Los laúdes son instrumentos musicales de cuerda que incluyen un cuerpo y "un mástil que sirve tanto como mango como medio para estirar las cuerdas más allá del cuerpo". [1]
La familia del laúd incluye no sólo laúdes de cuerda pulsada de mástil corto como el laúd , el oud , la pipa , la guitarra , la cítola , el gittern , el mandore , el rubab y el gambus y laúdes de cuerda pulsada de mástil largo como el banjo , el tanbura , el bağlama , el bouzouki , la veena , la tiorba , el archilaúd , la pandura , el sitar , el tanbur y el setar , sino también instrumentos de arco como el yaylı tambur , el rebab , el erhu y toda la familia de violas y violines . [1]
Los laúdes surgieron en la antigua Mesopotamia antes del 3100 a. C. o fueron traídos a la zona por antiguas tribus semíticas . Los laúdes eran laúdes perforados ; laúdes de mástil largo con un mástil hecho de un palo que se introducía en un cuenco tallado o de caparazón de tortuga, la parte superior cubierta con piel y cuerdas atadas al mástil y a la parte inferior del instrumento.
Curt Sachs , un historiador musical, situó los primeros laúdes en torno al año 2000 a. C. en su libro de 1941 The History of Musical Instruments . [2] Esta fecha se basó en la evidencia arqueológica de la que disponía en ese momento. El descubrimiento de un aparente laúd en un sello acadio , ahora en el Museo Británico , puede haber hecho retroceder la existencia conocida del laúd pulsado a alrededor del 3100 a. C. [3]
La existencia del laúd en el arte fue más evidente entre 2330 y 2000 a. C. (el segundo período Uruk ), cuando el arte tenía suficientes detalles para mostrar el instrumento con claridad. El instrumento se extendió entre los hititas , elamitas , asirios , mari , babilonios y hurritas . Hacia el año 1500 a. C., el laúd había llegado a Egipto, a través de la conquista, y había llegado a Grecia en el año 320 a. C., tanto a través de Egipto como de los vecinos orientales. El laúd también se extendió hacia el este; hoy en día se encuentran laúdes largos en todas partes, desde Europa hasta Japón y al sur de la India.
El laúd corto se desarrolló en Asia central o el norte de la India, en áreas que tenían conexión con Grecia, China, India y Oriente Medio a través del comercio y la conquista. El laúd corto con tapa de madera se trasladó al este, a China (como pipa), al sur, a la India (como vina), y al oeste, a Oriente Medio, África y Europa, como barbat y oud. A partir de estos dos instrumentos, y de los laúdes con tapa de piel conocidos hoy como rubabs y violines de cuerda pulsada, se desarrollaron otros instrumentos en Europa.
Los europeos tuvieron acceso a los laúdes de varias maneras. Las fuentes extranjeras llegaron a través de Bizancio , Sicilia y Andalucía . En el período analfabeto , aparentemente experimentaron con instrumentos de fabricación local a los que se hace referencia en documentos del Renacimiento carolingio . Esto se vio desbordado por los instrumentos que llegaron y los europeos desarrollaron familias enteras de laúdes, tanto de cuerda pulsada como de arco. [ cita requerida ]
Los instrumentos de la familia del laúd penetraron desde el este y sudeste de Asia a través de Asia central y Oriente Medio, pasando por el norte de África, Europa y Escandinavia. [ cita requerida ] En la actualidad, los instrumentos de la familia del laúd se utilizan en todo el mundo.
En teoría, las familias de instrumentos musicales descienden del arco musical .
Henri Breuil inspeccionó las cuevas de Trois Frères en Francia e hizo un grabado que intentaba reproducir una pintura rupestre de alrededor de 13.000 a. C. en un grabado litográfico en blanco y negro . [4] Su grabado mostraba una figura misteriosa, un "hombre camuflado para parecerse a un bisonte ", en medio de una masa de animales de manada, "arreando a las bestias y tocando el arco musical". [4] [5] [6] La obra de arte es confusa, y aquellos que intentan reproducir el arte en color han tenido que trabajar para lograr imágenes legibles. [5] [6] Una interpretación de la imagen del "mago-cazador" considera que su arco de caza es un arco musical , utilizado como un instrumento musical de una sola cuerda. [6] [7]
Ya sea que el arco de la ilustración de la cueva sea un instrumento musical o la herramienta de caza en una cacería paleolítica , los musicólogos han considerado la idea de que el arco podría ser un posible pariente o antepasado de los cordófonos , las familias de los laúdes, las liras, las arpas y las cítaras . [8] Curt Sachs dijo que había buenas razones para no considerar los arcos de los cazadores como probables arcos musicales. [9] Una de las razones era que los arcos musicales más antiguos conocidos medían 10 pies de largo, eran inútiles para la caza y que "los arcos musicales no estaban asociados con las creencias y ceremonias de los cazadores". [9]
Sin embargo, Sachs consideraba importantes los arcos musicales. Señaló que el nombre del laúd griego, pandûra , probablemente derivaba de pan-tur , una palabra sumeria que significa "arco pequeño". [10] Consideró que esta evidencia apoyaba la teoría de que el arco musical era el antepasado del laúd perforado. [10]
Los arcos utilizados para la música requerían un resonador , un objeto ahuecado como un cuenco, una calabaza o la boca de un músico, para producir un sonido audible. [9] Aunque el arco musical podía manipularse para producir más de un tono, se desarrollaron instrumentos a partir de él que usaban una nota por cuerda. [9] [8] Dado que cada cuerda tocaba una sola nota, agregar cuerdas agregó nuevas notas para familias de instrumentos como arpas de arco , arpas y liras . [8] A su vez, esto condujo a poder tocar díadas y acordes . [8] Otra innovación ocurrió cuando el arpa de arco se enderezó y se usó un puente para levantar las cuerdas del mástil , creando el laúd. [11]
Esta imagen del arco musical como arco de arpa es una teoría y ha sido cuestionada. En 1965, Franz Jahnel escribió su crítica afirmando que los primeros antepasados de los instrumentos de cuerda pulsada no se conocen en la actualidad. [12] Consideraba que el arco de arpa estaba muy lejos de la sofisticación de la civilización del cuarto milenio a. C. que tomó la tecnología primitiva y creó "arpas, liras, cítaras y laúdes técnica y artísticamente bien hechos". [12]
Los laúdes más antiguos tenían cuellos largos. Estos sobrevivieron hasta la era moderna como el tanbur , que según Sachs "conservó fielmente la apariencia externa de los antiguos laúdes de Babilonia y Egipto". [15] Sachs, uno de los creadores del sistema de clasificación de instrumentos musicales tan extendido en la actualidad, clasificó los laúdes largos en "laúd perforado" y "laúd de cuello largo". [1] El laúd perforado tenía un cuello hecho de un palo que perforaba el cuerpo (como en los antiguos laúdes de cuello largo egipcios y el moderno gunbrī africano ). [16] El laúd largo tenía un cuello adjunto e incluía el sitar , el tanbur y el tar ( dutār de 2 cuerdas, setār de 3 cuerdas, čatār de 4 cuerdas, pančtār de 5 cuerdas). [1] [15]
El musicólogo Richard Dumbrill utiliza hoy la palabra laúd de forma más categórica para hablar de instrumentos que existían milenios antes de que se acuñara el término "laúd". [17] Dumbrill documentó más de 3000 años de evidencia iconográfica de los laúdes en Mesopotamia, en su libro The Archaeomusicology of the Ancient Near East . Según Dumbrill, la familia del laúd incluía instrumentos en Mesopotamia antes del 3000 a. C. [3] Señala un sello cilíndrico como evidencia; que data de c. 3100 a. C. o antes (ahora en posesión del Museo Británico ) el -sello representa en un lado lo que se cree que es una mujer tocando un "laúd" de palo. [3] [18] Al igual que Sachs, Dumbrill vio la longitud como algo que distingue a los laúdes, dividiendo los laúdes mesopotámicos en una variedad larga y una corta. [19] Su libro no cubre los instrumentos más cortos que se convirtieron en el laúd europeo, más allá de mostrar ejemplos de laúdes más cortos en el mundo antiguo. Se centra en los laúdes más largos de Mesopotamia, varios tipos de cordófonos de mástil que se desarrollaron en todo el mundo antiguo: culturas griega , egipcia (en el Reino Medio ), iraní (elamita y otras), hitita , romana , búlgara , turca , india , china , armenia / cilicia . Nombra entre los laúdes largos, el pandura y el tanbur [20]
Los expertos que estudian a los pueblos de las civilizaciones antiguas de la región de Mesopotamia discuten sobre de qué pueblo proceden los pueblos de cuello largo. Entre los candidatos se encuentran los "semitas orientales" de Akkad , los pueblos de Elam y los "semitas occidentales". [21] Es probable que el instrumento fuera distribuido por los hititas , los hurritas y los casitas , en lugar de ser inventado por ellos. [21]
Existen ejemplos de 2334 a 2000 a. C. (periodo Uruk 3) en Ischali , Eshnunna ( Tell Asmar ), Kish , Mesopotamia, Irán, Irak, Tello y Susa . [ 22] Existen ejemplos posteriores de 2000 a 1500 a. C. (periodo Uruk 4). Se encontraron ejemplos en Khafage, Mari, Isin o Larsa , Irán, Babilonia, Tell Mamabaqat Siria, Susa y Alaca Huyuk . [22] En el periodo 5 de 1500 a 1000 a. C., los egipcios adquirieron el laúd y su arte también contribuyó a nuestro conocimiento, así como los laúdes reales encontrados en las tumbas.
Egipto— Los egipcios adquirieron el laúd con muchachas cantoras y bailarinas, como tributo de los territorios conquistados, como se muestra en una pintura de 1422 a. C. [23] La tradición de intercambiar intérpretes femeninas entre países perduró durante mucho tiempo.
China— En China, más de 11.000 esclavos especializados en entretenimiento, incluyendo música, danza e instrumentos, tenían su propia sección en la capital, Changan, durante la dinastía Tang (618-960 d. C.) [24] Los esclavos estaban entre los productos más comercializados por los comerciantes en la Ruta de la Seda y entre ellos había bailarines y músicos. [25] [26]
Arabia, Persia y los países islámicos: El comercio de muchachas cantantes ( qiyan ) entre los países del Cercano Oriente, acompañadas de sus instrumentos, dio a la música un "carácter internacional, interoriental", que se mezcló a medida que el Islam se extendía desde el archipiélago malayo en Asia hasta España. [27] Bajo los omeyas y los abasíes eran "muy competentes, no solo en música, sino en otros departamentos de la cultura" y eran entrenadas en escuelas por virtuosos. [28] En los "Días de la Idolatría" entre los árabes, las muchachas cantantes eran comunes, hasta la era de Mahoma (570-632 d. C.) [29] Eran parte "de la casa de cada árabe de posición social", y "asociadas a las tabernas para el entretenimiento de los visitantes". [29] En la década de 430 d. C., el rey persa Bahram Ghur visitó la corte de los gasánidas , donde escuchó a muchachas del Imperio bizantino y de Al-Hira cantar música desde sus hogares, acompañadas por el barbat , un instrumento de Asia Central . [27] Los instrumentos que acompañaban a las cantantes "perdieron su carácter regional" en el siglo VII d. C. [27] Cabe señalar que no todas las mujeres que cantaban y tocaban laúdes eran esclavas. Aunque lo utilizaba la realeza persa en los días anteriores a Mahoma, el harén no formaba parte de la cultura beduina en ese momento, y las mujeres libres "se unían a la música de las festividades familiares o tribales con sus instrumentos". [29] Era una época de los " árabes badawī ". Un pueblo secular entonces, para ellos "el amor, el vino, el juego, la caza, el placer de la canción y el romance ... el ingenio y la sabiduría" eran todos importantes. [29]
Sumerios, babilonios, casitas , asirios , persas y griegos gobernaron el área mesopotámica entre los ríos Tigris y Éufrates , donde los primeros ejemplos de laúdes han sobrevivido en obras de arte de arcilla y piedra. [30] Sachs describió los laúdes mesopotámicos como teniendo "cuerpos muy pequeños, cuellos largos con muchos trastes, dos cuerdas unidas sin clavijas y se tocaban con un púa". [31] El laúd largo entró en Egipto después de su conquista del suroeste de Asia , cuando comenzó a recibir tributo en forma de "muchachas cantantes y bailarinas con sus instrumentos", ilustrados en pinturas en Tell El-Amarna . [23]
Las pinturas de los laúdes egipcios son lo suficientemente detalladas como para proporcionar una mejor comprensión de los antiguos laúdes largos. Además, los laúdes originales sobrevivieron en tumbas, algunos aún con cuerdas adjuntas. Los laúdes egipcios perforados tenían un cuenco de madera tallada para el cuerpo del instrumento, "generalmente ovalado", cubierto con cuero crudo. Un palo que actuaba como el cuello del instrumento perforaba el cuerpo del instrumento. El palo se enhebraba a través de cortes en la parte superior del cuero crudo hasta el final del cuenco. Se unía a las cuerdas a través de una "abertura triangular cortada en la piel" en la parte inferior del cuenco. Además de estar tejido a través de la tapa de resonancia de piel, el palo estaba sostenido por debajo por "travesaños de madera" que corrían transversalmente por debajo del palo, hasta los bordes del cuenco a cada lado. [32] Las cuerdas estaban "enrolladas alrededor de la parte superior del mango" y atadas con correas, las borlas visibles en algunas obras de arte sobrevivientes .
Nora E. Scott dio más detalles sobre la construcción del laúd egipcio, diciendo que el laúd que perteneció a Har-Mose, 1500 a. C., tenía dos puentes, el puente triangular en la parte inferior, unido al palo y que sobresalía a través de la piel, y otro en el mástil. [33] [34] La cuerda pasaba por el segundo puente y se ataba al mástil con un cordón de lino para mantener su tensión. [33] El intérprete afinaba el laúd tirando de la cuerda con fuerza sobre el segundo puente y apretando el cordón de lino para sujetarla. [33] El segundo puente corresponde en función a la cejuela de una guitarra o mandolina. La piel de la tabla armónica podía tener hasta seis agujeros de sonido. [33]
Sachs señala una diferencia significativa entre los laúdes egipcios y otros laúdes perforados del mundo antiguo. Los laúdes no egipcios tenían un mango de palo que perforaba el cuenco en ambos extremos ( laúdes de espiga ), en lugar de tener un extremo apoyado dentro del cuenco ( laúdes de espiga ). [32] También tuvo en cuenta los instrumentos africanos con tapa de piel que sobrevivieron hasta el siglo XX, y señaló que los de Marruecos y Senegambia, como el gunbri, podrían ser descendientes. [32] Dijo que los instrumentos "degeneraron" de los instrumentos egipcios, pero luego se desarrollaron después de la conquista árabe del norte de África. [32] Otras diferencias que señaló incluyen diferentes formas de cuerpo, unir cuerdas a "clavijas laterales" (en lugar de atar las cuerdas directamente al mástil) y reducir el tamaño del instrumento. [32]
El laúd de mástil largo también llegó a Grecia. En el siglo V a. C., el laúd egipcio llegó a la escultura griega, reconocible como un laúd perforado, con un palo que se adentraba en un cuerpo ovalado, con un puente triangular en la base del instrumento y dos líneas de agujeros de sonido paralelos al palo, a cada lado de este. [36] Un siglo después, en Mantinea, el laúd perforado se cambiaría, con un mástil más ancho, algo más corto que el laúd de estilo egipcio anterior, pero todavía un instrumento de mástil largo, con el mástil más largo que la caja de resonancia. [37] Una segunda versión en Tanagra en el 200 a. C. fue tallada a partir de una sola pieza de madera, mástil y caja de resonancia, con forma de pera, muy similar a los laúdes cortos que llegaron más tarde desde Asia Central. [38] Otra forma más del pandura tendría un cuerpo triangular tallado de una sola pieza con piel estirada a través de él. [39]
Sachs describe el pandura como un instrumento con tres cuerdas, atadas al mástil ya que no había clavijas, y un cuerpo pequeño. [10] Los griegos llamaban al laúd por múltiples nombres, incluyendo trichordon (de 3 cuerdas) y pandura . [10] Considera este último nombre como evidencia de que el instrumento era extranjero en Grecia, introducido desde Oriente; el nombre se deriva de pan-tur , un nombre sumerio que significa arco pequeño . [10] Sachs dijo que el instrumento podría llamarse "alternativamente un instrumento asirio, uno capadocio y uno egipcio". [10]
Aunque existen ejemplos que se remontan a 1100 años, la pandura rara vez se incluyó en el arte griego y romano, en comparación con la cítara , el arpa y la lira . Una posible razón tenía que ver con los valores culturales. En Mesopotamia y Egipto, el laúd se había asociado con las bailarinas y con el entretenimiento. La cerámica sumeria y las estatuas de arcilla muestran que los intérpretes de laúd a menudo eran intérpretes desnudos, y la sexualidad formaba parte de la actuación. Las muchachas egipcias también están escasamente vestidas y bailan para sus señores y damas.
Un milenio después, en Roma, en el siglo V d. C., la pandura era un instrumento de clase baja que "se asociaba deshonrosamente con la frivolidad y las fiestas de bajo nivel". [40] Una historia sobre San Teodoulos el Estilita dice que fue puesto a prueba por Dios, obligándolo a asociarse con Cornelio el pandouros (tocador de pandura). Según la historia, "Teodoulos se horroriza al ser asociado con un hombre del teatro" y se horroriza aún más al encontrar a "Cornelio en el Hipódromo, sosteniendo su instrumento con una mano y con la otra, a una prostituta con la cabeza descubierta". [41]
La falta de obras de arte no significa necesariamente la ausencia del laúd en la sociedad romana y griega. Las imágenes que han sobrevivido de los intérpretes de pandura griegos y romanos pertenecen al arte de la alta sociedad. En las estatuas, las placas y un mosaico del palacio del emperador bizantino, los intérpretes aparecen vestidos y con dignidad. El arte, creado para las clases altas y adineradas, no muestra los lugares de clase baja donde Teodoulos se escandalizó.
![Pandura bizantina, representación del siglo VI d. C. en un mosaico del Gran Palacio de Constantinopla.[42] El instrumento tiene tres cuerdas y se toca con púa.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c7/Byzantine_Pandore.gif/1280px-Byzantine_Pandore.gif)
Los tanburs han estado presentes en Mesopotamia desde la era acadia , o el tercer milenio antes de Cristo . [44]
En Susa se han encontrado tres figurillas que datan del año 1500 a. C., y en las manos de una de ellas hay un instrumento parecido a un tanbur. [45] También hay una imagen en las rocas cerca de Mosul que data del año 1000 a. C. aproximadamente que muestra a unos intérpretes de tanbur. [45]
Tocar el tanbur era común al menos a finales de la era parta y en el período sasánida , [46] y la palabra 'tanbur' se encuentra en textos en persa medio y parto , por ejemplo en Drakht-i Asurig , Bundahishn , Kar-Namag i Ardashir i Pabagan y Khosrow y Ridag . [nota 1] [45]
En el siglo X d.C. Al-Farabi describió dos tipos de tanburs encontrados en Persia , un tunbūr de Bagdad , distribuido al sur y al oeste de Bagdad , y un tunbūr de Khorasan . [44] [45] Esta distinción puede ser la fuente de la diferenciación moderna entre los instrumentos árabes, derivados del tunbūr de Bagdad , y los encontrados en el norte de Irak, Siria, Irán, Sindh y Turquía, del tunbūr de Khorasan . [44]
El nombre persa se extendió ampliamente, y finalmente adoptó instrumentos de cuerda de mástil largo utilizados en la música de Asia Central, como la dombura y el tambur turco clásico, así como el tembûr kurdo . [44] [47] Hasta principios del siglo XX, los nombres chambar y jumbush se aplicaban a instrumentos en el norte de Irak. [44] En la India, el nombre se aplicó al tanpura (tambura), un laúd sin trastes. [44] Tanbur viajó a través de Al-Hirah hasta la península Arábiga y en el período del Islam temprano llegó a los países europeos. Tanbur se llamaba 'tunbur' o 'tunbureh/tunbura' en Al-Hirah, y en griego se llamaba tambouras , luego fue a Albania como tampura , en Rusia se llamó domra , en Siberia y Mongolia como dombra , y en el Imperio bizantino se llamó pandura /bandura. Viajó a través del Imperio bizantino a otros países europeos y fue llamado pandura, mandura, bandura, etc. [45]
Más tarde, el tanbur iraní (kurdo) se asoció con la música de Ahl-e Haqq , un movimiento religioso ghulat principalmente kurdo similar a una orden sufí , en las áreas kurdas y en las provincias de Lorestán y Sistán va Baluchistán de Irán , donde se lo llama 'tembûr'. [48]
Los persas tienen otro sistema de nombres para diferenciar los diferentes estilos del instrumento, utilizando la palabra tar con un número para el número de cuerdas o cursos de cuerdas. [49] Los instrumentos nombrados de esta manera incluyen el dutar (2 cuerdas/cursos), setar (tres cuerdas/cursos), cartar (4 cuerdas/cursos) y panctar (cinco cuerdas/cursos). [49] Un curso son varias cuerdas tocadas juntas, de modo que un setar puede tener 6 cuerdas en total, pero las cuerdas están divididas en tres filas o cursos.
Las clavijas de los laúdes largos son diferentes a las de los laúdes cortos (como el oud), en los que el clavijero tiene clavijas a las que se accede desde los lados. [49] En los laúdes largos, algunas se insertan desde el frente, otras desde el costado. [49] Sachs consideró que las clavijas eran una indicación de los orígenes mixtos del tanbur. Los elementos frontales y laterales provenían de instrumentos árabes/persas, las clavijas traseras de instrumentos turcos. [49]
La familia tanbur incluye
Los instrumentos que no se incluyen en esta lista brindan la oportunidad de pensar en la evolución de los instrumentos. Los primeros laúdes de mástil largo de Mesopotamia habrían tenido tapas de piel y cuencos sonoros que estaban tallados en madera o hechos de caparazón de tortuga. Hubo una divergencia; los tanburs modernos tienen tapas de madera, mientras que los rubabs tienen tapas de piel. Un instrumento se encontraba a caballo entre ambos, el laúd bizantino o copto. Estos parecen haber sido sucesores de la tradición del laúd largo de Oriente Medio, en la que participó Egipto. Tienen una tabla sonora de madera (un rasgo del tanbur), sin embargo, el mástil es hueco (un rasgo del rubab). También el laúd bizantino de Qasr Libya , en Libia, tiene púas en su parte superior, un rasgo del rubab. El laúd copto también se superpone con un instrumento que Curt Sachs llamó pandura, el instrumento ilustrado en el mosaico del palacio del emperador bizantino en Constantinopla.
Los otros laúdes largos que no se incluyen aquí debido a la orientación de su rubab son el dotara , el dramyin , el rawap y el pamiri rubab . Tienen tapas armónicas de piel y también pueden tener mástiles huecos.
El laúd está ligado a las matemáticas relacionadas con los tonos . A diferencia del arpa, en la que una cuerda produce una sola nota, una cuerda de laúd produce más de una nota. Al colocar un dedo sobre una cuerda, esta se divide en partes mensurables. La medición de esas partes conduce a proporciones matemáticas, útiles para colocar trastes en el mástil del laúd. [50] Un instrumento como el setar utiliza trastes móviles para tocar tonos enteros, semitonos y cuartos de tono.
No se sabe cuándo se empezaron a utilizar trastes. Algunas imágenes antiguas descubiertas en Oriente Medio, anteriores al año 1000 a. C., parecen mostrar trastes. Son poco frecuentes y la mayoría de las imágenes no muestran trastes en los laúdes primitivos. [51]
En 1907 se descubrió un raro ejemplar del siglo III d. C. en las ruinas de Niya , en Xinjiang (China): un laúd con el cuello roto y dos trastes de tripa intactos. [52] El cuello y el clavijero del laúd son similares al laúd pintado en la pared de la tumba n.º 5 de Dingjiazha (384-441 d. C. [53] ), que también tiene trastes. Las obras de arte budistas de los siglos VI al X d. C. en las cuevas de Mogao (558-907 d. C.) y Yulin (618-907 d. C.) parecen tener trastes. Algunos laúdes largos del Salterio de Utrech (c. 850 d. C.) en Francia también aparecen con trastes, al igual que las cítolas de España en las Cantigas de Santa María (c. 1280).
Richard Dumbrill habló sobre los primeros sistemas conocidos de notas musicales y lo que los hace sentir naturales. [54] Concluyó que lo que hace que un modo "se sienta intrínseco son siglos de uso". [54] Para los sumerios, natural era un sistema de cinco notas. [54] Para los acadios, natural era un sistema de nueve notas y luego un sistema de siete notas, "la base de nuestro sistema [occidental] moderno". [54]
Con una cantidad aparentemente infinita de tonos posibles para crear modos, los músicos tuvieron que elegir qué notas usar y cuáles tocar juntas. Una forma de poner orden en la cantidad infinita de tonos fue examinar la música con matemáticas.
Los sumerios, los acádios, los griegos y los persas usaban las matemáticas para crear notas que se utilizaban en laúdes, liras y otros instrumentos de cuerda. Partiendo de la idea de que una cuerda pulsada o frotada produce una nota, notaron la diferencia de tono cuando se detiene una cuerda. "El gran descubrimiento" fue escuchar la octava doble, que al dividir una cuerda por la mitad se produce una nota una octava por encima de la cuerda. [55] Escrito como una proporción de 2:1. [55]
Midieron las proporciones de las longitudes de las cuerdas en un lado y el otro de donde se presionaba la cuerda, creando proporciones. Esas proporciones les permitieron comparar sonidos, por ejemplo, intervalos de tercera, cuarta, quinta. Pudieron afinar una cuerda contra otra en esos intervalos en laúdes, liras, arpas, cítaras. Aquellos laúdes que tenían trastes les dieron la capacidad adicional de encontrar de manera confiable esos intervalos en una cuerda tocada, marcando puntos en el mástil a distancias espaciadas matemáticamente en función de las proporciones. A diferencia de los instrumentos modernos, donde los trastes pueden estar fijados permanentemente en el mástil, como en una guitarra, los instrumentos más antiguos usaban cuerdas de tripa atadas alrededor del mástil para los trastes, y esto hacía que sus instrumentos fueran ajustables. Los primeros músicos podían afinar sus instrumentos en diferentes modos . Los laudistas podían afinar las cuerdas en diferentes intervalos y podían ajustar aún más los trastes para los modos.
Los estudios occidentales han atribuido tradicionalmente a los griegos, incluido Pitágoras (c. 570 – c. 495 a. C.), el descubrimiento de esta matemática para determinar las notas en las cuerdas, llamada afinación pitagórica , [56] que cubre la afinación occidental basada en quintas y octavas perfectas . Sin embargo, a medida que los estudiosos modernos han analizado los textos cuneiformes, está claro que los griegos no fueron los primeros; el pensamiento registrado en Mesopotamia sobre las proporciones matemáticas de las cuerdas es anterior al pensamiento griego en al menos 1500 años. [57] Además, una forma de música escrita surgió de esa época, llamada canciones hurritas , actualmente la música escrita más antigua conocida, y se basa en modos de música, registrados en proporciones de cuerdas cuneiformes.
Una vez que los pensadores persas y árabes de los períodos omeya y abasí (siglos VII al XIII d.C.) tuvieron traducciones de manuscritos griegos, comenzaron a estudiar la música como una ciencia como parte de las "artes matemáticas".
Algunos músicos musulmanes llegaron a tener acceso a más de una escala creada matemáticamente, como la escala persa, la escala árabe y la escala pitagórica. [58]
La mezcla de culturas de Asia Central y Arabia produjo varios pensadores que escribieron sobre música, incluyendo algo sobre el laúd en sus obras, entre ellos Al-Kindi (c. 801 – c. 873), Ziryab (789–857), Al-Farabi (c. 872 – c. 950), Avicena (c. 980 – 1037) y Safi al-Din al-Urmawi (1216–1294). Escribieron en árabe, que se había convertido en la lengua franca útil de su tiempo, y participaron en la sociedad y la cultura musulmanas. No trabajaban únicamente en Oriente Medio; el Islam estaba muy extendido y algunos de los pensadores eran de Asia Central.
Los árabes tenían una escala musical, descrita por al-Farabi, que algunos utilizaron hasta el siglo XIII d. C. [59] Esa escala tanbar, que dividía la cuerda en "40 partes iguales", puede haber sido un vestigio de Babilonia y Asiria. [59] Sin embargo, los árabes comerciaron con los persas y los conquistaron, y adoptaron escalas persas para sus laúdes, de la misma manera que adoptaron los laúdes persas de mástil corto. [59]
Ziryab se trasladó de Bagdad a al-Andalus , donde fundó una escuela de música y fue uno de los primeros en añadir una quinta cuerda o curso al oud, "entre 822 y 852". [60] Al-Andalus, donde se estableció, se convertiría en un centro de desarrollo de instrumentos musicales para Europa.
Al-Kindi fue un erudito que escribió hasta 15 tratados relacionados con la música. Fue uno de los primeros en aplicar la teoría musical griega a los laúdes cortos de Asia Central y Arabia. [60] Añadió semitonos entre la cejuela y la primera cuerda. [60] También añadió una quinta cuerda a su laúd en Oriente, como Ziryab había hecho en Occidente. [60]
Al-Farabi "incorporó plenamente las obras de Aristóxeno y Ptolomeo en su teoría de los tetracordios", y escribió entre otros libros sobre diversos temas, el Kitab al-Musiqa al-Kabir , el Libro Mayor de la Música , en el que detallaba cómo afinar un laúd, utilizando proporciones matemáticas. [61] Dio instrucciones tanto para 10 trastes como para 12, indicando dónde colocar los trastes de cuerda de tripa atados (y movibles) en el mástil. [61] Su forma de afinar permitía una "afinación del laúd de 12 trastes, lo que da como resultado una escala de 'doble octava'", con 22 notas en cada octava. [61]
Aunque la evidencia iconográfica más antigua sobre los laúdes se refiere a laúdes largos en Mesopotamia y Egipto, algunos laúdes de mástil largo son más cortos que otros. Comparativamente, el pandura griego y bizantino es más corto que el tanbur, a pesar de que ambos son laúdes largos. Existen laúdes más cortos entre los laúdes de mástil largo actuales, incluidos el tanburica, el cura y el komuz.
Un laúd de mástil corto no tiene por qué ser necesariamente un laúd pequeño, ya que una guitarra o una pipa pueden ser instrumentos grandes. Las guitarras tienen una caja de resonancia tan larga como el mástil. Algunos miembros de la familia del rubab con sus cajas de resonancia largas encajan en el grupo de los laúdes de mástil corto.
La línea de laúdes de mástil corto se desarrolló al este de Mesopotamia, en Asia Central, en lugares como Bactria y Gandhara . Allí surgió un laúd corto con forma de almendra, llevado al este y al oeste por los comerciantes de Sogdiana, que se convirtió en la pipa china y el oud de Oriente Medio . [63] [64] [65] Curt Sachs habló sobre las representaciones de los laúdes de Ganhara en el arte, donde se presentan en una mezcla de "arte del noroeste de la India" bajo "una fuerte influencia griega". [66] Los laúdes de mástil corto en estas obras de arte de Gandhara fueron "el venerable antepasado de las familias de laúdes islámica, chino-japonesa y europea". [66] Describió los laúdes de Ganhara como teniendo un "cuerpo en forma de pera que se estrecha hacia el mástil corto, un portacuerdas frontal, clavijas laterales y cuatro o cinco cuerdas". [66]
Aunque los más antiguos pueden estar en la región de Gandhara, el norte de la India también tiene laúdes antiguos de mástil corto en esculturas, como uno encontrado en Pawāyā, Madhya Pradesh, India, que data del período Gupta , 400-499 d. C. [67] [68] El sur de la India también tiene imágenes tempranas de laúdes, incluyendo obras de arte del siglo II-III d. C. en la Estupa de Amaravati , donde un laúd de cuerpo grande y mástil corto está tallado en la escultura en relieve. Otra obra de arte del sur de la India que muestra un laúd se encuentra en la pintura de 450-490 d. C., Padmapani Bodhisattva en las cuevas de Ajanta .
Gran parte del desarrollo del laúd corto se produjo en la zona de Asia central entre India, China y Persia. Los primeros laúdes cortos se tallaban a partir de un único bloque de madera (monoxle), no se construían en una caja o en un cuenco como los laúdes modernos. Un ejemplo es el barbat , que se ha considerado ancestro tanto de los instrumentos con tapa de piel como el gambus como de los instrumentos más grandes con tapa de madera como el oud . Los nombres se reutilizaron o se utilizaron en múltiples instrumentos a lo largo de los milenios; el grupo rabab es un ejemplo de ello. La familia incluía instrumentos con forma de laúd corto, laúdes más grandes con múltiples cámaras (algunos cubiertos de madera, otros con piel), hasta laúdes de mástil largo que conservaban las múltiples cámaras de sonido y la piel sobre el cuenco. Algunos rababs se pulsaban, otros se tocaban con arco.
Se ha argumentado que Asia Central, una encrucijada de múltiples civilizaciones, Oriente Medio, Europa, China e India, podría constituir en sí misma un centro de la civilización mundial. [72] Fue descrita por el geógrafo griego, Estrabón , como "una tierra de 1000 ciudades". [73] Los pueblos allí podrían ser llamados vagamente iraníes , las tribus históricas, no solo ciudadanos del país moderno. Durante un período de siglos, Asia Central fue conquistada por personas de diferentes culturas, incluidos los griegos , los kushanos , varias tribus turcas , los persas (ellos mismos una tribu iraní), los árabes y los mongoles. El resultado fue una mezcla de las culturas, y Asia Central se volvió próspera a pesar de las invasiones.
Cuando los árabes conquistaron Asia Central, conquistaron una cultura que se especializaba en tomar cosas, evaluarlas para determinar su valor potencial y mejorarlas. Su hábito de evaluar se aplicaba a los productos para vender y a las ideas. [74] [75] Asia Central era pluralista y diversa y tenía algunas de las ciudades más grandes del planeta, con libros "numerosos y generalizados", y una alta tasa de alfabetización, en la que incluso las mujeres sabían leer y escribir. [76] La cultura de la alfabetización y la evaluación continuó después de que los árabes quemaran las bibliotecas de Asia Central (en un intento de acabar con las ideas rivales). [77]
El árabe se convirtió en una lengua franca, uniendo a Asia Central con el mundo académico musulmán más amplio. [78]
Al tener acceso a la filosofía griega, incluidos Platón y Aristóteles, mucho antes del Renacimiento europeo, los eruditos de Asia Central debatieron las ideas griegas y se involucraron en la ciencia y la filosofía. [79] [80] Crearon un clima de desarrollo intelectual que ayudó a generar el Renacimiento europeo. [79]
Entre los productos manufacturados y exportados a China se encontraban "laúdes, arpas, flautas transversales, instrumentos de cuerda pulsada y frotada, e incluso danzas de Asia Central". [81] [82] Uno de los pueblos, los sogdianos, fueron comerciantes exitosos durante siglos y viajaron a Europa, China e India. [83] Llevaron su música y danzas con ellos, y el remolino sogdiano se hizo popular en China. Otro grupo de Asia Central fue el pueblo de Kucha , cuya música y danzas fueron populares en la Corte Imperial, y que han sobrevivido en la Corte Imperial japonesa hasta la era moderna. [69]
Es probable que la pipa con forma de pera haya sido introducida en China desde Asia Central, Gandhara y/o India. [84] Se han representado laúdes con forma de pera en esculturas de Kusana del siglo I d. C. [85] [86]
Es posible que la pipa con forma de pera se haya introducido durante la dinastía Han y se la conozca como pipa Han. Sin embargo, las representaciones de las pipas con forma de pera en China solo aparecieron después de la dinastía Han, durante la dinastía Jin , a fines del siglo IV y principios del V. [87]
Se encontró una pequeña pipa en los murales de las tumbas de la provincia de Liaoning (遼寧), en el noreste de China. La fecha de estas tumbas es de finales del período Han oriental (東漢) o Wei (魏) (220-265 d. C.). Sin embargo, la pipa con forma de pera no llegó a China desde Dunhuang (敦煌, ahora en el noroeste de China) hasta el período Wei del norte (386-524 d. C.), cuando la antigua China comerciaba con los países occidentales a través de la Ruta de la Seda (絲綢之路). Se ha demostrado que los frescos de las cuevas de Dunhuang contienen una gran cantidad de pipas, y datan de los siglos IV y V. [88]
La pipa adquirió varios simbolismos chinos durante la dinastía Han: la longitud del instrumento de tres pies y cinco pulgadas representa los tres reinos (cielo, tierra y hombre) y los cinco elementos , mientras que las cuatro cuerdas representan las cuatro estaciones. [89]
Las representaciones de las pipas en forma de pera aparecieron en abundancia desde las dinastías del Norte y del Sur (420 a 589) en adelante, y las pipas desde esta época hasta la dinastía Tang recibieron varios nombres, como Hu pipa (胡琵琶), pipa de mástil curvo (曲項琵琶, quxiang pipa), algunos de estos términos, sin embargo, pueden referirse a la misma pipa. Aparte de la pipa de cuatro cuerdas, otros instrumentos en forma de pera introducidos incluyen la pipa wuxian de cinco cuerdas y mástil recto (五弦琵琶, también conocida como pipa Kuchean (龜茲琵琶)), [90] una versión de seis cuerdas, así como la hulei de dos cuerdas (忽雷). A partir del siglo III, durante las dinastías Sui y Tang, las pipas con forma de pera se hicieron cada vez más populares en China. En la dinastía Song, la palabra pipa se utilizaba exclusivamente para referirse al instrumento de cuatro cuerdas con forma de pera.
Otro tipo de laúd en China es el yueqin , un instrumento de cuerpo redondo con tapa y fondo planos. Según la tradición, el instrumento fue inventado en China durante los siglos III al V d. C., dinastía Jin . [92] El ruan , otro instrumento chino, es el antepasado del yueqin. [92] El período se superpone con el período de inmigración de antiguos pueblos chinos no Han y las invasiones, por grupos como los Cinco Bárbaros .
El yueqin es un tipo de ruan , que puede ser el laúd más antiguo de China. Los ruans pueden tener una historia de más de 2000 años, la forma más antigua puede ser el qin pipa (秦琵琶), que luego se desarrolló en ruanxian (nombrado por Ruan Xian, 阮咸), abreviado como ruan (阮).[1][2] En los textos chinos antiguos desde la dinastía Han hasta la dinastía Tang, el término pipa se usaba como un término genérico para varios cordófonos pulsados, incluido el ruan, por lo tanto, no significa necesariamente lo mismo que el uso moderno de pipa que se refiere solo al instrumento con forma de pera. Según los Anales de Pipa 《琵琶赋》 de Fu Xuan (傅玄) de la dinastía Jin occidental, la pipa fue diseñada después de la revisión de otros instrumentos de cuerda pulsada chinos de la época, como la cítara china, zheng (筝) y zhu (筑), o konghou (箜篌), el arpa china.[3] Sin embargo, se cree que el ruan puede haber descendido de un instrumento llamado xiantao (弦鼗) que fue construido por trabajadores en la Gran Muralla China durante la última dinastía Qin (de ahí el nombre de pipa Qin) utilizando cuerdas estiradas sobre un tambor de pellets.[4]
El antecedente del ruan en la dinastía Qin (221 a. C. - 206 a. C.), es decir, la pipa Qin, tenía un mástil largo y recto con una caja de resonancia redonda en contraste con la forma de pera de la pipa de las dinastías posteriores. El nombre de "pipa" está asociado con "tantiao" (彈挑), una técnica para tocar un instrumento de cuerda pulsada con la mano derecha. "Pi" (琵), que significa "tan" (彈), es el movimiento hacia abajo al pulsar la cuerda. "Pa" (琶), que significa "tiao" (挑), es el movimiento hacia arriba al pulsar la cuerda.[5]
El nombre actual de la pipa Qin , que es " ruan ", no se le dio hasta la dinastía Tang (siglo VIII). Durante el reinado de la emperatriz Wu Zetian (武則天) (alrededor de 684-704 d. C.), se descubrió un instrumento de cobre que se parecía a la pipa Qin en una antigua tumba en Sichuan (四川). [93] Tenía 13 trastes y una caja de resonancia redonda. Se creía que era el instrumento que al músico de Jin oriental (東晉) Ruan Xian (阮咸) le encantaba tocar. [94]
Aunque el ruan nunca fue tan popular como la pipa , el ruan se dividió en varios instrumentos más pequeños y más conocidos en los últimos siglos, como el yueqin (laúd "luna", 月琴) y el qinqin (laúd de la dinastía Qin, 秦琴). El yueqin , de mástil corto y sin orificios de sonido, se utiliza ahora principalmente como acompañamiento de la ópera de Pekín . El qinqin , de mástil largo , es miembro de los conjuntos cantoneses (廣東) y de Chaozhou (潮州). [95]
Los instrumentos musicales llegaron a China desde Asia central, como la pipa, o pueden haber sido inventados localmente, como la Qin-Pipa o el sanxian. China se convirtió en una fuente de instrumentos para (o comparte instrumentos en común con) otras culturas, incluidas Corea, Japón y Vietnam. Tres formas de clasificarlos son:
_-_Vietnam_Museum_of_Ethnology_-_Hanoi,_Vietnam_-_DSC02536.JPG/1280px-Dan_tam_(three-stringed_lute)_-_Vietnam_Museum_of_Ethnology_-_Hanoi,_Vietnam_-_DSC02536.JPG)
Bactria y Gandhara pasaron a formar parte del Imperio sasánida (224-651), el último imperio de los persas. Bajo el dominio sasánida, un laúd corto en forma de almendra de Bactria pasó a llamarse barbat o barbud, que se convirtió en el laúd o ud del mundo islámico posterior . [97] El laúd fue llevado desde Al-Hira en Persia a La Meca por Nadr ibn al-Harith , probablemente antes del 602 d. C. y fue adoptado por los Quraish , una tribu árabe mercantil . [98] Enseñó el instrumento y la canción (ghina, árabe: غِنَاء) que lo acompañaba a su pueblo, donde el instrumento y la canción "fueron adoptados por las muchachas cantantes". [98] Entre los primeros músicos que utilizaron el laúd se encuentran el persa [99] Sa'ib Khathir (fallecido en el 683 d. C.), que llevó el laúd a Medina, e Ibn Suraij en La Meca, de quien se dice que fue el primero en cantar canciones árabes con un laúd "construido al estilo persa" en el 684 d. C. [98] [100]
Cuando los omeyas conquistaron Hispania en el año 711 y crearon Andalucía , trajeron consigo su ud o quitra a un país que ya conocía una tradición del laúd bajo los romanos, la pandura .
Durante los siglos VIII y IX, muchos músicos y artistas de todo el mundo islámico acudieron en masa a Iberia. [101] Entre ellos se encontraba Abu l-Hasan 'Ali Ibn Nafi' (789-857), [102] [103] un destacado músico que se había formado con Ishaq al-Mawsili (fallecido en 850) en Bagdad y que se exilió en Andalucía antes del año 833 d. C. Enseñó y se le atribuye la incorporación de una quinta cuerda a su laúd [97] y el establecimiento de una de las primeras escuelas de música en Córdoba . [104]
En el siglo XI, las zonas musulmanas de España, o Al-Ándalus , se habían convertido en un centro de fabricación de instrumentos. Estos productos se extendieron gradualmente a Provenza , influyendo en los trovadores y trovadores franceses y, finalmente, llegando al resto de Europa. Mientras Europa desarrollaba el laúd, el laúd siguió siendo una parte central de la música árabe y también de la música otomana en general, y sufrió una serie de transformaciones. [105]
Además de la introducción del laúd en España por los moros, otro punto importante de transferencia del laúd de la cultura árabe a la europea fue Sicilia , donde fue traído por los músicos bizantinos o más tarde por los musulmanes. [106] Hubo cantantes-laudistas en la corte de Palermo después de la conquista normanda de la isla a los musulmanes, y el laúd está representado ampliamente en las pinturas del techo de la Capilla Palatina real de Palermo , dedicada por el rey normando Roger II de Sicilia en 1140. [106] La influencia siciliana aumentó a medida que los poetas toscanos visitaron Sicilia en el siglo XIII para participar de la cultura local. [106] Su nieto Hohenstaufen , Federico II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico (1194-1250), continuó integrando a los musulmanes en su corte, incluidos los músicos moros. [107] En el siglo XIV, los laúdes se habían difundido por toda Italia y, probablemente debido a la influencia cultural de los reyes y el emperador Hohenstaufen, con sede en Palermo, el laúd también había hecho incursiones significativas en las tierras de habla alemana.
Aunque la principal entrada del laúd corto se produjo en Europa occidental, dando lugar a una variedad de estilos de laúd, el laúd corto también entró en Europa por el este; ya en el siglo VI, los búlgaros trajeron la variedad de mástil corto del instrumento llamado Komuz a los Balcanes.
Además, el Imperio bizantino limitaba con Europa y Persia. El laúd de Asia Central, hoy de Oriente Medio, se puede ver en obras de arte bizantinas de los siglos IX y X. [108]
Instrumentos de los siglos XII y XIII aproximadamente en España y Sicilia, zonas conquistadas por los musulmanes y luego por los cristianos europeos. Las identidades de los instrumentos son conjeturas fundamentadas, incluso por parte de expertos, ya que ninguno de ellos estaba etiquetado y las descripciones históricas de los diferentes tipos son vagas. Los lugares donde las culturas interactúan son fuentes fértiles de nuevas ideas, donde la experimentación crea nuevos instrumentos, el mismo proceso que mezcla diferentes tipos de música para crear nueva música por fusión . Un proceso similar ocurrió en Asia Central, a lo largo de siglos de comercio repetido por parte de diferentes culturas y conquistas por parte de diferentes tribus.
Incluso después de que los musulmanes fueran conquistados en España o expulsados, el proceso de experimentación continuó, dando lugar a una serie de instrumentos europeos, incluida la guitarra. Un proceso similar ocurrió en Italia. Tanto España como Italia experimentaron con la viola o vihuela que dio lugar a violas de arco, violas vielles y guitarras . Otros experimentos dieron lugar a la cítola y la cítara o guitarra portuguesa , la gittern y la vandola (mandore, mandola) que también dieron lugar a la guitarra, pero también a la familia de las mandolinas . Los instrumentos españoles que sobrevivieron en las colonias españolas incluyen el tiple .
Los experimentos portugueses dieron lugar a la guitarra portuguesa y a otros instrumentos que hoy en día se pueden ver en lugares donde desembarcaron barcos portugueses, incluidos el cavaquinho y el ukelele .
En China, el huobosi (火不思), también llamado hubo (胡撥), y el sugudu (苏古笃), ambos de 4 cuerdas, todavía son tocados por el pueblo naxi . Las variantes históricas conocidas por escrito incluyen el shidurghū o sanxian (3 cuerdas clásicamente, 4 cuerdas modernas), qūpūz-e rumī (5 cuerdas dobles), qūpūz-e ozan (3 cuerdas simples) y rūdkhānī . [109]
Esta familia de instrumentos fusiona las culturas persa e india, y ha sido tocada por hindúes, budistas, musulmanes y zoastrianos . Los instrumentos comparten un nombre común, porque los sonidos vocálicos no siempre se indican en la escritura árabe. Las versiones de cuerda pulsada y de arco comparten el nombre.En las zonas que rodean el Himalaya se desarrollaron variaciones del rubab, parte de la cultura indopersa . Desde la India, hacia el norte a través de Pakistán, Nepal, hasta las áreas persas/turcas de Asia Central, se desarrolló un grupo de laúdes con púas y laúdes de doble pecho con tapa de piel. Hoy en día, estos incluyen instrumentos de cuerda pulsada y de arco, el sarod , el rubab , la sarinda , el rebab y el tungana .
Los instrumentos tenían una conexión con las culturas de los caballos de las estepas , que conquistaron desde China hasta Europa en oleadas de invasores. Se han encontrado imágenes de pueblos mongoles en el norte de China, hasta los pueblos turcos y persas en el norte de la India, Asia central e Irán. Al igual que el barbat y el laúd, estos instrumentos se extendieron tanto al este como al oeste. Se pueden encontrar en Nepal, el Tíbet, el sudeste asiático y China. Los instrumentos también viajaron a través de Arabia (y en barcos desde allí al sudeste asiático), a través del norte de África hasta la península Ibérica.
Se ha sugerido que el sanxian , una forma de laúd de punta , puede tener su origen en Oriente Medio , y también se encontraron formas más antiguas de laúd de punta en el antiguo Egipto. [111] Es posible que haya habido instrumentos similares en China ya en la dinastía Qin como qin pipa ( pipa se usaba como término genérico en la antigua China para muchas otras formas de cordófonos pulsados ) o xiantao (弦鼗). [111] [112] Algunos pensaron que el instrumento pudo haber sido reintroducido en China junto con otros instrumentos como el huqin por los mongoles durante la dinastía Yuan (1271-1368), [111] [113] sin embargo, se encontró una imagen de un instrumento similar al sanxian en una escultura de piedra que data del período Song del Sur (1217-79). El primer registro del nombre "sanxian" se puede encontrar en un texto de la dinastía Ming . [114] [113]
El instrumento se transmitió a otros países del este asiático, por ejemplo a Japón como shamisen . [115] [116]
En su libro The History of Musical Instruments , Sachs habló de un segundo tipo de laúd corto encontrado en el «Oriente Próximo islámico», tallado de una sola pieza de madera, sin mástil diferenciado y con un clavijero en forma de hoz. [117] También había un tipo con «un portacables inferior». [117]
Los instrumentos que se convertirían en el gambus con clavijero en forma de hoz viajaron hacia el este "hasta las Célebes en el sudeste asiático y hacia el sur hasta Madagascar frente a la costa este de África". [117] Otro investigador cree que también viajaron a través del océano Índico en barcos yemeníes, como el quanbus yemení. El gambus se encuentra entre los últimos de la familia de laúdes con tapa de piel. Sachs llama a los instrumentos gambus, kabosa y qūpūz. [117]
El gambus se toca con cuerdas pulsadas, pero muchas de las variantes se tocan con arco. Cuando el instrumento empezó a tocarse con arco, se lo denominó rabâb, un nombre que también se ha utilizado para los instrumentos de mástil largo con tapa de piel. [117] Las Cantigas de Santa María en el sur de España contienen ejemplos de instrumentos tanto de arco como de instrumentos sin arco.
Los primeros instrumentos viajaron hacia el oeste para ingresar a Europa a través de Andalucía y Europa del Este, donde se les dio una tapa de madera y se convirtieron en liras . En Yemen, el instrumento era conocido como quanbus. Viajó al sudeste asiático con los marineros yemeníes. Con el tiempo, algunos de estos instrumentos se entrelazaron con violines de púas. Se pueden encontrar variaciones de estos instrumentos en China, el sudeste asiático, Asia central y Europa.
Las variaciones incluyen los rebabs que se extendieron a través de las rutas comerciales islámicas en gran parte del norte de África , Oriente Medio , partes de Europa y el Lejano Oriente . [119] El Rebec europeo medieval , la Lijerica croata , la lira cretense , el Gadulka búlgaro y el Gudok ruso , el Gusle utilizado en Serbia, Rumania, Albania y Bulgaria, el Kemenche del Mediterráneo oriental y el Kamancheh persa , el Kobyz kazajo y el Ektara bangladesí son variaciones.
Estos pueden desdibujar la línea entre instrumentos de mástil largo y de mástil corto. La caja de resonancia es, en algunos casos, tan larga que efectivamente aumenta la longitud de escala del instrumento, como un mástil largo.
.JPG/1280px-'By_@ibneAzhar'-BaltitFort-Hunza-GB-Pakistan-_(99).JPG)
Entre los laúdes modernos de la India se encuentran el sitar , el tanpura y el saraswati veena .
The sitar is currently believed to have developed from tanburs during Muslim rule in the north, after 1192 AD[121][122] The Saraswati veena was developed in about 1600-1634 during the reign of Raghunatha Nayak.[123] It was developed from the "barbed rabab" of the Moghul courts, with the tuning, frets, upper resonator, string and running coming from the native stick-zither instruments such as the kinnari vina.[123]
However, this is not to say India was unfamiliar with lutes earlier in its history. Images of Indian lutes exist, both short necked and long necked instruments as far back as the Shunga Empire in the 2nd century B.C.
In the north of India a lute from the first century AD may be seen in a Mathuran sculpture.[124] In the 1st–4th centuries AD., lutes traveled with Buddhists in Northern India along the Silk Road and can be seen in sculptures in Gandhara, where Buddhism mixed with Hellenism.
In the south of India, images at the Ajanta Caves (450–490 A.D.) and Pawaya (4th–5th century A.D.) also show the instruments in years approaching the medieval period. Sculptures by Buddhist and Hindu cultures at Champa (Cham culture), Ku Bua, Thailand (Dvaravati culture), and Borobudur, show Indian cultural influence and images of lutes dating to the 7th through the 9th century A.D.
Southeast Asia consists of countries connected to the continent, such as Vietnam, Cambodia, Thailand, Burma, Laos, as well as island nations such as Indonesia and Malaysia and New Guinea. During the first millennium AD, Southeast Asia has had connections to India, Africa, China, Melanesia and the Arab Peninsula. Musical instruments can be grouped by geographic location, ethnicity or religion; all of these have had an effect on what instruments are used in a community.
Speaking of Southeast Asia, Curt Sachs said its history began "in the first centuries A.D. when it became an immense, though loosely knit, Indian colony. Hinduism and Buddhism spread throughout what are now Burma, Cambodia, Thailand, Vietnam, all the way to China."[125]
Austronesians navigated an area from Easter Island to Madagascar, setting up the Maritime Silk Road though Southeast Asia. The Austronesians, who included the Javanese and Sumatrans, passed on the catamaran and outrigger boat to South India and Sri Lanka about 1000-600 BC and reached China c. 220-200 BC.[126][127][128]
The waterways became international as ships from the Islands sailed all the way to India and Madagascar, and Indian ships sailed the other direction. Southeast Asia formed ties to India as early as the 4th century BC.[129] About a millennium later, Hindu and Buddhist kingdoms were formed in Southeast Asia. These included Champa (192–1832 AD), the Khmer Empire (802–1431 AD), Dvaravati (6th-11th century AD), and the Shailendra dynasty (8th-11th century AD, ruling the Mataram Kingdom and Srivijaya).
These cultures produced carved stone reliefs, which reveal musical instruments used in the cultures, including lutes. Lutes been seen in artwork at ruins in Thailand's Ku Bua (c. 650-700 AD), Vietnam's Mỹ Sơn (c. 850s AD), and Malaysia's Borobudur (9th century). The smaller oval bodied lutes resemble lutes from India in the Gupta period in the 4th and 5th centuries AD, and also the biwa family.[125][130]
Modern boat lutes in the island regions of Southeast Asia include the Sapeh from Borneo, the Sumatran Hasapi and Philippine Kutiyapi. The history of these has not been fully documented, but musicologists look to India for origins. Hans Brandeis, a researching musicologist working with the Philippine Kutiyapi lutes, considers the instrument could have traveled to the Philippines by way of Myanmar, Cambodia and Thailand. He pointed out similarities between the alligator zithers of those countries, such as the Chakhe or Mi gyaung and the boat lutes, including the way they are strung with a melody and drone string, movable frets and a plectrum tied to a finger to play. Another feature in common is the way the alligator zithers and boat lutes are made, carved out of a log from the back, leaving a wooden soundboard intact in the front.[133]
After the fall of Borobudur, Indian influence declined.[125] The arrival of Muslim traders and communities would add further influences to the region's music as Muslim communities were established throughout the region. Immigrants from Yemen brought with them the qanbūs a skin-topped lute.
The instruments were "transmitted" from the Muslim world to the Malay at an undermined time. Links to the Middle East begin as early as the 5th or 6th centuries AD, with trading networks and occupation in the 15th century. Experts have tentatively given dates for the instruments' arrival between the 9th and 15th centuries AD. In looking for origins, musicologists have also noted some similarities with the Chinese pipa.[134][135]
Following a new wave of immigrants from Yemen in the 18th century, the term gambus began being applied to an instrument resembling the oud with a wood soundboard, instead of the skin soundboard of the other gambus and the qanbus.
Africa today retains the largest variety of skin-topped pierced lutes, in which the neck is a stick that penetrates the body of the instrument. In some, the neck pokes out the bottom and strings are attached there. Others have the neck end within the instrument's body, edge of the neck's end poking up through the skin, securing the strings. These are not merely instruments brought in from outside and copied across generations, but include instruments that originate from local designs. Ultimately the banjo was one of these.
_avec_leur_geumbri.JPG/1280px-Gnaouas_d'Oran_(Alg%C3%A9rie)_avec_leur_geumbri.JPG)
The European lute and the modern Near-Eastern oud descend from a common ancestor via diverging evolutionary paths. The lute is used in a great variety of instrumental music from the Medieval to the late Baroque eras and was the most important instrument for secular music in the Renaissance.[140] During the Baroque music era, the lute was used as one of the instruments which played the basso continuo accompaniment parts. It is also an accompanying instrument in vocal works. The lute player either improvises ("realizes") a chordal accompaniment based on the figured bass part, or plays a written-out accompaniment (both music notation and tabulature ("tab") are used for lute). As a small instrument, the lute produces a relatively quiet sound.
Medieval lutes were 4- or 5-course instruments, plucked using a quill as a plectrum. There were several sizes, and by the end of the Renaissance, seven different sizes (up to the great octave bass) are documented. Song accompaniment was probably the lute's primary function in the Middle Ages, but very little music securely attributable to the lute survives from the era before 1500. Medieval and early-Renaissance song accompaniments were probably mostly improvised, hence the lack of written records.
In the last few decades of the 15th century, to play Renaissance polyphony on a single instrument, lutenists gradually abandoned the quill in favor of plucking the instrument with the fingertips. The number of courses grew to six and beyond. The lute was the premier solo instrument of the 16th century, but continued to accompany singers as well.
By the end of the Renaissance the number of courses had grown to ten, and during the Baroque era the number continued to grow until it reached 14 (and occasionally as many as 19). These instruments, with up to 26–35 strings, required innovations in the structure of the lute. At the end of the lute's evolution the archlute, theorbo and torban had long extensions attached to the main tuning head to provide a greater resonating length for the bass strings, and since human fingers are not long enough to stop strings across a neck wide enough to hold 14 courses, the bass strings were placed outside the fretboard, and were played open, i.e., without pressing them against the fingerboard with the left hand.
Over the course of the Baroque era the lute was increasingly relegated to the continuo accompaniment, and was eventually superseded in that role by keyboard instruments. The lute almost fell out of use after 1800. Some sorts of lute were still used for some time in Germany, Sweden, Ukraine.
Spain had bowed instruments as early as the 10th and 11th centuries AD, when they were included in Spanish manuscripts, such as the Commentary on the Apocalypse Beatus of Liébana Emilianense Codex.[144][142]
The Byzantines had a bowed lute called a "kamānģa rūmī" in the east, also known as the Byzantine lira in "Greece, Bulgaria and Yugoslavia".[144] The instrument still has a presence in the Eastern Mediterranean, in Southern Italy as the Calabrian lira, in Bulgaria as the gadulka, in Greece, Iran, Turkey, Armenia, and regions adjacent to the Black Sea the kemenche, in Dalmatia as the lijerica.
Sachs said that the Byzantine lyra would become the main bowed instrument in Europe, eventually becoming the "fiddle, vièle, [and] viola".[144] The rebec also had a presence in Europe, but was not derived from the lyra but from the rabâb.[144]
The word cythara was used generically for a wide variety stringed instruments of medieval and Renaissance Europe, including not only the lyre and harp but also necked, string instruments.[145] In fact, unless a medieval document gives an indication that it meant a necked instrument, then it likely was referring to a lyre. It was also spelled cithara or kithara and was Latin for the Greek lyre.[145] However, lacking names for some stringed instruments from the medieval period, these have been referred to as fiddles and citharas/cytharas, both by medieval people and by modern researchers. The instruments are important as being ancestors to or influential in the development of a wide variety of European instruments, including fiddles, vielles, violas, citoles, guitars. Although not proven to be completely separate from the line of lute-family instruments that dominated Europe (lute, oud, gittern, mandore), arguments have been made that they represent a European-based tradition of instrument building, which was for a time separate from the lute-family instruments.
Images showing instruments that have been labeled "cythara" in the medieval documents that they came from. Their lineage is not clearly understood. The Rylands Beatus instruments come from Spain, and may link to the Arabian/Muslim traditions of instrument making there, or be a form of plucked-fiddle, similar to those seen in Central Asia (an area that the Persians and Arabs conquered and picked up musical traditions from.)
The traditions of other cytharas are less understood and may represent a time of European experimentation, in which the cithara-lyre was transformed into the cythara-lute.
The gittern was a relatively small gut strung round-backed instrument that first appears in literature and pictorial representation during the 13th century in Western Europe (Iberian Peninsula, Italy, France, England). It is usually depicted played with a quill plectrum,[146] as we can see clearly beginning in manuscript illuminations from the 13th century.[147]
It was also called the guitarra in Spain, guiterne or guiterre in France, the chitarra in Italy and quintern in Germany.[148] A popular instrument with court musicians, minstrels, and amateurs, the gittern is considered ancestral to the modern guitar and possibly to other instruments like the mandore and gallichon.[149]
From the early 16th century, a vihuela shaped (flat-backed) guitarra began to appear in Spain, and later in France, existing alongside the gittern. Although the round-backed instrument appears to have lost ground to the new from which gradually developed into the guitar familiar today, the influence of the earlier style continued. Examples of lutes converted into guitars exist in several museums, while purpose-built instruments like the gallichon utilised the tuning and single string configuration of the modern guitar. A tradition of building round-backed guitars in Germany continued to the 20th century with names like gittar-laute and Wandervogellaute.
The mandore (or mandola in Italian) is a musical instrument, a small member of the lute family, teardrop shaped, with four to six courses of gut strings[150] and pitched in the treble range.[151] It was considered a new instrument in French music books from the 1580s,[152] but is descended from and very similar to the gittern.[149] It is considered ancestral to the modern mandolin. Other earlier instruments include the medieval European citole[153] and the Greek and Byzantine pandura.
The history of modern mandolins, mandolas and guitars are all intertwined.[150] The instruments shared common ancestor instruments.[154] Some instruments became fashionable widely, and others locally. Experts argue as to the differences; because many of the instruments are so similar but not identical, classifying them has proven difficult
The Cantigas de Santa Maria shows 13th-century instruments similar to lutes, mandores, mandolas and guitars, being played by European and Islamic players. The instruments moved from Spain northward to France[155] and eastward towards Italy by way of Provence.
Like the earlier gittern, the mandore's back and neck were in earlier forms carved out of a block of wood.[156] This "hollowed out construction" did still exist in the 16th century, according to James Tyler, but was becoming rare.[156] The method was being replaced by gluing curved staves together to form back, and adding a neck and peg box.[156]
The modern acoustic guitar comes from a long evolution of stringed musical instruments. It has often been claimed that the guitar is a development of the medieval instrument vihuela as evolution of ancient lute.
Although the word guitar today indicates a specific musical instrument family, centered around the acoustic guitar, in the past it has been used in English about members of the cittern family as well, for example the English guitar and Portuguese guitar.
Further, the ancestor instrument of the citterns, the cytole, came from Spain during the period that one of the ancestors of the guitar, the gittern, was being played. It also has been confused with the Guitarra latina from the early period of instrument development in Spain, and no clear relationship nor distinction has been formed about these guitar ancestors or cousins.
Gitterns, a small plucked guitar were the first small guitar-like instruments created during the spanish Middle Ages with a round back like that of a lute.[157] Modern guitar shaped instruments were not seen until the Renaissance era where the body and size began to take a guitar-like shape.
The earliest string instruments that related to the guitar and its structure were broadly known as the vihuelas within Spanish musical culture. Vihuelas were string instruments that were commonly seen in the 16th century during the Renaissance. Later, Spanish writers distinguished these instruments into two categories of vihuelas. The vihuela de arco was an instrument that mimicked the violin, and the vihuela de penola was played with a plectrum or by hand. When it was played by hand it was known as the vihuela de mano. Vihuela de mano shared extreme similarities with the Renaissance guitar as it used hand movement at the sound hole or sound chamber of the instrument to create music.[158]
By 1790 only six-course vihuela guitars (six unison-tuned pairs of strings) were being created and had become the main type and model of guitar used in Spain. Most of the older 5-course guitars were still in use but were also being modified to a six-coursed acoustical guitar. Fernando Ferandiere's[159] book Arte de tocar la guitarra espanola por musica (Madrid, 1799) describes the standard Spanish guitar from his time as an instrument with seventeen frets and six courses with the first two 'gut' strings tuned in unison called the terceras and the tuning named to 'G' of the two strings. The acoustic guitar at this time began to take the shape familiar in the modern acoustic guitar. The coursed pairs of strings eventually became less common in favor of single strings.[160]
Finally, c. 1850, the form and structure of the modern guitar is credited to Spanish guitar maker Antonio Torres Jurado, who increased the size of the guitar body, altered its proportions, and invented the breakthrough fan-braced pattern. Bracing, which refers to the internal pattern of wood reinforcements used to secure the guitar's top and back and prevent the instrument from collapsing under tension, is an important factor in how the guitar sounds. Torres' design greatly improved the volume, tone, and projection of the instrument, and it has remained essentially unchanged since.
The citole was a string musical instrument, closely associated with the medieval fiddles (viol, vielle, gigue) and commonly used in Europe from 1200–1350.[161][162][163] The earliest representations of the instrument are in sculpture in Spain and Italy, with Spain having the most. Another link to Spain is the similarity to plucked fiddles in the Spanish Beatus Apocalypse manuscripts, such as the Ryland Beatus. Examples of these plucked fiddles trace back to Central Asian art, such as the Airtam Frieze. This artwork is too distant in time to be considered a relative, though it is very similar to many citoles.
The one surviving citole has a hollowed neck, a feature of the rubabs and Coptic lute.
Although it was largely out of use by the late 14th century, the Italians "re-introduced it in modified form" in the 16th century as the cetra (cittern in English), and it was possibly ancestral to the Spanish guitar as well.[164][165][166] Three possible descendant instrument are the English guitar, Waldzither, Portuguese guitar and the Corsican Cetera, all types of cittern.
The cittern or cithren (Fr. cistre, It. cetra, Ger. zitter, zither, Sp. cistro, cedra, cítola)[1] is a stringed instrument dating from the Renaissance. Modern scholars debate its exact history, but it is generally accepted that it is descended from the Medieval citole (or cytole). It looks much like the modern-day flat-back mandolin and the modern Irish bouzouki. Its flat-back design was simpler and cheaper to construct than the lute. It was also easier to play, smaller, less delicate and more portable. Played by all classes, the cittern was a premier instrument of casual music-making much as is the guitar today.
By the late 15th century, small guitar shaped instruments were appearing in Spain and Italy. The instruments were smaller than lutes, which separates them from the later vihuela, which they resembled. As these took over from the gittern, they began to be called guitars in the 16th century. The use of these newer guitars overlapped with the older gittern, which may have seen occasional use into the 18th century.[167]
Known by modern musicologists as the "Renaissance four-course guitar", the instrument was contemporary with the lute and the vihuela.[168] The instruments were called violas by the French and Italians.[167] As the instruments were developed in Italy, Spain and France, they grew larger, while the Portuguese kept making the smaller guitars, and still called them violas.
The instrument remained popular enough for music to be published for it in England and Italy into the 17th century, and Spain into the 18th century.[168]
The vihuela was a guitar-shaped instrument that existed at the same time as the 4-course and 5-course guitars, tuned as a lute, with moveable gut frets. Its resemblance to the guitar has caused speculation that it might be related. However the 4-course guitar predates the vihuela, and that was the instrument was which was modified to create the 5-course guitar.
The guitar was an instrument of popular music; the vihuela was an instrument for the "virtuoso player".[170] Vihuela was used as a word in Spain starting in the 13th century.[170] The instrument was popular in Spain in the 15th and 16th centuries. In Italy and Portugal it was called viola.[170]
There were several different types of vihuela (or different playing methods at least):
Plucked vihuelas, being essentially flat-backed lutes, evolved in the mid-15th century, in the Kingdom of Aragón, located in north-eastern Iberia (Spain). In Spain, Portugal, and Italy the vihuela was in common use by the late 15th through to the late 16th centuries. In the second half of the 15th century some vihuela players began using a bow, leading to the development of the viol.[171]
The vihuela faded away, along with the complex polyphonic music that was its repertoire, in the late 16th century. The vihuela's descendants that are still played are the violas campaniças of Portugal. Much of the vihuela's place, role, and function was taken up by the subsequent Baroque guitar (also sometimes referred to as vihuela or bigüela).[171]
Today, instruments like the tiple are descendants of vihuelas brought to America in the 16th century.[171]
The Baroque guitar (c. 1600–1750) is a string instrument with five courses of gut strings and moveable gut frets.[172] 5-course guitars were used in Italy by the late 1400s.[168] Like the 4-course guitar and the vihuela, this instrument could also be called viola or vihuela and use the variations, such as viola da mano, vihuela del mano.[168]
The "Hispano-Italian guitar" was made fashionable in the 17th century by Italian actors, working in Paris.[173] It was first an instrument of aristocrats, inspired by the actors, and later it became an amateur instrument.[173]
The Baroque guitar replaced the Renaissance lute as the most common instrument found in the home.[174][175] The earliest attestation of a five-stringed guitar comes from the mid-sixteenth-century Spanish book Declaracion de Instrumentos Musicales by Juan Bermudo, published in 1555.[176] The first treatise published for the Baroque guitar was Guitarra Española de cinco ordenes (The Five-course Spanish Guitar), c. 1590, by Juan Carlos Amat.[177][178] The baroque guitar in contemporary ensembles took on the role of a basso continuo instrument and players would be expected to improvise a chordal accompaniment. Several scholars have assumed that the guitar was used together with another basso continuo instrument playing the bass line.[179] However, there are good reasons to suppose that the guitar was used as an independent instrument for accompaniment in many situations.[180] Intimately tied to the development of the Baroque guitar is the alfabeto system of notation.
.tif/lossless-page1-1280px-Antonio_de_Torres_(cropped).tif.png)
In the second half of the 18th century, the doubled strings of the 5-course guitar began to become single strings, and by the end of the century, the 5-string guitar was out of fashion, in favor of the 6-string guitar. Examples of the new instrument with its additional low E string were seen in Spain (by 1780), Italy, France and England.[168]
By the second half of the 19th century, luthier Antonio de Torres Jurado (1817–1892) had created the modern classical guitar.[168] Ignacio Fleta (1897–1977) and Hermann Hauser Sr. (1882–1952) have also been linked to creating fine early versions of the instrument in the 20th century.[181][182][183]
Both Spain and Portugal took their instruments with them overseas. Spanish instruments were related to the vihuela. The Portuguese cavaquinho also was the forerunner of a family of instruments.
Even after the Muslims were conquered in Spain or driven out, the process of experimentation continued, leading to a number of European instruments, including the guitar. A similar process occurred in Italy. Both Spain and Italy experimented with the viol or vihuela which led to bowed viols, violas vielles, and guitars. Other experiments led to the citole and cittern or Portuguese guitar, the gittern and vandola (mandore, mandola) which also led to the guitar, but also to the mandolin family. Spanish instruments that survived in Spanish colonies include the tiple.
The Portuguese violas are a collection of instruments shaped like a classical guitar but smaller. Although the body is shaped like an "8", these instruments are not descended from the guitar. While the modern guitar was introduced in Portugal in the 18th century from France and has 6 simple strings, the Portuguese violas are older, were developed from the Iberian vihuela, are smaller and have 5 courses of double strings. Due to the widespread use in Portugal of the word "viola" to designate the guitar, it is common to call these violas "violas of 10 strings". However, there are no records of being called "10-string guitars".
Some of them are on the verge of extinction, but others continue to enjoy great popularity, despite being restricted to the interpretation of popular music. From Portugal, these instruments were taken to Brazil.
Violas native to Portugal include the Viola Braguesa, Viola Amarantina, Viola Toeira, Wire Viola, Viola Campaniça, and Viola Beiroa.
In Brazil, the viola became the viola caipira, while the classical guitar was called the violão. The viola caipira is an instrument of the Brazilian rural music while the violão an instrument of urban life.
Brazilian violas include the
Portuguese experiments led to the Portuguese guitar, and other instruments seen today in places that Portuguese ships landed. There are several forms of cavaquinho used in different regions and for different styles of music. Separate varieties are named for Portugal, Braga (braguinha), Minho (minhoto), Lisbon, Madeira, Brazil, and Cape Verde; other forms are the braguinha, cavacolele, cavaco, machete, and ukulele.
The ukulele originated in the 1880s, based on several small guitar-like instruments of Portuguese origin, the machete,[184] the cavaquinho, the timple, and the rajão, which were introduced to the Hawaiian Islands by Portuguese immigrants from Madeira and Cape Verde.[185] Three immigrants in particular, Madeiran cabinet makers Manuel Nunes, José do Espírito Santo, and Augusto Dias, are generally credited as the first ukulele makers.[186] Two weeks after they disembarked from the SS Ravenscrag in late August 1879, the Hawaiian Gazette reported that "Madeira Islanders recently arrived here, have been delighting the people with nightly street concerts."[187][184] The instrument gained great popularity elsewhere in the United States during the early 20th century and from there spread internationally.
A tiple (literally treble or soprano) is a plucked-string chordophone of the guitar family. The first mention of the tiple comes from musicologist Pablo Minguet e Irol in 1752. David Pelham says of the Colombian tiple: "The tiple is a Colombian adaptation of the Renaissance Spanish vihuela brought to the New World in the 16th century by the Spanish conquistadors. At the end of the 19th century, it evolved to its present shape.
The tipple of Puerto Rico is the smallest of the three string instruments of Puerto Rico that make up the orquesta jibara (i.e., the Cuatro, the Tiple and the Bordonua). According to investigations made by Jose Reyes Zamora, the tiple in Puerto Rico dates back to the 18th century. It is believed to have evolved from the Spanish guitarrillo. There was never a standard for the tiple and as a result there are many variations throughout the island of Puerto Rico including the most common tiple doliente, two smaller tiples (the tiple requinto and tiple vihuela), the larger tiplón or tiple con macho, and the largest tiple grande de Ponce.
The Puerto Rico bordonua resembles the old 17th century Spanish guitars, possibly including the Bajo de la Una.[188] There were also special melodic Bordonuas that were used during the 1920s and 1930s as accompaniment to melody instead of the bass role. These were oddly tuned like a Tiple. This configuration is no longer used on the island. They are also related to the Spanish renaissance Vihuela, brought to the Island by conquering Spanish.
The cuatro is a family of Latin American string instruments played in Cuba, Puerto Rico, Venezuela and other Latin American countries. The instrument's 15th-century predecessors were the Spanish vihuela and the Portuguese cavaquinho. Although some have viola-like shapes, most cuatros resemble a small to mid-sized classical guitar. In Puerto Rico and Venezuela, the cuatro is an ensemble instrument for secular and religious music, and is played at parties and traditional gatherings.[189]
The bandurria was the Spanish version of the mandore, and the modern instrument is thus related to the mandolin family. The similarity of the instruments affects the history of other instruments from South and Central America; a variety of instruments exist called bandolas. At least one, the bandola andina colombiana, is related to the bandurria. The others are not clear at this time, and possibilities include mandolin family instruments such as the mandola or the cittern family. These were all present in Spain and Portugal during the colonization era. The bandolas have multiple courses of strings, like the bandurrias, mandolins and citterns.
Juan Ruiz first mentioned the term "mandurria" in the 14th century in his Libro De Buen Amor.[190] After that, Juan Bermudo gave the description of the bandurria in his "Comiença el libro llamado declaraciõ de instrumentos" as a three-string instrument in 1555, but he also mentioned other types with four or even five strings.
It had become a flat-backed instrument by the 18th century, with five double courses of strings, tuned in fourths.[191] The original bandurrias of the Medieval period had three strings. During the Renaissance they gained a fourth string. During the Baroque period the bandurria had 10 strings (5 pairs).
There are also many different varieties of bandurria in South America, especially Peru and Bolivia. They have four courses, unlike the traditional Spanish six courses.[192] The four courses are double, triple or quadruple, and the tuning is guitar-like, rather than the fourths tuning used on the Spanish type.[193] In Lima, Peru, harp and bandurria duos were common in the early 20th century. Nowadays people there still play bandurria accompanying with the popular vals peruano, or vals criollo.[194]
The Philippine harp bandurria is a 14-string bandurria used in many Philippine folkloric songs, with 16 frets and a shorter neck than the 12-string bandurria.[192] This instrument probably evolved in the Philippines during the Spanish period, from 1521 to 1898.
Larger instruments gave developed in the bandurria family including the Mexican bandolón and several instruments called bandola from Venezuela, Colombia and Peru. These include the Bandola llanera, bandola andina colombiana, bandola oriental, bandola guayanesa, and bandola Andina (or bandola Aymara or Peruvian bandola).
In the 17th and 18th centuries, Mexican artisans built several types of instruments with double strings in three, four, five, six, seven and eight courses, influenced by their Spanish ancestors. Descendants of these instruments are bandolon, guitarra séptima, quinta huapanguera, jarana jarocha, concheras, and guitarra chamula, among others.[195]
Although the Mexican vihuela has the same name as the historic Spanish plucked string instrument, the two are distinct. The Mexican vihuela has more in common with the Timple Canario (see: timple) due to both having five strings and both having vaulted (convex) backs. The Mexican vihuela is a small, deep-bodied rhythm guitar built along the same lines as the guitarrón. The Mexican Vihuela is used by Mariachi groups.
Although similar to a guitar, the Guitarrón mexicano was developed from the 16th-century Spanish bajo de uña ("fingernail[-plucked] bass").
The guitarra panzona, guitarra túa or guitarra blanca is a Mexican guitar —with six strings and deep body. This guitar is sometimes substituted by a guitarron. It provides a tubby sounding rhythm for calentano music, accompanying violin, guitar and tamborita.[196]
A Guitarra de golpe is a type of 5-string guitar designed in Mexico. The perked once had a distinct traditional shape that is designed to look like a stylised owl with wooden pegs, but nowadays this is sometimes replaced with a guitar or vihuela style headstock with machine heads. For a while during the 20th century, the Guitarra De Golpe fell into disuse in traditional Mariachi groups, and was replaced by the Classical guitar. It has now however been revived.
The huapanguera, guitarra quinta huapanguera or guitarra huapanguera is a Mexican guitar-like instrument that usually forms part of a conjunto huasteco ensemble, along with the jarana huasteca guitar and violin. Because of its large body and deeper structure, the huapanguera is able provide a much deeper sound compared to a regular acoustic guitar.[197] Here it takes on the role of the bass instrument using a rhythmical strumming technique. Its physical construction features a large resonating body with a short neck.
The jarana huasteca, jarana de son huasteco or jaranita is a string instrument. It is most often called simply jarana. It is a guitar-like chordophone with 5 strings. It is smaller than the guitarra huapanguera and usually forms part of the trío huasteco ensemble, along with the quinta huapanguera and violin, taking on the role of the rhythmical accompaniment to the ensemble.
The bajo quinto is probably a descendant of the Italian baroque chitarra battente.[195]
The manufacture of bajo quinto and sexto reached a peak in quality and popularity in the 19th century in central and southern Mexico, in the states of Guerrero, Michoacán, Morelos, Puebla, Oaxaca, and Tlaxcala.[198]
In Mexico, the Concheras lute tradition may date to the Spanish Conquest in the 16th century. Native Americans imitated the European instruments, making their own.[199] Sounds boxes were made from armadillo shells, from calabash gourds, and from strips of wood like the lute. The dancers who use the Concheras (also known as conchas) call them "Mecahuehuetl" (from Nahuatl: Meca(tl) = chord + Huehue(tl)= old one "drum"). The tradition is rooted in the Otomi, Jonaz, Chichimeca, and Caxcan tribes.
As Christians tried to suppress the native's religion, the instruments became a tool to preserve music.[199] Early Concheros dancers were able to incorporate the precolumbian dance and drum rhythms into the music made on the guitars and lutes.[199] A traditional conchero can tell which step should be carried out by how the melody is being strummed on the conchas.
Modern instruments include the mandolina conchera, vihuela conchera, and guitarra conchera. The vihuela and guitar types are tuned using reentrant tuning, each course having two strings an octave apart.
The charango was developed in what is now Bolivia and Peru. Adapted from European styles such as vihuela and round-backed mandolin (or earlier types such as bandurria or mandore). Native Americans have been credited with using armadillo hide to create a round back, which is made of wood in modern times. The instrument is widespread throughout the Andean regions of Bolivia, Peru, Ecuador, northern Chile and northwestern Argentina, where it is a popular musical instrument that exists in many variant forms.
Two sizes are common: The smallest is the Walaycho (also hualaycho, maulincho, or kalampiador) with a scale typically around 30 cm long (up to about 56 cm with mechanical tuners). It has ten strings, which may be of metal, nylon, or nylon fishing line, arranged in five courses of two strings each. The Charangón (also charangone) is larger, in effect a tenor charango. About 75 cm long by 22 cm wide with a 42–51 cm scale.
A flat-backed version has been developed, the hatun charango or "grand charango", an extended-range charango developed in Peru in the modern era. It has either seven or eight strings, all set in single string courses except for the third course, which is double-strung.
Henri Breuil surveyed the cave ... a detailed study was published by H.Breuil and R.Begouen of the hundreds of engraved drawings in the deep gallery known as the 'Sanctuary'. ... Its walls are filled with some 280 engraved (often superimposed) images of bison, horses, stags, reindeer, ibexes, and mammoths.
[Concerning a pair of images below the text; the top image is a line drawing showing a herd of animals drawn over one another with the hunter and bow in the pack; the other image is a photo of the cave wall with that image, enhanced to show the hunter and animals directly in front of him distinctly:] En Les Trois Frères destacaría su estilo tan naturalista. ... Es famosa la escena que del hombre camuflado como un bisonte, ¿Un chamán o un cazador?, que persigue o conduce a otros animales y que he destacado del conjunto superpuesto de abajo. [translation: In Les Trois Frères I would highlight his naturalistic style. ... The scene is famous, that of the man camouflaged to resemble a bison, (a shaman or a hunter?), that pursues or leads other animals, and that I have stood out from the set superimposed below.]
a semi-human figure dances in the midst of the animals ... herding the beasts and playing a musical bow. He wears the head and fur of a bison with human legs.
A cave-painting in the "Trois Frères" cave in France dating from about 15,000 years ago. The magician-hunter plays the musical bow.
There have been some uncertain presumptions concerning the "invention" of the bowed harp. ... The "musical bow" conjectured by many music scholars is not definitely recognizable in any cave paintings. The fact that some African negroes held the end of their bow shaped harp in their mouths in order to improve the tone ... should not be taken as proof that the first European bowmen were also conversant with the musical bow.
The long-necked lute would have stemmed from the bow-harp and eventually became the tunbur; and the fat-bodied smaller lute would have evolved into the modern Oud ... the lute pre-dated the lyre which can therefore be considered as a development of the lute, rather than the contrary, as had been thought until quite recently. ... Thus the lute not only dates but also locates the transition from musical protoliteracy to musical literacy.
The long-necked lute in the OED is orthographed as tambura; tambora, tamera, tumboora; tambur(a) and tanpoora. We have an Arabic Õunbur; Persian tanbur; Armenian pandir; Georgian panturi. and a Serbo-Croat tamburitza. The Greeks called it pandura; panduros; phanduros; panduris or pandurion. The Latin is pandura. It is attested as a Nubian instrument in the third century BC. The earliest literary allusion to lutes in Greece comes from Anaxilas in his play The Lyre-maker as 'trichordos'. ... According to Pollux, the trichordon (sic) was Assyrian and they gave it the name pandoura. ... These instruments survive today in the form of the various Arabian tunbar.
The scale-fee tax receipts do not cover sales of animals or slaves, two of the most frequently traded goods on the Silk Road
.jpg/1280px-Orthostaten_(14731138433).jpg)
![Instrumento desconocido de la familia del laúd, 723-743 d. C.[43] Qusayr 'Amra. En la época de la pintura, la cultura bizantina y la islámica se estaban mezclando.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/10/Bear_with_lute-family_instrument.jpg/1280px-Bear_with_lute-family_instrument.jpg)
.jpg/1280px-Shubha_Mudgal_in_playing_the_Tanpura_(2527339532).jpg)
_(2).jpg/1280px-China_(2482258684)_(2).jpg)
.jpg/1280px-Biwa_(1).jpg)
.jpg/1280px-Bipa_(Korean_musical_instrument).jpg)
![China, yueqin del sur o posiblemente un zhongruan (中阮, lit. "ruan mediano"), 1960. Los yueqins del sur tenían cuellos largos, a diferencia de los del norte. Este instrumento carece de los grandes agujeros de sonido que son característicos del ruan. Estos instrumentos están siendo recuperados en Taiwán.[91]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a4/Blind_girl_sing_for_a_living_in_Jiufeng.jpg/1280px-Blind_girl_sing_for_a_living_in_Jiufeng.jpg)
.jpg/1280px-Dan_Nguyet_(Vietnamese_moon_lute).jpg)
![Camboya, Chapei dong veng (ចាប៉ីដងវែង) y Tailandia grajabpi (กระจับปี่), c. 1880. Origen incierto: China (ruan o yueqin), islámico (rubab o tanbir), India ("chapei deriva del sánscrito kacchap(î)", caparazón de tortuga, utilizado como cuenco sonoro).[96]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/65/Cambodian_musician_playing_Chapey,_1880.jpg/1280px-Cambodian_musician_playing_Chapey,_1880.jpg)
![Laúd vietnamita. Posiblemente relacionado con el laúd dong veng de Chapei, ya que ambos son heptatónicos.[96] También comparte características con algunos laúdes de barco de Indonesia y Malasia: tiene la parte posterior abierta.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/74/Man_playing_a_%C4%91%C3%A0n_%C4%91%C3%A1y.jpg/1280px-Man_playing_a_%C4%91%C3%A0n_%C4%91%C3%A1y.jpg)
_(4).jpg/1280px-Flickr_-_dalbera_-_Huong_Thanh_Trio,_(mus%C3%A9e_Guimet,_Paris)_(4).jpg)
.jpg/1280px-Cantigas_de_Santa_Maria_(fragment).jpg)
,_fol._5r,_detail.jpg/1280px-Vielles_and_Citole,_Manuscript_T_(El_Escorial,_Biblioteca_del_Real_Monasterio,_MS._T._I._1),_fol._5r,_detail.jpg)
.jpg/1280px-Guitarra_morisca_(Chitarrino_Arabo).jpg)
,_Metropolitan_Museum_of_Art.jpg/1280px-Rabab_ca._1885_Indian_(north),_Metropolitan_Museum_of_Art.jpg)
_(28873179047).jpg/1280px-Luth_dranyen_(mus%C3%A9e_d'ethnographie,_Neuch%C3%A2tel,_Suisse)_(28873179047).jpg)
.jpg/1280px-Uyghur_satar_or_sataer_(%D8%B3%D8%A7%D8%AA%D8%A7%D8%B1).jpg)
![India, in Ajanta Caves, Cave 1, c. 450-490 AD. Kinnara with "kacchapī veena" (Sanskrit for "tortise veena") or panchangi veena (5-stringed veena). Part of the painting Bodhisattva Padmapani.[131][132][note 2]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/43/Kinnara_with_kachchapa_veena,_part_of_the_Bodhisattva_Padmapani,_Cave_1,_Ajanta,_India.jpg/1280px-Kinnara_with_kachchapa_veena,_part_of_the_Bodhisattva_Padmapani,_Cave_1,_Ajanta,_India.jpg)
.jpg/1280px-Gandavyuha_-_Level_3_Balustrade,_Borobudur_-_115_West_Wall_(8601288269).jpg)
,_Mindanao,_wood,_Honolulu_Museum_of_Art.jpg/1280px-Lute_(kutyapi),_Mindanao,_wood,_Honolulu_Museum_of_Art.jpg){kind=small}
.jpg/1280px-Chef_de_Touman%C3%A9a_(Guin%C3%A9e).jpg)
![Niger and northern Nigeria. Fulani musician playing a gourd bodied garaya. The Hausa also make the instrument, with a wood body.[136][137]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ed/Garaya.jpg/1280px-Garaya.jpg)
![Northern Nigeria, 2008. Hausa musicians playing bass lutes (probably babbar garaya or komo[138]) and one playing the goge bowed lute. The Gbagyi call the instrument kaburu.[139]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5a/Goje_players_from_Northen_Nigeria.jpg/1280px-Goje_players_from_Northen_Nigeria.jpg)
_-_MIM_PHX_(2022-04-06_02.20.56_by_Terry_Ballard).jpg/1280px-Imzad_(bowd_spike_lute,_20th_century,_Tuareg_people,_Ahaggar_Region,_Algeria)_-_MIM_PHX_(2022-04-06_02.20.56_by_Terry_Ballard).jpg)
_and_Metal_Scraper_(Cuba)_-_Met_Museum_of_Art,_New_York,_NY.jpg/1280px-Charango_(Mexico)_and_Metal_Scraper_(Cuba)_-_Met_Museum_of_Art,_New_York,_NY.jpg)
{{cite journal}}: Cite journal requires |journal= (help)We must also include slaves. ... Above all, in the Chinese capitals the Sogdians specialized in the importation of young female servers, musicians, singers and dancers who pleased the fashionable quarters of Chang'an.
the oldest surviving guitar-like instrument is a tanbur from Egypt, dating back to circa 1500 BC. This instrument is a fretted lute with three strings, a long neck and a pear-shaped sound box. It was owned by a court singer by the name of Har-Mose, who sang for the Egyptian queen Hatshepsut.
[see image, top of page] Akin to the Egyptian lutes, the pandoura seen here appears to a hollowed-our wooden body and animal skin head (soundtable), with two lines of small soundholes running parallel on either side of the instrument's stick neck. The conventional wisdom is that the pandoura was a 3-stringed lute, as were the Egyptian lutes. Even more remarkable is the pandoura's triangle-shaped tailpiece, which is also pretty much the same as those found on the Ancient Egyptian lutes.
[see image, second from top] The Mantineia Base (c. 330–320 BC), shows a muse playing a variant of the pandoura with an elongated triangle body. The top of the neck finishes in an inverted triangle as well.
[see image, 4th image] Tanagra, Greece (c. 3rd century BC). This lute is a small instrument with a narrow pear-shaped body that has a shallow bowl-back.
[see 3rd image] Tanagra, Greece (c. 3rd Century BCE) ... one being played by Eros, the terracotta figurine seen on top right from Eretria, Greece (c. 330–200 BC). Eros' pandoura also has an elongated triangle body.
It apparently had somewhat of a disreputable association with frivolity and low merry-making and was considered to be an instrument best suited for the tavern rather than "polite society". Likewise, unlike the lyre, the pandura seems to have been an instrument favored by professional musicians who performed the vernacular "pop" music of the day.
VIII.3 Asterius' inscription, 113,. ... The profession is among those listed by K. Mentzou, quoting, most revealingly, the life of St Theodoulos the Stylite; when God is testing the saint, he tells him that he will inherit the Kingdom with Cornelius the pandouros from the city of Damascus. 6 Theodoulos is horrified at being associated with a man from the theatre, τοῦ ἀπὸ σκήνης; and he is even more horrified when he goes to Damascus and finds Cornelius at the Hippodrome, holding his instrument with one hand, and with the other, a bareheaded prostitute.
Inscription II in ancient Kufic script, discovered during the restoration, has allowed the construction to be dated and attributed to Al-Walid II ... dated with some certainty before he ascended the throne in 743
Fragment of a wooden lute. This is only the neck of the instrument, the body has not survived ... There are marks showing at the top of the fingerboard where two strands of gut, probably with a third strand on top of them to raise the height of the strings, served as a nut. The surviving doubled strand of gut was a fret, and the slightly thicker single strand may have been a fret for higher notes ... Registration number 1907,1111.90
[Information about the magazine article this ran in is at www.xueshu.com/hl/201410/3683520.html]
{{cite book}}: CS1 maint: postscript (link)Before we continue with Al-Farabi's 12-fret 'ud tuning — which results in a 22-tone "double-octave" scale ... Al-Farabi concludes 'After these, no note of the 'ud remains which needs to be reproduced. In each octave, there are twenty-two notes; and these are all the notes used by the 'ud. Some of them are more frequently used than others.'
Gandhāra School. The Indian Museum, Calcutta houses the largest collection of Gandhāra Sculptures in India. ... The Grey Schist or slate stone sculptures hail mainly from the region lying between Eastern Afghanistan and Northern Pakistan (Peshwar and Rawalpindi districts) and belong to the Gandhāra School which flourished from about the 1st century BC to the 6th century AD. Stucco and teracotta were also used as media from about the 3rd century AD. The art was at its zenith under the patronage of the Kuṣaṇ kings. ... Text adapted from a sign in the Indian Museum
A door lintel from Pawaya in Gujari Mahal Museum
4th–5th century, Pawaya, now in Gwalior museum Clear closeup of door lintel
{{cite web}}: External link in |quote=Sogdian Whirl ...took the Tang capital by storm. Not only the emperor, but his favorite concubine, the infamous Yang Guifei-- along with her 'favorite,' the 400 pound Sogdian-Turk An Lushan could perform this exotic dance, snacking on Lychees from Canton and sipping grape wine out of Roman cut glass goblets ... Persian melodies, played on Persian lutes and harps, Indian dances and music and those from the Northern steppes and Korea. ... the music and dance of Kucha.
Photo of another statuette of camel with musician-riders, bearded foreigers (Sogdian), one with a lute.
{{cite web}}: External link in |quote={{cite book}}: CS1 maint: postscript (link){{cite book}}: CS1 maint: postscript (link){{cite book}}: CS1 maint: postscript (link)All these tactics were means to the end of wiping out local religions and spreading the faith of Muhammed...of more lasting consequence was Quatayba's systematic destruction of books and religious literature...works on astronomy, history, mathematics, genealogy, and literature...Writing in the 11th century, the great scientist Biruni rued this destruction as a crime against an ancient culture.
It is true that most, but not all, of Central Asia's thinkers in this era wrote in Arabic. Indeed, the adoption of Arabic as a single lingua franca for intellectual interchange throughout the Islamic world was of huge importance to the creation of an international marketplace of ideas...
...this was an age of polymaths, of individual thinkers who accumulated truly encyclopedic bodies of knowledge and then went on to make original contribution to as many as six or more different fields...German scholar Adam Mez declared that the humanism of the European Renaissance would have been impossible without this earlier explosion of philosophical inquiry in Central Asia...
an exchange of letters...Abu Rayhan al-Biruni...Ibn Sina...the letters...attest to the vitality of intellectual life in Bukhara and Central Asia during the last days of Samanid rule...blunt questions on Aristotle...defended the Greek thinker's [Aristotle's] view that...
[quoting Susan Whitfield's 'Life Along the Silk Road'] 'Music, song and dance,' says Whitfield, 'were Silk Road commodities, bought and sold like silver and jade. Itinerant dance troops from India, Burma, Cambodia and Sogdiana performed at both the royal court and the public marketplace in every silk road town.'
{{cite book}}: CS1 maint: postscript (link)the guitar-like yueqin ... has been falling out of use due to the rise in popularity of the guitar, piano and various Western orchestral instruments. ... Yueqin is a broad term used to describe a number of related instruments that originated in mainland China. The Taiwanese version, which has two strings and a long guitar-like neck, grew out of the merging of several such instruments. ...
阮咸，亦秦琵琶也，而項長過於今制，列十有三柱。武太后時，蜀人蒯朗於古墓中得之，晉竹林七賢圖阮咸所彈與此類同，因謂之阮咸。
we read in al-Aghānī that Sā'ib Khāthir was the first person that brought the lute to Madīna after Islām.
[image caption:] Byzantine ivory carving (9th–10th century) part of four panels. Hessisches Landesmuseum, Darmstadt No. Kg. SU. 215
...the qopuz historically belongs to a larger family of instruments known from textual sources of West and Inner Asia, which are all leather-bellied, plucked lutes that include the shidurghū, rubāb, qūpūz-e rumī, qūpūz-e ozan, and rūdkhānī...the shidurghū, the classical form of the modern Mongolian shudraga/shidurgu, a three-stringed, long-necked lute with a skin-covered sound-chest,...the shidurghū of [ca. 1435]... Four strings are mounted on this instrument. [The sound-chest of this lute] is long, and half of its surface is covered with skin...
「今次三弦，始於元時」(The Sanxian originated in the Yuan dynasty
the pear-shaped short lutes ... resemble not only the lutes represented on the Indian art works about 500 A.D., but also the Sino-Japanese lutes of the biwa family.
The findings of agate and carnelian beads from the excavations of Ban Don Ta Phet [Thailand] indicate the earliest maritime contacts between India and Southeast Asia datable to 4th century B.C. ... maritime contact between India and Southeast Asia is dateable to the 4th century B.C. on the basis of radiocarbon dates
Kinnara playing Kachchapa Vina, Padmapani Panel, Cave 1
Or that there's a representation of the Panchangi veenai (5-stringed veena) in Ajanta caves dating back to 480-600 AD?
The gambus may have developed over the centuries in alam Melayu, however, the striking resemblance to qanbus or barbat, supports the theoty that it was an "imported" instrument rather than being indigenous to alam Melayu albeit now modified and adapted ... the gambus Hadhramaut was a later arrival to alam Melayu as the 'ud only arrived in Yemen in the 19th century.
Semi-Spike Lutes...
garaya [plural garayu] (Hausa: Nigeria) (two strings)...
garaya [garayaaru, garayaaji] (Fulani [Fulbe]:Cameroon) (two strings; gourd body)
Semi-Spike Lutes...komo [babbar garaya (literally "big garaya")] (Hausa: Nigeria) (two strings; gourd body)
Semi-Spike Lutes...kaburu (Gwari [Gbari, Gbagyi]: Nigeria) (three strings)
By far the most popular household solo instrument of the Renaissance was the lute
first evidence of a bowed instrument is found in Spanish manuscripts of the tenth and eleventh centuries ... tall, about a man's height ... resembled a bottle with a cork; the lower end was cut off square.
The citole is definite ancestor of the cittern.
Now it is well known that the Greeks and Romans adopted many of the instruments which they found in popular use throughout Asia Minor ... this instrument with vertical incurved sides and flat back was brought into Southern Europe, the first name given to the Guitar in medieval times being Guitare Latine. ... In this way, and popularized by the troubadours and minstrels, the Guitar reached our country in the thirteenth century.
[Laurence Wright, quoting Tinctoris:] that [instrument], for example, invented by the Spanish which both they and the Italians call the viola, but the French the demi-luth. This viola differs from the lute in that the lute is much larger and tortoise-shaped, while the viola is flat, and in most cases curved inwards on each side.
Viola da mano can be regarded as an Italian equivalent to the Spanish vihuela. The most obvious difference between the two seems to be only the shape of their bodies: C-shape cuts with pointed corners on the viola da mano and figure-of-eight body shape on the vihuela.
