Arte afroamericano es un término amplio que describe el arte visual creado por afroamericanos . La variedad de arte que han creado y continúan creando a lo largo de más de dos siglos es tan variada como los propios artistas. [1] Algunos se han inspirado en las tradiciones culturales de África y otras partes del mundo. Otros se han inspirado en las formas tradicionales de arte plástico afroamericano , como la cestería , la alfarería , el acolchado , el tallado en madera y la pintura , todas las cuales a veces se clasifican como " artesanías " o " arte popular ". [2] [3]
Muchos también se han inspirado en las tradiciones artísticas europeas, así como en la experiencia personal de la vida, el trabajo y los estudios allí. [4] [5] [6] Al igual que sus colegas occidentales, muchos trabajan en estilos realista , modernista y conceptual , y todas las variaciones intermedias, incluido el movimiento expresionista abstracto local de Estados Unidos , un enfoque del arte visto en el trabajo de Howardena. Pindell , McArthur Binion y Norman Lewis , entre otros. [7]
Al igual que sus pares, los artistas afroamericanos también trabajan en una variedad de medios, que incluyen pintura, grabado, collage, ensamblaje, dibujo, escultura y más. [8] Sus temas son igualmente variados, aunque muchos también abordan, o sienten que deben abordar, cuestiones de la negritud estadounidense. [9] [10]
Meta Vaux Warrick Fuller , alguna vez conocido como el "escultor de los horrores", favoreció una mezcla de realismo conceptual y simbolismo , y se inspiró en las historias de fantasmas. [11] Tutelada por Henry Osawa Tanner , criticada por Auguste Rodin y expuesta en el Salón de 1903 , [11] [12] reconoció que la continuidad de su carrera dependía de "satisfacer las solicitudes de trabajo basado en la raza de los principales líderes negros". académicos, activistas y luminarias que controlaban el proceso de la comisión". [13] Al aceptar esa realidad, WEB Du Bois se convirtió en uno de sus patrocinadores, y se convirtió en la primera mujer afroamericana en recibir una comisión federal... por dioramas con temas de progreso para el tricentenario de Jamestown... y, más tarde, por la celebración del cincuentenario de la Proclamación de Emancipación ", pero todo tuvo un costo. [11] [12] [13]
Otro extremo lo ilustra un artista como Emory Douglas , ex ministro de cultura del Partido Pantera Negra , cuyo arte era conscientemente radical y desde entonces se ha vuelto icónico. [14] "[C]edito por popularizar el término 'cerdos' para agentes de policía corruptos", sus imágenes más conocidas eran a menudo duramente críticas de la estructura de poder existente, abiertamente violentas y, como toda iconografía política, destinadas a persuadir. [14] [15]
La escultora Edmonia Lewis , por el contrario, financió su primer viaje a Europa en 1865 vendiendo esculturas del abolicionista John Brown y Robert Gould Shaw , el coronel de la Unión que dirigió el 54.º Regimiento de Infantería de Massachusetts, de raza negra, durante la Guerra Civil . [16] Más tarde incorporaría cuestiones raciales de forma más sutil, utilizando temas modernos y símbolos antiguos en la escultura neoclásica con fines sugerentes. [5] En respuesta a un busto que Lewis había hecho de ella, su mecenas Anna Quincey Waterston escribió con admiración sobre ella: ″Es apropiado que una hija de la raza / Cuyas cadenas se están rompiendo reciba un regalo / Tan raro como un genio.″ [ dieciséis]
La nieta de esclavos , la grabadora y escultora Elizabeth Catlett también fue una activista. Aunque parte de su arte incluye símbolos de confrontación del movimiento Black Power , es mejor conocida por sus representaciones de héroes afroamericanos: MLK, Malcolm X, Harriet Tubman y mujeres maternales fuertes. [17] [18] [19] El trabajo de la escultora Augusta Savage fue igualmente edificante. En un gran encargo para la Feria Mundial de Nueva York de 1939 , Lift Every Voice and Sing , que a menudo se describe como el Himno Nacional Negro , inspiró un tema llamado Lift Every Voice and Sing , también conocido como The Harp, ya que representaba a cantantes negros como las cuerdas. del instrumento. [6]
Richard Hunt , es un escultor nacido en el lado sur de Chicago en 1935. Un tema recurrente en su obra es la integración y expresión de la historia y cultura afroamericana, a pesar de su enfoque en su propia libertad como artista para trabajar de forma abstracta o uno referencial o sugerente de sus sujetos. Descendiente de esclavos traídos a este país a través del puerto de Savannah, Georgia, Richard Hunt ha hecho singularmente la mayor contribución al arte público en los Estados Unidos; Más de 160 encargos de esculturas públicas adornan lugares destacados en 24 estados y Washington DC Cuando tenía 19 años, Richard Hunt aprendió a soldar por sí solo. Sólo dos años después, obtuvo reconocimiento nacional cuando el Museo de Arte Moderno adquirió su escultura Aracne . Otra escultura de Richard Hunt , Hero Construction , es ahora la pieza central del Instituto de Arte de Chicago . Richard Hunt ha realizado más de 150 exposiciones individuales y está representado en más de 100 museos públicos. [20]
La pintora Faith Ringgold , conocida por su arte politizado, ha sido descrita por tener un "hermoso golpe en el estómago". [21] Su serie The American People #20: Die , que representa un enfrentamiento sangriento entre figuras cubistas en blanco y negro, se colgó frente a Les Demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso en el recientemente renovado MOMA en 2019, para iniciar mejor una conversación entre los "fuerza salvaje" de sus respectivas composiciones. [21] [22] [23] El artista conceptual Fred Wilson se centra en otros tipos de composición, "yuxtaponiendo elementos tremendamente anómalos, como una estatua de un esclavo y un juego de porcelana fina". Ganador de la "beca genio" MacArthur en 1999 , su trabajo fomenta "desempaquetar y cambiar las suposiciones sobre la raza y la historia que rodean a cada una". [24] [25]
Artistas narrativos como Jacob Lawrence utilizan la pintura histórica para contar una historia en imágenes, como muestra su propia Serie Migración . La epopeya de 60 paneles describe la reubicación de un millón de afroamericanos en el Norte industrializado después de la Segunda Guerra Mundial. [8] [26] Como en los casos de Kehinde Wiley [ cita necesaria ] y Amy Sherald , [27] la pintura de historia también puede implicar retratos ; en este caso, los retratos oficiales de Barack y Michelle Obama, respectivamente.
Artistas como Horace Pippen y Romare Bearden eligieron temas más comunes y se basaron en la vida contemporánea para inspirar imágenes no controvertidas. El influyente Henry Tanner también lo hizo en pinturas como La lección del banjo y Los pobres agradecidos [4] , aunque esas pinturas (como muchos de sus paisajes y escenas bíblicas) a menudo parecen iluminadas desde dentro. Tanner , el primer afroamericano en inscribirse en la prestigiosa Academia de Bellas Artes de Pensilvania en 1880, estudió con el pintor realista Thomas Eakens . [4] Se convirtió en el primer artista afroamericano en obtener reconocimiento internacional. Fue elegido miembro de la Academia Nacional de Diseño en 1910 y designado caballero honorario de la Orden de la Legión de Honor en 1923. [28]
La evidencia más temprana del arte afroamericano en los Estados Unidos es el trabajo de hábiles artesanos esclavos de Nueva Inglaterra . Dos categorías de artículos artesanales de esclavos sobreviven de la América colonial: artículos que fueron creados para uso personal de los esclavos y artículos creados para uso público. Ejemplos de entre el siglo XVII y principios del XIX incluyen: pequeños tambores, colchas, figuras de hierro forjado, cestas, vasijas de cerámica y lápidas. [29] [30]
Muchos de los artesanos esclavos más hábiles de África fueron contratados por dueños de esclavos. Con el consentimiento de sus amos, algunos artesanos esclavos también podían quedarse con un pequeño porcentaje de los salarios ganados en su tiempo libre para ahorrar suficiente dinero para comprar su libertad y la de sus familiares. [31]
Las obras de arte públicas producidas por artesanos esclavos fueron una contribución importante a la economía colonial. En Nueva Inglaterra y las colonias del Atlántico Medio, los esclavos fueron aprendices como orfebres, ebanistas, grabadores, talladores, retratistas, carpinteros, albañiles y herreros. La construcción y decoración de la Casa Janson , construida sobre el río Hudson en 1712, fue obra de afroamericanos. Muchos de los edificios más antiguos de Luisiana, Carolina del Sur y Georgia fueron construidos por artesanos esclavos. [30]
A mediados del siglo XVIII, John Bush era un tallador de cuernos de pólvora y un soldado de la milicia de Massachusetts que luchaba con los británicos en la guerra francesa e india . [32] [33] Patrick H. Reason , Joshua Johnson y Scipio Moorhead estuvieron entre los primeros retratistas conocidos, del período 1773-1887. El patrocinio de algunas familias blancas permitió la tutoría privada en casos especiales. Muchos de estos blancos patrocinadores eran abolicionistas . Los artistas recibieron más estímulo y pudieron mantenerse mejor en las ciudades, de las cuales había más en el Norte y en los estados fronterizos.
Harriet Powers (1837-1910) fue una artista popular y fabricante de colchas afroamericana de la zona rural de Georgia, Estados Unidos , nacida en la esclavitud. Ahora reconocida a nivel nacional por sus colchas , utilizó técnicas tradicionales de aplicación para registrar leyendas locales, historias bíblicas y eventos astronómicos en sus colchas. Sólo dos de sus últimas colchas han sobrevivido: Bible Quilt 1886 y Bible Quilt 1898 . Sus edredones se consideran uno de los mejores ejemplos de acolchado sureño del siglo XIX. [34] [35]
Al igual que Powers, las mujeres de Gee's Bend desarrollaron un estilo de acolchado distintivo, audaz y sofisticado basado en los edredones tradicionales estadounidenses (y afroamericanos), pero con una simplicidad geométrica. Aunque están muy separados por la geografía, tienen cualidades que recuerdan a las colchas Amish y al arte moderno . Las mujeres de Gee's Bend transmitieron sus habilidades y estética a través de al menos seis generaciones hasta el presente. [36] Hubo un tiempo en que los eruditos creían que los esclavos a veces usaban bloques de colchas para alertar a otros esclavos para escapar de los planes durante la época del Ferrocarril Subterráneo , [37] pero la mayoría de los historiadores no están de acuerdo. El acolchado sigue vivo como forma de expresión artística en la comunidad afroamericana.
Después de la Guerra Civil, se volvió cada vez más aceptable que las obras creadas por afroamericanos se exhibieran en museos, y los pintores y escultores produjeron cada vez más obras con este propósito. [38] Se trataba de obras en su mayoría de las tradiciones románticas y clásicas europeas de paisajes y retratos. Edward Mitchell Bannister , Henry Ossawa Tanner y Edmonia Lewis son los más notables de este período. Otros incluyen a Meta Vaux Warrick Fuller , una artista que, como Edmonia Lewis, era escultora, así como Grafton Tyler Brown y Nelson A. Primus . [13] [11] [39]
El objetivo de un reconocimiento generalizado más allá de las fronteras raciales se facilitó primero en las grandes ciudades de Estados Unidos, incluidas Filadelfia , Boston , Chicago , Nueva York y Nueva Orleans . Sin embargo, incluso en estos lugares existían limitaciones discriminatorias . En el extranjero, sin embargo, los afroamericanos fueron mucho mejor recibidos. En Europa –especialmente en París, Francia– estos artistas tenían más libertad para experimentar con técnicas ajenas al arte occidental tradicional. La libertad de expresión prevalecía mucho más en París y, en menor medida, en Munich y Roma . [ cita necesaria ]
El Renacimiento de Harlem se refiere a un enorme florecimiento del arte afroamericano de todo tipo, incluido el arte visual. Ideas que ya estaban muy difundidas en otras partes del mundo en ese momento habían comenzado a difundirse en las comunidades artísticas estadounidenses durante la década de 1920. Los artistas notables en este período incluyeron a Richmond Barthé , Aaron Douglas , Lawrence Harris , Palmer Hayden , William H. Johnson , Sargent Johnson , John T. Biggers , Earle Wilton Richardson , Malvin Gray Johnson , Archibald Motley , Augusta Savage , Hale Woodruff y el fotógrafo James. Van Der Zee . [ cita necesaria ]
William E. Harmon, mecenas y aficionado al arte, estableció la Fundación Harmon en 1922, que sirvió como mecenas a gran escala del arte afroamericano hasta 1967, generando interés y reconocimiento para artistas que de otro modo habrían permanecido desconocidos. . El Premio Harmon y la "Exposición anual de la obra de artistas negros" contribuyeron aún más al apoyo, al igual que el Premio de la Fundación William E. Harmon por logros distinguidos entre los negros , que, aunque no se limitó a artistas visuales, se otorgó a varios de ellos. incluidos Hale Woodruff , Palmer Hayden y Archibald Motley . En 1929, la financiación terminó temporalmente como resultado de la Gran Depresión , sólo para reanudar el montaje de exposiciones y ofrecer financiación una vez que la economía revivió a artistas como Jacob Lawrence , Laura Wheeler Waring y otros. [ cita necesaria ]
En 1933, el Proyecto de Obras Públicas de Arte del Departamento del Tesoro de Estados Unidos intentaba brindar apoyo a los artistas en 1933, pero sus esfuerzos resultaron ineficaces. El presidente Franklin D. Roosevelt creó la Works Progress Administration (WPA) en 1935, y ese programa logró brindar a todos los artistas estadounidenses, y especialmente a los artistas afroamericanos, un medio para ganarse la vida en una economía devastada. A mediados de la década de 1930, más de 250.000 afroamericanos estaban involucrados con la WPA, [40] entre ellos Jacob Lawrence , Gwendolyn Knight , el escultor William Artis ; el pintor e ilustrador de libros infantiles Ernest Crichlow , el dibujante e ilustrador Elton C. Fax , el fotógrafo Marvin Smith , Dox Thrash , que inventó el método de grabado con carborundo Mezzotint , las pintoras Georgette Seabrooke y Elba Lightfoot , más conocidas por sus murales del Harlem Hospital; el grabador de Chicago Eldzier Cortor ; y el renombrado artista Adrian Troy, radicado en Illinois, y muchos otros. [40] Muchos de estos artistas se sintieron atraídos por el movimiento de entreguerras conocido como Realismo Social , que reflejaba las opiniones políticas y socioeconómicas de una generación que había sido reclutada en la Primera Guerra Mundial, solo para bailar durante la rugiente década de 1920 y estrellarse en la Gran Depresión.
Entre las ciudades importantes con importantes poblaciones negras e importantes círculos artísticos afroamericanos se encontraban Filadelfia, Boston, San Francisco y Washington, DC. La WPA dio lugar a una nueva ola de importantes profesores de arte negro. Las técnicas mixtas, el arte abstracto, el cubismo y el realismo social se volvieron no sólo aceptables sino también deseables. Los artistas de la WPA se unieron para formar el Gremio de Artistas de Harlem en 1935 , que desarrolló instalaciones artísticas comunitarias en las principales ciudades. Las principales formas de arte incluyeron el dibujo, la escultura, el grabado, la pintura, la alfarería, el acolchado, el tejido y la fotografía. En 1939, sin embargo, la costosa WPA y todos sus proyectos fueron cancelados. [ cita necesaria ] En 1943, James A. Porter , profesor del Departamento de Arte de la Universidad de Howard , escribió el primer texto importante sobre el arte y los artistas afroamericanos, Modern Negro Art . [ cita necesaria ]
En las décadas de 1950 y 1960, pocos artistas afroamericanos eran ampliamente conocidos o aceptados. A pesar de esto, los Highwaymen , una asociación informal de 26 artistas afroamericanos de Fort Pierce , Florida , crearon imágenes idílicas y rápidamente realizadas del paisaje de Florida y vendieron unas 200.000 de ellas desde los maleteros de sus coches. En las décadas de 1950 y 1960, era imposible encontrar galerías interesadas en vender obras de arte de un grupo de afroamericanos desconocidos y autodidactas, [41] por lo que vendían su arte directamente al público en lugar de hacerlo a través de galerías y agentes de arte. Redescubiertos a mediados de la década de 1990, hoy en día se los reconoce como una parte importante de la historia popular estadounidense, [42] [43] y el precio de mercado actual de una pintura original de Highwaymen puede generar fácilmente miles de dólares. En 2004, el grupo original de 26 personas fue incluido en el Salón de la Fama de los Artistas de Florida . [44] Actualmente ocho de los 26 han fallecido, incluidos A. Hair, H. Newton, Ellis y George Buckner, A. Moran, L. Roberts, Hezekiah Baker y, más recientemente, Johnny Daniels. La lista completa de 26 se puede encontrar en el Salón de la Fama de los Artistas de Florida, así como en varios bandoleros y sitios web de arte de Florida.
Después de la Segunda Guerra Mundial , algunos artistas adoptaron un enfoque global, trabajando y exponiendo en el extranjero, en París, y a medida que avanzaba la década, se trasladaron gradualmente a otras ciudades acogedoras como Copenhague, Ámsterdam y Estocolmo: Barbara Chase-Riboud , Edward Clark. , Harvey Cropper , Beauford Delaney , Herbert Gentry , [45] Bill Hutson , Clifford Jackson, [46] Sam Middleton , [47] Larry Potter, Haywood Bill Rivers, Merton Simpson y Walter Williams. [48] [49]
Algunos artistas afroamericanos llegaron a importantes galerías de Nueva York en las décadas de 1950 y 1960: Horace Pippin , Romare Bearden , Jacob Lawrence , Richard Hunt , William T. Williams , Norman Lewis , Thomas Sills , [50] y Sam Gilliam estaban entre los pocos que habían sido recibidos con éxito en una galería. Richard Hunt fue el primer artista visual afroamericano en formar parte del Consejo Nacional de las Artes , designado por el presidente Lyndon B. Johnson en 1968. Hunt fue el cuarto afroamericano en el consejo, después de Marian Anderson , Ralph Ellison y Duke Ellington . En 1971, Richard Hunt fue el primer escultor afroamericano en tener una gran retrospectiva individual en el Museo de Arte Moderno .
El Movimiento por los Derechos Civiles de las décadas de 1960 y 1970 llevó a los artistas a capturar y expresar los tiempos cambiantes. Se desarrollaron galerías y centros de arte comunitarios con el propósito de exhibir arte afroamericano, y se crearon puestos docentes universitarios por y para artistas afroamericanos. Algunas mujeres afroamericanas también participaron activamente en el movimiento artístico feminista en la década de 1970. Faith Ringgold realizó trabajos que presentaban temas femeninos negros y que abordaban la conjunción del racismo y el sexismo en los EE. UU., mientras que el colectivo Where We At (WWA) realizó exposiciones que presentaban exclusivamente obras de arte de mujeres afroamericanas. [51]
En las décadas de 1980 y 1990, el graffiti hip-hop comenzó a predominar en las comunidades urbanas. La mayoría de las ciudades importantes habían desarrollado museos dedicados a artistas afroamericanos. El Fondo Nacional de las Artes brindó un apoyo cada vez mayor a estos artistas. [ cita necesaria ]
Kara Walker , artista estadounidense contemporánea, es conocida por su exploración de la raza, el género, la sexualidad, la violencia y la identidad en sus obras de arte. Las imágenes de siluetas de Walker sirven para unir el folclore inacabado en el sur anterior a la guerra y recuerdan el trabajo anterior de Harriet Powers . Sus imágenes de pesadilla pero fantásticas incorporan una sensación cinematográfica. En 2007, Walker fue incluido entre las "100 personas, artistas y animadores más influyentes del mundo" de la revista Time . [52] Los artistas textiles son parte de la historia del arte afroamericano. Según la encuesta de la industria Quilting in America de 2010, hay 1,6 millones de quilters en los Estados Unidos. [53] Una organización histórica sin fines de lucro con varios miembros que son quilters y artistas de fibras es Women of Visions, Inc. ubicada en Pittsburgh, Pensilvania, en el Centro de las Artes de Pittsburgh . Los artistas pasados y presentes de WOV Inc trabajan en una variedad de medios. Entre quienes han mostrado internacionalmente se encuentran Renee Stout y Tina Williams Brewer .
Entre los artistas contemporáneos influyentes se incluyen Larry D. Alexander , Laylah Ali , Amalia Amaki , Emma Amos , Jean-Michel Basquiat , Dawoud Bey , Camille Billops , Mark Bradford , Edward Clark , Willie Cole , Robert Colescott , Louis Delsarte , David Driskell , Leonardo Drew , Mel Edwards , Ricardo Francis, Charles Gaines , Ellen Gallagher , Herbert Gentry , Sam Gilliam , David Hammons , Jerry Harris , Joseph Holston , Richard Hunt , Martha Jackson-Jarvis , Katie S. Mallory, M. Scott Johnson, Rashid Johnson , Joe Lewis , Glenn Ligon , James Little, Edward L. Loper Sr. , Alvin D. Loving , Kerry James Marshall , Eugene J. Martin , Richard Mayhew , Sam Middleton , Howard McCalebb , Charles McGill, Thaddeus Mosley , Sana Musasama , Senga Nengudi, Joe Overstreet , Martin Puryear , Adrian Piper , Howardena Pindell , Faith Ringgold , Gale Fulton Ross , Alison Saar , Betye Saar , John Solomon Sandridge , Raymond Saunders , John T. Scott , Joyce Scott , Gary Simmons , Lorna Simpson , Renee Stout , Kara Walker , Carrie Mae Weems , Stanley Whitney, William T. Williams , Jack Whitten , Fred Wilson , Richard Wyatt Jr. , Richard Yarde y Purvis Young , Kehinde Wiley , Mickalene Thomas , Barkley Hendricks , Jeff Sonhouse , William Walker , Ellsworth Ausby, Che Baraka , Emmett Wigglesworth , Otto Neals ,Dindga McCannon , Terry Dixon (artista) , Frederick J. Brown y muchos otros. [ cita necesaria ]
(La selección estaba limitada por la disponibilidad).
(La selección estaba limitada por la disponibilidad).
(La selección estaba limitada por la disponibilidad).
(La selección estaba limitada por la disponibilidad).
(La selección estaba limitada por la disponibilidad).
Muchos museos estadounidenses albergan obras de artistas afroamericanos, incluido el Smithsonian American Art Museum [54]. Los colegios y universidades con colecciones importantes incluyen la Universidad Fisk , el Spelman College y la Universidad Howard . [55] Otras colecciones importantes de arte afroamericano incluyen la Colección Walter O. Evans de Arte Afroamericano , las colecciones Paul R. Jones de la Universidad de Delaware y la Universidad de Alabama , la colección de arte del Centro David C. Driskell , la Colección Harmon y Harriet Kelley de Arte Afroamericano, el Centro Schomburg para la Investigación de la Cultura Negra , el Museo Studio en Harlem y la colección Mott-Warsh.
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