La música popular de los Estados Unidos en la década de 1960 se vinculó de manera innata a causas, oponiéndose a ciertas ideas, influenciada por la revolución sexual , el feminismo , el Black Power y el ambientalismo. Esta tendencia tuvo lugar en un período tumultuoso de agitación pública masiva en los Estados Unidos que consistió en la Guerra Fría , la Guerra de Vietnam y el Movimiento por los Derechos Civiles .
El renacimiento de las raíces del folk fue central para esta tendencia , lo que inspiró una ola de tendencias similares en toda Europa y el resto del mundo. Esto surgió de un renacimiento de la música hillbilly a principios de la década y se basó en los pioneros del folk-pop de los Apalaches, The Weavers . Cantautores como Bob Dylan y Joan Baez abrieron nuevos caminos en el enfoque lírico y el estilo personal en la composición, preparando el escenario para la siguiente ola de cantautores más ligeros, con influencias de la música country y el rhythm and blues, como James Taylor , Elton John , Carole King y Cat Stevens , que comenzaron a encabezar las listas a principios de la década de 1970.
La década de 1960 comenzó con la música soul encabezando las listas de éxitos, incluidas divas del soul puro y cantantes especializados en la nueva fusión de rhythm and blues y gospel con un enfoque secular. Más tarde surgieron especialidades en soul, incluidos los grupos de chicas, el blue-eyed soul , el brown-eyed soul , el Memphis soul , el Philly soul y, el más popular, Motown . La última parte de la década vio a cantautores de soul como Marvin Gaye inventar el soul orientado al álbum, y James Brown y su banda de acompañamiento en constante evolución inventar el funk .
La música moderna de los años 60 estuvo dominada por el sonido de Nashville hasta que Merle Haggard cambió el sonido country nacional por el sonido de Bakersfield . Durante un tiempo, el sonido de Bakersfield fue la única música local que podía competir en ventas contra una afluencia de bandas británicas; esto se llamó la Invasión Británica y desencadenó una nueva ola de música y activismo social. El rock psicodélico surgió de esta subcultura, que se opuso a la Guerra de Vietnam y apoyó los derechos civiles y otras causas generalmente izquierdistas. Si bien la energía en esta escena se mantuvo fuerte durante algún tiempo, pronto se dividió en el heavy metal , el punk rock artístico temprano y el rock progresivo .
Estos intérpretes y muchos otros fueron fundamentales para impulsar el resurgimiento de la música folclórica de los años 1950 y 1960.
En la década de 1960, la escena que se había desarrollado a partir del resurgimiento de la música folk estadounidense había crecido hasta convertirse en un movimiento importante, que utilizaba música tradicional y nuevas composiciones en un estilo tradicional, generalmente con instrumentos acústicos. [1] [4] En Estados Unidos, el género fue iniciado por figuras como Woody Guthrie y Pete Seeger y a menudo se lo identificaba con la política progresista o laboral . [4] A principios de los sesenta, figuras como Joan Baez y Bob Dylan habían pasado a primer plano en este movimiento como cantautores. [5] Dylan había comenzado a llegar a un público general con éxitos como " Blowin' in the Wind " (1963) y " Masters of War " (1963), que llevaron las " canciones de protesta " a un público más amplio, [6] pero, aunque comenzaron a influirse mutuamente, el rock y la música folk habían permanecido como géneros en gran medida separados, a menudo con audiencias mutuamente excluyentes. [7]
Los primeros intentos de combinar elementos de folk y rock incluyen " House of the Rising Sun " (1964) de Animals, que fue la primera canción folk de éxito comercial grabada con instrumentación de rock and roll. [8] Se suele pensar que el movimiento folk rock despegó con la grabación de " Mr. Tambourine Man " de Dylan por parte de The Byrds , que encabezó las listas en 1965. [7] Con miembros que habían sido parte de la escena folk de los cafés de Los Ángeles, los Byrds adoptaron la instrumentación de rock, incluyendo tambores y guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas , que fueron vistas inicialmente por la banda, y que se utilizaron en la película de The Beatles, A Hard Day's Night (película), que se convirtió en un elemento importante en el sonido del género. [7] Más tarde ese año, Dylan adoptó instrumentos eléctricos, para gran indignación de muchos puristas del folk, y su " Like a Rolling Stone " se convirtió en un sencillo de éxito en Estados Unidos. [7] El folk rock despegó particularmente en California, donde llevó a grupos como The Mamas & the Papas y Crosby, Stills and Nash a pasarse a la instrumentación eléctrica, y en Nueva York, donde generó artistas como The Lovin' Spoonful y Simon and Garfunkel , con el acústico " The Sounds of Silence " de este último siendo remezclado con instrumentos de rock para ser el primero de muchos éxitos. [7]
El folk rock alcanzó su pico de popularidad comercial en el período 1967-8, antes de que muchos grupos se desviaran en diversas direcciones, incluidos Dylan y los Byrds, quienes comenzaron a desarrollar el country rock . [9] Sin embargo, se ha visto que la hibridación del folk y el rock ha tenido una gran influencia en el desarrollo de la música rock, incorporando elementos de psicodelia y ayudando a desarrollar las ideas del cantautor, la canción de protesta y los conceptos de "autenticidad". [7] [10]
El estilo de música psicodélica inspirado en el LSD comenzó en la escena folk, cuando los Holy Modal Rounders, con base en Nueva York, utilizaron el término en su grabación de 1964 de " Hesitation Blues ". [11] El primer grupo en promocionarse como rock psicodélico fueron los 13th Floor Elevators de Texas, a fines de 1965; produjeron un álbum que dejó en claro su dirección, The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators al año siguiente. [11]
El rock psicodélico despegó particularmente en la escena musical emergente de California, ya que los grupos siguieron a los Byrds desde el folk al folk rock a partir de 1965. [12] El estilo de vida psicodélico ya se había desarrollado en San Francisco y productos particularmente destacados de la escena fueron The Grateful Dead , Country Joe and the Fish , The Great Society y Jefferson Airplane . [12] [13] Los Byrds progresaron rápidamente desde el folk rock puro en 1966 con su sencillo " Eight Miles High ", [14] percibido por muchos oyentes como una referencia al consumo de drogas. En realidad, se refería al viaje en avión de The Byrds a Inglaterra en 1965. [15]
El rock psicodélico alcanzó su apogeo en los últimos años de la década. En Estados Unidos, el Summer of Love fue precedido por el evento Human Be-In y alcanzó su punto máximo en el Monterey Pop Festival , [16] lo que ayudó a convertir en grandes estrellas estadounidenses a Jimi Hendrix y The Who, cuyo sencillo " I Can See for Miles " se adentraba en el territorio psicodélico. [17] Las grabaciones clave incluyeron Surrealistic Pillow de Jefferson Airplane y Strange Days de The Doors . [18] Estas tendencias alcanzaron su clímax en el festival de Woodstock de 1969 , [19] que vio actuaciones de la mayoría de los principales grupos psicodélicos, pero a finales de la década el rock psicodélico estaba en retirada. The Jimi Hendrix Experience se separó antes del final de la década y muchos de los grupos supervivientes se alejaron de la psicodelia hacia un "rock de raíces" más básico, la experimentación más amplia del rock progresivo o el rock pesado cargado de riffs. [12]
A principios de los años 60, una de las formas más populares de rock and roll era el surf rock, que se caracterizaba por ser casi totalmente instrumental y por el uso intensivo de la reverberación en las guitarras. La reverberación de resorte que se utilizaba en los amplificadores Fender de la época, llevada al máximo volumen, producía un sonido de guitarra que brillaba con sustain y evocaba imágenes de olas y océanos.
Muchos piensan que "Movin' and Groovin" de Duane Eddy es el principal candidato para sentar las bases como el primer disco de surf rock, mientras que otros afirman que el género fue inventado por Dick Dale en " Let's Go Trippin' ", que se convirtió en un éxito en toda California. La mayoría de las primeras bandas de surf se formaron durante esta década en el área del sur de California . A mediados de la década de 1960, The Beach Boys , que usaban armonías pop complejas sobre un ritmo básico de surf rock, habían surgido como el grupo de surf dominante y ayudaron a popularizar el género. [20] Además, bandas como The Ventures , The Shadows , The Atlantics , The Surfaris y The Champs también estaban entre las bandas de surf rock más populares de la década.
El garage rock fue una forma de música rock amateur, particularmente frecuente en Norteamérica a mediados de los años 1960 y llamada así por la percepción de que se ensayaba en un garaje familiar suburbano. [21] [22] Las canciones de garage rock giraban en torno a los traumas de la vida en la escuela secundaria, y las canciones sobre "chicas mentirosas" eran particularmente comunes. [23] Las letras y la interpretación eran notablemente más agresivas de lo que era común en ese momento, a menudo con voces gruñonas o gritadas que se disolvían en gritos incoherentes. [21] Variaban desde música cruda de un solo acorde (como The Seeds ) hasta calidad de músico de estudio (incluidos The Knickerbockers , The Remains y The Fifth Estate ). También hubo variaciones regionales en muchas partes del país con escenas florecientes, particularmente en California y Texas. [23] Los estados del noroeste del Pacífico de Washington y Oregón tenían quizás el sonido regional más definido. [24]
El estilo había ido evolucionando desde las escenas regionales ya en 1958. " Louie Louie " de The Kingsmen (1963) es un ejemplo de la corriente principal del género en sus etapas formativas. En 1963, los sencillos de las bandas de garage se estaban colando en las listas nacionales en mayor número, incluidos Paul Revere and the Raiders (Boise), [25] the Trashmen (Minneapolis) [26] y the Rivieras (South Bend, Indiana). [27] En este período temprano, muchas bandas estaban fuertemente influenciadas por el surf rock y hubo una polinización cruzada entre el garage rock y el frat rock , a veces visto como un mero subgénero del garage rock. [28]
La invasión británica de 1964-66 influyó enormemente en las bandas de garage, proporcionándoles una audiencia nacional, lo que llevó a muchas (a menudo grupos de surf o hot rod ) a adoptar un tono de invasión británica y alentó a muchos más grupos a formarse. [23] Miles de bandas de garage existían en los EE. UU. y Canadá durante la época y cientos produjeron éxitos regionales. [23] A pesar de que decenas de bandas firmaron con importantes sellos regionales, la mayoría fueron fracasos comerciales. En general, se acepta que el garage rock alcanzó su apogeo tanto comercial como artístico alrededor de 1966. [23] Para 1968, el estilo desapareció en gran medida de las listas nacionales y a nivel local, ya que los músicos aficionados se enfrentaron a la universidad, el trabajo o el reclutamiento . [23] Habían evolucionado nuevos estilos para reemplazar al garage rock (incluido el blues rock , el rock progresivo y el country rock ). [23] En Detroit, el garage rock se mantuvo vivo hasta principios de los años 70, con bandas como MC5 y The Stooges , que emplearon un estilo mucho más agresivo. Estas bandas comenzaron a ser etiquetadas como punk rock y ahora a menudo se las considera proto-punk o proto- hard rock . [29]
El blues rock fue iniciado a principios de los años 1960 por el cantante y guitarrista estadounidense Lonnie Mack , [30] pero el género no despegó en los EE. UU. hasta mediados de los años 1960, cuando las bandas estadounidenses comenzaron a desarrollar un sonido similar al blues británico y los músicos de blues-rock. Los actos clave incluyeron a Paul Butterfield (cuya banda, como Mayall's Bluesbreakers en Gran Bretaña, sirvió como punto de partida para muchos músicos exitosos), Canned Heat , los primeros Jefferson Airplane , Janis Joplin , Johnny Winter , The J. Geils Band y Jimi Hendrix con sus power trios , The Jimi Hendrix Experience y Band of Gypsys , cuyo virtuosismo de la guitarra y su sentido del espectáculo estarían entre los más emulados de la década. [31] Las bandas de blues rock como Allman Brothers Band , Lynyrd Skynyrd y eventualmente ZZ Top de los estados del sur, incorporaron elementos country a su estilo para producir un rock sureño distintivo . [32]
El rock de raíces es el término que se utiliza ahora para describir un alejamiento de los excesos de la escena psicodélica, hacia una forma más básica de rock and roll que incorporó sus influencias originales, en particular la música country y folk, lo que llevó a la creación del country rock y el rock sureño. [33] En 1966, Bob Dylan encabezó el movimiento cuando fue a Nashville para grabar el álbum Blonde on Blonde . [34] Este, y los álbumes posteriores más claramente influenciados por el country, han sido vistos como creadores del género country folk , una ruta seguida por varios músicos folk, en su mayoría acústicos. [34] Otros actos que siguieron la tendencia de regreso a lo básico fueron el grupo canadiense The Band y el californiano Creedence Clearwater Revival , ambos mezclando rock and roll básico con folk, country y blues, para estar entre las bandas más exitosas e influyentes de finales de la década de 1960. [35] El mismo movimiento vio el comienzo de las carreras discográficas de artistas solistas californianos como Ry Cooder , Bonnie Raitt y Lowell George , [36] e influyó en el trabajo de artistas consagrados como Beggar's Banquet (1968) de los Rolling Stones y Let It Be (1970) de los Beatles . [12]
En 1968, Gram Parsons grabó Safe at Home con la International Submarine Band , posiblemente el primer álbum de country rock verdadero . [37] Más tarde ese año se unió a los Byrds para Sweetheart of the Rodeo (1968), generalmente considerada una de las grabaciones más influyentes del género. [37] Los Byrds continuaron en la misma línea, pero Parsons se fue para que se le uniera otro ex miembro de los Byrds, Chris Hillman, para formar The Flying Burrito Brothers , quienes ayudaron a establecer la respetabilidad y los parámetros del género, antes de que Parsons se fuera para seguir una carrera en solitario. [37] El country rock fue particularmente popular en la escena musical californiana, donde fue adoptado por bandas como Hearts and Flowers, Poco and Riders of the Purple Sage , [37] Beau Brummels [37] y Nitty Gritty Dirt Band . [38] Varios intérpretes también disfrutaron de un renacimiento al adoptar sonidos country, incluidos: los Everly Brothers ; el ex ídolo adolescente Ricky Nelson, que se convirtió en el líder de Stone Canyon Band; el ex Monkee Mike Nesmith, que formó First National Band ; y Neil Young . [37] Los Dillards fueron, inusualmente, un acto country, que se inclinó hacia la música rock. [37] El mayor éxito comercial del country rock llegó en la década de 1970, con artistas como los Doobie Brothers , Emmylou Harris , Linda Ronstadt and the Eagles (compuesto por miembros de Burritos, Poco y Stone Canyon Band), que emergieron como uno de los actos de rock más exitosos de todos los tiempos, produciendo álbumes que incluían Hotel California (1976). [39]
Los fundadores del rock sureño suelen ser los Allman Brothers Band , que desarrollaron un sonido distintivo, derivado en gran medida del blues rock , pero incorporando elementos de boogie , soul y country a principios de los años 1970. [40] El acto más exitoso que los siguió fue Lynyrd Skynyrd , quien ayudó a establecer la imagen de "Good ol' boy" del subgénero y la forma general del rock de guitarra de los años 1970. [40] Sus sucesores incluyeron a los instrumentistas de fusión/progresivo Dixie Dregs , los Outlaws con más influencia country , Wet Willie con inclinación al jazz y (incorporando elementos de R&B y gospel) los Ozark Mountain Daredevils . [40] Después de la pérdida de los miembros originales de los Allmans y Lynyrd Skynyrd, el género comenzó a perder popularidad a fines de la década de 1970, pero se mantuvo en la década de 1980 con actos como .38 Special , Molly Hatchet y The Marshall Tucker Band . [40]
El rock progresivo, a veces usado indistintamente con rock artístico , fue un intento de ir más allá de las fórmulas musicales establecidas al experimentar con diferentes instrumentos, tipos de canciones y formas. [41] Desde mediados de la década de 1960 , The Left Banke , The Beatles, The Rolling Stones y The Beach Boys, habían sido pioneros en la inclusión de clavicordios , secciones de viento y cuerdas en sus grabaciones para producir una forma de rock barroco y se puede escuchar en sencillos como " A Whiter Shade of Pale " (1967) de Procol Harum , con su introducción inspirada en Bach. [42] The Moody Blues utilizó una orquesta completa en su álbum Days of Future Passed (1967) y posteriormente creó sonidos orquestales con sintetizadores. [41] La orquestación clásica, los teclados y los sintetizadores fueron una adición frecuente al formato de rock establecido de guitarras, bajo y batería en el rock progresivo posterior. [43]
Los instrumentales eran comunes, mientras que las canciones con letras a veces eran conceptuales, abstractas o basadas en la fantasía y la ciencia ficción. [44] SF Sorrow (1968) de The Pretty Things y Tommy (1969) de The Who introdujeron el formato de las óperas rock y abrieron la puerta a los " álbumes conceptuales , que generalmente contaban una historia épica o abordaban un gran tema general". [45] El álbum debut de King Crimson de 1969, In the Court of the Crimson King , que mezclaba potentes riffs de guitarra y mellotron , con jazz y música sinfónica , a menudo se toma como la grabación clave en el rock progresivo, lo que ayudó a la adopción generalizada del género a principios de la década de 1970 entre las bandas de blues rock y psicodélicas existentes, así como entre los actos recién formados. [41]
A principios de los años 1960, Chubby Checker popularizó la moda del dance The Twist con su exitosa versión del éxito de R&B de Hank Ballard " The Twist ". [20]
Gerry Goffin y Carole King se convierten en un dúo muy influyente en la música pop, escribiendo numerosos éxitos número uno, incluida la primera canción en alcanzar el número uno de un grupo de chicas, The Shirelles , " Will You Love Me Tomorrow " y el éxito número uno de 1962, " The Loco-Motion ", que fue interpretado por Little Eva .
" Sugar Sugar " se convierte en un gran éxito para The Archies , definiendo el género bubblegum pop .
Los años 60 estuvieron marcados por el triunfo y la tragedia. El género siguió ganando difusión a nivel nacional a través de las cadenas de televisión, con series semanales y programas de premios que ganaron popularidad. Las ventas de discos siguieron aumentando a medida que nuevos artistas y tendencias se hicieron presentes. Sin embargo, varias estrellas importantes murieron en circunstancias trágicas, incluidas varias que fallecieron en accidentes aéreos.
El estilo musical predominante durante la década fue el Nashville Sound , un estilo que enfatizaba las secciones de cuerdas, coros, voces principales y estilos de producción vistos en la música country. El estilo se había vuelto popular por primera vez a fines de la década de 1950, en respuesta a la creciente invasión del rock and roll en el género country, pero tuvo su mayor éxito en la década de 1960. Artistas como Jim Reeves , Eddy Arnold , Ray Price , Patsy Cline , Floyd Cramer , Roger Miller , [51] y muchos otros lograron un gran éxito a través de canciones como " He'll Have to Go ", [52] " Danny Boy ", " Make the World Go Away ", " King of the Road ", [51] y " I Fall to Pieces ". El estilo country-pop también fue evidente en el álbum de 1962 Modern Sounds in Country and Western Music , grabado por el cantante de rhythm and blues y soul Ray Charles . Charles grabó versiones de estándares tradicionales de música country, folk y clásica en estilos pop, R&B y jazz. El álbum fue aclamado como un éxito crítico y comercial, y sería enormemente influyente en estilos de música country posteriores. [47] Las canciones del álbum que se lanzaron para difusión comercial y ventas de discos incluyeron " I Can't Stop Loving You ", " Born to Lose " y " You Don't Know Me ".
A finales de la década, el sonido de Nashville se volvió más pulido y simplificado, y se lo conoció como "countrypolitan". Tammy Wynette , Glen Campbell , Dottie West y Charley Pride se encontraban entre los principales artistas que adoptaron este estilo. Si bien George Jones , a principios de la década de 1960, uno de los creadores de éxitos más consistentes de la música country, también grabó música de estilo countrypolitan, su trasfondo siguió siendo puro honky tonk, cantando sobre desamor y soledad en muchas de sus canciones. Además, Marty Robbins demostró ser uno de los cantantes más diversos del género, [52] cantando de todo, desde country puro hasta western, pop y blues... e incluso hawaiano.
Johnny Cash , conocido como "El hombre de negro", se convirtió en uno de los músicos más influyentes de la década de 1960 (y, finalmente, del siglo XX). [52] Aunque grababa principalmente country, sus canciones y su sonido abarcaban muchos otros géneros, como el rockabilly, el blues, el folk y el gospel. Su música mostraba una gran compasión por las minorías y otras personas que eran rechazadas por la sociedad, incluidos los reclusos. Dos de los álbumes más exitosos de Cash se grabaron en vivo en prisión: At Folsom Prison y At San Quentin .
Durante la segunda mitad de la década de 1960, Pride, oriundo de Sledge, Mississippi , se convirtió en la primera superestrella afroamericana de la música country, un género prácticamente dominado por artistas blancos. Algunos de sus primeros éxitos, cantados con una suave voz de barítono y en un estilo que mezclaba el honky-tonk y el countrypolitan, incluyeron "Just Between You and Me", "The Easy Part's Over", " All I Have to Offer You (Is Me) " y una versión de " Kaw-Liga " de Hank Williams . Pride continuó teniendo éxito durante más de 20 años, acumulando 29 éxitos que llegaron al número uno en la lista Billboard Hot Country Singles .
Un estilo emergente, que tuvo sus raíces en la década de 1950 pero explotó en la corriente principal durante la década de 1960, fue el " sonido Bakersfield ". En lugar de crear un sonido similar a la música pop convencional, el sonido Bakersfield utilizó el honky tonk como base y agregó instrumentos eléctricos y un ritmo de fondo, además de elementos estilísticos tomados del rock and roll. Buck Owens , Merle Haggard y Wynn Stewart fueron algunos de los principales artistas que adoptaron este sonido y, a fines de la década de 1960, se encontraban entre los artistas de música country con mayores ventas.
Dolly Parton , oriunda de la ciudad de Locust Ridge, en las Montañas Humeantes , Tennessee, ganó exposición nacional en el programa The Porter Wagoner Show , que se transmitía a nivel nacional . Su estilo country biográfico con influencias de montaña y su personalidad sencilla le granjearon muchos seguidores, y su estrellato no haría más que empezar a crecer.
Además del programa sindicado The Porter Wagoner Show , se produjeron varios otros programas de televisión para permitir que la música country llegara a un público más amplio, como The Jimmy Dean Show a mediados de la década. A fines de la década, Hee Haw comenzó una carrera de 23 años, primero en CBS y luego en sindicación; Hee Haw , presentado por Owens y Roy Clark, se basó vagamente en la serie de comedia Rowan & Martin's Laugh In , e incorporó comedia junto con actuaciones del elenco del programa o artistas invitados del campo de la música country. Los programas de premios de la Academia de Música Country y la Asociación de Música Country se transmitieron por primera vez a fines de la década de 1960.
La década de 1960 estuvo marcada por la tragedia. Johnny Horton , que cantaba al estilo de las canciones de saga, murió en un accidente automovilístico en 1960. Un accidente aéreo el 5 de marzo de 1963 se cobró las vidas de Patsy Cline , Cowboy Copas y Hawkshaw Hawkins . Días después, Jack Anglin murió en un accidente automovilístico, mientras que Texas Ruby murió en el incendio de un remolque en Texas. En julio de 1964, Jim Reeves perdió la vida mientras pilotaba un avión cerca de Brentwood, Tennessee . Ira Louvin murió en un accidente automovilístico en 1965. El éxito superó varias de esas trágicas muertes, ya que tanto Cline como Reeves tuvieron muchos éxitos póstumos (con canciones grabadas previamente publicadas después de sus muertes) y disfrutaron de un gran número de seguidores durante muchos años.
En los años 60 se inició una tendencia hacia la proliferación de éxitos número uno en la lista Billboard Hot Country Singles, gracias a los métodos de recopilación de datos en constante cambio. Cuando comenzó la década de 1960, solo había cuatro canciones número uno encabezando la lista (cinco, si se cuenta " El Paso " de Marty Robbins), pero a mediados de los años 60, siempre había al menos una docena de canciones encabezando la lista anualmente. En 1967, hubo más de 20 canciones que alcanzaron el primer puesto por primera vez en un solo año calendario... y esa cifra solo seguiría aumentando durante los siguientes 20 años.
