colecciones semestrales tenían que tratar de adivinar con más de un año de antelación lo que querrían sus clientes. Una nueva autoridad había asumido el poder: la de la calle, lo que constituía una amenaza más para la dictadura de la alta costura.
Muchas casas de moda cerraron durante la ocupación de París durante la Segunda Guerra Mundial , incluidas la Maison Vionnet y la Maison Chanel. Varios diseñadores, incluido Mainbocher, se trasladaron permanentemente a la ciudad de Nueva York. En el enorme programa de reeducación moral e intelectual emprendido por el estado francés, la alta costura no se libró. En contraste con la parisina elegante y liberada, el régimen de Vichy promovió el modelo de esposa y madre, una joven robusta y atlética, una figura mucho más acorde con la agenda política del nuevo régimen. Mientras tanto, Alemania estaba tomando posesión de más de la mitad de lo que Francia producía, incluida la alta costura, y estaba considerando trasladar la alta costura francesa a Berlín y Viena . Los archivos de la Chambre Syndicale de la Couture fueron confiscados, incluida, lo más importante, la lista de clientes. El objetivo de todo esto era romper un monopolio que supuestamente amenazaba el dominio del Tercer Reich .
Debido a los tiempos difíciles, los dobladillos se fueron subiendo poco a poco tanto en la ropa de noche como en la de día, esta última confeccionada con materiales sustitutos siempre que fuera posible. A partir de 1940, se necesitaba tela para el personal militar; para todos los demás, se racionó, con un límite de cuatro metros (trece pies) de tela para un abrigo y un poco más de un metro (tres pies) para una blusa. Ningún cinturón podía tener más de tres centímetros (una pulgada y media) de ancho. Todos, desde las amas de casa hasta los diseñadores, se vieron obligados a reutilizar telas viejas o crear nuevos estilos a partir de prendas viejas. [13] La alta costura hizo todo lo posible para mantener su bandera en alto. El humor y la frivolidad se convirtieron en una forma de las estrellas del pop de desafiar a las potencias ocupantes y la alta costura sobrevivió. Aunque algunos han argumentado que la razón por la que perduró fue debido al patrocinio de las esposas de los nazis ricos, los registros revelan que, además de las habituales parisinas ricas, fue una mezcla ecléctica de esposas de embajadores extranjeros, clientes del mercado negro y otros clientes diversos de los salones (entre los cuales las mujeres alemanas eran solo una minoría) quienes mantuvieron abiertas las puertas de casas de moda como Jacques Fath , Maggy Rouff , Marcel Rochas, Jeanne Lafaurie, Nina Ricci y Madeleine Vramant .
Los peinados con permanente siguieron siendo estándar, aunque durante los años 40, esto evolucionó hacia un rollo bob a lo largo de la parte inferior de la línea del cabello.
Durante la Ocupación, la única forma real que tenía una mujer de hacer alarde de su extravagancia o añadir color a un atuendo monótono era llevar un sombrero. En este período, los sombreros se confeccionaban a menudo con restos de material que de otro modo se habrían desechado, incluidos trozos de papel y virutas de madera. Entre las sombrereras más innovadoras de la época se encontraban Pauline Adam, Simone Naudet, Rose Valois y Le Monnier.
La situación aislada de París en la década de 1940 permitió a los estadounidenses aprovechar al máximo el ingenio y la creatividad de sus propios diseñadores. Durante la Segunda Guerra Mundial, Vera Maxwell presentó conjuntos constituidos por piezas sencillas y de corte sencillo e introdujo innovaciones en la ropa de trabajo masculina. Bonnie Cashin transformó las botas en un importante accesorio de moda y, en 1944, comenzó la producción de ropa deportiva original e imaginativa. Claire McCardell , Anne Klein y Cashin formaron un notable trío de mujeres que sentaron las bases de la ropa deportiva estadounidense , asegurando que el prêt-à-porter no se considerara una mera segunda opción, sino una forma elegante y cómoda de vestir para las mujeres modernas.
Durante los años de guerra, el traje zoot (y en Francia el traje zazou ) se hizo popular entre los jóvenes.
Muchas actrices de la época, incluidas Rita Hayworth , Katharine Hepburn y Marlene Dietrich , tuvieron un impacto significativo en la moda popular.
El modisto Christian Dior causó sensación con su primera colección en febrero de 1947. La colección contenía vestidos con bustos acentuados, cinturas diminutas (o "de avispa") y faldas extravagantemente amplias, que enfatizaban la figura femenina de reloj de arena de una manera muy similar al estilo de la Belle Époque. El uso suntuoso de telas y la elegancia femenina de los diseños atrajeron a la clientela de posguerra y aseguraron el meteórico ascenso de Dior a la fama. La pura sofisticación del estilo incitó a la todopoderosa editora de la revista estadounidense Harper's Bazaar , Carmel Snow , a exclamar "¡Este es un nuevo estilo!".
En contra de la continuidad, el apoyo y la lógica, y de las predicciones sociológicas eruditas, la moda de los años cincuenta, lejos de ser revolucionaria y progresista, recurrió más a elementos de la década anterior. Una sociedad entera que, en los años veinte y treinta, había creído firmemente en el progreso, ahora era mucho más circunspecta. A pesar de que las mujeres tenían derecho a votar, a trabajar y a conducir sus propios coches, optaban por llevar vestidos confeccionados con materiales opulentos, con cinturas encorsetadas y faldas con vuelo hasta media pantorrilla. Mientras la moda miraba hacia el pasado, la alta costura experimentó una especie de renacimiento y engendró una miríada de diseñadores estrella que se beneficiaron enormemente del rápido crecimiento de los medios de comunicación.
A lo largo de la década de 1950, aunque sería por última vez, las mujeres de todo el mundo siguieron sometiéndose a las tendencias de la alta costura parisina. Tres de los modistos parisinos más destacados de la época fueron Cristóbal Balenciaga , Hubert de Givenchy y Pierre Balmain . El príncipe frugal del lujo, Cristóbal Balenciaga Esagri, hizo su debut en la moda a finales de la década de 1930. Sin embargo, no fue hasta los años de posguerra cuando se hizo evidente la escala completa de la inventiva de este diseñador sumamente original. En 1951, transformó totalmente la silueta, ensanchando los hombros y eliminando la cintura. En 1955, diseñó el vestido túnica, que luego se convirtió en el vestido camisero de 1957. Y finalmente, en 1959, su trabajo culminó en la línea Imperio, con vestidos de cintura alta y abrigos de corte similar al kimono. Su dominio del diseño de tejidos y la creación desafiaban la creencia. Balenciaga también es conocido por ser uno de los pocos modistos en la historia de la moda que podía usar sus propias manos para diseñar, cortar y coser los modelos que simbolizaban el apogeo de su arte.
Hubert de Givenchy abrió su primera casa de alta costura en 1952 y causó sensación con sus prendas, que podían combinarse a voluntad. La más famosa fue su blusa Bettina , hecha de tela camisera, que recibió el nombre de su top model. Pronto se abrieron boutiques en Roma, Zúrich y Buenos Aires. Hombre de un gusto y una discriminación inmensos, fue, quizás más que cualquier otro diseñador de la época, una parte integral del mundo cuya elegancia discreta ayudó a definir.
Pierre Balmain abrió su propio salón en 1945. Fue en una serie de colecciones llamadas "Jolie Madame" donde experimentó su mayor éxito, a partir de 1952. La visión de Balmain de la mujer elegantemente vestida era particularmente parisina y se ejemplificaba con el glamour sastre del " New Look ", con su busto amplio, cintura estrecha y faldas amplias, por el dominio del corte y los imaginativos ensamblajes de tejidos en sutiles combinaciones de colores. Su sofisticada clientela se sentía igualmente a gusto con la elegancia lujosa, la sastrería sencilla y un aspecto más natural. Junto con su trabajo de alta costura, el talentoso hombre de negocios fue pionero en una gama de prêt-à-porter llamada Florilege y también lanzó una serie de perfumes de gran éxito.
Cabe destacar también el regreso de Coco Chanel (que detestaba el «New Look») al mundo de la moda. Tras el cierre de sus salones durante los años de la guerra, en 1954, con más de setenta años, reapareció y el 5 de febrero presentó una colección que contenía toda una serie de ideas que serían adoptadas y copiadas por mujeres de todo el mundo: su famoso trajecito de galones con cadenas de oro, bisutería brillante, blusas de seda en colores que combinaban con los forros del traje, tweeds elegantes, botones con monogramas, lazos planos de seda negra, canotier, bolsos acolchados con cadenas y vestidos de noche y pieles que eran maravillas de sencillez.
A pesar de ser un diseñador de alta costura, Mainbocher, nacido en Estados Unidos , también diseñó uniformes militares y civiles. En 1952, rediseñó el uniforme de servicio de las mujeres marines combinando feminidad y funcionalidad. Entre sus rediseños anteriores se incluyen uniformes para WAVES ( Women Accepted for Volunteer Emergency Service ) en 1942, y diseños de uniformes para las Girl Scouts de los Estados Unidos y la Cruz Roja Americana en 1948.
El "New Look" de Dior (que se estrenó en 1947) revivió la popularidad de las fajas y los corseletes todo en uno. A principios de la década de 1950, muchas casas de alta costura utilizaron el interés por la "ropa interior" para lanzar sus propias líneas, poco después muchos fabricantes de lencería comenzaron a construir sus propias marcas. En 1957, Jane Russell usó el sujetador "Cantilever", diseñado científicamente por Howard Hughes para maximizar un aspecto voluptuoso. La invención de la licra (originalmente llamada "Fibre K") en 1959 revolucionó la industria de la ropa interior y se incorporó rápidamente a todos los aspectos de la lencería.
Después de la guerra, el estilo americano (que consistía en hombros anchos, corbatas floreadas, pantalones de pierna recta y camisas con cuellos largos y puntiagudos, que a menudo se llevaban colgando en lugar de metidos por dentro) se hizo muy popular entre los hombres de Europa. Algunos fabricantes de Londres marcaron el comienzo de un renacimiento de la elegancia eduardiana en la moda masculina, adoptando un estilo retro ajustado que pretendía atraer a los tradicionalistas. Este estilo, originalmente dirigido al joven respetable de la ciudad, se tradujo en la moda popular como el estilo Teddy boy . El estilo italiano, popularizado por Caraceni , Brioni y Cifonelli, fue adoptado por toda una generación de jóvenes amantes elegantes, en ambos lados del Atlántico. Los cuadros escoceses eran muy comunes en la moda masculina de los años 50, tanto para camisas como para trajes, junto con el corte de pelo "cola de pato", que a menudo se consideraba un símbolo de rebelión adolescente y estaba prohibido en las escuelas.
Durante la segunda mitad de la década de 1950, se produjo una tendencia general hacia prendas menos formales, especialmente en la moda masculina. El sombrero fedora y el sombrero Homburg , así como las gabardinas , desaparecieron del uso generalizado (esta tendencia ya había comenzado algunos años antes en la Costa Oeste más informal de los EE. UU.) después de haber sido piezas estándar de la indumentaria masculina desde la década de 1920.
Los diseñadores de Hollywood crearon un tipo particular de glamour para las estrellas del cine estadounidense, y los atuendos que lucieron Marilyn Monroe , Lauren Bacall o Grace Kelly fueron ampliamente copiados. Cuantitativamente hablando, un traje que lució una actriz en una película de Hollywood tendría una audiencia mucho mayor que la fotografía de un vestido diseñado por un modisto ilustrado en una revista leída por no más de unos pocos miles de personas. Sin siquiera intentar seguir la pista de todos los estilos de París, sus diseñadores de vestuario se centraron en su propia versión del clasicismo, que pretendía ser atemporal, favorecedora y fotogénica. Utilizando materiales aparentemente lujosos, como lentejuelas, gasa y pieles, las prendas tenían un corte muy simple, a menudo incluyendo algún detalle memorable, como un escote en la espalda de un vestido que solo se revelaba cuando la actriz le daba la espalda a la cámara o algún accesorio particularmente impresionante. Los diseñadores más influyentes y respetados de Hollywood desde la década de 1930 hasta la de 1950 fueron Edith Head , Orry-Kelly , William Travilla , Jean Louis , Travis Banton y Gilbert Adrian . La vestimenta cotidiana de las mujeres durante la década consistía en abrigos largos, sombreros con pequeños velos y guantes de cuero. Los vestidos hasta la rodilla se combinaban con collares de perlas, que se hicieron populares instantáneamente gracias a la primera dama Mamie Eisenhower . El cabello corto y con permanente era el peinado estándar de las mujeres de la época.
A finales de la década, la ropa fabricada en masa y lista para usar se había vuelto mucho más popular que en el pasado, otorgando al público general un acceso sin precedentes a estilos de moda.
Hasta los años 60, París era considerada el centro de la moda en todo el mundo. Sin embargo, entre 1960 y 1969 se produjo una reestructuración radical de la estructura fundamental de la moda. A partir de los años 60, nunca habría una única tendencia o moda dominante, sino una gran plétora de posibilidades, indisolublemente vinculadas a las diversas influencias en otros ámbitos de la vida de las personas. La prosperidad y el surgimiento de una cultura adolescente diferenciada, combinada con el movimiento de contracultura, tendrían importantes efectos en la moda.
Después de 30 años de estilos de vestimenta conservadores, los años 60 fueron testigos de una especie de regreso a los años 20, cuando las mujeres volvieron a adoptar un aspecto infantil con cortes de pelo cortos y ropa cada vez menos recatada. A principios de la década, las faldas llegaban hasta la rodilla, pero se fueron acortando cada vez más hasta que apareció la minifalda en 1965. A finales de la década, ya habían alcanzado un largo muy superior al de las medias, lo que hizo inevitable la transición a las medias .
Muchos de los cambios radicales en la moda se desarrollaron en las calles de Londres, con diseñadores tan talentosos como Mary Quant (conocida por lanzar la minifalda) y Barbara Hulanicki (la fundadora de la legendaria boutique Biba ). París también tuvo su cuota de diseñadores nuevos y revolucionarios, incluidos Pierre Cardin (conocido por sus diseños visionarios y hábilmente cortados), André Courrèges (conocido por sus atuendos futuristas y por lanzar la minifalda junto con Mary Quant), Yves Saint Laurent (conocido por sus modas revolucionarias pero elegantes) y Emanuel Ungaro (conocido por su uso imaginativo del color y sus audaces contrastes barrocos). En los Estados Unidos, Rudi Gernreich (conocido por sus diseños vanguardistas y futuristas) y James Galanos (conocido por su lujoso prêt-à-porter) también estaban llegando a un público joven. Los principales puntos de venta para estos nuevos diseñadores de moda jóvenes eran pequeñas boutiques, que vendían prendas que no eran exactamente "únicas", sino que se fabricaban en pequeñas cantidades en una gama limitada de tallas y colores. Sin embargo, no todos los diseñadores se adaptaron bien al nuevo estilo y a la nueva actitud. En 1965, Coco Chanel emprendió una acción de retaguardia contra la exposición de las rodillas y Balenciaga siguió produciendo con determinación diseños femeninos y conservadores.
La forma y el estilo básicos de la época eran simples, prolijos, elegantes y coloridos. Los sombreros ya habían comenzado a decaer en la década anterior y ahora estaban casi completamente extintos, excepto en ocasiones especiales. Los tacones bajos eran un bonito sustituto de los tacones de aguja. Las puntas puntiagudas dieron paso a las puntas en forma de cincel en 1961 y a las puntas de almendra en 1963. Las botas planas también se hicieron populares con los vestidos muy cortos en 1965 y, con el tiempo, se elevaron por la pierna y llegaron a la rodilla.
En los años 60, por primera vez, se vio una amplia variedad de peinados populares, incluidos los bobs, los cortes paje y los cortes colmena.
Dos diseñadores notables e influyentes en la década de 1960 fueron Emilio Pucci y Paco Rabanne . Los diseños de ropa deportiva de Emilio Pucci y los estampados inspirados en el arte óptico , la psicodelia y los estandartes heráldicos medievales le valieron una reputación que se extendió mucho más allá de los círculos de la alta sociedad. Sus elegantes vestidos camiseros, túnicas y ropa de playa crearon una "Puccimanía" que era parte de un movimiento para liberar la forma femenina y sus diseños son hoy sinónimo de la década de 1960. Francisco Rabaneda Cuervo (más tarde Paco Rabanne) abrió su primera casa de alta costura en 1966 y, desde el principio, produjo diseños decididamente modernos. En lugar de utilizar materiales de vestir convencionales, creó prendas de aluminio, rodoide y piezas de chatarra. Sus diseños, además de ser experimentales, también estaban en estrecha sintonía con lo que las jóvenes aventureras modernas querían usar. Entre sus innovaciones se encuentran el vestido sin costuras, fabricado, tras muchos experimentos, rociando cloruro de vinilo sobre un molde, y el vestido desechable de bajo presupuesto hecho de papel e hilo de nailon. Rabanne también fue el primer diseñador de moda que utilizó modelos negras, lo que casi provocó su despido de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. El éxito de su perfume Calandre ayudó a apoyar las áreas menos rentables de su trabajo, mientras que su utopismo le aseguró una posición única en el mundo conservador de la alta costura.
El cambio principal en la moda masculina de los años 60 se produjo en el peso de los tejidos utilizados. La elección de los materiales y el método de fabricación dieron como resultado un traje que, al ser más ligero, tenía un aspecto totalmente diferente, con una línea más cercana a la forma natural del cuerpo, lo que hizo que los hombres miraran su figura de manera más crítica. La difusión de los vaqueros sirvió para acelerar un cambio radical en el vestuario masculino. Los jóvenes se dejaron crecer el pelo hasta el cuello y añadieron un toque de color, e incluso motivos florales, a sus camisas. El cuello alto nunca logró sustituir a la corbata, pero la adopción de la chaqueta de trabajo de pana áspera, y especialmente de la chaqueta mao, resultó ser algo más que una simple declaración política. Pierre Cardin y André Courrèges hicieron algunos ruidos futuristas, pero el traje de tres piezas sobrevivió intacto.
A principios de los años 60 hubo influyentes "alianzas" de celebridades y diseñadores de alta costura, las más famosas fueron Audrey Hepburn con Givenchy y Jackie Kennedy con Oleg Cassini . Además, muchas modelos tuvieron un efecto muy profundo en la moda, especialmente Twiggy , Veruschka y Jean Shrimpton . A principios de la década, los culottes estaban de moda y el bikini finalmente se puso de moda en 1963. Los movimientos hippies y psicodélicos de finales de la década también tuvieron una fuerte influencia en los estilos de ropa, incluidos los jeans de campana (diseñados por el sastre inglés Tommy Nutter , de su tienda Savoy), los tejidos tie-dye y batik, así como los estampados paisley.
Apodada la década del "yo", "complacerse a sí mismo" fue el lema de la década de 1970. Algunos lo vieron como el fin del buen gusto. La década comenzó con una continuación del estilo hippie de finales de la década de 1960, con caftanes, bufandas indias y túnicas con estampados florales. Los jeans siguieron deshilachados y acampanados, el tie dye seguía siendo popular y la moda unisex se multiplicó. Un inmenso movimiento que reclamaba los derechos civiles de los negros combinado con la influencia de la música soul de los EE. UU. creó una nostalgia por África y la cultura africana . Surgió un chic radical , influenciado por personas como James Brown , Diana Ross , Angela Davis y los Black Panthers , en todo, desde peinados afro hasta suelas de plataforma. Durante la década de 1970, las marcas aumentaron enormemente su participación en el mercado internacional. Los dobladillos comenzaron a caer en 1974 hasta debajo de la rodilla hasta que finalmente llegaron a la mitad inferior de la pantorrilla en 1977 y se eliminaron las líneas de los hombros. Después de 1975, la moda pasó a estar dominada por el "look disco", que incluía cortes de pelo con plumas para las mujeres y, para los hombres, el traje informal de tres piezas . Los pantalones acampanados seguirían siendo populares durante toda la década.
Los dos diseñadores de moda más innovadores de la Francia de los años 70 fueron Kenzo Takada y Sonia Rykiel . Estrella indiscutible de la moda parisina de los años 70, Kenzo se inspiró en todo el mundo, mezclando influencias folclóricas occidentales y orientales con una fantástica alegría de vivir y una comprensión instintiva de lo que querían sus jóvenes clientas. Con sus líneas fluidas, estampados inusuales, accesorios ingeniosos y una elegancia sin precedentes hasta entonces en el prêt-à-porter, revolucionó por completo el mundo de la moda. La reina de los tejidos de punto ajustados, en 1974, Sonia Rykiel diseñó sus primeros jerséis con costuras invertidas. Pero, además, creó toda una gama de prendas que eran extremadamente individuales y, sin embargo, podían llevarse prácticamente en cualquier lugar. El estilo Rykiel, dominado por prendas de punto fluidas, negros oscuros, pedrería, bufandas largas tipo boa y pequeños sombreros de crochet, conquistó el mercado americano, y aún hoy, Rykiel es considerado por muchos estadounidenses como el verdadero sucesor de Chanel.
Gracias al punk , Londres conservó un considerable grado de influencia sobre la moda, sobre todo en las boutiques de King's Road, donde la boutique de Vivienne Westwood , SEX , que abrió en 1971, se movió a favor del viento dominante. Este templo de la iconoclasia británica se centraba en accesorios fetichistas y gamas de ropa en las que el caucho negro y los tachones de acero eran los signos externos del sadismo subyacente. Posmodernista e iconoclasta en esencia, el movimiento punk fue una reacción directa a la situación económica durante la depresión económica del período, el vehículo de un odio que era más visceral que político. El punk tenía en su corazón un manifiesto de creación a través del desorden. Con sus camisetas rotas , peinados nativos americanos, Doc Martens , pantalones bondage y cadenas, los punks exportaron un sentimiento general de asco a todo el mundo.
Otro estilo británico popular fue el estilo de ropa decididamente poco moderno, femenino y campestre popularizado por Laura Ashley , que consistía en faldas largas con volantes y blusas de cuello alto con estampados florales tradicionales, que se usaban con chales de crochet. Laura Ashley comenzó a dirigir una pequeña empresa en Gales a mediados de la década de 1960 y la empresa continuó expandiéndose hasta la muerte accidental de su propietaria en 1985. Laura Ashley no fue la única diseñadora que miró con nostalgia al pasado. Las modas basadas en las décadas de 1920, 1930, 1940 y 1950 fueron populares durante gran parte de la década, con películas de Hollywood como El Padrino y El gran Gatsby , y numerosas exposiciones sobre la historia del vestuario en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York que aumentaron su popularidad. En Japón, las boutiques del elegante distrito de Harajuku de Tokio vendían muchas versiones reelaboradas de estilos tradicionales británicos y estadounidenses.
En Estados Unidos, la tendencia general en la moda era hacia la simplificación y las faldas más largas, aunque muchas mujeres reaccionaron negativamente a los largos midi, que consideraban que estaban envejeciendo. Los pantalones, por el contrario, obtuvieron una aprobación unánime. Los vaqueros se beneficiaron más de su aceptación en la escena de la moda estadounidense en los años 70, su nueva respetabilidad se derivó de su inclusión en colecciones bajo el título de ropa deportiva. Las nuevas estrellas del prêt-à-porter estadounidense adaptaron lo mejor de lo que aprendieron de Europa a la enorme industria textil estadounidense. Calvin Klein y Ralph Lauren surgieron del anonimato más o menos simultáneamente para abordar la cuestión del diseño de ropa para los hombres y mujeres de un nuevo mundo. Dos movimientos opuestos dominaron la moda en los Estados Unidos durante los años 70. Por un lado, estaba el estilo unisex entallado; por otro, un estilo fluido y desestructurado con un fuerte toque de glamour de los años 30. El diseñador estadounidense más influyente de la época, Roy Halston Frowick (conocido simplemente como Halston ), pertenecía a esta última categoría. Adquirió estatus de celebridad en la escena neoyorquina y su talento particular consistía en conciliar la prenda hecha a medida para la ocasión especial con los conceptos de comodidad, naturalidad y relajación. Con sus caftanes, camiseros, chilabas, vestidos rectos ultraligeros y túnicas que se usaban sobre pantalones cortos y de pierna ancha, fue un icono de la época y un visitante habitual de la sala VIP del Studio 54 después de su apertura en 1977.
Geoffrey Beene , elogiado por sus elegantes y sofisticados cortes y su uso del blanco y negro, tuvo su mayor éxito en los diseños radicalmente simplificados en los que sobresalió. Sus elegantes vestidos cortos y trajes bien cortados en jersey, franela y lana fueron fundamentales para disuadir a las mujeres estadounidenses de usar demasiados accesorios. Bill Blass , que lanzó su propia línea en 1962, desarrolló el hábito de viajar por todo Estados Unidos para escuchar por sí mismo lo que sus clientes deseaban. Uno de los diseñadores más populares de la época, tuvo casi demasiado éxito en satisfacer los deseos de sus clientes. Su estilo disciplinado y su mano de obra fueron particularmente favorecidos por las mujeres de negocios y las esposas de los altos ejecutivos. Betsey Johnson comenzó diseñando para la boutique Paraphernalia. Usando vinilo y telas metálicas y poniendo énfasis en el ingenio, la imaginación y la independencia, trajo un espíritu de irreverencia sin precedentes a Nueva York en la década de 1970.
En la moda popular, el estilo glam rock , que lucían artistas de rock como David Bowie y Marc Bolan , fue muy influyente, sobre todo en el Reino Unido. El diseñador Elio Fiorucci tenía un estilo muy similar. Su boutique de Milán vendía artículos como botas de goma de colores brillantes, sandalias de plástico con margaritas, piel sintética y chaquetas inspiradas en el arte pop .
Durante la década de 1970, surgió una nueva generación de boutiques de ropa masculina, con el objetivo de cambiar la decoración, los rituales y la base de clientes de un oficio tradicionalmente "difícil". Vender ropa de moda a un hombre joven a finales de la década de 1960 todavía equivalía, en muchos círculos, a cuestionar su masculinidad. La apariencia masculina cambió más en la década de 1970 de lo que había cambiado en todo un siglo. Muchos de los diseñadores de moda que revolucionaron el look masculino debieron muchas de sus innovaciones a Pierre Cardin: hombros estrechos, líneas ajustadas, sin corbata, sin entretela, monos con cremallera, chaquetas o túnicas entalladas, a veces sin camisa. La ropa de trabajo inspiró un estilo menos formal, animando a los diseñadores a mirar más allá del traje tradicional y, por ejemplo, adoptar un look unisex o investigar la oferta masiva de ropa de segunda mano. A veces, este tipo de vestimenta informal masculina, a menudo denunciada como "hippie", obtuvo el reconocimiento formal como un look deliberado. En otras ocasiones, como parte de un movimiento retro, los diseñadores introdujeron un renacimiento de la elegancia de los años 30. El descubrimiento de ropa militar antigua, preferentemente de color caqui y procedente de los Estados Unidos; zapatos de estilo inglés; camisas Oxford; camisetas inmaculadas; chaquetas de tweed con hombreras; suéteres de cuello en V de colores brillantes; bufandas con estampados de cachemira envueltas alrededor del cuello; todo ello impuso una cierta uniformidad al look beatnik informal del guardarropa masculino de finales de los años 70.
También son significativos los desarrollos en la moda italiana que ocurrieron durante el período. En el transcurso de la década de 1970, como resultado de su industria de prêt-à-porter, Milán confirmó su estatus como segundo centro de la moda internacional, después de París. La 'alta moda' prefirió Roma, la base de los modistos Valentino , Capucci y Schön . Aprovechando la tendencia dominante de la antimoda, Italia ofreció un glamour que no tenía nada que ver con los dictados de la alta costura parisina. Si bien se beneficiaba de un estilo claramente definido, la moda italiana era lujosa y fácil de llevar. Los dos diseñadores de moda italianos más influyentes de la época fueron probablemente Giorgio Armani y Nino Cerruti . Giorgio Armani produjo su primera colección para mujeres en 1975. Desde el principio, la línea fue dinámica, urbana y sobria, de inspiración andrógina. Armani ofreció un estilo sobrio que atrajo mucho a la creciente población de mujeres que ahora tenían acceso al mundo del trabajo y ocupaban progresivamente puestos más altos dentro de él. Éste fue sólo el comienzo de una carrera espectacular que llegó a su máximo esplendor en 1981, cuando se fundó Emporio Armani . En 1957, Nino Cerruti abrió la boutique de ropa masculina Hitman en Milán. Hombre de buen gusto y discernimiento, en 1976 presentó su primera colección para mujer. Dos años más tarde, lanzó su primer perfume. Al unir la carrera de un industrial exitoso con la de un diseñador de alta calidad, Cerruti ocupó una posición única en el prêt-à-porter italiano.
A finales del siglo XX, la moda empezó a cruzar fronteras internacionales con rapidez. Los estilos occidentales populares se adoptaron en todo el mundo y muchos diseñadores de fuera de Occidente tuvieron un profundo impacto en la moda. Los materiales sintéticos como la licra y la viscosa se empezaron a utilizar ampliamente y la moda, tras dos décadas de mirar hacia el futuro, volvió a recurrir al pasado en busca de inspiración.
La sociedad de los años 80 ya no se criticaba a sí misma como consumista, sino que, en cambio, estaba interesada en "el espectáculo". La imagen autoconsciente de la década fue muy buena para la industria de la moda, que nunca había estado tan a la moda. Los desfiles de moda se transfiguraron en espectáculos saturados de medios y frecuentemente televisados, ocupando una alta prioridad en el calendario social. La apariencia se relacionaba con el rendimiento, que era de suma importancia para toda una generación de jóvenes profesionales urbanos, cuyo deseo de lucir bien estaba relacionado con un ansia de poder. La forma en que los hombres y las mujeres se asociaban a los últimos estilos ya no era una cuestión de sumisión pasiva, sino que la música disco rápidamente cayó en desgracia a medida que comenzaba la década, junto con los estilos de ropa asociados. En 1982, los últimos rastros de la moda de los años 70 habían desaparecido.
Durante la década de 1980, el mullet se convirtió en el corte de pelo estándar para los hombres y las mujeres lucieron grandes permanentes de corte cuadrado, aunque hubo muchas variaciones de ambos. Los monos se convirtieron en un elemento popular de la indumentaria femenina y, en los hombres, las corbatas estrechas y las gafas de sol envolventes. También durante los años 80, el aeróbic estaba de moda y, por lo tanto, se pusieron de moda los leggings y las cintas para el pelo de licra.
Los dos modistos franceses que mejor definieron el estilo de la época fueron un hombre y Azzedine Alaia . Fuertemente influenciado por su temprana carrera en el teatro, Thierry Mugler produjo diseños de moda que combinaban el retro y el futurismo de Hollywood, con caderas redondeadas, hombros marcadamente acentuados y un ligero toque de heroína galáctica. Los glamorosos vestidos de Mugler fueron un éxito notable y significaron el fin total de la era hippy y su silueta desestructurada. Conocido por sus combinaciones imponentes, Azzedine Alaia influyó enormemente en la silueta de la mujer de los años 80. Maestro de todo tipo de técnicas que antes solo conocía la alta costura, experimentó con muchos materiales nuevos y poco utilizados, como el spandex y la viscosa . El acabado, la sencillez y la pura sensualidad del look de Alaia hicieron que las mujeres de todas las generaciones se identificaran con su estilo seductor, y durante los años 80 alcanzó cierta gloria y fue tenido en alta estima por los miembros de su propia profesión.
También crearon diseños muy típicos de la época Claude Montana , cuyos imponentes diseños de hombros anchos, a menudo hechos de cuero, no habrían desentonado en el universo futurista de Thierry Mugler, y Christian Lacroix , que conmocionó al mundo de la alta costura, con sus faldas con volantes, corsés bordados, polisones y crinolinas de lunares que evocaban los ritmos del flamenco.
En los años 80, la moda se vio azotada por una serie de promesas. Un técnico extraordinario que trabajó en Patou enamoró a la prensa y a sus clientas con sus vestidos de pañuelo. Fabricados con cuadrados de tela, resultaban, cuando uno se los ponía, mucho más complicados de lo que parecían a primera vista. Muchas veladas parisinas de los años 80 se animaron con sus vestidos, todos de estilo fluido y original, en el que los cortes y las costuras se reducían al mínimo. Chantal Thomas, la reina de las medias sexys y del encaje, se ganó una legión de fieles seguidores por su seductora ropa interior y por sus vestidos de noche que parecían camisones y viceversa. Guy Paulin fue uno de los primeros diseñadores en promover un estilo severo, sencillo y despejado. Sus prendas eran clásicas en sus proporciones y estaban hechas para la comodidad y la simplicidad, con líneas armoniosas reforzadas por una sutil paleta de colores y materiales nobles. Bajo su propio nombre, Joseph diseñó prendas de punto lujosas siguiendo líneas clásicas, creando prendas sueltas y sexys en colores neutros. Carolina Herrera , considerada durante mucho tiempo como uno de los miembros más elegantes de la jet set, lanzó en 1981 una serie de colecciones dirigidas a mujeres como ella, presentando prendas de corte impecable y alta calidad y atractivos vestidos de noche.
Los diseñadores japoneses Rei Kawakubo y Yohji Yamamoto propusieron un look que marcaba una ruptura total con la imagen de moda predominante en la época. Zapatos planos, ausencia de maquillaje, reserva, modestia y secretismo eran las señas de identidad de este look moderno. Con el tiempo, comenzó a incluir detalles de las modas del pasado, ya que los lugares antiguos de Europa fueron visitados por estos anarquistas de la moda, cuya influencia en la forma de la ropa, a finales del siglo XX, se volvió legendaria.
En la moda americana, el estilo seductor y ceñido de Donna Karan y la sofisticación desenfadada de Ralph Lauren tuvieron una gran influencia. Estrella de la escena social neoyorquina, Donna Karan aportó un enfoque muy personal y femenino al look severo, sobrio y desenfadado que dominaba el prêt-à-porter americano. En 1984, creó su propia marca y sus diseños ganaron popularidad instantánea entre las mujeres urbanas activas que apreciaban enormemente el lujo sobrio de sus prendas. En 1971, Ralph Lauren abrió una boutique para hombres y mujeres en Beverly Hills . Su estilo aristocrático a precios que el americano medio podía permitirse causó sensación. Para una élite enfrentada a todo tipo de modas de vanguardia, representó un punto de encuentro, avalando un look clásico que se había adoptado para una vida activa. Número uno del prêt-à-porter americano, Lauren tuvo el mismo éxito con su ropa deportiva y sus vaqueros, lo que le permitió llegar al abanico más amplio posible de clases sociales y grupos de edad.
EspañolUn elemento central del éxito de una nueva ola de ropa deportiva estadounidense fue la marca Perry Ellis , fundada en 1978, que utilizó el color y las fibras naturales con gran ventaja en sus elegantes variaciones de los básicos. Norma Kamali , con sus faldas cortas hechas de sudaderas, leotardos, cintas para la cabeza y calentadores de piernas, hizo que el jogging pareciera de moda. Kamali también creó la popular "falda rah-rah". También es notable la extrema popularidad de la marca deportiva Adidas , que alcanzó un increíble nivel de credibilidad callejera en la década de 1980, incitando al grupo de hip hop Run DMC a lanzar el sencillo "My Adidas" en 1986. El legendario diseñador de zapatos Manolo Blahnik también saltó a la fama durante la década de 1980.
La multiplicidad de tendencias que florecieron durante los años 80 se vio frenada por la recesión económica que se instaló a principios de los años 90, destruyendo en gran medida el ánimo optimista que es tan ventajoso para la industria de la moda.
En los años 90, ya no era habitual seguir la moda al pie de la letra, en marcado contraste con los años 70 y 80, en los que todo era tendencia. La fobia a ir mal vestido fue finalmente desplazada por el miedo a ir demasiado elegante. La moda de los años 90 se unió en torno a un nuevo estándar, el minimalismo , y los estilos de absoluta simplicidad se convirtieron en la moda. A pesar de los esfuerzos de algunos diseñadores por mantener en pie la bandera de los vestidos bonitos, a finales de la década la noción de la ostentación de la elegancia prácticamente había desaparecido. Además del estilo del producto, su promoción en los medios se volvió crucial para su éxito y su imagen. Las presiones financieras de la década tuvieron un efecto devastador en el desarrollo de nuevos talentos y redujeron la autonomía de la que disfrutaban los diseñadores más establecidos.
La moda de finales del siglo XX abordó temas que la moda no había abordado anteriormente, como la violación, la discapacidad, la violencia religiosa, la muerte y la modificación corporal. Se produjo un drástico alejamiento de los estilos sensuales dirigidos a la glamurosa femme fatale de los años 80, y muchos diseñadores, cautivados por una visión de la pobreza romántica, adoptaron el estilo de la huérfana pobre, vestida con una paleta de colores austera y perversamente sobria, con el rostro desprovisto de maquillaje. La ropa de los minoristas de prêt-à-porter como The Gap , Banana Republic y Eddie Bauer pasó a la vanguardia de la moda, logrando satisfacer las necesidades de las mujeres que simplemente querían ropa cómoda y ponible. La ropa retro inspirada en los años 60 y 70 fue popular durante gran parte de los años 90.
La famosa casa de moda italiana Gucci fue creada en 1921 por Guccio Gucci y originalmente era una firma que vendía artículos de cuero de lujo. Bajo la dirección de los hijos de Guccio Gucci, a finales de los años 60 la marca se había expandido para incluir una plétora de productos con un glamour claramente latino. Sin embargo, sólo en los años 90, cuando los herederos de Gucci cedieron el control de la empresa a Invest Corp., que planeaba darle un giro al negocio, la marca realmente comenzó a disfrutar del tipo de éxito que disfruta en la actualidad. Al contratar a un diseñador desconocido, Tom Ford , como director de diseño en 1994, la casa de moda fue dotada de un gran prestigio, ya que Ford desencadenó una ola con sus colecciones elegantes e impactantes, perfumes para hombres y mujeres, boutiques renovadas y campañas publicitarias. En 1998, Gucci fue nombrada "Empresa Europea del Año" por la Federación Europea de Prensa Empresarial. [14] Hoy en día es la segunda marca de moda más vendida (después de LVMH ) en todo el mundo, con US$7 mil millones de ingresos mundiales en 2006 según la revista BusinessWeek . [15]
En los años 90, la firma Prada se convirtió en una auténtica fuerza creativa en la industria de la moda. La empresa milanesa se fundó en 1923, dos años después de Gucci, y, al igual que Gucci, era una firma que vendía zapatos y piel de alta calidad. No fue hasta los años 80 cuando Miuccia Prada , sobrina del fundador de la empresa, comenzó a producir moda prêt-à-porter, ganando fama por su estilo sutil, depurado pero indudablemente lujoso, que atendía a la joven privilegiada que prefería la discreción a la extravagancia extravagante.
En Estados Unidos, tres de los diseñadores de moda más influyentes de la época fueron Michael Kors , Marc Jacobs y Calvin Klein . Michael Kors montó su propio negocio en 1980. Sin embargo, no fue hasta la década de 1990 cuando el diseñador alcanzó la cima de su popularidad. Su conocimiento y conciencia de las tendencias le permitieron producir prendas sencillas y bien cortadas, cuya sofisticación y elegancia atrajeron a toda una nueva generación de clientes estadounidenses adinerados atraídos por la nueva moda del minimalismo chic. Marc Jacobs es uno de los diseñadores estadounidenses más notables de la época en el sentido de que, a diferencia de muchos diseñadores de moda estadounidenses del pasado, no era tanto el coordinador de una prenda producida en masa como un diseñador en el sentido europeo de la palabra. Uno de los talentos más prometedores de la industria de la moda en aquel momento, el grupo LVMH (Louis Vuitton-Moet Henessy) le ofreció el trabajo de diseñar una línea de ready-to-wear para complementar los productos de lujo del especialista en equipaje Louis Vuitton a finales de los años 90. Uno de los primeros diseñadores de moda en anticipar la globalización de los mercados mundiales, el ya conocido diseñador Calvin Klein comenzó a comercializar sus modas, perfumes y accesorios no solo en los Estados Unidos sino también en Europa y Asia, logrando un éxito sin igual. Klein, un brillante director artístico, utilizó anuncios cuidadosamente construidos que contenían imágenes teñidas de erotismo para promover sus diseños sofisticados y funcionales producidos en serie, que ganaron una popularidad masiva entre la juventud urbana de los años 90.
El grupo de diseñadores conocido como los « Seis de Amberes » (llamados así porque todos ellos eran graduados de la Real Academia de Bellas Artes de Amberes ), que surgió por primera vez en la década de 1980, alcanzó prominencia en la década de 1990. Tres de los más influyentes del grupo fueron Ann Demeulemeester , Dries van Noten y Walter Van Beirendonck . Ann Demeulemeester, desde su primera colección en 1991, demostró una gran dosis de seguridad e inventiva. Naturalmente inclinada a la sobriedad, construyó sus diseños sobre contradicciones, introduciendo elementos contrastantes en sus modas fluidas y depuradas, que atraían a las mujeres que se vestían, sobre todo, para complacerse a sí mismas. El trabajo de Dries van Noten se basaba en un sólido dominio del arte de la sastrería, al que el joven diseñador añadía discretos toques de fantasía en un estilo muy personal. Consiguiendo ser a la vez clásico y original, sus diseños atrajeron a aquellos que preferían expresar su individualidad en lugar de seguir servilmente las tendencias. Walter Van Beirendonck, que irrumpió en la escena de la moda en 1995, produjo diseños decididamente futuristas bajo su marca W & LT (Wild and Lethal Trash). Utilizando deliberadamente tejidos desarrollados con las últimas tecnologías, en colores violentamente contrastantes, produjo prendas llenas de referencias eróticas y sadomasoquistas, tocadas con un humor adolescente cáustico. Su enfoque altamente distintivo se relaciona con un resurgimiento de la antimoda, pero esta vez una antimoda sin nada de étnico en sus orígenes, basada en la ciencia ficción que proporcionó la inspiración para exhibiciones de tan provocativa energía.
En Italia, Gianni Versace , con sus diseños brillantes, sexys y coloridos, y Dolce & Gabbana , con su estilo superfemenino y fantástico, rompieron con las modas serias y sobrias que dominaron durante gran parte de la década de 1990. La diseñadora británica Vivienne Westwood produjo muchas colecciones influyentes y populares a principios de la década de 1990, que incluían atuendos inspirados en las cortesanas del siglo XVIII y el Marqués de Sade , con caderas redondeadas, corsés y tacones de plataforma. El diseñador afincado en Londres Rifat Ozbek también fue popular, particularmente en Nueva York y Milán. Su estilo juvenil, que mezclaba referencias a la India, África y su Turquía natal con ingeniosas versiones de prendas históricas, recordaba a los clubes nocturnos más de moda y a las modas callejeras más escandalosas de la época. La música rap fue una influencia destacada en la moda popular y callejera durante principios y mediados de la década de 1990. Los seguidores del hip hop adoptaron los enormes pantalones vaqueros anchos, similares a los que se usan en las cárceles estadounidenses, con grandes camisas estampadas y pesados zapatos negros. La marca deportiva Nike tuvo una gran popularidad y cada vez se utilizaban más materiales como la licra o el spandex para la ropa deportiva. La creciente conciencia ecológica y los derechos de los animales hicieron que incluso las principales casas de alta costura como Chanel introdujeran pieles sintéticas y fibras naturales en sus colecciones.
Las modas de la década de 2000 se describieron a menudo como una mezcla global [16], donde las tendencias vieron la fusión de estilos vintage , ropa global y étnica (por ejemplo, boho ), así como las modas de numerosas subculturas basadas en la música. La moda hip-hop en general fue la más popular entre los jóvenes de ambos sexos, seguida por el estilo indie de inspiración retro más adelante en la década.
Los hombres y mujeres de 25 años o más adoptaron un estilo informal y elegante que fue popular durante la década. La globalización también influyó en las tendencias de vestimenta de la década, con la incorporación de prendas de vestir de Oriente Medio y Asia a la moda europea, estadounidense y de Australasia. [16] Además, la ropa ecológica y ética, como la moda reciclada, fue prominente en la década. [16]
A principios de la década de 2000, muchas de las modas de mediados y finales de la década de 1990 siguieron estando de moda en todo el mundo, al tiempo que introducían nuevas tendencias. En los últimos años de la década se produjo un resurgimiento a gran escala de los diseños de ropa, principalmente de las décadas de 1960, 1970 y 1980.La década de 2010 se definió por la moda hipster , el athleisure , un resurgimiento de las piezas de época de la era de la austeridad y las modas alternativas, atuendos inspirados en el swag, ropa urbana de neón al estilo de los años 80 , [17] y elementos unisex al estilo de los años 90 influenciados por el grunge [18] [19] y las modas skater . [20] Los últimos años de la década fueron testigos de la creciente importancia en el mundo occidental de los influencers de las redes sociales pagados para promover marcas de moda rápida en Pinterest e Instagram . [21] [22]
Las marcas de moda globales populares de la década incluyeron a Abercrombie and Fitch , Adidas , Balenciaga , Ben Sherman , Burberry , Christian Dior , Coach , DSquared2 , Dorothy Perkins , Fashion Nova , Forever 21 , Gucci , H&M , Hollister , Hugo Boss , Lacoste , Louis Vuitton , Marks and Spencer , Michael Kors , Monsoon Accessorize , Nike , Nine West , Off-White , River Island , Supreme , Topman , Topshop , Uniqlo , Under Armour y Vans ..jpg/1280px-210120-D-WD757-2566_(50860503913).jpg)
Las modas de la década de 2020 representan un alejamiento de la moda de la década de 2010 y presentan una nostalgia por las estéticas más antiguas. [23] Se han inspirado en gran medida en los estilos de finales de la década de 1990 hasta mediados de la década de 2000 y de la década de 1980. [24] [25] [26] A principios de la década, varias publicaciones notaron el ciclo acortado de tendencias y nostalgia en la moda de la década de 2020. [27] [28] [29] [30] [31] La moda también se vio afectada por la pandemia de COVID-19 , que tuvo un gran impacto en la industria de la moda y provocó cambios en las tendencias minoristas y de consumo.
En la década de 2020, muchas empresas, incluidos los gigantes actuales de la moda rápida como Shein y Temu , han estado utilizando plataformas de redes sociales como TikTok e Instagram como herramienta de marketing. [32] Las estrategias de marketing que involucran a terceros, en particular influencers y celebridades, se han convertido en tácticas destacadas. Las plataformas de comercio electrónico que promueven pequeñas empresas, [33] como Depop y Etsy , crecieron ofreciendo ropa vintage, hecha en casa o revendida de vendedores individuales. La compra de artículos usados también se ha vuelto muy popular debido a que se centra en encontrar piezas de ropa valiosas a un precio razonable. [34]
{{cite book}}: CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace ){{cite web}}: CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace )