La música electrónica de baile (EDM), [1] también conocida como música de club , es una amplia gama de géneros de música electrónica de percusión creados originalmente para clubes nocturnos , raves y festivales . Generalmente, se produce para su reproducción por DJ que crean selecciones perfectas de pistas, llamadas mezclas de DJ , al pasar de una grabación a otra. [2] Los productores de EDM también interpretan su música en vivo en un concierto o festival en lo que a veces se llama un PA en vivo . Desde sus inicios, la EDM se ha expandido para incluir una amplia gama de subgéneros.
A finales de los años 1980 y principios de los 1990, tras el surgimiento del raving , la radio pirata , los grupos de fiesta , los festivales underground y un aumento del interés por la cultura de club , la EDM alcanzó una popularidad generalizada en Europa. Sin embargo, la cultura rave no era tan popular en los Estados Unidos; no se veía típicamente fuera de las escenas regionales de la ciudad de Nueva York, Florida, el Medio Oeste y California. Aunque los géneros pioneros del electro , el house de Chicago y el techno de Detroit fueron influyentes tanto en Europa como en los Estados Unidos, los principales medios de comunicación y la industria discográfica en los Estados Unidos siguieron siendo abiertamente hostiles a ellos hasta la década de 1990 y más allá. También hubo una asociación percibida entre la EDM y la cultura de las drogas , lo que llevó a los gobiernos a nivel estatal y municipal a promulgar leyes y políticas destinadas a detener la propagación de la cultura rave. [3]
Posteriormente, en el nuevo milenio, la popularidad de la EDM aumentó a nivel mundial, particularmente en Estados Unidos y Australia. A principios de la década de 2010, el término "música electrónica de baile" y las siglas "EDM" estaban siendo impulsadas por la industria musical estadounidense y la prensa musical en un esfuerzo por cambiar la marca de la cultura rave estadounidense . [3] A pesar del intento de la industria de crear una marca EDM específica, el acrónimo sigue utilizándose como un término general para múltiples géneros, incluidos dance-pop , house , techno , electro y trance , así como sus respectivos subgéneros, que son anteriores al acrónimo. [4] [5] [6]
En los últimos 40 años han surgido diversos géneros de EDM, como por ejemplo el house , el techno , el drum and bass , el dance-pop , etc. La variación estilística dentro de un género de EDM establecido puede dar lugar al surgimiento de lo que se denomina un subgénero . La hibridación, en la que se combinan elementos de dos o más géneros, puede dar lugar al surgimiento de un género de EDM completamente nuevo. [4]
A finales de los años 1960, bandas como Silver Apples crearon música electrónica pensada para bailar. [7] Otros ejemplos tempranos de música que influyeron en la música electrónica de baile posterior incluyen la música dub jamaiquina de finales de los años 1960 y 1970, [6] la música disco basada en sintetizadores del productor italiano Giorgio Moroder de finales de los años 1970 y el electropop de Kraftwerk y Yellow Magic Orchestra de mediados y finales de los años 1970. [5]
El autor Michael Veal considera que la música dub , una música jamaiquina derivada del roots reggae y la cultura del sound system que floreció entre 1968 y 1985, es uno de los precursores importantes de la música electrónica de baile contemporánea. [8] Las producciones dub eran pistas de reggae remezcladas que enfatizaban el ritmo, elementos líricos y melódicos fragmentados y texturas reverberantes. [9] La música fue creada por ingenieros de estudio, como Sylvan Morris, King Tubby , Errol Thompson , Lee "Scratch" Perry y Scientist . [8] Sus producciones incluían formas de edición de cinta y procesamiento de sonido que Veal considera comparables a las técnicas utilizadas en la música concreta . Los productores de dub hicieron deconstrucciones improvisadas de mezclas de reggae multipista existentes utilizando la mesa de mezclas de estudio como instrumento de interpretación. También destacaron efectos espaciales como la reverberación y el retardo mediante el uso creativo de rutas de envío auxiliares . [8] El Roland Space Echo , fabricado por Roland Corporation , fue ampliamente utilizado por los productores de dub en la década de 1970 para producir efectos de eco y retardo. [10]
A pesar del limitado equipamiento electrónico disponible para los pioneros del dub como King Tubby y Lee "Scratch" Perry, sus experimentos en la cultura del remix fueron musicalmente de vanguardia. [11] El dub ambient fue iniciado por King Tubby y otros artistas sonoros jamaicanos, utilizando electrónica ambiental inspirada en los DJ , completa con drop-outs, eco, ecualización y efectos electrónicos psicodélicos . Presentaba técnicas de capas e incorporaba elementos de música del mundo , líneas de bajo profundas y sonidos armónicos. [12] También se utilizaron técnicas como un retardo de eco largo. [13]
La música hip hop ha tenido cierta influencia en el desarrollo de la música electrónica de baile desde la década de 1970. [14] Inspirado por la cultura del sound system jamaiquino, el DJ jamaiquino-estadounidense Kool Herc introdujo grandes equipos de altavoces con graves intensos en el Bronx . [15] Se atribuye a sus fiestas el inicio del movimiento hip-hop de la ciudad de Nueva York en 1973. [15] Una técnica desarrollada por DJ Kool Herc que se hizo popular en la cultura hip hop fue reproducir dos copias del mismo disco en dos tocadiscos, de forma alternada, y en el punto en el que una pista presentaba un break . Esta técnica se utilizó además para hacer un bucle manual de un break puramente percusivo , lo que dio lugar a lo que más tarde se denominó un break beat . [16]
El turntablismo tiene sus orígenes en la invención del plato giratorio de accionamiento directo , [17] por Shuichi Obata, un ingeniero de Matsushita (ahora Panasonic ). [18] En 1969, Matsushita lo lanzó como SP-10 , [19] el primer plato giratorio de accionamiento directo en el mercado, [20] y el primero en su influyente serie de platos giratorios Technics . [19] El plato giratorio más influyente fue el Technics SL-1200 , [21] que fue desarrollado en 1971 por un equipo dirigido por Shuichi Obata en Matsushita, que luego lo lanzó al mercado en 1972. [17] En las décadas de 1980 y 1990, los DJ de hip-hop utilizaron platos giratorios como instrumentos musicales por derecho propio y el uso virtuoso se convirtió en una práctica creativa llamada turntablismo. [21]
En 1974, el primer éxito disco de George McCrae , " Rock Your Baby ", fue uno de los primeros discos en utilizar una caja de ritmos , [22] una de las primeras máquinas de ritmo Roland . [23] El uso de cajas de ritmos en la producción disco estuvo influenciado por " Family Affair " (1971) de Sly and the Family Stone , con su ritmo reflejado en "Rock Your Baby" de McCrae, [24] y " Why Can't We Live Together " de Timmy Thomas (1972). [25] [23] [24] El productor disco Biddu utilizó sintetizadores en varias canciones disco de 1976 a 1977, incluyendo "Bionic Boogie" de Rain Forest (1976), [26] "Soul Coaxing" (1977), [27] y Eastern Man and Futuristic Journey [28] [29] (grabadas de 1976 a 1977). [30]
Artistas como Donna Summer , Chic , Earth, Wind, and Fire , Heatwave y Village People ayudaron a definir el sonido disco de finales de los años 1970. Giorgio Moroder y Pete Bellotte produjeron " I Feel Love " para Donna Summer en 1977. Se convirtió en el primer éxito disco conocido en tener una pista de acompañamiento completamente sintetizada. Otros productores disco, el más famoso de ellos el productor estadounidense Tom Moulton , tomaron ideas y técnicas de la música dub (que llegó con el aumento de la migración jamaiquina a la ciudad de Nueva York en los años 1970) para proporcionar alternativas al estilo four-on-the-floor que dominaba. [31] [32] A principios de los años 1980, la popularidad de la música disco disminuyó drásticamente en los Estados Unidos, abandonada por los principales sellos discográficos y productores estadounidenses. El euro disco continuó evolucionando dentro de la amplia escena de la música pop convencional. [33]
Synth-pop (abreviatura de synthesert pop ; [34] también llamado techno-pop [35] [36] ) es un género musical que se hizo prominente por primera vez a fines de la década de 1970 y presenta al sintetizador como el instrumento musical dominante. [37] Fue prefigurado en la década de 1960 y principios de la de 1970 por el uso de sintetizadores en el rock progresivo , la electrónica , el art rock y la música disco .
Los pioneros del synth-pop incluyeron al grupo japonés Yellow Magic Orchestra y a las bandas británicas Ultravox , Human League y Berlin Blondes [ cita requerida ] . Human League utilizó sintetizadores monofónicos para producir música con un sonido simple y austero. Después del avance de Gary Numan en la lista de singles del Reino Unido en 1979, un gran número de artistas comenzaron a disfrutar del éxito con un sonido basado en sintetizadores a principios de la década de 1980, incluidos debutantes de finales de la década de 1970 como Japan y Orchestral Manoeuvres in the Dark , y recién llegados como Depeche Mode y Eurythmics . En Japón, el éxito de Yellow Magic Orchestra abrió el camino para bandas de synth-pop como P-Model , Plastics y Hikashu . El desarrollo de sintetizadores polifónicos económicos , la definición de MIDI y el uso de ritmos de baile llevaron a un sonido más comercial y accesible para el synth-pop. Esto, su adopción por parte de los actos conscientes del estilo del movimiento Nuevo Romanticismo , junto con el auge de MTV , condujo al éxito de un gran número de actos de synth-pop británicos (incluidos Duran Duran y Spandau Ballet ) en los Estados Unidos.
El uso del sampling digital y looping en la música popular fue iniciado por la banda japonesa de música electrónica Yellow Magic Orchestra (YMO). [38] [39] [40] [41] Su enfoque del sampling fue un precursor del enfoque contemporáneo de construir música cortando fragmentos de sonidos y loopeándolos usando tecnología informática. [40] " Computer Game/Firecracker " (1978) interpoló una melodía de Martin Denny , [42] y sampleó sonidos del videojuego Space Invaders [43] . [42] Technodelic (1981) introdujo el uso del sampling digital en la música popular, como el primer álbum que consistía principalmente en samples y loops . [39] [41] El álbum fue producido usando el sampler PCM digital LMD-649 de Toshiba-EMI , que el ingeniero Kenji Murata construyó a medida para YMO. [41] [ Se necesita una mejor fuente ] El LMD-649 también fue utilizado para el muestreo por otros artistas de synthpop japoneses a principios de los años 1980, incluidos artistas asociados a YMO como Chiemi Manabe [44] y Logic System . [45]
El surgimiento de la música electrónica de baile en la década de 1980 estuvo determinado por el desarrollo de varios instrumentos musicales electrónicos nuevos , en particular los de la japonesa Roland Corporation . El Roland TR-808 (a menudo abreviado como "808") jugó un papel importante en la evolución de la música de baile, [46] después de que " Planet Rock " (1982) de Afrika Bambaataa lo hiciera muy popular en las pistas de baile. [47] La pista, que también presentaba la línea melódica de Riot In Lagos (1980) de Ryuichi Sakamoto, informó el desarrollo de la música electrónica de baile, [48] y subgéneros como el Miami bass y el Detroit techno , y popularizó el 808 como un "elemento fundamental del sonido futurista". [49] Según Slate , "Planet Rock" "no puso al 808 en el mapa, sino que reorientó todo un mundo de música de baile post-disco en torno a él". [50] Los Roland TR-909 , TB-303 y Juno-60 influyeron de manera similar en la música electrónica de baile, como el techno , el house y el acid . [51] [52] [53]
Durante la era post-disco que siguió a la reacción contra la " disco " que comenzó a mediados y fines de 1979, que en los Estados Unidos condujo a disturbios civiles y un motín en Chicago conocido como Disco Demolition Night , [13] un movimiento underground de música inspirada en la discoteca "despojada" que presentaba "sonidos radicalmente diferentes" [14] comenzó a surgir en la Costa Este . [15] [Nota 1] Esta nueva escena se vio principalmente en el área metropolitana de Nueva York y fue liderada inicialmente por los artistas urbanos contemporáneos que respondían a la sobrecomercialización y posterior desaparición de la cultura disco. El sonido que surgió se originó a partir del P-Funk [18] el lado electrónico de la discoteca , la música dub y otros géneros. Gran parte de la música producida durante este tiempo estaba, como la discoteca, dirigida a un mercado impulsado por los sencillos . [14] En este momento, el control creativo comenzó a trasladarse a compañías discográficas independientes, productores menos establecidos y DJ de clubes. [14] Otros estilos de baile que comenzaron a hacerse populares durante la era post-disco incluyen dance-pop , [19] [20] boogie , [14] electro , Hi-NRG , Italo disco , house , [19] [21] [22] [23] y techno . [22] [24] [25] [26] [27]
A principios de la década de 1980, el electro (abreviatura de "electro-funk") surgió como una fusión de synth-pop , funk y boogie . También llamado electro-funk o electro-boogie, pero más tarde abreviado como electro, los pioneros citados incluyen a Ryuichi Sakamoto , Afrika Bambaataa , [54] Zapp , [55] D.Train , [56] y Sinnamon . [56] El hip hop y el rap tempranos combinaron influencias del electropop europeo blanco como Giorgio Moroder, Dan Lacksman (Telex) y Yellow Magic Orchestra inspiraron el nacimiento del electro. [57] A medida que se desarrolló el sonido electrónico, instrumentos como el bajo y la batería fueron reemplazados por sintetizadores y, más notablemente, por las icónicas cajas de ritmos , en particular la Roland TR-808 y la Yamaha DX7 . [58] Los primeros usos del TR-808 incluyen varias pistas de Yellow Magic Orchestra en 1980-1981, la pista de 1982 " Planet Rock " de Afrika Bambaataa y la canción de 1982 " Sexual Healing " de Marvin Gaye . [59] En 1982, el productor Arthur Baker , con Afrika Bambaataa , lanzó el seminal " Planet Rock ", que fue influenciado por Yellow Magic Orchestra (Ryuichi Sakamoto - Riot In Lagos 1980) y tenía ritmos de batería proporcionados por el TR-808. Planet Rock fue seguido más tarde ese año por otro disco de electro innovador, " Nunk " de Warp 9. En 1983, Hashim creó un sonido electro-funk con "Al-Naafyish (The Soul)" [54] que influyó en Herbie Hancock , lo que resultó en su exitoso sencillo " Rockit " el mismo año. Los primeros años de la década de 1980 fueron el pico de la corriente principal del electro. Según el autor Steve Taylor, [60] Planet Rock de Afrika Bambaataa sirve como "modelo para toda la música de baile interesante desde entonces". [60]
A principios de los años 1980, los locutores de radio de Chicago The Hot Mix 5 y los DJ de club Ron Hardy y Frankie Knuckles tocaron varios estilos de música de baile, incluidos discos de disco antiguos (en su mayoría pistas de Philly disco y Salsoul [61] ), Italo Disco, pistas de electro funk de artistas como Afrika Bambaataa , [62] Italo Disco más nuevo , música hip hop B-Boy de Man Parrish , Jellybean Benitez , Arthur Baker y John Robie , y música pop electrónica de Giorgio Moroder y Yellow Magic Orchestra . Algunos hicieron y tocaron sus propias ediciones de sus canciones favoritas en cintas de carrete a carrete, y a veces mezclaron efectos, cajas de ritmos y otra instrumentación electrónica rítmica. La hipnótica canción electrónica de baile "On and On", producida en 1984 por el DJ de Chicago Jesse Saunders y coescrita por Vince Lawrence , tenía elementos que se convirtieron en elementos básicos del sonido house temprano, como el sintetizador de bajo Roland TB-303 y voces mínimas, así como una caja de ritmos Roland (específicamente TR-808 ) y un sintetizador Korg (específicamente Poly-61 ) .
"On and On" se cita a veces como el "primer disco de house", [63] [64] aunque también se han citado otros ejemplos de esa época, como " Music is the Key " (1985) de JM Silk . [65] La música house se extendió rápidamente a ciudades estadounidenses, incluidas Nueva York, Newark y Detroit, todas las cuales desarrollaron sus propias escenas regionales. A mediados y finales de la década de 1980, la música house se hizo popular en Europa, así como en las principales ciudades de América del Sur y Australia. [66] Chicago House experimentó cierto éxito comercial en Europa con lanzamientos como "House Nation" de House Master Boyz and the Rude Boy of House (1987). Después de esto, una serie de lanzamientos inspirados en el house como " Pump Up The Volume " de M|A|R|R|S (1987), " Theme from S'Express " de S'Express (1988) y " Doctorin' the House " de Coldcut (1988) entraron en las listas de éxitos del pop.
La instrumentación electrónica y los arreglos mínimos de Synthesizing: Ten Ragas to a Disco Beat (1982) de Charanjit Singh , un álbum de ragas indios interpretados en estilo disco, anticipó los sonidos de la música acid house , pero no se sabe que haya tenido alguna influencia en el género antes del redescubrimiento del álbum en el siglo XXI. [67] [68] [69]
En la década de 1980, los DJ de Detroit Juan Atkins , Derrick May y Kevin Saunderson sentaron las bases de un nuevo estilo de música que se llamaría techno. Fusionaron la electrónica con influencias del house de Chicago y los sonidos funk con influencias de Detroit (incluido Motown) con las vibraciones mecánicas de la ciudad postindustrial, creando el sonido techno de ritmo de cuatro por cuatro impulsado por un bombo en las negras y una caja o un charles en las segundas, cuartas o corcheas notas.
A mediados de la década de 1980, la música house prosperó en la pequeña isla balear de Ibiza, España . El sonido balear era el espíritu de la música que emergía de la isla en ese momento; la combinación de viejos discos de vinilo rock, pop, reggae y disco junto con una actitud de "todo vale" hicieron de Ibiza un centro de experimentación musical inducida por drogas. [70] Un club llamado Amnesia, cuyo DJ residente, Alfredo Fiorito , fue pionero del house balear , era el centro de la escena. [71] Amnesia se hizo conocido en toda Europa y, a mediados y fines de la década de 1980, atraía a personas de todo el continente. [72]
En 1988, la música house se había convertido en la forma más popular de música de club en Europa, y el acid house se desarrolló como una tendencia notable en el Reino Unido y Alemania en el mismo año. [73] En el Reino Unido, una subcultura de fiesta de almacén establecida , centrada en la escena del sound system afrocaribeño británico, impulsó las after-parties underground que presentaban exclusivamente música de baile. También en 1988, el ambiente de fiesta balear asociado con el DJ Alfredo de Ibiza se trasladó a Londres, cuando Danny Rampling y Paul Oakenfold abrieron los clubes Shoom y Spectrum, respectivamente. Ambos lugares se convirtieron en sinónimos de acid house, y fue durante este período que el MDMA ganó prominencia como droga de fiesta. Otros clubes importantes del Reino Unido incluyeron Back to Basics en Leeds , Leadmill y Music Factory de Sheffield y The Haçienda en Manchester, donde el local de Mike Pickering y Graeme Park, Nude, fue un importante campo de pruebas para la música de baile underground estadounidense . [Nota 1] [74] El éxito del house y el acid house allanó el camino para el Detroit Techno , un estilo que inicialmente fue apoyado por un puñado de clubes de música house en Chicago, Nueva York y el norte de Inglaterra, y que los clubes de Detroit se pusieron al día más tarde. [75] El término Techno comenzó a usarse después del lanzamiento de una compilación de 10 Records/Virgin Records titulada Techno: The Dance Sound of Detroit en 1988. [76]
Una de las primeras producciones de Detroit en recibir una mayor atención fue " Strings of Life " (1987) de Derrick May, que, junto con el lanzamiento anterior de May, "Nude Photo" (1987), ayudó a elevar el perfil del techno en Europa, especialmente en el Reino Unido y Alemania, durante el auge de la música house de 1987-1988 (ver Second Summer of Love ). [77] Se convirtió en la canción más conocida de May, que, según Frankie Knuckles, "simplemente explotó. Era como algo que no puedes imaginar, el tipo de poder y energía que la gente obtuvo de ese disco cuando se escuchó por primera vez. Mike Dunn dice que no tiene idea de cómo la gente puede aceptar un disco que no tiene una línea de bajo". [78] Según el DJ británico Mark Moore , "Strings of Life" llevó a los asistentes a los clubes de Londres a aceptar el house: "porque la mayoría de la gente odiaba la música house y todo era rare groove y hip hop... Tocaba 'Strings of Life' en el Mudd Club y despejaba el piso". [79] [Nota 2] A finales de los años 1980, el interés por el house, el acid house y el techno aumentó en la escena de los clubes y los aficionados a los clubes, que se enfrentaban a un horario de cierre a las 2 de la madrugada en el Reino Unido, empezaron a buscar refugio fuera de horario en fiestas que duraban toda la noche en almacenes. En menos de un año, en el verano de 1989, hasta 25.000 personas asistían a fiestas clandestinas organizadas comercialmente llamadas raves. [1]
El trance surgió de la escena rave en el Reino Unido a fines de la década de 1980 y se desarrolló aún más durante la década de 1990 en Alemania antes de extenderse por el resto de Europa, como una rama más melódica del techno y el house. [ cita requerida ] Al mismo tiempo que la música trance se desarrollaba en Europa, el género también estaba ganando seguidores en el estado indio de Goa . [81] El trance es principalmente instrumental , aunque se pueden mezclar voces: por lo general, las interpretan solistas femeninas mezzosoprano a soprano, a menudo sin una estructura tradicional de verso/estribillo. La forma vocal estructurada en la música trance forma la base del subgénero trance vocal , que se ha descrito como "grandioso, altísimo y operístico" y "líderes femeninas etéreas flotando entre los sintetizadores". [82] [83] La música trance se divide en varios subgéneros que incluyen acid trance , trance clásico, hard trance , trance progresivo , [84] y trance edificante . [84] [ cita requerida ] El trance uplifting también se conoce como "trance himno", "trance épico", [84] "trance comercial", "trance de estadio" o "trance eufórico", [85] y ha sido fuertemente influenciado por la música clásica en los años 1990 [84] y 2000 por artistas líderes como Ferry Corsten , Armin Van Buuren , Tiësto , Push , Rank 1 y en la actualidad con el desarrollo del subgénero "trance uplifting orquestal" o "trance uplifting con orquesta sinfónica" por artistas como Andy Blueman , Ciro Visone, Soundlift, Arctic Moon, Sergey Nevone y Simon O'Shine, etc. Estrechamente relacionado con el trance uplifting está el euro-trance , que se ha convertido en un término general para una amplia variedad de música de baile europea altamente comercializada. Varios subgéneros son cruces con otros géneros principales de música electrónica. Por ejemplo, el Tech trance es una mezcla de trance y techno, y el Vocal trance "combina los elementos progresivos [del trance] con la música pop". [84] El género dream trance se originó a mediados de la década de 1990, y su popularidad fue liderada entonces por Robert Miles .
AllMusic afirma lo siguiente sobre el trance progresivo: "El ala progresiva de la multitud del trance condujo directamente a un sonido más comercial, orientado a las listas de éxitos, ya que el trance nunca había disfrutado de mucha acción en las listas de éxitos en primer lugar. Haciendo hincapié en el sonido más suave del eurodance o el house (y ocasionalmente recordando más a Jean-Michel Jarre que a Basement Jaxx ), el trance progresivo se convirtió en el sonido de las pistas de baile del mundo a finales del milenio. Los críticos ridiculizaron su enfoque en las rupturas predecibles y la relativa falta de habilidad para mezclar los ritmos, pero el trance progresivo fue azotado por el DJ más popular". [86]
A principios de los años 1990, se desarrolló un estilo musical dentro de la escena rave que tenía una identidad distinta del house y el techno estadounidenses. Esta música, al igual que el hip-hop anterior, combinaba ritmos sincopados sampleados o breakbeats, otros samples de una amplia gama de géneros musicales diferentes y, ocasionalmente, samples de música, diálogos y efectos de películas y programas de televisión. En relación con los estilos anteriores de música de baile, como el house y el techno, la llamada "música rave" tendía a enfatizar los sonidos graves y utilizar tempos más rápidos, o beats por minuto (BPM). Este subgénero se conocía como rave "hardcore", pero desde 1991, algunas pistas musicales compuestas por estos breakbeats de alto ritmo, con líneas de bajo pesadas y samples de música jamaiquina más antigua, se denominaron "jungle techno ", un género influenciado por Jack Smooth y Basement Records, y más tarde simplemente "jungle", que se reconoció como un género musical independiente popular en las raves y en la radio pirata en Gran Bretaña. Es importante tener en cuenta al hablar de la historia del drum & bass que antes del jungle, la música rave era cada vez más rápida y experimental.
En 1994, el jungle había comenzado a ganar popularidad en el mainstream, y los fans de la música (a menudo denominados junglists ) se convirtieron en una parte más reconocible de la subcultura juvenil. El género se desarrolló aún más, incorporando y fusionando elementos de una amplia gama de géneros musicales existentes, incluyendo el sonido raggamuffin , dancehall , cánticos de MC , líneas de bajo dub y una percusión breakbeat cada vez más compleja y muy editada. A pesar de la afiliación con la escena rave impulsada por el éxtasis, Jungle también heredó algunas asociaciones con la violencia y la actividad criminal, tanto de la cultura de pandillas que había afectado a la escena hip-hop del Reino Unido como como consecuencia del sonido a menudo agresivo o amenazante del jungle y los temas de violencia (generalmente reflejados en la elección de samples). Sin embargo, esto se desarrolló a la par de la reputación a menudo positiva de la música como parte de la escena rave más amplia y la cultura musical jamaiquina basada en el dance hall que prevalece en Londres. En 1995, ya sea como reacción a este cisma cultural o independientemente de él, algunos productores de jungle comenzaron a alejarse del estilo influenciado por el ragga y a crear lo que se denominaría colectivamente, por conveniencia, drum and bass. [87]
El dubstep es un género de música electrónica de baile que se originó en el sur de Londres a fines de la década de 1990. Generalmente se caracteriza por patrones rítmicos dispersos y sincopados con líneas de bajo que contienen frecuencias de subgraves prominentes . El estilo surgió como una rama del garage británico , basándose en un linaje de estilos relacionados como el 2-step , el dub reggae , el jungle , el broken beat y el grime . [88] [89] En el Reino Unido, los orígenes del género se remontan al crecimiento de la escena de fiesta del sound system jamaicano a principios de la década de 1980. [89] [90]
Los primeros lanzamientos conocidos de dubstep datan de 1998 y, por lo general, se presentaban como caras B de lanzamientos sencillos de 2-step garage . Estas pistas eran remezclas más oscuras y experimentales con menos énfasis en las voces e intentaban incorporar elementos de breakbeat y drum and bass al 2-step. En 2001, esta y otras cepas de música dark garage comenzaron a exhibirse y promocionarse en el club nocturno Plastic People de Londres, en la noche "Forward" (a veces estilizada como FWD>>), que pasó a considerarse influyente para el desarrollo del dubstep. El término "dubstep" en referencia a un género musical comenzó a usarse alrededor de 2002 por sellos como Big Apple, Ammunition y Tempa, momento en el que las tendencias estilísticas utilizadas en la creación de estas remezclas comenzaron a hacerse más notorias y distintas del 2-step y el grime . [91]
El electro house es una forma de música house caracterizada por una línea de bajo o bombo prominente y un tempo entre 125 y 135 pulsaciones por minuto, normalmente 128. [92] [93] [94] Sus orígenes fueron influenciados por el electro . [ cita requerida ] El término se ha utilizado para describir la música de muchos DJs del Top 100 de DJ Mag , incluidos Dimitri Vegas & Like Mike , Hardwell , Skrillex , [95] [96] y Steve Aoki . [97] El DJ italiano Benny Benassi , con su tema " Satisfaction " lanzado en 2002, es visto como el precursor del electro-house que lo llevó al mainstream. [98] A mediados de la década de 2000, el electro-house experimentó un aumento en popularidad, con éxitos como el remix de Tom Neville de "I See Girls" de Studio B en 2005 (Reino Unido # 11). En noviembre de 2006, las pistas de electroGq-house " Put Your Hands Up for Detroit " de Fedde Le Grand y el remix de D. Ramirez de " Yeah Yeah " de Bodyrox y Luciana ocuparon los puestos número uno y número dos, respectivamente, en la lista de los 40 mejores sencillos del Reino Unido. [99] Desde entonces, han surgido productores de electro-house como Feed Me , Knife Party , The M Machine , Porter Robinson , Yasutaka Nakata [100] y Dada Life .
La música trap se originó a partir del techno , el dub y el house holandés , pero también de la rama original del hip hop sureño de finales de la década de 2000 y principios de la de 2010. Esta forma de música trap se puede simplificar con estas tres características: "1/3 hip hop (el tempo y la estructura de la canción son similares, la mayoría de las pistas suelen estar entre 70 y 110 bpm) - con voces a veces con un tono más bajo, 1/3 música de baile - trabajo de sintetizador holandés de tono alto, muestreo de hardstyle, así como una gran cantidad de remezclas de trap de canciones populares de EDM, y 1/3 dub (enfoque de baja frecuencia y fuerte énfasis en la repetitividad a lo largo de una canción)". [101] Algunos de los artistas que popularizaron este género, junto con varios otros, son productores como RL Grime con los temas "Core" y "Scylla" lanzados en 2014, Flosstradamus con su álbum Hdynation Radio lanzado en 2015 y Carnage con su tema "Turn Up" lanzado en 2012. [101] La música trap en esta connotación se caracterizaba por "sintetizadores conmovedores, 808, la flauta de pan, cajas agudas y vocales largas y arrastradas como el almíbar" que creaban ritmos sucios y agresivos que resultaban en "melodías oscuras". El trap ahora se usa principalmente para crear remezclas de canciones ya existentes. [102] [101]
En 1980, el productor inglés Richard James Burgess y su banda Landscape utilizaron el término en la portada del sencillo "European Man": "Música electrónica de baile... EDM; programada por ordenador a la perfección para su placer auditivo". En respuesta a una pregunta sobre si se le atribuye la creación del término New Romantic, Burgess ha declarado que: "Inicialmente estaba usando tres términos: futurista, música electrónica de baile (los sencillos de Landscape tienen impresa la palabra EDM) y New Romantic". [103] [104]
En un artículo publicado en The Guardian , el periodista Simon Reynolds señaló que la adopción del término EDM por parte de la industria musical estadounidense a finales de los años 2000 fue un intento de cambiar la imagen de la "cultura rave" estadounidense y diferenciarla de la escena rave de los años 1990. Se la ha descrito como una era de la música electrónica, y en un artículo de MixMag se la describe como "el sonido de escenario principal masivo, lleno de estadios, con gran éxito, que encabeza las listas de éxitos y que conquistó Estados Unidos... posiblemente en algún lugar entre el electro y el house progresivo, dirigido por Michael Bay, y como muchos géneros musicales, tratar de definirlo exactamente es como tratar de agarrar un puñado de agua". [105] En el Reino Unido, "música de baile" o "dance" son términos más comunes para la EDM. [4] Lo que se percibe ampliamente como "música de club" ha cambiado con el tiempo; ahora incluye diferentes géneros y puede que no siempre abarque la EDM. De manera similar, "música de baile electrónica" puede significar cosas diferentes para diferentes personas. Tanto "música de club" como "EDM" parecen términos vagos, pero a veces se utilizan para referirse a géneros distintos y no relacionados (la música de club se define por lo que es popular, mientras que la EDM se distingue por atributos musicales). [96] Aunque Billboard estrenó una lista de "baile" en 1974, la industria musical estadounidense en general no creó listas de música hasta fines de la década de 1990. [93] En julio de 1995, Nervous Records y Project X Magazine organizaron la primera ceremonia de premios, llamándola "Electronic Dance Music Awards". [Nota 4]
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La música electrónica de baile generalmente se compone y produce en un estudio de grabación con equipos especializados como samplers , sintetizadores, unidades de efectos y controladores MIDI , todos configurados para interactuar entre sí mediante el protocolo MIDI . En los primeros días del género, se utilizaban instrumentos musicales electrónicos de hardware y el enfoque en la producción se centraba principalmente en la manipulación de datos MIDI en lugar de la manipulación de señales de audio. Desde finales de la década de 1990, el uso de software ha aumentado. Un estudio de producción de música electrónica moderno generalmente consta de una computadora que ejecuta una estación de trabajo de audio digital (DAW), con varios complementos instalados, como sintetizadores de software y unidades de efectos, que se controlan con un controlador MIDI como un teclado MIDI . Esta configuración generalmente es suficiente para completar producciones enteras, que luego están listas para la masterización . [106]
Un productor fantasma es un productor musical contratado en un acuerdo comercial que produce una canción para otro DJ/artista que la lanza como propia, [107] normalmente bajo un contrato que les impide identificarse como parte del personal de la canción. [108] Los productores fantasma reciben una tarifa simple o pagos de regalías por su trabajo y a menudo pueden trabajar en su preferencia de no tener la intensa presión de la fama y el estilo de vida de un DJ reconocido internacionalmente. [107] Un productor fantasma puede aumentar su notoriedad en la industria de la música al familiarizarse con DJ y productores "de renombre" establecidos. [107] Los productores como Martin Garrix y Porter Robinson a menudo son conocidos por su trabajo de producción fantasma para otros productores, mientras que David Guetta y Steve Aoki son conocidos por su uso de productores fantasma en sus canciones, mientras que DJ como Tiësto han estado acreditando abiertamente a sus productores en un intento de evitar la censura y por transparencia. [109]
Muchos productores fantasma firman acuerdos que les impiden trabajar para alguien más o establecerse como artistas solistas. [110] Estos acuerdos de confidencialidad suelen considerarse predatorios porque los productores fantasma, especialmente los productores adolescentes, no comprenden la industria musical. [110] El productor londinense Mat Zo ha alegado que los DJ que contratan a productores fantasma "han fingido hacer su propia música y [nos han dejado] a los verdaderos productores en apuros". [111]
Un productor de dormitorio es un músico independiente que crea música electrónica en su computadora portátil o en un estudio casero. A diferencia de los estudios de grabación tradicionales, los productores de dormitorio suelen utilizar software y equipos de bajo costo y accesibles que permiten crear música completamente "en la caja", sin ningún hardware externo. [112]
El Afro-EDM representa géneros y estilos de música electrónica de baile africana que combinan elementos de la música africana tradicional con la música electrónica de baile. Incorpora varios ritmos, instrumentos y estilos vocales africanos, fusionándolos con técnicas de producción de EDM modernas. El Afro-EDM ha existido durante décadas. Sin embargo, fue solo con el advenimiento de la tecnología del siglo XXI que el EDM africano realmente comenzó a prosperar. Los géneros y estilos populares de Afro-EDM contemporáneos del milenio se pueden encontrar dentro de los géneros gqom ( Sudáfrica ) y Afrobeats ( Nigeria ). Existen escenas musicales en otros países africanos, como en Uganda y la República Democrática del Congo (tekno kintueni). [113]
El Pon Pon (también ADM o African Dance Music) surgió en Nigeria alrededor de 2018 y denota influencias de la EDM entremezcladas con afrobeats, afropop nigeriano, dancehall y highlife . Una variante es el Afro-EDM nigeriano que surgió en la década de 2020 y que abarca afrobeats, afro-house nigeriano y afroelectro. [114] [115]
El gqom se originó alrededor de 2009-2010 en Durban , a través de los esfuerzos pioneros de productores de discos locales. El gqom combina elementos de techno, ritmos rotos y música house. A diferencia de la música house tradicional, el gqom se diferencia al evitar el ritmo típico de cuatro por cuatro . El gqom se clasifica tanto como música EDM como house, y se caracteriza por diversas técnicas de producción y variaciones. [113] [116] [117] [118] [119] [120]
Inicialmente, la popularización de la música electrónica de baile se asoció con la cultura rave y de club europea y logró una exposición popular limitada en los Estados Unidos. A mediados y fines de la década de 1990, esto comenzó a cambiar a medida que la industria musical estadounidense hizo esfuerzos por comercializar una variedad de géneros de baile como " electrónica ". [121] En ese momento, una ola de bandas de música electrónica del Reino Unido, incluidos The Prodigy , The Chemical Brothers , Fatboy Slim y Underworld , habían sido asociadas prematuramente con una "revolución electrónica estadounidense". [122] [123] Pero en lugar de encontrar un éxito general, muchos actos de EDM establecidos fueron relegados a los márgenes de la industria estadounidense . [122] En 1998, el álbum de Madonna Ray of Light , fuertemente influenciado por las tendencias de la música de club y producido con el productor británico William Orbit, llevó la música de baile a la atención de los oyentes de música popular. [124] [125] A finales de los años 1990, a pesar del interés de los medios de comunicación estadounidenses en la música de baile rebautizada como electrónica, los productores estadounidenses de house y techno continuaron viajando al extranjero para establecer sus carreras como DJ y productores. [122] Según la periodista del New York Times Kelefa Sanneh, el sencillo de Aaliyah de 2000 " Try Again " "ayudó a introducir de contrabando las técnicas innovadoras de la música electrónica de baile en las listas de éxitos del pop estadounidense" [126]
A mediados de la década de 2000, el productor holandés Tiësto estaba atrayendo la atención popular mundial hacia la EDM después de proporcionar una banda sonora para la entrada de los atletas durante la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2004 , un evento que The Guardian consideró como uno de los 50 eventos más importantes de la música dance. [127] En 2003, la influencia de la música dance en la radio estadounidense resultó en que Billboard creara la primera lista Dance/Mix Show Airplay . [128] Para 2005, la prominencia de la música dance en la cultura popular norteamericana había aumentado notablemente. Según Spin , la actuación de Daft Punk en Coachella en 2006 fue el "punto de inflexión" para la EDM: presentó al dúo a una nueva generación de "niños del rock". [122] Como señaló Entertainment Weekly , " SexyBack " de Justin Timberlake ayudó a introducir los sonidos EDM en la radio top 40 , ya que reunió variaciones de la música electrónica de baile con los sonidos R&B del cantante. [129] [130] En 2009, el músico house francés David Guetta comenzó a ganar prominencia en la música pop mainstream gracias a varios éxitos crossover en las listas Top 40 como « When Love Takes Over » con Kelly Rowland , [131] así como sus colaboraciones con artistas estadounidenses de pop y hip hop como Akon (« Sexy Bitch ») y The Black Eyed Peas (« I Gotta Feeling »). [132] El sitio web para compartir música SoundCloud , así como el sitio web para compartir videos YouTube, también ayudaron a alimentar el interés en la música electrónica. El productor de dubstep Skrillex popularizó un sonido más áspero llamado « Brostep », que había generado comparaciones con la agresión y el tono del heavy metal . [3] [133] [134] [135]
Con la creciente popularidad de la música electrónica de baile, los promotores y los locales se dieron cuenta de que los DJ podían generar mayores beneficios que los músicos tradicionales; Diplo explicó que "una banda toca [durante] 45 minutos; los DJ pueden tocar durante cuatro horas. Las bandas de rock (hay algunos cabezas de cartel que pueden tocar en lugares con capacidad para 3.000 o 4.000 personas, pero los DJ tocan en los mismos lugares, hacen girar al público el doble, la gente compra bebidas toda la noche a precios más altos) es una situación en la que todos ganan". [122] Los festivales de música electrónica, como Electric Daisy Carnival (EDC) en Las Vegas y Ultra Music Festival en Miami, también crecieron en tamaño, poniendo un mayor énfasis en las experiencias visuales y en los DJ que habían empezado a alcanzar un estatus de celebridad. [3] [133] Otros actos importantes que ganaron prominencia, como Avicii y Swedish House Mafia , realizaron giras por lugares importantes como arenas y estadios en lugar de tocar en clubes; En diciembre de 2011, Swedish House Mafia se convirtió en el primer acto de música electrónica en agotar las entradas del Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York . [133]
En 2011, Spin declaró una "nueva generación rave" liderada por artistas como David Guetta, Deadmau5 y Skrillex . [122] En enero de 2013, Billboard presentó una nueva lista de canciones electrónicas/dance centrada en EDM , que rastrea las 50 mejores canciones electrónicas según las ventas, la reproducción en radio, la reproducción en clubes y la transmisión en línea . [136] Según Eventbrite, los fanáticos de EDM tienen más probabilidades de usar las redes sociales para descubrir y compartir eventos o conciertos. También descubrieron que el 78% de los fanáticos dicen que es más probable que asistan a un evento si sus pares lo hacen, en comparación con el 43% de los fanáticos en general. EDM tiene muchos fanáticos jóvenes y sociales. [137] A fines de 2011, Music Trades describía la música electrónica de baile como el género de más rápido crecimiento en el mundo. [138] Los elementos de la música electrónica también se volvieron cada vez más prominentes en la música pop. [122] La radio y la televisión también contribuyeron a la aceptación generalizada de la música de baile. [139]
La consolidación corporativa en la industria de la EDM comenzó en 2012, especialmente en términos de eventos en vivo. En junio de 2012, el ejecutivo de medios Robert F. X. Sillerman —fundador de lo que ahora es Live Nation— relanzó SFX Entertainment como un conglomerado de EDM y anunció su plan de invertir $1 mil millones para adquirir negocios de EDM. Sus adquisiciones incluyeron promotores regionales y festivales (incluido ID&T , que organiza Tomorrowland ), dos operadores de clubes nocturnos en Miami y Beatport , una tienda de música en línea que se enfoca en música electrónica. [140] [141] Live Nation también adquirió Cream Holdings y Hard Events , y anunció una "asociación creativa" con los organizadores de EDC Insomniac Events en 2013 que le permitiría acceder a sus recursos mientras sigue siendo una empresa independiente; [142] El director ejecutivo de Live Nation, Michael Rapino, describió la EDM como el "[nuevo] rock 'n' roll ". [121] [143] [144]
El conglomerado de radio estadounidense iHeartMedia, Inc. (anteriormente Clear Channel Media and Entertainment) también hizo esfuerzos por alinearse con la música electrónica de baile. En enero de 2014, contrató al conocido DJ británico y personalidad de BBC Radio 1 Pete Tong para producir la programación de su marca de radio de baile "Evolution" , [145] y anunció una asociación con SFX para coproducir conciertos en vivo y programación original orientada a la música electrónica de baile para sus 40 principales estaciones de radio. El presidente de iHeartMedia, John Sykes, explicó que quería que las propiedades de su empresa fueran el "mejor destino [para la música electrónica de baile]". [146] [147]
Las principales marcas también han utilizado el fenómeno EDM como un medio para llegar a los millennials [148] [149] [150] [151] y las canciones y artistas de EDM han aparecido cada vez más en anuncios y programas de televisión. [152] El manager de Avicii, Ash Pournouri, comparó estas prácticas con la comercialización del hip-hop a principios de la década de 2000. [152] Heineken tiene una relación de marketing con el Ultra Music Festival y ha incorporado a los productores holandeses Armin van Buuren y Tiësto en sus campañas publicitarias. Anheuser-Busch tiene una relación similar como patrocinador de cerveza de los eventos de SFX Entertainment . [152] En 2014, 7 Up lanzó "7x7Up", una campaña multiplataforma basada en EDM que incluía contenido digital, publicidad con productores y escenarios de marca tanto en Ultra como en Electric Daisy Carnival. [148] [153] [154] El operador de telefonía inalámbrica T-Mobile US firmó un acuerdo con SFX para convertirse en el patrocinador inalámbrico oficial de sus eventos y se asoció con Above & Beyond para patrocinar su gira de 2015. [149]
En agosto de 2015, SFX comenzó a experimentar caídas en su valor, [155] y una oferta fallida del CEO Sillerman para privatizar la empresa. La empresa comenzó a buscar alternativas estratégicas que podrían haber resultado en la venta de la empresa. [156] [157] En octubre de 2015, Forbes declaró la posibilidad de una " burbuja " de EDM, a raíz de las caídas en SFX Entertainment, la desaceleración del crecimiento de los ingresos, los crecientes costos de organizar festivales y contratar talentos, así como una sobresaturación de festivales en el este y oeste de los Estados Unidos. El CEO de Insomniac, Pasquale Rotella, sintió que la industria resistiría la incertidumbre financiera del mercado en general centrándose en la "innovación" y entrando en nuevos mercados. [158] A pesar de los pronósticos de que el interés en el popular EDM disminuiría, en 2015 se estimó que era una industria de £ 5.5 mil millones en los EE. UU., Un 60% más en comparación con las estimaciones de 2012. [159 ]
SFX salió de la bancarrota en diciembre de 2016 como LiveStyle , bajo el liderazgo de Randy Phillips, un ex ejecutivo de AEG Live . [160] [161] La compañía comenzó a desprenderse lentamente de sus activos de música en vivo en 2018, incluida la venta de sus participaciones en Rock in Rio (que había comprado como parte de un intento de edición del festival en Las Vegas ), [162] [163] y más tarde otros promotores propiedad de SFX como ID&T [164] [165] y React Presents. [166] Phillips renunció como CEO en 2019 para dedicarse a otros proyectos. [167]
Tras la popularización de la música electrónica de baile en Estados Unidos, varios productores y DJ, entre ellos Carl Cox , Steve Lawler y Markus Schulz , manifestaron su preocupación por el impacto que la sobrecomercialización percibida de la música de baile había tenido en el arte de pinchar. Cox consideraba que el enfoque de "pulsar y reproducir" adoptado por los DJ de música electrónica de baile más nuevos no era representativo de lo que él llamaba el "espíritu del DJ". [133] En un artículo publicado en Mixmag , el DJ Tim Sheridan argumentó que los "DJ de botón" que utilizan la sincronización automática y reproducen sets pregrabados de "éxitos obvios" dieron lugar a una situación superada por "el espectáculo, el dinero y el mundo del espectáculo". [168]
Algunos productores de house admitieron abiertamente que el EDM "comercial" necesitaba una mayor diferenciación y creatividad. Avicii, cuyo álbum de 2013 True incluía canciones que incorporaban elementos del bluegrass , como el sencillo principal " Wake Me Up ", afirmó que la mayoría del EDM carecía de "longevidad". [169] Deadmau5 criticó la homogeneización del EDM popular y sugirió que "todo suena igual". Durante el Ultra Music Festival de 2014, Deadmau5 hizo comentarios críticos sobre el prometedor artista de EDM Martin Garrix y luego tocó una versión editada de " Animals " de Garrix remezclada con la melodía de " Old McDonald Had a Farm ". Después, Tiësto criticó a Deadmau5 en Twitter por mezclar "sarcásticamente" " Levels " de Avicii con su propio " Ghosts 'n' Stuff " (en referencia a ser un sustituto de último minuto para Avicii en la programación del festival debido a un problema médico), a lo que Deadmau5 preguntó si tocar una canción "sarcásticamente" implicaba " burlarse mientras se presiona el botón de sincronización". [170] [171] [172] [173]
En mayo de 2014, la serie de comedia de la NBC Saturday Night Live parodió los estereotipos de la cultura EDM y los DJ que solo tocan un botón en un corto digital titulado When Will the Bass Drop? (¿Cuándo caerá el bajo?) . Presentaba a un DJ que realiza actividades cotidianas (jugar a un videojuego, freír huevos, recaudar dinero) y luego presiona un botón gigante que dice "BAJO", que hace explotar las cabezas de los asistentes al concierto. [174] [175] [176]
Después de años de rápido crecimiento, el mercado estadounidense de la música electrónica de baile comenzó a decaer en 2016, cuando varios artistas famosos por producir el llamado electro-house de "big room" comenzaron a diversificarse estilísticamente. Dos de esos DJ, David Guetta y Showtek , hicieron referencia directa a este desarrollo en un sencillo con influencia techno lanzado en abril de 2016 titulado "The Death of EDM". [177] A fines de la década de 2010, la posición de la música electrónica de baile como fuerza dominante en la música popular convencional comenzó a estancarse a medida que otros estilos la desplazaban. [105] [178]
En mayo de 2015, el Informe de Negocios de la Cumbre Internacional de Música estimó que la industria mundial de la música electrónica había alcanzado casi 6.900 millones de dólares en valor; el recuento incluía las ventas de música, los ingresos por eventos (incluidos los clubes nocturnos y festivales), la venta de equipos y software de DJ y otras fuentes de ingresos. El informe también identificó varios mercados emergentes para la música electrónica de baile, incluidos el este de Asia, la India y Sudáfrica, atribuidos principalmente a la inversión de intereses nacionales, así como estadounidenses y europeos. Varios festivales importantes también comenzaron a expandirse a América Latina. [179]
En Ghana , África Occidental, un artista llamado Djsky introdujo el EDM en 2015-presente y organizó festivales y eventos exitosos como Hey Ibiza, Sunset Music Festival, Sky Show y más. [180] [181] [182] [183] En una entrevista con WatsUp TV , Djsky reveló que fue el primero en introducir la música electrónica de baile en la música de Ghana. [184] [185]
En Etiopía, la EDM se ha convertido en parte de la música convencional después del gran éxito de 2018 de un joven artista llamado Rophnan , que incorporó el sonido EDM a ritmos y melodías tradicionales. [186] En sus espectáculos, decenas de miles de jóvenes llenaban estadios en todo el país y las radios comenzaron a reproducir el género emergente. [187] [188]
China es un mercado en el que la música electrónica de baile había hecho relativamente pocos avances; aunque los promotores creían que la música, en su mayoría instrumental, eliminaría una barrera lingüística metafórica , el crecimiento de la música electrónica de baile en China se vio obstaculizado por la falta de una cultura rave destacada en el país como en otras regiones, así como por la popularidad del pop chino local sobre los artistas extranjeros. El ex ejecutivo de Universal Music, Eric Zho, inspirado por el crecimiento en Estados Unidos, realizó las primeras inversiones significativas en música electrónica en China, incluida la organización del festival inaugural Storm de Shanghái en 2013, la consecución de un acuerdo de patrocinio principal para el festival con la marca Budweiser de Anheuser-Busch, una búsqueda de talentos locales y la organización de colaboraciones entre productores de música electrónica de baile y cantantes chinos, como "Lose Myself" de Avicii y Wang Leehom . En los años siguientes, comenzó a aparecer un mayor número de eventos de música electrónica de baile en China, y el propio Storm también estuvo precedido por un mayor número de prefiestas en 2014 que en su año inaugural. Un nuevo informe publicado durante la inauguración de la International Music Summit China en octubre de 2015 reveló que la industria china de la música electrónica de baile estaba experimentando ganancias modestas, citando el mayor número de eventos (incluyendo nuevas marcas de festivales importantes como Modern Sky y YinYang), un aumento del 6% en las ventas de música electrónica en el país y el tamaño significativo del mercado en general. Zho también creía que el clima político "práctico" del país, así como las inversiones de China en eventos culturales, ayudaron a "estimular" el crecimiento de la música electrónica de baile en el país. [189] [190]
En la década de 1980, la música electrónica de baile se tocaba a menudo en fiestas rave clandestinas e ilegales celebradas en lugares secretos, por ejemplo, almacenes, hangares de aviones abandonados, campos y cualquier otra zona grande y abierta. En las décadas de 1990 y 2000, aspectos de la cultura rave underground de las décadas de 1980 y principios de 1990 comenzaron a evolucionar hacia conciertos y festivales de EDM legítimos y organizados . Los festivales importantes suelen presentar una gran cantidad de actos que representan varios géneros de EDM repartidos en varios escenarios. Los festivales han puesto un mayor énfasis en los espectáculos visuales como parte de sus experiencias generales, incluidos diseños de escenarios elaborados con temáticas subyacentes, sistemas de iluminación complejos, espectáculos de láser y pirotecnia . La moda rave también evolucionó entre los asistentes, que The Guardian describió como habiendo progresado desde el "raver kandi" de los años 1990 a "[una] imagen elegante y sexificada pero también kitsch-surrealista a medio camino entre Venice Beach y el Cirque du Soleil , Willy Wonka y un desfile del orgullo gay ". [3] [133] [153] Estos eventos se diferenciaban de las raves underground por su naturaleza organizada, a menudo teniendo lugar en lugares importantes, y con medidas para garantizar la salud y la seguridad de los asistentes. [192] Rawley Bornstein de MTV describió la música electrónica como "el nuevo rock and roll", [193] al igual que el organizador de Lollapalooza, Perry Farrell . [194]
Ray Waddell de Billboard señaló que los promotores de festivales han hecho un excelente trabajo de marca . [193] Se ha demostrado que los festivales más grandes tienen impactos económicos positivos en sus ciudades anfitrionas. [192] El Ultra Music Festival de 2014 atrajo a 165.000 asistentes (y más de 223 millones de dólares) a la economía de la región de Miami/ Sur de Florida . [154] La edición inaugural de TomorrowWorld (una versión con sede en EE. UU. del festival Tomorrowland de Bélgica ) aportó 85,1 millones de dólares al área de Atlanta , tantos ingresos como su acogida de la Final Four de la NCAA (las semifinales y los juegos del campeonato nacional del torneo de baloncesto masculino de la División I de la NCAA ) a principios de año. [195] EDC Las Vegas impulsó la economía del condado de Clark en 350,3 millones de dólares solo en 2015, con más de 405.000 asistentes en tres días (del 19 al 21 de junio). [196]
La popularidad de la EDM y los festivales también llevó a algunos festivales multigénero no fuertemente asociados con la música electrónica, como Coachella y Lollapalooza , a agregar más actos electrónicos a su programación. A menudo tocan en escenarios específicos de EDM, pero actos importantes como Deadmau5 , Calvin Harris y Subtronics han hecho apariciones generales como cabezas de cartel en los escenarios principales de Lollapalooza y Coachella respectivamente, ubicaciones que generalmente se asocian con actos de rock y alternativos . [197] [198] Russell Smith de The Globe and Mail sintió que la industria de los festivales comerciales era una antítesis de los principios originales de la subcultura rave, citando "las entradas caras, los patrocinadores corporativos gigantes, la cultura burda de los hermanos -chicos musculosos sin camisa que recorren los estadios, pequeñas chicas populares en bikini que viajan en sus hombros- sin mencionar la música sensiblera en sí". [199] Los incidentes relacionados con las drogas, así como otras quejas en torno al comportamiento de sus asistentes, han contribuido a las percepciones negativas y la oposición a los eventos de música electrónica por parte de las autoridades locales. [199] [200]
Después del Ultra Music Festival 2014, donde una multitud de intrusos pisoteó a un guardia de seguridad en su primer día, los comisionados de la ciudad de Miami consideraron prohibir que el festival se llevara a cabo en la ciudad, citando el incidente del pisoteo, el comportamiento lascivo y las quejas de los residentes del centro de la ciudad de ser acosados por los asistentes. Los comisionados votaron para permitir que Ultra continúe celebrándose en Miami debido a sus efectos económicos positivos, con la condición de que sus organizadores aborden la seguridad, el uso de drogas y el comportamiento lascivo de los asistentes. [201] [202] [203] En 2018, después de continuas preocupaciones, los comisionados votaron para prohibir que el festival se llevara a cabo en Bayfront Park y el centro de Miami, [204] [205] [206] pero posteriormente aprobaron una propuesta para trasladar el evento a una de las islas barrera de Miami , Virginia Key . [207] Después del festival, que se vio afectado por problemas de transporte (ya que solo hay un enlace vehicular entre Virginia Key y Miami continental) y otros problemas, Ultra se retiró del acuerdo y negoció un acuerdo para regresar a Bayfront Park. [208] [209] El sello discográfico británico centrado en la jungla y el drum and bass, Hospital Records, organiza un festival llamado Hospitality [210] en clubes y otros lugares repartidos por el Reino Unido y otros países con gran influencia de EDM. Estos eventos suelen ser conciertos de artistas de la lista de músicos del disco.
Debido a la pandemia de COVID-19 , la cancelación de festivales, acompañada de restricciones al distanciamiento social, ha afectado negativamente a la actividad económica de los festivales y la industria musical. [211] Los festivales deben tener regulaciones sobre salud y seguridad, así como lidiar con la gestión de crisis y riesgos, ya que corren un alto riesgo debido a la gran cantidad de personas que asisten. Como resultado, se ha vuelto normal que los festivales o las presentaciones se transmitan en línea. [211]
Durante 2020, todos los grandes festivales de música EDM se pospusieron o cancelaron debido a la pandemia de COVID-19. El 4 de marzo de 2020, Ultra Miami fue el primer festival de música electrónica de baile en cancelar un evento debido a que el evento no podía cumplir con las reglas de capacidad del estado y los protocolos y regulaciones de seguridad del condado. [212] El 21 de abril de 2020, el festival de música Electric Forest en Rothbury, Michigan, reprogramó su evento del 25 al 27 de junio de 2020 a junio de 2021 debido a problemas de salud. [213] El 9 de julio de 2020, el alcalde de la ciudad de Nueva York, Bill de Blasio, decidió que todos los eventos importantes se suspenderían hasta el 30 de septiembre. [214] Como resultado, Electric Zoo 2020, que se lleva a cabo en Randall's Island en la ciudad de Nueva York durante el fin de semana del Día del Trabajo, canceló por completo su evento de 2020.
Electric Daisy Carnival Las Vegas (EDC), el festival de música dance más grande de Norteamérica, estaba programado para el 15 al 17 de mayo de 2020. En abril, EDC pospuso su evento de mayo al 2 al 4 de octubre de 2020, y luego declaró el 2 de agosto que EDC Las Vegas 2020 se cancelaría oficialmente. [215] En cambio, el director ejecutivo de EDC, Pasquale Rotella, anunció la celebración del 25 aniversario de EDC del 21 al 23 de mayo de 2021. [216] El 9 de abril de 2021, EDC aún no había publicado su alineación y los protocolos de seguridad COVID-19 para el evento que se llevaría a cabo en mayo de 2021. [217] El 20 de abril de 2021, Rotella pospuso el festival al 22 al 24 de octubre de 2021. [218]
Las cancelaciones de estos eventos perjudicaron económicamente a la industria musical y a las empresas que organizan estos eventos. EDC 2020 originalmente agotó las 200.000 entradas para su primer evento, pero ofreció la devolución completa para aquellos que no pudieron asistir a las nuevas fechas. [219] Electric Zoo incluyó un incentivo para que los clientes mantuvieran su entrada al proporcionar $50 adicionales para las entradas de admisión general y $100 para las entradas VIP para gastar en productos y comida en el recinto del festival. [214] La mayoría de las empresas de festivales de música ofrecieron transferir la entrada a su próximo evento o dar reembolsos completos a aquellos que no pudieron asistir, pero finalmente perdieron muchos clientes debido a la incertidumbre de COVID-19. [211]
La música dance tiene una larga asociación con el consumo recreativo de drogas , [220] en particular con una amplia gama de drogas que han sido categorizadas bajo el nombre de " drogas de club ". Russell Smith señaló que la asociación de drogas y subculturas musicales no era de ninguna manera exclusiva de la música electrónica, citando ejemplos previos de géneros musicales que estaban asociados con ciertas drogas, como el rock psicodélico y el LSD , la música disco y la cocaína , y la música punk y la heroína. [199]
La metilendioximetanfetamina (MDMA), también conocida como éxtasis, "E" o "Molly", a menudo se considera la droga de elección dentro de la cultura rave y también se usa en clubes, festivales y fiestas en casas . [221] En el ambiente rave, los efectos sensoriales de la música y la iluminación a menudo son muy sinérgicos con la droga. La calidad anfetamínica psicodélica de la MDMA ofrece múltiples razones para su atractivo para los usuarios en el entorno "rave". Algunos usuarios disfrutan de la sensación de comunión masiva de los efectos reductores de inhibición de la droga, mientras que otros la usan como combustible de fiesta debido a los efectos estimulantes de la droga. [222] Otra droga, la para-metoxianfetamina (4-MA), también conocida como éxtasis rosa, PMA, "Muerte" o "Dr. Muerte", es similar a la MDMA, pero puede tardar hasta una hora en producir efectos, lo que puede resultar en hipertermia y, posteriormente, falla orgánica. Las personas que toman PMA a menudo son confundidas con MDMA. [223] [224]
En ocasiones, se sabe que el MDMA se toma junto con drogas psicodélicas. Las combinaciones más comunes incluyen MDMA combinado con LSD , MDMA combinado con DMT , MDMA con hongos psilocibios y MDMA con la droga disociativa ketamina . Muchos usuarios usan productos mentolados mientras toman MDMA por su sensación refrescante mientras experimentan los efectos de la droga. Algunos ejemplos incluyen cigarrillos mentolados, Vicks VapoRub , NyQuil [225] y pastillas para chupar .
La incidencia de la ketamina no médica ha aumentado en el contexto de las raves y otras fiestas. [226] Sin embargo, su aparición como droga de club difiere de otras drogas de club (por ejemplo, MDMA ) debido a sus propiedades anestésicas ( por ejemplo , dificultad para hablar, inmovilización) en dosis más altas; [227] además, hay informes de ketamina que se vende como "éxtasis". [228] También se ha documentado el uso de ketamina como parte de una "experiencia posterior a la discoteca". [229] El ascenso de la ketamina en la cultura de la danza fue rápido en Hong Kong a fines de la década de 1990. [227] Antes de convertirse en una sustancia controlada federalmente en los Estados Unidos en 1999, la ketamina estaba disponible como preparaciones farmacéuticas desviadas y como un polvo puro vendido en grandes cantidades por empresas de suministro de productos químicos nacionales. [230] Gran parte de la ketamina actual desviada para uso no médico se origina en China e India. [230]
Se han producido varias muertes atribuidas al aparente consumo de drogas en los principales conciertos y festivales de música electrónica. El Memorial Coliseum de Los Ángeles incluyó en la lista negra a Insomniac Events después de que un asistente menor de edad muriera por "complicaciones de encefalopatía isquémica debido a intoxicación por metilendioximetanfetamina " durante el Electric Daisy Carnival 2010; como resultado, el evento se trasladó a Las Vegas al año siguiente. [231] [192] [232] [233] [234] Las muertes relacionadas con las drogas durante el Electric Zoo 2013 en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos, y el Future Music Festival Asia 2014 en Kuala Lumpur , Malasia , provocaron la cancelación del último día de ambos eventos, [233] [235] mientras que Life in Color canceló un evento planeado en Malasia por preocupación por el incidente y otras muertes relacionadas con las drogas que ocurrieron en los conciertos A State of Trance 650 en Yakarta , Indonesia. [236] [237] [238]
En septiembre de 2016, la ciudad de Buenos Aires , Argentina , prohibió todos los eventos de música electrónica, a la espera de una futura legislación, después de cinco muertes relacionadas con drogas y cuatro lesiones en un evento del Time Warp Festival en la ciudad en abril de 2016. La prohibición obligó a la banda electrónica Kraftwerk a cancelar un concierto planeado en la ciudad, a pesar de argumentar que había diferencias entre un festival y sus conciertos. [239] [240]
(Alfabético)
Alrededor de 1986/7, después de la explosión inicial de la música house en Chicago, se hizo evidente que las principales compañías discográficas y las instituciones de medios de comunicación eran reacias a comercializar este género musical, asociado con los afroamericanos homosexuales, a un nivel general. Los artistas de house se dirigieron a Europa, principalmente a Londres, pero también a ciudades como Ámsterdam, Berlín, Manchester, Milán, Zúrich y Tel Aviv. ... Un tercer eje conduce a Japón, donde, desde finales de la década de 1980, los DJ de club de Nueva York han tenido la oportunidad de tocar como invitados.
a oídos británicos como un subconjunto del house de Chicago; [Neil] Rushton y los Belleville Three decidieron utilizar la palabra techno (un término que se había usado mucho pero nunca se había enfatizado) para definir a Detroit como un género distinto.
Entonces, cuando hablo de la desaparición de la onda del drum and bass, me refiero a la desaparición de la oscuridad a medida que los samples de ragga se van eliminando, el bajo pierde su sensación de reggae y se vuelve más lineal y propulsivo en lugar de moverse alrededor del ritmo con una relación sincopada con el tambor.
Electro: "Ha significado muchas cosas en los últimos 30 años. Originalmente, significaba música electrónica futurista y se usaba para describir a Kraftwerk y Afrika Bambaataa. Ahora, significa música electrónica de baile dura". Electro se puede usar como adjetivo, como electro-house y electro-pop.
El electro house saltó a la fama a principios y mediados de los años 2000 como una alternativa más pesada a otros subgéneros del house que prevalecían en ese momento. [...] El electro house suele estar entre 125 y 135 bpm y las pistas están organizadas de una manera que da un gran enfoque en el clímax o el drop. Esto suele contener una línea de bajo pesada y con frecuencia incluye elementos melódicos para ayudar a establecer la cohesión dentro de la pista.
Música house llena de bajos gigantescos y sintetizadores enormes.
... Skrillex, un productor de electro-house/dubstep de 23 años...
Las acciones de Steve Aoki han vuelto a subir en los últimos 12 meses, mientras continúa realizando los sets de EDM más grandes y audaces en todo el mundo y presentando sus producciones de electro house contundentes y pavoneantes.
El MDMA se ha convertido en una droga recreativa popular de abuso en clubes nocturnos y fiestas rave o techno, donde se combina con actividad física intensa (
baile toda la noche
), condiciones de hacinamiento (agregación), temperatura ambiente alta, mala hidratación. , ruidos fuertes y se suele tomar junto con otras
drogas estimulantes de club
y/o alcohol (Parrott 2006; Von Huben et al. 2007; Walubo y Seger 1999). Esta combinación es probablemente la razón principal por la que generalmente se observa un aumento en eventos de toxicidad en fiestas rave, ya que se cree que todos estos factores inducen o mejoran la toxicidad (en particular la respuesta hipertérmica) del MDMA. ... Otro informe mostró que los usuarios de MDMA mostraron múltiples regiones de reducción de materia gris en el cerebelo neocortical bilateral y regiones cerebrales del tronco encefálico medio, lo que podría explicar los deterioros neuropsiquiátricos informados previamente en los usuarios de MDMA (Cowan et al. 2003). Se utilizaron técnicas de neuroimagen, como la PET, en combinación con un ligando 5-HTT en consumidores humanos
de éxtasis
, mostrando una menor densidad de sitios 5-HTT en el cerebro (McCann et al. 1998, 2005, 2008). Otros autores correlacionan las reducciones de 5-HTT con los déficits de memoria observados en humanos con antecedentes de consumo recreativo de MDMA (McCann et al. 2008). Un estudio reciente evaluó prospectivamente los efectos sostenidos del consumo de
éxtasis
en el cerebro de nuevos consumidores de MDMA utilizando mediciones repetidas con una combinación de diferentes parámetros de neuroimagen. de neurotoxicidad. Los autores concluyeron que las dosis bajas de MDMA pueden producir efectos sostenidos en la microvasculatura cerebral, la maduración de la materia blanca y posiblemente daño axonal (de Win et al. 2008).
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