El violín , conocido coloquialmente como violín , [a] es un cordófono de madera y es el instrumento ( soprano ) más pequeño y, por tanto, de tono más alto, de uso habitual en la familia del violín . Existen instrumentos tipo violín más pequeños, incluidos el violino piccolo y la pochette , pero prácticamente no se utilizan. La mayoría de los violines tienen un cuerpo de madera hueco y comúnmente tienen cuatro cuerdas (a veces cinco ), generalmente afinadas en quintas perfectas con notas G3, D4, A4, E5, y se tocan más comúnmente pasando un arco a través de las cuerdas. El violín también se puede tocar punteando las cuerdas con los dedos ( pizzicato ) y, en casos especiales, golpeando las cuerdas con el lado de madera del arco ( col legno ).
Los violines son instrumentos importantes en una amplia variedad de géneros musicales. Son más prominentes en la tradición clásica occidental , tanto en conjuntos (desde música de cámara hasta orquestas ) como como instrumentos solistas. Los violines también son importantes en muchas variedades de música folclórica , incluida la música country , la música bluegrass y el jazz . Los violines eléctricos con cuerpos sólidos y pastillas piezoeléctricas se utilizan en algunas formas de música rock y jazz fusión , con las pastillas conectadas a amplificadores de instrumentos y altavoces para producir sonido. El violín se ha incorporado a muchas culturas musicales no occidentales, incluida la música india y la música iraní . El nombre violín se utiliza a menudo independientemente del tipo de música que se reproduzca.
El violín se conoció por primera vez en la Italia del siglo XVI, y en los siglos XVIII y XIX se produjeron algunas modificaciones adicionales para darle al instrumento un sonido y una proyección más potentes. En Europa sirvió de base para el desarrollo de otros instrumentos de cuerda utilizados en la música clásica occidental, como la viola . [1] [2] [3]
Los violinistas y coleccionistas valoran especialmente los magníficos instrumentos históricos fabricados por las familias Stradivari , Guarneri , Guadagnini y Amati entre los siglos XVI y XVIII en Brescia y Cremona (Italia) y por Jacob Stainer en Austria. Según su reputación, la calidad de su sonido ha desafiado los intentos de explicarlo o igualarlo, aunque esta creencia está en disputa. [4] [5] Un gran número de instrumentos provienen de manos de fabricantes menos famosos, así como un número aún mayor de "violines comerciales" comerciales producidos en masa provenientes de industrias artesanales en lugares como Sajonia , Bohemia y Mirecourt . Muchos de estos instrumentos comerciales fueron vendidos anteriormente por Sears, Roebuck and Co. y otros comerciantes masivos.
Los componentes de un violín suelen estar fabricados con diferentes tipos de madera . Los violines se pueden encordar con cuerdas de tripa , perlón u otras sintéticas, o de acero. Se llama luthier o violinista a la persona que fabrica o repara violines . A aquel que fabrica o repara arcos se le llama arquetier o fabricante de arcos .
La palabra "violín" se utilizó por primera vez en inglés en la década de 1570. [6] La palabra "violín" proviene del "italiano violino , [un] diminutivo de viola . El término "viola" proviene de la expresión para "violín tenor" en 1797, del italiano y antiguo provenzal viola , [que vino de] Vitula latina medieval como término que significa " instrumento de cuerda " , tal vez [procedente] de Vitula , diosa romana de la alegría..., o del verbo latino relacionado vitulari , "gritar de alegría o exaltación " . El término Viola da gamba que significa ' viola baja ' (1724) proviene del italiano y literalmente "una viola para la pierna" (es decir, para sostener entre las piernas)". [7] Un violín es la "forma moderna de la viola da braccio medieval más pequeña ". ("brazo viola") [6]
Al violín a menudo se le llama violín, ya sea cuando se usa en un contexto de música folclórica o incluso en escenas de música clásica, como un apodo informal para el instrumento. [8] La palabra "violín" se utilizó por primera vez en inglés a finales del siglo XIV. [8] La palabra "violín" proviene de "fedele, fydyll, fidel, antes fithele, del inglés antiguo fiðele ' violín ' , que está relacionado con el nórdico antiguo fiðla , el holandés medio vedele , el holandés vedel , el antiguo alto alemán fidula , el alemán Fiedel. , ' un violín ' ; todo de origen incierto." En cuanto al origen de la palabra "violín", la "... sugerencia habitual, basada en la semejanza en sonido y sentido, es que proviene del latín medieval vitula ". [8]
Los primeros instrumentos de cuerda eran en su mayoría punteados (por ejemplo, la lira griega ). Los instrumentos de arco de dos cuerdas, tocados en posición vertical y encordados y arqueados con crin, pueden haberse originado en las culturas ecuestres nómadas de Asia Central, en formas muy parecidas al moderno huur mongol Morin y al kobyz kazajo . Probablemente se difundieron tipos similares y variantes a lo largo de las rutas comerciales este-oeste desde Asia hacia el Medio Oriente, [9] [10] y el Imperio Bizantino . [11] [12]
Según la Encyclopædia Britannica , los antepasados directos de todos los instrumentos de arco europeos son el rebab árabe (ربابة), la lyra bizantina desarrollada hacia el siglo IX y posteriormente el rebec europeo . [13] [14] [15] [16] Varias fuentes sugieren posibilidades alternativas para los orígenes del violín, como el norte o el oeste de Europa. [17] [18] [19] Los primeros fabricantes de violines probablemente tomaron prestados varios desarrollos de la lira bizantina. Estos incluían la vielle (también conocida como fidel o viuola ) y la lira da braccio . [11] [20] El violín en su forma actual surgió a principios del norte de Italia del siglo XVI . Las primeras imágenes de violines, aunque con tres cuerdas, se ven en el norte de Italia alrededor de 1530, aproximadamente al mismo tiempo que las palabras "violino" y "vyollon" se ven en documentos italianos y franceses. Una de las primeras descripciones explícitas del instrumento, incluida su afinación, proviene del Epitome musical de Jambe de Fer , publicado en Lyon en 1556. [21] Para entonces, el violín ya había comenzado a extenderse por toda Europa .
El violín resultó muy popular, tanto entre los músicos callejeros como entre la nobleza; el rey francés Carlos IX ordenó a Andrea Amati que le construyera 24 violines en 1560. [22] Uno de estos instrumentos "nobles", el Carlos IX , es el violín más antiguo que se conserva. El mejor violín renacentista tallado y decorado del mundo es el Gasparo da Salò ( c. 1574) propiedad de Fernando II, archiduque de Austria y posteriormente, a partir de 1841, del virtuoso noruego Ole Bull , quien lo utilizó durante cuarenta años y miles de años. conciertos, por su timbre muy potente y bello, similar al de un Guarneri. [23] "El Mesías" o "Le Messie" (también conocido como "Salabue") realizado por Antonio Stradivari en 1716 sigue intacto. Ahora se encuentra en el Museo Ashmolean de Oxford . [24]
Los fabricantes de violines ( luthiers ) más famosos entre el siglo XVI y el siglo XVIII incluyen:
Se produjeron cambios significativos en la construcción del violín en el siglo XVIII, particularmente en la longitud y el ángulo del mástil y en una barra de bajo más pesada. La mayoría de los instrumentos antiguos han sufrido estas modificaciones y, por tanto, se encuentran en un estado significativamente diferente al que tenían cuando salieron de manos de sus creadores, sin duda con diferencias en el sonido y la respuesta. [27] Pero estos instrumentos en su condición actual establecen el estándar de perfección en la artesanía y el sonido del violín, y los fabricantes de violines de todo el mundo intentan acercarse lo más posible a este ideal.
A día de hoy, los instrumentos de la llamada Edad de Oro de la fabricación de violines , especialmente los fabricados por Stradivari, Guarneri del Gesù y Montagnana, son los instrumentos más buscados tanto por coleccionistas como por intérpretes. La cantidad récord actual pagada por un violín Stradivari es de £ 9,8 millones ( USD 15,9 millones en ese momento), cuando el instrumento conocido como Lady Blunt fue vendido por Tarisio Auctions en una subasta en línea el 20 de junio de 2011. [28]
Un violín generalmente consta de una tapa de abeto (la tapa armónica , también conocida como placa superior , mesa o panza ), nervaduras y fondo de arce, dos bloques finales, un mástil , un puente , una columna sonora, cuatro cuerdas y varios accesorios, opcionalmente. incluyendo una mentonera , que puede colocarse directamente sobre o a la izquierda del cordal . Una característica distintiva del cuerpo de un violín es su forma de reloj de arena y el arco de la tapa y el fondo. La forma de curvas comprende dos contracciones superiores, dos contracciones inferiores y dos contracciones C cóncavas en la cintura , proporcionando espacio para el arco . La "voz" o sonido de un violín depende de su forma, la madera de la que está hecho, la graduación (el perfil de espesor) tanto de la tapa como del fondo, el barniz que recubre su superficie exterior y la habilidad del luthier al hacerlo. todos estos pasos. El barniz y, especialmente, la madera siguen mejorando con el tiempo, lo que hace que la oferta fija de violines antiguos y bien hechos construidos por luthiers famosos sea muy solicitada.
La mayoría de las uniones pegadas del instrumento utilizan cola de piel de animal en lugar de cola blanca común por varias razones. El pegamento para pieles es capaz de formar una unión más delgada que la mayoría de los otros pegamentos. Es reversible (lo suficientemente frágil como para romperse con una fuerza aplicada con cuidado y extraíble con agua caliente) cuando es necesario desmontarlo. Dado que el pegamento para pieles fresco se adhiere al pegamento para pieles viejo, se puede conservar más madera original al reparar una junta. (Los pegamentos más modernos deben limpiarse por completo para que la nueva unión esté en buenas condiciones, lo que generalmente implica raspar un poco de madera junto con el pegamento viejo). Generalmente se usa pegamento más débil y diluido para sujetar la parte superior a las nervaduras y la tuerca a el diapasón, ya que las reparaciones comunes implican retirar estas piezas. El listón que recorre el borde de la tapa de abeto proporciona cierta protección contra las grietas que se originan en el borde. También permite que la parte superior se flexione de manera más independiente de la estructura de nervaduras. Un falso borde pintado en la parte superior suele ser un signo de un instrumento inferior. El fondo y las nervaduras suelen estar hechos de arce , generalmente con una figura rayada a juego , conocida como llama , fiddleback o raya de tigre .
El mástil suele ser de arce con una figura flameada compatible con la de las costillas y el fondo. Lleva el diapasón , normalmente hecho de ébano, pero a menudo de alguna otra madera teñida o pintada de negro en los instrumentos más baratos. El ébano es el material preferido por su dureza, belleza y resistencia superior al desgaste. Los diapasones están decorados con una curva transversal particular y tienen una pequeña "cuchara" o concavidad longitudinal, ligeramente más pronunciada en las cuerdas inferiores, especialmente cuando están diseñadas para cuerdas de tripa o sintéticas. Algunos violines antiguos (y algunos hechos para parecer viejos) tienen una voluta injertada , evidenciada por una unión adhesiva entre el clavijero y el mástil. A muchos instrumentos antiguos auténticos se les ha reajustado el mástil a un ángulo ligeramente mayor y se les ha alargado aproximadamente un centímetro. El injerto de mástil permite conservar la voluta original de un violín barroco y adaptar su mástil a los estándares modernos.
El puente es una pieza de arce cortada con precisión que forma el punto de anclaje inferior de la longitud vibratoria de las cuerdas y transmite la vibración de las cuerdas al cuerpo del instrumento. Su curva superior mantiene las cuerdas a la altura adecuada desde el diapasón en un arco, lo que permite que el arco haga sonar cada una por separado. El poste de sonido , o poste de alma , encaja exactamente dentro del instrumento entre la parte posterior y superior, en un lugar cuidadosamente elegido cerca del pie de agudos del puente, al que ayuda a sostener. También influye en los modos de vibración de la parte superior y trasera del instrumento.
El cordal ancla las cuerdas a la parte inferior del violín por medio del cordal, que se enrolla alrededor de un botón de ébano llamado pasador (a veces llamado de manera confusa pasador , como la punta del violonchelo), que encaja en un orificio cónico en el bloque inferior. . La cuerda Mi suele tener una palanca de afinación fina accionada por un pequeño tornillo girado con los dedos. También se pueden aplicar afinadores finos a las otras cuerdas, especialmente en un instrumento de estudiante, y a veces están integrados en el cordal. Los afinadores permiten al intérprete realizar pequeños cambios en el tono de una cuerda. En el extremo de la voluta, las cuerdas se enrollan alrededor de las clavijas de madera del clavijero. Las clavijas de afinación son cónicas y encajan en los orificios del clavijero. Las clavijas se mantienen en su lugar mediante la fricción de madera contra madera. Las cuerdas pueden estar hechas de metal o, menos comúnmente, de tripa o tripa envuelta en metal. Las cuerdas suelen tener una envoltura de seda de colores en ambos extremos, para identificar la cuerda (por ejemplo, cuerda sol, cuerda re, cuerda la o cuerda mi) y para proporcionar fricción contra las clavijas. Las clavijas cónicas permiten que la fricción aumente o disminuya cuando el jugador aplica la presión adecuada a lo largo del eje de la clavija mientras la gira.
Las cuerdas se fabricaban inicialmente con tripa de oveja (comúnmente conocida como catgut , que a pesar de su nombre no procede de gatos), o simplemente con tripa, que se estiraba, secaba y retorcía. En los primeros años del siglo XX, las cuerdas estaban hechas de tripa o de acero. Las cuerdas modernas pueden ser de tripa, acero macizo , acero trenzado o diversos materiales sintéticos como el perlón , entorchadas con diversos metales y, a veces, recubiertas de plata . La mayoría de las cuerdas Mi están desenrolladas, ya sean de acero liso o chapado. Las cuerdas de tripa no son tan comunes como antes, pero muchos intérpretes las usan para lograr un sonido específico, especialmente en la interpretación históricamente informada de la música barroca . Las cadenas tienen una vida útil limitada. Con el tiempo, cuando se acumula aceite, suciedad, corrosión y colofonia, la masa de la cuerda puede volverse desigual a lo largo de su longitud. Aparte de cosas obvias, como que una cuerda se deshaga por el desgaste, los instrumentistas generalmente cambian una cuerda cuando ya no suena "verdaderamente" (con buena entonación en los armónicos), perdiendo el tono, el brillo y la entonación deseados. La longevidad de las cuerdas depende de la calidad de las cuerdas y de la intensidad del juego.
Un violín está afinado en quintas, en las notas G 3 , D 4 , A 4 , E 5 . La nota más baja de un violín, afinada normalmente, es G 3 , o G por debajo del C medio (C4) . (En raras ocasiones, la cuerda más grave se puede afinar hasta en una cuarta, hasta D 3 ). La nota más alta está menos definida: Mi 7 , el Mi dos octavas por encima de la cuerda al aire (que está afinada en Mi 5 ). ) puede considerarse un límite práctico para las partes de violín orquestal, [29] pero a menudo es posible tocar más alto, dependiendo de la longitud del diapasón y la habilidad del violinista. Aún así, se pueden hacer sonar notas más altas (hasta C 8 ) deteniendo la cuerda, alcanzando el límite del diapasón y/o usando armónicos artificiales .
La forma arqueada, el grosor de la madera y sus cualidades físicas gobiernan el sonido de un violín. Los luthiers utilizan ocasionalmente patrones del nodo hechos con arena o brillantina espolvoreada sobre las placas con la placa vibrada a ciertas frecuencias, llamados patrones de Chladni , para verificar su trabajo antes de ensamblar el instrumento. [30]
Además del tamaño estándar, completo ( 4 ⁄ 4 ), los violines también se fabrican en los llamados tamaños fraccionarios de 7 ⁄ 8 , 3 ⁄ 4 , 1 ⁄ 2 , 1 ⁄ 4 , 1 ⁄ 8 , 1 ⁄ 10 , 1 ⁄ 16 , 1 ⁄ 32 e incluso 1 ⁄ 64 . Estos instrumentos más pequeños son comúnmente utilizados por músicos jóvenes, cuyos dedos no son lo suficientemente largos para alcanzar las posiciones correctas en instrumentos de tamaño completo.
Si bien están relacionados en cierto sentido con las dimensiones de los instrumentos, los tamaños fraccionarios no pretenden ser descripciones literales de proporciones relativas. Por ejemplo, un instrumento de tamaño 3 ⁄ 4 no tiene tres cuartos de la longitud de un instrumento de tamaño normal. La longitud del cuerpo (sin incluir el mástil) de un violín de tamaño completo, o 4 ⁄ 4 , es de 356 mm (14,0 pulgadas), más pequeña en algunos modelos del siglo XVII. La longitud del cuerpo de un violín de 3 ⁄ 4 es de 335 mm (13,2 pulgadas) y un tamaño de 1 ⁄ 2 es de 310 mm (12,2 pulgadas). En el caso del miembro más cercano de la familia del violín, la viola, el tamaño se especifica como la longitud del cuerpo en pulgadas o centímetros en lugar de tamaños fraccionarios. Una viola de tamaño completo tiene un promedio de 40 cm (16 pulgadas). Sin embargo, cada adulto determinará qué tamaño de viola utilizar.
Ocasionalmente, un adulto de constitución pequeña puede utilizar el llamado violín de tamaño 7 ⁄ 8 en lugar de un instrumento de tamaño completo. A veces llamado violín de dama , estos instrumentos son ligeramente más cortos que un violín de tamaño completo, pero tienden a ser instrumentos de alta calidad capaces de producir un sonido comparable al de los violines finos de tamaño completo. Los tamaños de violín de 5 cuerdas pueden diferir de los de 4 cuerdas normales.
El instrumento que corresponde al violín en el octeto de violín es el mezzo violín, afinado igual que un violín pero con un cuerpo un poco más largo. Las cuerdas del violín mezzo tienen la misma longitud que las del violín estándar. Este instrumento no es de uso común. [31]
Los violines se afinan girando las clavijas en el clavijero debajo de la voluta o ajustando los tornillos del afinador en el cordal . Todos los violines tienen clavijas; Los afinadores finos (también llamados ajustadores finos ) son opcionales. La mayoría de los afinadores consisten en un tornillo de metal que mueve una palanca unida al extremo de la cuerda. Permiten ajustes de tono muy pequeños mucho más fácilmente que las clavijas. Al girar un afinador en el sentido de las agujas del reloj, el tono se vuelve más agudo (ya que la cuerda está bajo más tensión), y al girarlo en el sentido contrario a las agujas del reloj, el tono se vuelve más plano (ya que la cuerda está bajo menos tensión). Los afinadores finos en las cuatro cuerdas son muy útiles cuando se usan aquellos con núcleo de acero, y algunos instrumentistas los usan con cuerdas sintéticas. Dado que las cuerdas Mi modernas son de acero, casi siempre se instala un afinador fino para esa cuerda. Los afinadores no se utilizan con cuerdas de tripa, que son más elásticas que las de acero o las de núcleo sintético y no responden adecuadamente a los movimientos muy pequeños de los afinadores.
Para afinar un violín, primero se afina la cuerda La a un tono estándar (normalmente La = 440 Hz ). (Cuando se acompaña o se toca con un instrumento de tono fijo, como un piano o un acordeón, el violín afina la nota correspondiente de ese instrumento en lugar de cualquier otra referencia de afinación. El oboe es generalmente el instrumento utilizado para afinar orquestas donde hay violines presentes. ya que su sonido es penetrante y se puede escuchar por encima de los otros instrumentos de viento de madera). Luego, las otras cuerdas se afinan entre sí en intervalos de quintas perfectas doblándolas de pares. A veces se emplea una afinación ligeramente más alta al tocar en solitario para darle al instrumento un sonido más brillante; por el contrario, la música barroca a veces se toca usando afinaciones más bajas para hacer que el sonido del violín sea más suave. Después de afinar, se puede examinar el puente del instrumento para asegurarse de que esté derecho y centrado entre las muescas internas de los agujeros F ; un puente torcido puede afectar significativamente el sonido de un violín que por lo demás está bien hecho.
Después de tocar mucho, las clavijas y sus orificios pueden desgastarse, lo que hace que las clavijas puedan deslizarse bajo tensión. Esto puede provocar que el tono de la cuerda baje un poco o, si la clavija se afloja por completo, que la cuerda pierda completamente la tensión. Un violín en el que las clavijas se deslizan debe ser reparado por un luthier o reparador de violines. La pasta para clavijas o el compuesto para clavijas, que se usan con regularidad, pueden retrasar la aparición de dicho desgaste y al mismo tiempo permitir que las clavijas giren suavemente.
La afinación G–D–A–E se utiliza para la mayoría de la música de violín, incluida la música clásica, el jazz y la música folclórica . Ocasionalmente se emplean otras afinaciones; la cuerda G, por ejemplo, se puede afinar hasta La. El uso de afinaciones no estándar en la música clásica se conoce como scordatura ; en algunos estilos populares, se llama afinación cruzada . Un ejemplo famoso de scordatura en la música clásica es la Danse Macabre de Camille Saint-Saëns , donde la cuerda Mi del violín solista se afina en Mi ♭ para impartir una inquietante disonancia a la composición. Otros ejemplos son el tercer movimiento de Contrastes , de Béla Bartók , donde la cuerda Mi está afinada en Mi ♭ y la Sol afinada en Sol ♯ , el Primer Concierto para violín de Niccolò Paganini , donde las cuatro cuerdas están designadas para afinarse en un semitono más alto, y las Sonatas Misterio de Biber , en las que cada movimiento tiene una afinación de scordatura diferente.
En la música clásica india y en la música ligera india, es probable que el violín esté afinado en D ♯ –A ♯ –D ♯ –A ♯ al estilo del sur de la India. Como no existe un concepto de tono absoluto en la música clásica india, los músicos pueden utilizar cualquier afinación conveniente para mantener estos intervalos de tono relativo entre las cuerdas. Otra afinación frecuente con estos intervalos es B ♭ –F – B ♭ –F, que corresponde a Sa – Pa – Sa – Pa en el estilo de música clásica carnática india . En el estilo indostánico del norte de la India , la afinación suele ser Pa-Sa-Pa-Sa en lugar de Sa-Pa-Sa-Pa. Esto podría corresponder a F–B ♭ –F–B ♭ , por ejemplo. En la música clásica iraní y la música ligera iraní, el violín tiene afinaciones diferentes en cualquier Dastgah , es probable que el violín esté afinado (E–A–E–A) en Dastgah-h Esfahan o en Dastgāh-e Šur is (E–A –D–E) y (E–A–E–E), en Dastgāh-e Māhur es (E–A–D–A). En la música clásica árabe, las cuerdas A y E se bajan un paso completo , es decir, G – D – G – D. Esto es para facilitar la ejecución de maqams árabes , especialmente aquellos que contienen cuartos de tono .
Si bien la mayoría de los violines tienen cuatro cuerdas, hay violines con cuerdas adicionales. Algunos tienen hasta siete cuerdas. Generalmente se piensa que siete es el número máximo de cuerdas práctico en un instrumento de cuerda frotada; con más de siete cuerdas, sería imposible tocar individualmente cualquier cuerda interior con el arco. Los violines de siete cuerdas son muy raros. Las cuerdas adicionales de estos violines suelen tener un tono más bajo que la cuerda sol; estas cuerdas suelen estar afinadas en C, F y B ♭ . Si la longitud de ejecución del instrumento, o la longitud de la cuerda desde la cejilla hasta el puente, es igual a la de un violín normal de escala real; es decir, un poco menos de 13 pulgadas (33 cm), entonces se le puede denominar propiamente violín. Algunos de estos instrumentos son algo más largos y deberían considerarse violas. Los violines de cinco cuerdas o más se utilizan normalmente en el jazz o la música folclórica. Algunos instrumentos hechos a medida tienen cuerdas adicionales que no están arqueadas, pero que suenan con simpatía debido a las vibraciones de las cuerdas arqueadas.
Generalmente se toca un violín usando un arco que consiste en un palo con una cinta de crin ensartada entre la punta y la ranilla (o nuez o talón) en los extremos opuestos. Un arco de violín típico puede medir 75 cm (30 pulgadas) en total y pesar alrededor de 60 g (2,1 oz). Los arcos de viola pueden ser unos 5 mm (0,20 pulgadas) más cortos y 10 g (0,35 oz) más pesados. En el extremo de la rana, un tornillo ajustador aprieta o afloja el cabello. Justo delante de la rana, una almohadilla de cuero para el pulgar, llamada empuñadura, y un enrollador protegen el palo y proporcionan un agarre fuerte para la mano del jugador. Los enrollamientos tradicionales son de alambre (a menudo plateado o plateado), seda o barbas ("hueso de ballena", ahora sustituido por tiras alternas de plástico color canela y negro). Algunos arcos estudiantiles de fibra de vidrio emplean una funda de plástico como agarre y enrollado.
El pelo del arco proviene tradicionalmente de la cola de un caballo macho gris (que tiene predominantemente pelo blanco). Algunos arcos más baratos utilizan fibra sintética. Se frota colofonia sólida sobre el cabello para dejarlo ligeramente pegajoso; Cuando el arco se pasa por una cuerda, la fricción entre ellos hace que la cuerda vibre. Los materiales tradicionales para los palos de arco más costosos incluyen la madera de serpiente y la madera de Brasil (que también se conoce como madera de Pernambuco). Algunas innovaciones recientes en el diseño de arcos utilizan fibra de carbono (CodaBows) para el palo, en todos los niveles de artesanía. Los arcos económicos para estudiantes se fabrican con vigas menos costosas o con fibra de vidrio (Glasser).
El violín se toca sentado o de pie. Los solistas (ya sea solos, con un piano o con una orquesta) tocan principalmente de pie (a menos que se lo impida una discapacidad física, como en el caso de Itzhak Perlman ). Por el contrario, en la orquesta y en la música de cámara se suele tocar sentado. En las décadas de 2000 y 2010, algunas orquestas que interpretaban música barroca (como la Orquesta Barroca de Friburgo ) tenían todos sus violines y violas, solistas y en conjunto, interpretados de pie.
La forma estándar de sostener el violín es con el lado izquierdo de la mandíbula descansando sobre la mentonera del violín y sostenido por el hombro izquierdo, a menudo asistido por un apoyo para el hombro (o una esponja y una banda elástica para los intérpretes más jóvenes que tienen dificultades con apoya hombros). La mandíbula y el hombro deben sujetar el violín con suficiente firmeza para permitir que permanezca estable cuando la mano izquierda pasa de una posición alta (una nota aguda muy arriba en el diapasón) a una posición baja (más cerca del clavijero). En la postura india, la estabilidad del violín está garantizada por su voluta apoyada en el costado del pie.
Si bien los profesores señalan la importancia vital de una buena postura tanto por el bien de la calidad del juego como para reducir la posibilidad de sufrir lesiones por esfuerzos repetitivos , los consejos sobre qué es una buena postura y cómo lograrla difieren en detalles. Sin embargo, todos insisten en la importancia de una posición relajada y natural, sin tensiones ni rigidez. Las cosas que se recomiendan casi universalmente son mantener la muñeca izquierda recta (o casi) para permitir que los dedos de la mano izquierda se muevan libremente y reducir la posibilidad de lesiones, y mantener cualquiera de los hombros en una posición natural relajada y evitar levantar cualquiera de los dos. ellos de manera exagerada. Esto, como cualquier otra tensión injustificada, limitaría la libertad de movimiento y aumentaría el riesgo de lesiones.
Encorvarse puede obstaculizar el buen juego porque desequilibra el cuerpo y hace que los hombros se levanten. Otro signo que proviene de una tensión nociva es el dolor en la mano izquierda, que indica demasiada presión al sostener el violín.
La mano izquierda determina la longitud de sonido de la cuerda y, por tanto, el tono de la misma, "deteniéndola" (presionándola) contra el diapasón con las yemas de los dedos, produciendo diferentes tonos. Como el violín no tiene trastes para detener las cuerdas, como es habitual en la guitarra , el intérprete debe saber exactamente dónde colocar los dedos en las cuerdas para tocar con buena entonación (afinación). Los violinistas principiantes tocan cuerdas al aire y en la posición más baja, la más cercana a la tuerca. Los estudiantes suelen comenzar con tonalidades relativamente fáciles, como La mayor y Sol mayor. A los estudiantes se les enseñan escalas y melodías simples. A través de la práctica de escalas y arpegios y el entrenamiento del oído , la mano izquierda del violinista eventualmente "encuentra" las notas intuitivamente mediante la memoria muscular .
Los principiantes a veces confían en las cintas colocadas en el diapasón para la colocación adecuada de los dedos de la mano izquierda, pero generalmente abandonan las cintas rápidamente a medida que avanzan. Otra técnica de marcado comúnmente utilizada utiliza puntos de blanqueamiento en el diapasón, que desaparecen en unas pocas semanas de práctica regular. Desafortunadamente, esta práctica se utiliza a veces en lugar de un entrenamiento auditivo adecuado, guiando la colocación de los dedos con los ojos y no con el oído. Los llamados "ringtones" son útiles especialmente en las primeras etapas del aprendizaje. Hay nueve notas de este tipo en la primera posición, donde una nota detenida suena al unísono u octava con otra cuerda (abierta), lo que hace que resuene con simpatía . Los estudiantes suelen utilizar estos tonos de llamada para comprobar la entonación de la nota parada y ver si está en armonía con la cuerda al aire. Por ejemplo, al tocar la nota parada "A" en la cuerda G, el violinista podría tocar la cuerda D abierta al mismo tiempo, para comprobar la entonación de la "A parada". Si la "A" está afinada, la "A" y la cuerda de D al aire deberían producir una cuarta perfecta armoniosa.
Los violines están afinados en quintas perfectas, al igual que todas las cuerdas orquestales (violín, viola, violonchelo) excepto el contrabajo, que está afinado en cuartas perfectas. Cada nota subsiguiente se detiene en un tono que el intérprete percibe como el más armonioso, "cuando no está acompañado, [un violinista] no toca consistentemente ni en la escala templada ni en la natural [justa], sino que tiende en general a conformarse con la escala pitagórica . escala ." [32] Cuando los violinistas tocan en un cuarteto de cuerdas o en una orquesta de cuerdas , las cuerdas normalmente "endulzan" su afinación para adaptarse a la tonalidad en la que tocan. Cuando tocan con un instrumento afinado con temperamento igual , como un piano , los violinistas expertos ajuste su afinación para que coincida con el temperamento igual del piano para evitar notas discordantes .
Los dedos se numeran convencionalmente del 1 (índice) al 4 (meñique) en la notación musical , como las partituras y los libros de estudios. Especialmente en las ediciones instructivas de música para violín, los números sobre las notas pueden indicar qué dedo usar, siendo 0 u O indicando una cuerda al aire. El gráfico de la derecha muestra la disposición de las notas accesibles en la primera posición. En esta tabla no se muestra la forma en que el espacio entre las posiciones de las notas se acerca a medida que los dedos se mueven hacia arriba (en tono) desde la tuerca. Las barras a los lados del gráfico representan las posibilidades habituales para la colocación de cintas para principiantes, en el primer, segundo, tercer y cuarto dedo alto.
La colocación de la mano izquierda en el diapasón se caracteriza por "posiciones". La primera posición, donde comienzan la mayoría de los principiantes (aunque algunos métodos comienzan en la tercera posición), es la posición más utilizada en la música de cuerda. La música compuesta para orquestas juveniles principiantes suele ocupar la primera posición. La nota más baja disponible en esta posición en afinación estándar es un G3 abierto; la nota más alta en primera posición se toca con el cuarto dedo de la cuerda Mi, haciendo sonar un B5. Moviendo la mano por el cuello, el primer dedo ocupa el lugar del segundo, colocando al jugador en la segunda posición . Dejar que el primer dedo ocupe el lugar de la primera posición del tercer dedo lleva al jugador a la tercera posición , y así sucesivamente. Un cambio de posición, con su movimiento asociado de la mano, se conoce como cambio , y el cambio efectivo manteniendo una entonación precisa y un sonido legato (conectado) suave es un elemento clave de la técnica en todos los niveles. A menudo se utiliza un "dedo guía"; el último dedo que toca una nota en la posición anterior toca continuamente la cuerda durante el transcurso del cambio para terminar en su lugar correcto en la nueva posición. En los ejercicios de cambio elementales, el "dedo guía" a menudo se expresa mientras se desliza hacia arriba o hacia abajo por la cuerda, para que el intérprete pueda establecer la ubicación correcta de oído. Fuera de estos ejercicios, rara vez debería ser audible (a menos que el intérprete esté aplicando conscientemente un efecto de portamento por razones expresivas).
En el curso de un cambio en posiciones bajas, el pulgar de la mano izquierda se mueve hacia arriba o hacia abajo por el cuello del instrumento para permanecer en la misma posición con respecto a los dedos (aunque el movimiento del pulgar puede ocurrir un poco antes, o poco después, el movimiento de los dedos). En tales posiciones, a menudo se piensa que el pulgar es un "ancla" cuya ubicación define la posición en la que se encuentra el intérprete. En posiciones muy altas, el pulgar no puede moverse con los dedos porque el cuerpo del instrumento se interpone en su camino. En cambio, el pulgar trabaja alrededor del cuello del instrumento para sentarse en el punto en el que el cuello se encuentra con la parte derecha del cuerpo y permanece allí mientras los dedos se mueven entre las posiciones altas.
Una nota tocada fuera del compás normal de una posición, sin ningún cambio, se denomina extensión . Por ejemplo, en la tercera posición de la cuerda La, la mano se ubica naturalmente con el primer dedo en D ♮ y el cuarto en G ♮ o G ♯ . Estirar el primer dedo hacia abajo hasta C ♯ , o el cuarto dedo hasta A ♮ , forma una extensión. Las extensiones se usan comúnmente cuando una o dos notas están ligeramente fuera de una posición sólida y brindan la ventaja de ser menos intrusivas que un desplazamiento o un cruce de cuerdas. La posición más baja del violín se denomina "media posición". En esta posición, el primer dedo está en una nota de "primera posición baja", por ejemplo, B ♭ en la cuerda La, y el cuarto dedo está en una extensión hacia abajo desde su posición habitual, por ejemplo, D ♮ en la cuerda La, con los otros dos. dedos colocados en el medio según sea necesario. Como la posición del pulgar suele ser la misma en la "media posición" que en la primera posición, es mejor considerarlo como una extensión hacia atrás de toda la mano que como una posición genuina.
El límite superior del rango del violín está determinado en gran medida por la habilidad del intérprete, que puede tocar fácilmente más de dos octavas en una sola cuerda y cuatro octavas en el instrumento en su conjunto. Los nombres de los puestos se utilizan principalmente para los puestos inferiores y en libros de métodos y estudios; por esta razón, es poco común escuchar referencias a algo superior a la séptima posición. La posición más alta, prácticamente hablando, es la 13ª. Las posiciones muy altas son un desafío técnico particular, por dos razones. En primer lugar, la diferencia en la ubicación de las diferentes notas se vuelve mucho más estrecha en las posiciones altas, lo que hace que las notas sean más difíciles de localizar y, en algunos casos, de distinguir de oído. En segundo lugar, la longitud de sonido mucho más corta de la cuerda en posiciones muy altas supone un desafío para el brazo derecho y el arco a la hora de tocar el instrumento de forma eficaz. Cuanto más fino (y más caro) sea un instrumento, más capaz será de mantener un buen tono hasta la parte superior del diapasón, en los tonos más altos de la cuerda Mi.
Todas las notas (excepto las que están debajo del D abierto) se pueden tocar en más de una cuerda. Ésta es una característica de diseño estándar de los instrumentos de cuerda; sin embargo, se diferencia del piano, que tiene una sola ubicación para cada una de sus 88 notas. Por ejemplo, la nota de La abierta en el violín se puede tocar como La abierta, o en la cuerda de Re (en las posiciones primera a cuarta) o incluso en la cuerda de Sol (muy arriba en las posiciones sexta a novena). Cada cuerda tiene una calidad tonal diferente , debido a los diferentes pesos (grosores) de las cuerdas y a las resonancias de otras cuerdas al aire. Por ejemplo, a menudo se considera que la cuerda Sol tiene un sonido muy completo y sonoro que es particularmente apropiado para la música del romanticismo tardío. Esto a menudo se indica en la música mediante la marca, por ejemplo, sul G o IV (un número romano que indica tocar en la cuarta cuerda; por convención, las cuerdas están numeradas desde el tono más fino y más alto (I) hasta el tono más bajo ( IV)). Incluso sin instrucciones explícitas en la partitura, un violinista avanzado utilizará su discreción y sensibilidad artística para seleccionar qué cuerda tocar notas o pasajes específicos.
Si una cuerda se arquea o se pulsa sin que ningún dedo la detenga, se dice que es una cuerda al aire . Esto produce un sonido diferente al de una cuerda parada, ya que la cuerda vibra más libremente en la tuerca que debajo del dedo. Además, es imposible utilizar el vibrato completamente en una cuerda al aire (aunque se puede lograr un efecto parcial deteniendo una nota una octava arriba en una cuerda adyacente y haciéndola vibrar, lo que introduce un elemento de vibrato en los armónicos). En la tradición clásica, los violinistas suelen utilizar un cruce de cuerdas o un cambio de posición para evitar el cambio de timbre introducido por una cuerda al aire, a menos que lo indique el compositor. Esto es particularmente cierto para el Mi abierto, que a menudo se considera que tiene un sonido áspero. Sin embargo, también hay situaciones en las que se puede elegir específicamente una cuerda al aire para lograr un efecto artístico. Esto se ve en la música clásica que imita el zumbido de un órgano (JS Bach, en su Partita en Mi para violín solo, logró esto), tocando el violín (por ejemplo, Hoedown ) o cuando tomar medidas para evitar la cuerda al aire es musicalmente inapropiado ( por ejemplo en la música barroca donde el cambio de posición era menos común). En pasajes rápidos de escalas o arpegios, simplemente se puede utilizar una cuerda de Mi al aire por conveniencia si la nota no tiene tiempo de sonar y desarrollar un timbre áspero. En la música folclórica, el violín y otros géneros musicales tradicionales , las cuerdas al aire se utilizan comúnmente por su timbre resonante.
Tocar una cuerda al aire simultáneamente con una nota parada en una cuerda adyacente produce un zumbido parecido a una gaita, utilizado a menudo por los compositores para imitar la música folclórica . A veces, las dos notas son idénticas (por ejemplo, tocar un La digitado en la cuerda de Re contra la cuerda de La abierta), lo que produce una especie de sonido resonante de "toqueteo". También se puede requerir tocar una cuerda al aire simultáneamente con una nota parada idéntica cuando se requiere más volumen, especialmente en la interpretación orquestal. Algunas partes de violín clásico tienen notas para las cuales el compositor solicita al violinista que toque una cuerda al aire, debido a la sonoridad específica creada por una cuerda al aire.
La doble parada se produce cuando los dedos detienen dos cuerdas separadas y las arquean simultáneamente, produciendo dos tonos continuos (los intervalos típicos incluyen tercera, cuarta, quinta, sexta y octavas). Las paradas dobles se pueden indicar en cualquier posición, aunque el intervalo más amplio que se puede detener dos veces de forma natural en una posición es una octava (con el dedo índice en la cuerda inferior y el dedo meñique en la cuerda superior). No obstante, a veces es necesario detener dos veces intervalos de décimas o incluso más en el repertorio avanzado, lo que da como resultado una posición estirada de la mano izquierda con los dedos extendidos. El término "doble parada" se utiliza a menudo para abarcar también el sonido de una cuerda al aire junto con una nota digitada, aunque sólo un dedo detenga la cuerda.
Cuando se indican tres o cuatro notas simultáneas, el violinista normalmente "divide" el acorde, eligiendo la nota o dos inferiores para tocar primero antes de continuar inmediatamente con la nota o dos superiores, con la resonancia natural del instrumento produciendo un efecto. similar a si las cuatro notas se hubieran expresado simultáneamente. En algunas circunstancias, es posible una "triple parada", en la que se pueden expresar simultáneamente tres notas en tres cuerdas. Naturalmente, el arco no golpeará tres cuerdas a la vez, pero si hay suficiente velocidad y presión del arco cuando el violinista "rompe" (suena) un acorde de tres notas, la cerda del arco se puede doblar temporalmente sobre tres cuerdas, permitiendo que cada una suene simultáneamente. . Esto se logra con un golpe fuerte, generalmente cerca de la rana, y produce un tono fuerte y agresivo. Las paradas dobles en la orquesta se marcan ocasionalmente como divisi y se dividen entre los músicos, con una división de los músicos tocando la nota más baja y otra división tocando la nota más alta. Las paradas dobles (y divisi) son comunes en el repertorio orquestal cuando los violines tocan el acompañamiento y otro instrumento o sección toca melódicamente.
En algunos géneros de interpretación históricamente informada (generalmente de música barroca y anteriores), no se cree que sean apropiados ni los acordes divididos ni los acordes de triple parada; algunos violinistas arpegian todos los acordes (incluidas las dobles paradas habituales), tocando todas o la mayoría de las notas individualmente como si hubieran sido escritas como una figura arrastrada. Sin embargo, con el desarrollo de los violines modernos, la triple parada se ha vuelto más natural debido a que el puente es menos curvado. En algunos estilos musicales, se puede tocar un zumbido sostenido de cuerdas abiertas durante un pasaje escrito principalmente en una cuerda adyacente, para proporcionar un acompañamiento básico. Esto se ve más a menudo en las tradiciones populares que en la música clásica.
El vibrato es una técnica de la mano y el brazo izquierdos en la que el tono de una nota varía sutilmente en un ritmo pulsante. Si bien varias partes de la mano o el brazo pueden estar involucradas en el movimiento, el resultado es un movimiento de la yema del dedo que provoca un ligero cambio en la longitud de la cuerda vibrante, lo que provoca una ondulación en el tono. La mayoría de los violinistas oscilan por debajo de la nota, o con un tono más bajo que la nota real cuando usan el vibrato, ya que se cree que la percepción favorece el tono más alto en un sonido variable. [35] El vibrato hace poco o nada para disfrazar una nota desafinada; en otras palabras, un vibrato mal aplicado es un mal sustituto de una buena entonación. Las escalas y otros ejercicios destinados a trabajar la entonación generalmente se tocan sin vibrato para que el trabajo sea más fácil y efectivo. A los estudiantes de música a menudo se les enseña que, a menos que se indique lo contrario en la música, se asume el vibrato. Sin embargo, hay que señalar que esto es sólo una tendencia; No hay nada en la partitura que obligue a los violinistas a añadir vibrato. Esto puede ser un obstáculo para que un violinista con formación clásica desee tocar en un estilo que utilice poco o ningún vibrato, como la música barroca tocada en un estilo de época y muchos estilos de violín tradicionales.
El vibrato se puede producir mediante una combinación adecuada de movimientos de dedos, muñecas y brazos. Un método, llamado vibrato de mano (o vibrato de muñeca ), consiste en balancear la mano hacia atrás en la muñeca para lograr la oscilación. Por el contrario, otro método, el vibrato de brazo , modula el tono mediante el movimiento del codo. Una combinación de estas técnicas permite al intérprete producir una gran variedad de efectos tonales. El "cuándo", el "para qué" y el "cuánto" del vibrato del violín son cuestiones artísticas de estilo y gusto, y diferentes profesores, escuelas de música y estilos de música favorecen diferentes estilos de vibrato. Por ejemplo, un vibrato exagerado puede resultar una distracción. En términos acústicos, el interés que el vibrato añade al sonido tiene que ver con la forma en que la mezcla de armónicos [36] (o color de tono, o timbre) y el patrón direccional de proyección del sonido cambian con los cambios de tono. Al "apuntar" el sonido a diferentes partes de la habitación [37] [38] de forma rítmica, el vibrato añade un "brillo" o "vivacidad" al sonido de un violín bien hecho. El vibrato queda, en gran parte, a discreción del violinista. Los diferentes tipos de vibrato aportarán diferentes estados de ánimo a la pieza, y los distintos grados y estilos de vibrato suelen ser características que se destacan en los violinistas conocidos.
A veces se puede utilizar un movimiento similar al vibrato para crear un efecto de trino rápido . Para ejecutar este efecto, el dedo encima del dedo que detiene la nota se coloca muy ligeramente alejado de la cuerda (presionado firmemente contra el dedo que detiene la cuerda) y se implementa un movimiento de vibrato. El segundo dedo tocará ligeramente la cuerda sobre el dedo inferior con cada oscilación, lo que hará que el tono oscile de una manera que suene como una mezcla entre un vibrato amplio y un trino muy rápido. Esto da una transición menos definida entre la nota más alta y más baja y generalmente se implementa mediante elección interpretativa. Esta técnica de trino solo funciona bien para trinos semitonales o trinos en posiciones altas (donde la distancia entre notas se reduce), ya que requiere que el dedo que trina y el dedo debajo se toquen, lo que limita la distancia que se puede trinar. En posiciones muy altas, donde la distancia del trino es menor que el ancho del dedo, un trino de vibrato puede ser la única opción para los efectos de trino.
Tocar ligeramente la cuerda con la yema del dedo en un nodo armónico , pero sin presionar completamente la cuerda, y luego puntear o inclinar la cuerda, crea armónicos . En lugar del tono normal, suena una nota más aguda. Cada nodo está en una división entera de la cadena, por ejemplo a la mitad o en un tercio de la longitud de la cadena. Un instrumento sensible hará sonar numerosos nodos armónicos posibles a lo largo de la cuerda. Los armónicos se marcan en la música con un pequeño círculo encima de la nota que determina el tono del armónico o con cabezas de nota en forma de diamante. Hay dos tipos de armónicos: los armónicos naturales y los armónicos artificiales (también conocidos como falsos armónicos ).
Los armónicos naturales se tocan en una cuerda al aire. El tono de la cuerda al aire cuando se pulsa o se inclina se llama frecuencia fundamental. Los armónicos también se llaman armónicos o parciales . Ocurren en múltiplos de números enteros de la fundamental, lo que se denomina primer armónico. El segundo armónico es el primer armónico (la octava por encima de la cuerda al aire), el tercer armónico es el segundo armónico, y así sucesivamente. El segundo armónico está en el medio de la cuerda y suena una octava más alta que el tono de la cuerda. El tercer armónico divide la cuerda en tercios y suena una octava y una quinta por encima de la fundamental, y el cuarto armónico divide la cuerda en cuartos que suenan dos octavas por encima de la primera. El sonido del segundo armónico es el más claro de todos, porque es un nodo común con todos los armónicos pares siguientes (4º, 6º, etc.). El tercer armónico impar y los siguientes son más difíciles de tocar porque rompen la cuerda en un número impar de partes vibrantes y no comparten tantos nodos con otros armónicos.
Los armónicos artificiales son más difíciles de producir que los armónicos naturales, ya que implican tanto detener la cuerda como tocar un armónico en la nota parada. Usar el marco de octava (la distancia normal entre el primer y el cuarto dedo en cualquier posición dada) con el cuarto dedo tocando la cuerda un cuarto más alto que la nota parada produce el cuarto armónico, dos octavas por encima de la nota parada. La colocación y presión de los dedos, así como la velocidad del arco, la presión y el punto de sonido son esenciales para lograr que suene el armónico deseado. Y para aumentar el desafío, en pasajes con diferentes notas tocadas como falsos armónicos, la distancia entre el dedo de parada y el dedo armónico debe cambiar constantemente, ya que el espacio entre notas cambia a lo largo de la cuerda.
El dedo armónico también puede tocar una tercera mayor por encima de la nota presionada (el quinto armónico), o una quinta más alta (un tercer armónico). Estos armónicos se utilizan con menos frecuencia; en el caso de la tercera mayor, tanto la nota parada como la nota tocada deben tocarse ligeramente sostenidas, de lo contrario el armónico no hablará tan fácilmente. En el caso de la quinta, la extensión es mayor de lo que resulta cómodo para muchos violinistas. En el repertorio general no se utilizan fracciones inferiores a una sexta. Sin embargo, a veces se utilizan divisiones hasta una octava y, con un buen instrumento y un intérprete hábil, son posibles divisiones tan pequeñas como una duodécima. Hay algunos libros dedicados únicamente al estudio de los armónicos del violín. Dos obras completas son la Teoría de los armónicos en siete volúmenes de Henryk Heller , publicada por Simrock en 1928, y la Tecnica dei suoni armonici en cinco volúmenes de Michelangelo Abbado publicada por Ricordi en 1934.
Se pueden encontrar pasajes elaborados en armónicos artificiales en la literatura virtuosa del violín, especialmente del siglo XIX y principios del XX. Dos ejemplos notables de esto son una sección completa de Csárdás de Vittorio Monti y un pasaje hacia la mitad del tercer movimiento del Concierto para violín de Pyotr Ilyich Tchaikovsky . Una sección del tercer movimiento del Concierto para violín n.º 1 de Paganini consta de terceras dobles en armónicos.
Cuando las cuerdas están desgastadas, sucias y viejas, es posible que los armónicos ya no tengan un tono preciso. Por este motivo, los violinistas cambian sus cuerdas con regularidad.
Las cuerdas se pueden hacer sonar pasando la pelo del arco sostenido por la mano derecha sobre ellas ( arco ) o punteándolas ( pizzicato ) generalmente con la mano derecha. En algunos casos, el violinista pulsa las cuerdas con la mano izquierda. Esto se hace para facilitar las transiciones del pizzicato al arco. También se utiliza en algunas obras maestras de virtuosos. El pizzicato de mano izquierda se suele realizar con cuerdas al aire. Pizzicato se utiliza en todos los instrumentos de la familia del violín; sin embargo, el estudio sistemático de las técnicas avanzadas de pizzicato está más desarrollado en el bajo de jazz , un estilo en el que el instrumento se pulsa casi exclusivamente.
El brazo, la mano y el arco derechos y la velocidad del arco son responsables de la calidad del tono, el ritmo , la dinámica , la articulación y la mayoría (pero no todos) los cambios en el timbre . El jugador tira del arco sobre la cuerda, haciendo que la cuerda vibre y produzca un tono sostenido. El arco es un palo de madera con pelo de cola de caballo tensado, que ha sido colofonia con una barra de colofonia . La textura natural de la crin y la pegajosidad de la colofonia ayudan al arco a "agarrar" la cuerda y, por lo tanto, cuando el arco se pasa sobre la cuerda, el arco hace que la cuerda suene con un tono.
El arco se puede utilizar para producir notas o melodías largas y sostenidas. Con una sección de cuerdas , si los músicos de una sección cambian sus arcos en diferentes momentos, una nota puede parecer infinitamente sostenible. Además, el arco se puede utilizar para tocar pequeñas notas cortas y nítidas, como notas repetidas, escalas y arpegios, que proporcionan un ritmo propulsor en muchos estilos de música.
La parte más esencial de la técnica del arco es el agarre del arco. Suele ser con el pulgar doblado en la pequeña zona entre la rana y el enrollado del arco. Los otros dedos están distribuidos de manera bastante uniforme en la parte superior del arco. El dedo meñique se curva con la punta del dedo colocada sobre la madera al lado del tornillo. El violín produce notas más fuertes con mayor velocidad del arco o más peso en la cuerda. Los dos métodos no son equivalentes porque producen timbres diferentes; presionar la cuerda tiende a producir un sonido más áspero e intenso. También se puede conseguir un sonido más fuerte colocando el arco más cerca del puente.
El punto de sonido donde el arco se cruza con la cuerda también influye en el timbre (o "color del tono"). Tocar cerca del puente ( sul ponticello ) produce un sonido más intenso de lo habitual, enfatizando los armónicos más altos; y tocar con el arco sobre el extremo del diapasón ( sul tasto ) produce un sonido delicado y etéreo, que enfatiza la frecuencia fundamental . Shinichi Suzuki se refirió al punto de sondeo como la autopista Kreisler ; Uno puede pensar en diferentes puntos de sondeo como carriles en la carretera.
Varios métodos de ataque con el arco producen diferentes articulaciones . Existen muchas técnicas de arco que permiten todos los estilos de interpretación. Muchos profesores, intérpretes y orquestas dedican mucho tiempo a desarrollar técnicas y crear una técnica unificada dentro del grupo. Estas técnicas incluyen inclinaciones estilo legato (un sonido suave, conectado y sostenido adecuado para melodías), collé y una variedad de inclinaciones que producen notas más cortas, incluidas ricochet, sautillé , martelé , spiccato y staccato.
Una nota marcada como pizza. (abreviatura de pizzicato ) en la música escrita debe tocarse punteando la cuerda con un dedo de la mano derecha en lugar de inclinarse. (El dedo índice se usa más comúnmente aquí). A veces, en partes de orquesta o música solista virtuosa donde la mano del arco está ocupada (o para un efecto de alarde), el pizzicato de la mano izquierda se indicará con un + (signo más) debajo o encima de la nota. En el pizzicato de mano izquierda, se colocan dos dedos sobre la cuerda; uno (generalmente el dedo índice o medio) se coloca en la nota correcta y el otro (generalmente el dedo anular o meñique) se coloca encima de la nota. Luego, el dedo superior puntea la cuerda mientras el inferior permanece allí, produciendo así el tono correcto. Al aumentar la fuerza del punteo, se puede aumentar el volumen de la nota que produce la cuerda. Pizzicato se utiliza en obras orquestales y en obras solistas. En las partes orquestales, los violinistas suelen tener que hacer cambios muy rápidos del arco al pizzicato y viceversa.
Una marca de col legno ( en italiano "con la madera") en la música escrita exige golpear las cuerdas con la varilla del arco, en lugar de pasar la cerda del arco a través de las cuerdas. Esta técnica de arco se utiliza poco y da como resultado un sonido de percusión apagado. La inquietante cualidad de una sección de violín tocando col legno se explota en algunas piezas sinfónicas, en particular la "Danza de las brujas" del último movimiento de la Sinfonía fantástica de Berlioz . El poema sinfónico Danse Macabre de Saint-Saëns incluye la sección de cuerdas que utiliza la técnica col legno para imitar el sonido de esqueletos bailando. "Mars" de " The Planets " de Gustav Holst utiliza col legno para tocar un ritmo repetido en5
4 time signature. Benjamin Britten's The Young Person's Guide to the Orchestra demands its use in the "Percussion" Variation. Dmitri Shostakovich uses it in his Fourteenth Symphony in the movement 'At the Sante Jail'. Some violinists, however, object to this style of playing as it can damage the finish and impair the value of a fine bow, but most of such will compromise by using a cheap bow for at least the duration of the passage in question.
A smooth and even stroke during which bow speed and weight are the same from beginning of the stroke to the end.[39]
Literally hammered, a strongly accented effect produced by releasing each bowstroke forcefully and suddenly. Martelé can be played in any part of the bow. It is sometimes indicated in written music by an arrowhead.
Tremolo is the very rapid repetition (typically of a single note, but occasionally of multiple notes), usually played at the tip of the bow. Tremolo is marked with three short, slanted lines across the stem of the note. Tremolo is often used as a sound effect in orchestral music, particularly in the Romantic music era (1800-1910) and in opera music.
Attaching a small metal, rubber, leather, or wooden device called a mute, or sordino, to the bridge of the violin gives a softer, more mellow tone, with fewer audible overtones; the sound of an entire orchestral string section playing with mutes has a hushed quality. The mute changes both the loudness and the timbre ("tone colour") of a violin. The conventional Italian markings for mute usage are con sord., or con sordino, meaning 'with mute'; and senza sord., meaning 'without mute'; or via sord., meaning 'mute off'.
Larger metal, rubber, or wooden mutes are widely available, known as practice mutes or hotel mutes. Such mutes are generally not used in performance, but are used to deaden the sound of the violin in practice areas such as hotel rooms. (For practicing purposes there is also the mute violin, a violin without a sound box.) Some composers have used practice mutes for special effect, for example, at the end of Luciano Berio's Sequenza VIII for solo violin.
Desde la época barroca , el violín ha sido uno de los instrumentos más importantes de la música clásica , por varias razones. El tono del violín destaca por encima de otros instrumentos, lo que lo hace apropiado para tocar una línea melódica. En manos de un buen intérprete, el violín es extremadamente ágil y puede ejecutar secuencias de notas rápidas y difíciles.
Los violines constituyen una gran parte de una orquesta , y suelen dividirse en dos secciones, conocidas como primer y segundo violín. Los compositores suelen asignar la melodía a los primeros violines, normalmente una parte más difícil que utiliza posiciones más altas. Por el contrario, los segundos violines tocan la armonía, los patrones de acompañamiento o la melodía una octava más baja que los primeros violines. De manera similar, un cuarteto de cuerda tiene partes para primer y segundo violín, así como una parte de viola y un instrumento de bajo, como el violonchelo o, raramente, el contrabajo .
Las primeras referencias a la interpretación de jazz utilizando el violín como instrumento solista están documentadas durante las primeras décadas del siglo XX. Joe Venuti , uno de los primeros violinistas de jazz, es conocido por su trabajo con el guitarrista Eddie Lang durante la década de 1920. Desde entonces ha habido muchos violinistas improvisadores, entre ellos Stéphane Grappelli , Stuff Smith , Eddie South , Regina Carter , Johnny Frigo , John Blake , Adam Taubitz , Leroy Jenkins y Jean-Luc Ponty . Aunque no son principalmente violinistas de jazz, Darol Anger y Mark O'Connor han pasado una parte importante de sus carreras tocando jazz. La violinista suizo-cubana Yilian Cañizares mezcla el jazz con la música cubana. [40]
Los violines también aparecen en conjuntos que proporcionan fondo orquestal a muchas grabaciones de jazz.
El violín indio, si bien es esencialmente el mismo instrumento que se utiliza en la música occidental, es diferente en algunos sentidos. [41] El instrumento está afinado de modo que las cuerdas IV y III (G y D en un violín afinado occidental) y las cuerdas II y I (A y E) sean pares sa-pa (do-sol) y suenen igual. pero están compensados por una octava, que se asemeja a la scordatura común o afinaciones cruzadas de violín como G3 – D4 – G4 – D5 o A3 – E4 – A4 – E5. La tónica sa (do) no es fija, sino que está afinada de forma variable para adaptarse al vocalista o al intérprete principal. La forma en que el músico sostiene el instrumento varía desde la música occidental hasta la india. En la música india, el músico se sienta en el suelo con las piernas cruzadas y el pie derecho delante. La voluta del instrumento descansa sobre el pie. Esta posición es esencial para tocar bien debido a la naturaleza de la música india. La mano puede moverse por todo el diapasón y no existe una posición establecida para la mano izquierda, por lo que es importante que el violín esté en una posición estable e inmóvil.
Al menos hasta la década de 1970, la mayoría de los tipos de música popular utilizaban secciones de cuerdas frotadas . Se utilizaron ampliamente en la música popular durante los años 1920 y principios de los 1930. Sin embargo, con el auge de la música swing , de 1935 a 1945, el sonido de cuerdas se utilizó a menudo para añadir plenitud a la música de big band . Tras la era del swing , desde finales de los años 1940 hasta mediados de los 1950, las cuerdas comenzaron a revivir en la música pop tradicional . Esta tendencia se aceleró a finales de la década de 1960, con un importante resurgimiento del uso de cuerdas, especialmente en la música soul . Las grabaciones populares de Motown de finales de los años 1960 y 1970 dependían en gran medida de las cuerdas como parte de su textura característica.
Con el auge de la música creada electrónicamente en la década de 1980, el uso de los violines disminuyó, a medida que los sonidos de cuerdas sintetizadas tocadas por un teclista con un sintetizador ocuparon su lugar. Sin embargo, si bien el violín ha tenido muy poco uso en la música rock convencional , tiene cierta historia en el rock progresivo (por ejemplo, Electric Light Orchestra , King Crimson , Kansas , Gentle Giant ). El instrumento tiene un lugar más fuerte en las bandas modernas de jazz fusión , en particular en The Corrs .
La popularidad de la música cruzada a partir de los últimos años del siglo XX ha devuelto al violín al ámbito de la música popular, y las bandas populares utilizan violines eléctricos y acústicos. Dave Matthews Band cuenta con el violinista Boyd Tinsley . The Flock contó con el violinista Jerry Goodman , quien más tarde se unió a la banda de fusión de jazz-rock , The Mahavishnu Orchestra . James ' Saul Davies , que también es guitarrista , fue contratado por la banda como violinista.
La banda de folk metal Ithilien utiliza mucho el violín a lo largo de su discografía. [42] La banda de metal progresivo Ne Obliviscaris cuenta con un violinista, Tim Charles, en su formación. [43]
Artistas independientes, como Owen Pallett , The Shondes y Andrew Bird , también han estimulado un mayor interés en el instrumento. [44] Las bandas independientes a menudo han adoptado arreglos nuevos e inusuales, lo que les permite más libertad para presentar el violín que muchos artistas musicales convencionales. Lindsey Stirling toca el violín junto con ritmos y rupturas electrónicas, dubstep y trance. [45]
Eric Stanley improvisa con el violín con elementos de música hip hop /pop/clásica y ritmos instrumentales. [46] [47] La exitosa banda de indie rock y pop barroco Arcade Fire utiliza ampliamente violines en sus arreglos. [48]
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Como muchos otros instrumentos utilizados en la música clásica , el violín desciende de ancestros remotos que se utilizaban para la música folclórica . Tras una etapa de intenso desarrollo a finales del Renacimiento , principalmente en Italia , el violín había mejorado (en volumen, tono y agilidad), hasta el punto de que no sólo se convirtió en un instrumento muy importante en la música artística, sino que resultó muy atractivo para también a los músicos folclóricos, que en última instancia se difundieron ampliamente, desplazando a veces a los instrumentos de arco anteriores. Los etnomusicólogos han observado su uso generalizado en Europa, Asia y América.
Cuando se toca como instrumento popular, el violín generalmente se conoce en inglés como violín (aunque el término violín se puede usar de manera informal sin importar el género musical). En todo el mundo existen varios instrumentos de cuerda, como el violín de rueda y el violín Apache , que también se denominan "violines". La música de violín se diferencia de la clásica en que las melodías generalmente se consideran música de baile [49] y se utilizan diversas técnicas, como zumbidos, movimientos aleatorios y ornamentaciones específicas de estilos particulares. En muchas tradiciones de música folclórica, las melodías no se escriben sino que son memorizadas por sucesivas generaciones de músicos y transmitidas [49] en lo que se conoce como tradición oral . Muchas piezas antiguas requieren afinación cruzada o el uso de afinaciones distintas a la GDAE estándar. Algunos músicos de estilos americanos de violín folclórico (como el bluegrass o el antiguo) tienen el borde superior del puente cortado en una curva ligeramente más plana, lo que hace que técnicas como el "doble shuffle" sean menos exigentes para el brazo del arco, ya que reduce el rango. de movimiento necesario para alternar entre paradas dobles en diferentes pares de cuerdas. Los violinistas que usan cuerdas con núcleo de acero sólido pueden preferir usar un cordal con afinadores finos en las cuatro cuerdas, en lugar del afinador único en la cuerda Mi que usan muchos músicos clásicos.
Además del rababah árabe , el violín se ha utilizado en la música árabe.
Los violines eléctricos tienen una pastilla magnética o piezoeléctrica que convierte la vibración de las cuerdas en una señal eléctrica. Un cable de conexión o un transmisor inalámbrico envía la señal a un amplificador de un sistema de megafonía . Los violines eléctricos suelen construirse así, pero a un violín acústico convencional se le puede añadir una pastilla. Un violín eléctrico con un cuerpo resonante que produce un sonido a nivel de escucha independientemente de los elementos eléctricos puede denominarse violín electroacústico . Para ser eficaces como violín acústico, los violines electroacústicos conservan gran parte del cuerpo resonante del violín y, a menudo, se parecen a un violín o un violín acústico. La carrocería puede tener acabados en colores vivos y fabricarse con materiales alternativos a la madera. Es posible que sea necesario conectar estos violines a un amplificador de instrumento o a un sistema de megafonía . Algunos tipos vienen con una opción silenciosa que permite al intérprete utilizar auriculares conectados al violín. Los primeros violines eléctricos especialmente construidos datan de 1928 y fueron fabricados por Victor Pfeil, Oskar Vierling, George Eisenberg, Benjamin Miessner , George Beauchamp , Hugo Benioff y Fredray Kislingbury. Estos violines se pueden conectar a unidades de efectos , al igual que una guitarra eléctrica , que incluyen distorsión , pedal wah-wah y reverberación . Dado que los violines eléctricos no dependen de la tensión y la resonancia de las cuerdas para amplificar su sonido, pueden tener más cuerdas. Por ejemplo, varios fabricantes ofrecen violines eléctricos de cinco cuerdas, y también está disponible un violín eléctrico de siete cuerdas (con tres cuerdas inferiores que abarcan el rango del violonchelo ). [50] La mayoría de los primeros violinistas eléctricos eran músicos que tocaban jazz fusión (por ejemplo, Jean-Luc Ponty ) y música popular.
La autenticación de violín es el proceso de determinar el fabricante y la fecha de fabricación de un violín. Este puede ser un proceso importante, ya que se puede otorgar un valor significativo a los violines fabricados por fabricantes específicos o en momentos y lugares específicos. El análisis del diseño, modelo, características de la madera y textura del barniz se puede utilizar para autentificar un violín. [51] La falsificación y otros métodos de tergiversación fraudulenta pueden utilizarse para inflar el valor de un instrumento.
En consecuencia, el nivel sonoro de cada armónico tendrá un valor que fluctuará periódicamente debido al vibrato.
Sin embargo, en el caso de los instrumentos de cuerda, no sólo son fuertemente direccionales, sino que el patrón de su direccionalidad cambia muy rápidamente con la frecuencia.
Si piensas en ese patrón en una frecuencia determinada como faros de sonido, como las púas de un puercoespín, entonces incluso los ligeros cambios en el tono creados por el vibrato pueden hacer que esas púas ondulen continuamente.
El efecto se puede visualizar en términos de una serie de balizas sonoras altamente direccionales, todas las cuales el vibrato hace que ondulen hacia adelante y hacia atrás de una manera coherente y altamente organizada.
Es obvio que tal fenómeno ayudará enormemente a fusionar los sonidos de los parciales dirigidos de manera diferente en una sola corriente auditiva;
Incluso se puede especular que es una de las razones por las que los violinistas utilizan el vibrato de manera tan universal, en comparación con los músicos de viento, en cuyos sonidos el color del tono direccional generalmente está ausente.
Definiciones de Wikcionario
Medios de los comunes
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