La tragedia (del griego τραγῳδία , tragōidia [a] ) es un género dramático basado en el sufrimiento humano y, principalmente, en los eventos terribles o dolorosos que le suceden a un personaje principal o a un elenco de personajes. [2] Tradicionalmente, la intención de la tragedia es invocar una catarsis acompañante , o un "dolor [que] despierta placer", para la audiencia. [3] [4] Si bien muchas culturas han desarrollado formas que provocan esta respuesta paradójica , el término tragedia a menudo se refiere a una tradición específica de drama que ha jugado un papel único e importante históricamente en la autodefinición de la civilización occidental . [3] [5] Esa tradición ha sido múltiple y discontinua, pero el término se ha utilizado a menudo para invocar un poderoso efecto de identidad cultural y continuidad histórica: "los griegos y los isabelinos , en una forma cultural; helenos y cristianos, en una actividad común", como dice Raymond Williams . [6]
Desde sus orígenes en el teatro de la antigua Grecia hace 2500 años, del que sólo sobrevive una fracción de la obra de Esquilo , Sófocles y Eurípides , así como muchos fragmentos de otros poetas, y las posteriores tragedias romanas de Séneca ; a través de sus singulares articulaciones en las obras de Shakespeare , Lope de Vega , Jean Racine y Friedrich Schiller hasta la más reciente tragedia naturalista de Henrik Ibsen y August Strindberg ; la trágica venganza de Némesis de Natyaguru Nurul Momen y las meditaciones modernistas de Samuel Beckett sobre la muerte, la pérdida y el sufrimiento; las reelaboraciones posmodernistas de Heiner Müller del canon trágico, la tragedia ha seguido siendo un sitio importante de experimentación cultural, negociación, lucha y cambio. [7] [8] Una larga lista de filósofos —que incluye a Platón , Aristóteles , San Agustín , Voltaire , Hume , Diderot , Hegel , Schopenhauer , Kierkegaard , Nietzsche , Freud , Benjamin , [9] Camus , Lacan y Deleuze— han analizado, especulado y criticado el género. [10] [11] [12]
A raíz de la Poética de Aristóteles (335 a. C.), la tragedia se ha utilizado para hacer distinciones de género, ya sea a escala de la poesía en general (donde lo trágico se divide contra la épica y la lírica ) o a escala del drama (donde la tragedia se opone a la comedia ). En la era moderna , la tragedia también se ha definido contra el drama, el melodrama , lo tragicómico y el teatro épico . [12] [13] [14] El drama, en sentido estricto, atraviesa la división tradicional entre comedia y tragedia en una desterritorialización anti o agenérica desde mediados del siglo XIX en adelante. Tanto Bertolt Brecht como Augusto Boal definen sus proyectos de teatro épico ( drama no aristotélico y Teatro del oprimido , respectivamente) contra modelos de tragedia. Taxidou, sin embargo, lee el teatro épico como una incorporación de funciones trágicas y sus tratamientos del duelo y la especulación. [8]
La palabra «tragedia» parece haber sido utilizada para describir diferentes fenómenos en diferentes épocas. Deriva del griego clásico τραγῳδία , contraído de trag(o)-aoidiā = «canto de la cabra», que viene de tragos = «macho cabrío» y aeidein = «cantar» ( cf. «oda»). Los estudiosos sospechan que esto puede remontarse a una época en la que una cabra era el premio [15] en una competición de danza coral o era lo que un coro bailaba alrededor antes del sacrificio ritual del animal . [16] En otra opinión sobre la etimología, Ateneo de Náucratis (siglos II-III d. C.) dice que la forma original de la palabra era trygodia, de trygos (vendimia) y oda (canción), porque esos eventos se introdujeron por primera vez durante la cosecha de la uva. [17]
Escribiendo en el año 335 a. C. (mucho después de la Edad de Oro de la tragedia ateniense del siglo V ), Aristóteles proporciona la explicación más antigua que se conserva sobre el origen de la forma de arte dramático en su Poética , en la que sostiene que la tragedia se desarrolló a partir de las improvisaciones del líder de los ditirambos corales ( himnos cantados y bailados en alabanza a Dioniso , el dios del vino y la fertilidad): [16]
De todos modos, a partir de un comienzo improvisado (tanto la tragedia como la comedia: la tragedia de los directores del ditirambo, y la comedia de los directores de las procesiones fálicas que aún hoy continúan como costumbre en muchas de nuestras ciudades), [la tragedia] fue creciendo poco a poco, a medida que [los poetas] desarrollaban lo [nuevo] que había aparecido en ella; y, pasando por muchos cambios, la tragedia se detuvo, ya que había alcanzado su propia naturaleza.
— Poética IV, 1449a 10–15 [18]
En la misma obra, Aristóteles intenta proporcionar una definición escolástica de lo que es la tragedia:
La tragedia es, pues, la representación de un hecho importante y completo, y de [cierta] magnitud, por medio de un lenguaje enriquecido [con ornamentos], cada uno usado separadamente en las diferentes partes [de la obra]: se representa, no se recita [meramente], y a través de la piedad y el miedo produce alivio ( catarsis ) a tales [y similares] emociones.
— Poética, VI 1449b 2–3 [19]
Existe cierta disidencia sobre los orígenes ditirámbicos de la tragedia, principalmente basados en las diferencias entre las formas de sus coros y estilos de baile. [20] Se ha sugerido un origen común de los ritos de fertilidad y entierro prehelénicos . [20] Friedrich Nietzsche analizó los orígenes de la tragedia griega en su primer libro El nacimiento de la tragedia (1872). Aquí, sugiere que el nombre se origina en el uso de un coro de sátiros con forma de cabra en los ditirambos originales a partir de los cuales se desarrolló el género trágico.
Scott Scullion escribe:
Hay abundantes evidencias de que la tragoidia se entendía como "canto por el macho cabrío premiado". La evidencia más conocida es Horacio, Ars poetica 220-24 ("el que con un canto trágico competía por un simple macho cabrío"); la más antigua es el Mármol de Paros, una crónica inscrita alrededor del 264/63 a. C., que registra, bajo una fecha entre 538 y 528 a. C.: "Tespis es el poeta... primero producido... y como premio se estableció el macho cabrío" (FrGHist 239A, época 43); la más clara es Eustacio 1769.45: "A aquellos que competían los llamaban trágicos, claramente por el canto sobre el macho cabrío"... [21]
La tragedia ateniense, la forma de tragedia más antigua que se conserva, es un tipo de danza-drama que formó una parte importante de la cultura teatral de la ciudad-estado. [22] [23] [24] [25] [26] [27] Habiendo surgido en algún momento durante el siglo VI a. C., floreció durante el siglo V a. C. (a partir del final del cual comenzó a extenderse por todo el mundo griego), y continuó siendo popular hasta el comienzo del período helenístico . [28] [29] [30] No han sobrevivido tragedias del siglo VI y solo 32 de las más de mil que se representaron en el siglo V. [31] [32] [b] Tenemos textos completos existentes de Esquilo , Sófocles y Eurípides . [31] [c] Se reconoce que Los persas de Esquilo es la tragedia griega más antigua que se conserva y, como tal, es doblemente única entre los dramas antiguos existentes. [34]
Las tragedias atenienses se representaban a finales de marzo o principios de abril en un festival religioso estatal anual en honor a Dioniso. Las presentaciones tomaban la forma de un concurso entre tres dramaturgos, que presentaban sus obras en tres días sucesivos. Cada dramaturgo ofrecía una tetralogía que constaba de tres tragedias y una pieza cómica final llamada obra satírica . [35] Las cuatro obras a veces presentaban historias vinculadas. Solo ha sobrevivido una trilogía completa de tragedias, la Orestíada de Esquilo. El teatro griego estaba al aire libre, en la ladera de una colina, y las representaciones de una trilogía y una obra satírica probablemente duraban la mayor parte del día. Al parecer, las representaciones estaban abiertas a todos los ciudadanos, incluidas las mujeres, pero la evidencia es escasa. [ cita requerida ] El teatro de Dioniso en Atenas probablemente albergaba a unas 12.000 personas. [36]
Todas las partes corales se cantaban (con el acompañamiento de un aulos ) y también se cantaban algunas de las respuestas de los actores al coro. La obra en su conjunto estaba compuesta en varios metros de verso. Todos los actores eran hombres y llevaban máscaras. Un coro griego bailaba y cantaba, aunque nadie sabe exactamente qué tipo de pasos ejecutaba el coro mientras cantaba. Las canciones corales en tragedia suelen dividirse en tres secciones: estrofa ("giro, círculo"), antistrofa ("contragiro, círculo") y epodo ("canto posterior").
Muchos trágicos griegos antiguos emplearon el ekkyklêma como un recurso teatral, que era una plataforma oculta detrás de la escena que podía desplegarse para mostrar las consecuencias de algún evento que había sucedido fuera de la vista del público. Este evento era con frecuencia un asesinato brutal de algún tipo, un acto de violencia que no podía retratarse visualmente de manera efectiva, pero una acción cuyos efectos los otros personajes debían ver para que tuviera significado y resonancia emocional. Un excelente ejemplo del uso del ekkyklêma es después del asesinato de Agamenón en la primera obra de la Orestíada de Esquilo , cuando el cuerpo masacrado del rey es exhibido en una gran exhibición para que todos lo vean. Las variaciones del ekkyklêma se utilizan en tragedias y otras formas hasta el día de hoy, ya que los escritores todavía lo consideran un recurso útil y a menudo poderoso para mostrar las consecuencias de acciones humanas extremas. Otro de estos dispositivos era una grúa, la mechane , que servía para elevar a un dios o diosa al escenario cuando se suponía que llegarían volando. Este dispositivo dio origen a la frase " deus ex machina " ("dios salido de una máquina"), es decir, la intervención sorpresiva de un factor externo imprevisto que cambia el resultado de un acontecimiento. [37]
Tras la expansión de la República romana (509-27 a. C.) en varios territorios griegos entre 270 y 240 a. C., Roma se topó con la tragedia griega . [38] A partir de los últimos años de la república y por medio del Imperio romano (27 a. C.-476 d. C.), el teatro se extendió por Europa occidental, por el Mediterráneo e incluso llegó a Gran Bretaña. [39] Aunque la tragedia griega siguió representándose durante todo el periodo romano, el año 240 a. C. marca el comienzo del drama romano regular . [38] [d] Livio Andrónico comenzó a escribir tragedias romanas, creando así algunas de las primeras obras importantes de la literatura romana . [40] Cinco años después, Cneo Nevio también empezó a escribir tragedias (aunque era más apreciado por sus comedias). [40] No sobrevive ninguna tragedia romana temprana completa, aunque fue muy valorada en su época; los historiadores conocen otros tres dramaturgos trágicos tempranos: Quinto Ennio , Marco Pacuvio y Lucio Accio . [41]
De la época del imperio, sobreviven las tragedias de dos dramaturgos: uno es de autor desconocido, mientras que el otro es el filósofo estoico Séneca . [42] Nueve de las tragedias de Séneca sobreviven, todas las cuales son fabula crepidata (tragedias adaptadas de originales griegos); su Fedra , por ejemplo, se basó en Hipólito de Eurípides . [43] Los historiadores no saben quién escribió el único ejemplo existente de la fabula praetexta (tragedias basadas en temas romanos), Octavia , pero en tiempos pasados se atribuyó erróneamente a Séneca debido a su aparición como personaje de la tragedia. [42]
Las tragedias de Séneca reelaboran las de los tres dramaturgos trágicos atenienses cuya obra ha sobrevivido. Probablemente pensadas para ser recitadas en reuniones de élite, se diferencian de las versiones griegas en sus largos relatos narrativos y declamatorios de la acción, su moralización intrusiva y su retórica grandilocuente. Se centran en relatos detallados de hechos horribles y contienen largos soliloquios reflexivos . Aunque los dioses rara vez aparecen en estas obras, abundan los fantasmas y las brujas. Las tragedias senecanas exploran ideas de venganza , lo oculto, lo sobrenatural, el suicidio, la sangre y las vísceras. El erudito renacentista Julio César Scaligero (1484-1558), que sabía latín y griego, prefería a Séneca a Eurípides.
El teatro clásico griego fue en gran parte olvidado en Europa occidental desde la Edad Media hasta principios del siglo XVI. El teatro medieval estaba dominado por obras de misterio , obras morales , farsas y obras de milagros . En Italia, los modelos de tragedia en la Baja Edad Media fueron romanos, en particular las obras de Séneca, cuyo interés fue despertado nuevamente por el paduano Lovato de' Lovati (1241-1309). [44] Su alumno Albertino Mussato (1261-1329), también de Padua, en 1315 escribió la tragedia en verso latino Eccerinis , que utiliza la historia del tirano Ezzelino III da Romano para resaltar el peligro que representaba para Padua Cangrande della Scala de Verona . [45] Fue la primera tragedia secular escrita desde la época romana, y puede considerarse la primera tragedia italiana identificable como una obra renacentista. Las primeras tragedias que emplean temas puramente clásicos son Aquiles, escrita antes de 1390 por Antonio Loschi de Vicenza (c.1365-1441) y Progne del veneciano Gregorio Correr (1409-1464), que data de 1428 a 1429. [46]
En 1515, Gian Giorgio Trissino (1478-1550) de Vicenza escribió su tragedia Sofonisba en la lengua vernácula que más tarde se llamaría italiana. Basada en el relato de Livio sobre Sofonisba , la princesa cartaginesa que bebió veneno para evitar ser capturada por los romanos, se adhiere estrechamente a las reglas clásicas. Pronto fue seguida por Oreste y Rosmunda del amigo de Trissino, el florentino Giovanni di Bernardo Rucellai (1475-1525). Ambas se completaron a principios de 1516 y se basan en modelos griegos clásicos, Rosmunda en la Hécuba de Eurípides y Oreste en la Ifigenia en Táuride del mismo autor; al igual que Sofonisba , están en italiano y en endecasílabos blancos (sin rima) . Otra de las primeras tragedias modernas es A Castro , del poeta y dramaturgo portugués António Ferreira , escrita alrededor de 1550 (pero publicada recién en 1587) en verso polimétrico (la mayoría de ellos endecasílabos blancos), que trata del asesinato de Inés de Castro , uno de los episodios más dramáticos de la historia portuguesa. Aunque estas tres obras italianas se citan a menudo, por separado o juntas, como las primeras tragedias regulares de los tiempos modernos, así como las primeras obras sustanciales escritas en endecasílabos blancos, aparentemente fueron precedidas por otras dos obras en lengua vernácula: Pamfila o Filostrato e Panfila escrita en 1498 o 1508 por Antonio Cammelli (Antonio da Pistoia); y una Sophonisba de Galeotto del Carretto de 1502. [47] [48]
En Europa se imprimieron, en torno a 1500 ejemplares en los idiomas originales, obras de Sófocles , Séneca y Eurípides , así como de autores cómicos como Aristófanes , Terencio y Plauto , y en los cuarenta años siguientes los humanistas y poetas tradujeron y adaptaron sus tragedias. En la década de 1540, el ámbito universitario europeo (y especialmente, a partir de 1553, los colegios jesuitas) se convirtió en el escenario de un teatro neolatino (en latín) escrito por eruditos. La influencia de Séneca fue particularmente fuerte en su tragedia humanista. Sus obras, con sus fantasmas, pasajes líricos y oratoria retórica, aportaron a muchas tragedias humanistas una concentración en la retórica y el lenguaje por encima de la acción dramática.
Las fuentes más importantes para el teatro trágico francés en el Renacimiento fueron el ejemplo de Séneca y los preceptos de Horacio y Aristóteles (y los comentarios contemporáneos de Julio César Scaligero y Ludovico Castelvetro ), aunque las tramas se tomaron de autores clásicos como Plutarco , Suetonio , etc., de la Biblia, de eventos contemporáneos y de colecciones de cuentos (italianos, franceses y españoles). Los autores trágicos griegos ( Sófocles y Eurípides ) serían cada vez más importantes como modelos a mediados del siglo XVII. También proporcionaron modelos importantes los dramaturgos españoles del Siglo de Oro Pedro Calderón de la Barca , Tirso de Molina y Lope de Vega , muchas de cuyas obras fueron traducidas y adaptadas para la escena francesa.
Las formas comunes son:
En inglés, las tragedias más famosas y de mayor éxito son las de William Shakespeare y sus contemporáneos isabelinos . Entre las tragedias de Shakespeare se encuentran:
Un contemporáneo de Shakespeare, Christopher Marlowe , también escribió ejemplos de tragedia en inglés, en particular:
John Webster (1580?–1635?), también escribió obras famosas del género:
Las tragedias domésticas son tragedias en las que los protagonistas trágicos son individuos comunes de clase media o de clase trabajadora. Este subgénero contrasta con la tragedia clásica y neoclásica , en las que los protagonistas son de rango real o aristocrático y su caída es un asunto de estado y personal.
El teórico griego Aristóteles había sostenido que la tragedia debería referirse únicamente a grandes individuos con grandes mentes y almas, porque su catastrófica caída sería más poderosa emocionalmente para el público; sólo la comedia debería retratar a personas de clase media. La tragedia doméstica rompe con los preceptos de Aristóteles, tomando como sujetos a comerciantes o ciudadanos cuyas vidas tienen menos consecuencias en el mundo en general.
La llegada de la tragedia doméstica marcó el comienzo de la primera fase de cambio del género, centrándose menos en la definición aristotélica del género y más en la definición de tragedia en la escala del drama, donde la tragedia se opone a la comedia, es decir, las historias melancólicas. Aunque la utilización de elementos clave como el sufrimiento, la hamartia, la moralidad y el espectáculo vinculan en última instancia esta variedad de tragedia con todas las demás. Esta variante de tragedia ha llevado a la evolución y el desarrollo de las tragedias de la era moderna, especialmente las posteriores a mediados del siglo XIX, como las obras de Arthur Miller , Eugene O'Neill y Henrik Ibsen . Los temas recientemente tratados que surgieron del movimiento de la tragedia doméstica incluyen: condenas y ejecuciones injustas, pobreza, hambre, adicción , alcoholismo , deuda, abuso estructural , abuso infantil , crimen , violencia doméstica , rechazo social , depresión y soledad.
Las tragedias domésticas clásicas incluyen:
Contemporáneamente con Shakespeare, en Italia se adoptó un enfoque completamente diferente para facilitar el renacimiento de la tragedia. Jacopo Peri , en el prefacio de su Eurídice, se refiere a "los antiguos griegos y romanos (quienes, en opinión de muchos, cantaron sus tragedias escenificadas durante toda la representación en el escenario)". [49] Los intentos de Peri y sus contemporáneos de recrear la tragedia antigua dieron lugar al nuevo género musical italiano de la ópera. En Francia, las obras operísticas trágicas desde la época de Lully hasta aproximadamente la de Gluck no se llamaban ópera, sino tragédie en musique ("tragedia en música") o algún nombre similar; la tragédie en musique se considera un género musical distinto. [50] Algunos compositores operísticos posteriores también han compartido los objetivos de Peri: el concepto de Gesamtkunstwerk ("obra de arte integrada") de Richard Wagner , por ejemplo, pretendía ser un retorno al ideal de la tragedia griega en la que todas las artes se mezclaban al servicio del drama. [51] Nietzsche , en su Nacimiento de la tragedia (1872), apoyaría a Wagner en sus afirmaciones de ser un sucesor de los antiguos dramaturgos.
Durante gran parte del siglo XVII, Pierre Corneille , que dejó su impronta en el mundo de la tragedia con obras como Medea (1635) y El Cid (1636), fue el escritor de tragedias francesas de mayor éxito. Las tragedias de Corneille eran extrañamente poco trágicas (su primera versión de El Cid incluso fue catalogada como tragicomedia), ya que tenían finales felices. En sus trabajos teóricos sobre el teatro, Corneille redefinió tanto la comedia como la tragedia en torno a los siguientes supuestos:
Corneille continuó escribiendo obras de teatro hasta 1674 (principalmente tragedias, pero también algo que él llamaba "comedias heroicas") y muchas continuaron siendo éxitos, aunque las "irregularidades" de sus métodos teatrales fueron cada vez más criticadas (notablemente por François Hédelin, abad de Aubignac ) y el éxito de Jean Racine a partir de finales de la década de 1660 marcó el final de su preeminencia.
Las tragedias de Jean Racine , inspiradas en mitos griegos como Eurípides , Sófocles y Séneca , condensaron su trama en un conjunto apretado de conflictos apasionados y de obligaciones entre un pequeño grupo de personajes nobles, y se concentraron en los dobles vínculos de estos personajes y en la geometría de sus deseos y odios insatisfechos. La habilidad poética de Racine estaba en la representación del patetismo y la pasión amorosa (como el amor de Fedra por su hijastro) y su impacto fue tal que la crisis emocional sería el modo dominante de tragedia hasta finales de siglo. Las dos últimas obras de Racine ("Esther" y "Athalie") abrieron nuevas puertas a los temas bíblicos y al uso del teatro en la educación de las mujeres jóvenes. Racine también enfrentó críticas por sus irregularidades: cuando su obra, Bérénice , fue criticada por no contener ninguna muerte, Racine cuestionó la visión convencional de la tragedia.
Para más información sobre la tragedia francesa de los siglos XVI y XVII, véase Literatura renacentista francesa y Literatura francesa del siglo XVII .
Hacia finales del siglo XVIII, tras estudiar a sus predecesores, Joanna Baillie quiso revolucionar el teatro, creyendo que podría utilizarse de forma más efectiva para afectar la vida de las personas. [52] Con este fin, dio una nueva dirección a la tragedia, que definió como "la revelación de la mente humana bajo el dominio de esas pasiones fuertes y fijas, que aparentemente no provocadas por circunstancias externas, desde pequeños comienzos se incubarán dentro del pecho, hasta que todas las mejores disposiciones, todos los hermosos dones de la naturaleza se pongan ante ellas". [53] Esta teoría la puso en práctica en su "Serie de obras sobre las pasiones" en tres volúmenes (comenzando en 1798) y en otras obras dramáticas. Su método era crear una serie de escenas e incidentes destinados a capturar la curiosidad del público y "rastrear el progreso de la pasión, señalando aquellas etapas en la aproximación del enemigo, cuando podría haber sido combatido con más éxito; y donde el hecho de permitirle morir puede considerarse como la causa de toda la miseria que sigue.' [54]
La tragedia burguesa (en alemán: Bürgerliches Trauerspiel) es una forma de teatro que se desarrolló en la Europa del siglo XVIII. Fue fruto de la Ilustración y del surgimiento de la clase burguesa y sus ideales. Se caracteriza por el hecho de que sus protagonistas son ciudadanos comunes. La primera tragedia burguesa auténtica fue una obra inglesa, El mercader de Londres o la historia de George Barnwell, de George Lillo , que se representó por primera vez en 1731. Por lo general, se dice que la obra de Gotthold Ephraim Lessing, La señorita Sara Sampson , que se representó por primera vez en 1755, es el primer Bürgerliches Trauerspiel de Alemania.
En la literatura modernista , la definición de tragedia se ha vuelto menos precisa. El cambio más fundamental ha sido el rechazo del dictamen de Aristóteles de que la verdadera tragedia sólo puede retratar a quienes tienen poder y un estatus elevado. El ensayo de Arthur Miller "La tragedia y el hombre común" (1949) sostiene que la tragedia también puede retratar a personas comunes en entornos domésticos, definiendo así las tragedias domésticas. [55] El dramaturgo británico Howard Barker ha defendido enérgicamente el renacimiento de la tragedia en el teatro contemporáneo, sobre todo en su volumen Argumentos para un teatro . "Salimos de la tragedia equipados contra las mentiras. Después del musical, eres el tonto de cualquiera", insiste. [56]
Críticos como George Steiner han llegado incluso a argumentar que la tragedia puede que ya no exista en comparación con sus manifestaciones anteriores en la antigüedad clásica. En La muerte de la tragedia (1961), George Steiner esbozó las características de la tragedia griega y las tradiciones que se desarrollaron a partir de ese período. En el prólogo (1980) a una nueva edición de su libro, Steiner concluyó que «los dramas de Shakespeare no son un renacimiento ni una variante humanista del modelo trágico absoluto. Son, más bien, un rechazo de este modelo a la luz de criterios tragicómicos y «realistas»». En parte, esta característica de la mente de Shakespeare se explica por su inclinación mental o imaginación, que era «tan abarcadora, tan receptiva a la pluralidad de diversos órdenes de experiencia». Cuando se compara con el drama de la antigüedad griega y el clasicismo francés, las formas de Shakespeare son «más ricas pero híbridas». [57] [58]
Numerosos libros y obras de teatro siguen escribiéndose en la tradición de la tragedia hasta el día de hoy, por ejemplo Espuma en el ensueño , [59] [60] La carretera , [61] Bajo la misma estrella , Fat City , [62] La madriguera del conejo , [63] [64] Réquiem por un sueño , El cuento de la criada . [65] [66] [67] [68]
Definir la tragedia no es una cuestión sencilla, y hay muchas definiciones, algunas de las cuales son incompatibles entre sí. Oscar Mandel, en A Definition of Tragedy (1961), contrastó dos medios esencialmente diferentes de llegar a una definición. El primero es lo que él llama la forma derivativa , en la que se piensa que la tragedia es una expresión de un ordenamiento del mundo; "en lugar de preguntar qué expresa la tragedia, la definición derivativa tiende a preguntar qué se expresa a través de la tragedia". El segundo es la forma sustantiva de definir la tragedia, que comienza con la obra de arte que se supone que contiene el ordenamiento del mundo. Los críticos sustantivos "están interesados en los elementos constitutivos del arte, más que en sus fuentes ontológicas". Reconoce cuatro subclases: a. "definición por elementos formales" (por ejemplo, las supuestas "tres unidades"); b. "definición por situación" (donde uno define la tragedia, por ejemplo, como "exhibir la caída de un buen hombre"); c. "definición por dirección ética" (donde el crítico se preocupa del significado, del "efecto intelectual y moral"); y d. "definición por efecto emocional" (y cita el "requisito de piedad y temor" de Aristóteles). [69]
Aristóteles escribió en su obra Poética que la tragedia se caracteriza por su seriedad e involucra a una gran persona que experimenta un cambio de fortuna ( Peripeteia ). La definición de Aristóteles puede incluir un cambio de fortuna de mala a buena como en las Euménides , pero dice que el cambio de buena a mala como en Edipo rey es preferible porque induce compasión y miedo en los espectadores. La tragedia resulta en una catarsis (limpieza emocional) o curación para la audiencia a través de su experiencia de estas emociones en respuesta al sufrimiento de los personajes del drama.
Según Aristóteles, "la estructura de la mejor tragedia no debe ser simple sino compleja y que represente incidentes que despierten miedo y piedad , porque eso es peculiar de esta forma de arte". [70] Esta reversión de la fortuna debe ser causada por la hamartia del héroe trágico , que a menudo se traduce como un defecto de carácter o como un error (ya que la etimología griega original se remonta a hamartanein , un término deportivo que se refiere a un arquero o lanzador de lanza que falla su objetivo). [71] Según Aristóteles, "La desgracia no es provocada por el vicio o la depravación [general], sino por algún error o fragilidad [particular]". [72] [ no lo suficientemente específico para verificar ] La reversión es el resultado inevitable pero imprevisto de alguna acción tomada por el héroe. También es un error pensar que esta inversión puede ser provocada por un poder superior (por ejemplo, la ley, los dioses, el destino o la sociedad), pero si la caída de un personaje es provocada por una causa externa, Aristóteles describe esto como una desventura y no una tragedia. [73]
Además, el héroe trágico puede lograr alguna revelación o reconocimiento ( anagnórisis , «conocer de nuevo» o «conocer de nuevo» o «conocer de principio a fin») sobre el destino humano, su destino y la voluntad de los dioses. Aristóteles denomina a este tipo de reconocimiento «un cambio de la ignorancia a la conciencia de un vínculo de amor u odio».
En Poética , Aristóteles dio la siguiente definición en griego antiguo de la palabra "tragedia" (τραγῳδία): [19]
La tragedia es una imitación de una acción admirable, completa (compuesta de una introducción, una parte intermedia y un final), y que posee magnitud; en un lenguaje hecho placentero, cada una de sus especies separada en partes diferentes; representada por actores, no a través de la narración; efectuando por medio de la piedad y el miedo la purificación de tales emociones.
El uso común de tragedia se refiere a cualquier historia con un final triste, mientras que para ser una tragedia aristotélica la historia debe cumplir con el conjunto de requisitos establecidos por la Poética . Según esta definición, el drama social no puede ser trágico porque el héroe en él es víctima de circunstancias e incidentes que dependen de la sociedad en la que vive y no de las compulsiones internas (psicológicas o religiosas) que determinan su progreso hacia el autoconocimiento y la muerte. [74] Sin embargo, qué constituye exactamente una "tragedia" es un asunto que se debate con frecuencia.
Según Aristóteles, existen cuatro especies de tragedia:
GWF Hegel , el filósofo alemán más famoso por su enfoque dialéctico de la epistemología y la historia, también aplicó esta metodología a su teoría de la tragedia. En su ensayo "La teoría de la tragedia de Hegel", AC Bradley fue el primero en introducir en el mundo angloparlante la teoría de Hegel, a la que Bradley llamó la "colisión trágica", y la contrastó con las nociones aristotélicas del " héroe trágico " y su "hamartia" en análisis posteriores de la trilogía de la Orestíada de Esquilo y de la Antígona de Sófocles . [75] Sin embargo, el propio Hegel, en su seminal " La fenomenología del espíritu ", defiende una teoría más complicada de la tragedia, con dos ramas complementarias que, aunque impulsadas por un único principio dialéctico, diferencian la tragedia griega de la que sigue a Shakespeare. Sus últimas conferencias formulan una teoría de la tragedia como un conflicto de fuerzas éticas, representadas por personajes, en la tragedia griega antigua, pero en la tragedia shakespeariana el conflicto se presenta como uno de sujeto y objeto, de personalidad individual que debe manifestar pasiones autodestructivas porque sólo esas pasiones son lo suficientemente fuertes para defender al individuo de un mundo externo hostil y caprichoso:
Los héroes de la tragedia clásica antigua se encuentran en situaciones en las que, si se deciden firmemente por el único pathos ético que se adapta únicamente a su personaje acabado, necesariamente deben entrar en conflicto con el poder ético igualmente justificado que se les enfrenta. Los personajes modernos, por otro lado, se encuentran en una gran cantidad de circunstancias más accidentales, dentro de las cuales uno podría actuar de una manera o de otra, de modo que el conflicto, aunque ocasionado por precondiciones externas, todavía está esencialmente arraigado en el personaje. Los nuevos individuos, en sus pasiones, obedecen a su propia naturaleza... simplemente porque son lo que son. Los héroes griegos también actúan de acuerdo con la individualidad, pero en la tragedia antigua tal individualidad es necesariamente... un pathos ético autónomo... En la tragedia moderna, sin embargo, el personaje en su peculiaridad decide de acuerdo con deseos subjetivos... de modo que la congruencia del carácter con el objetivo ético externo ya no constituye una base esencial de la belleza trágica... [76]
Los comentarios de Hegel sobre una obra en particular pueden ilustrar mejor su teoría: "Vista externamente, la muerte de Hamlet puede parecer que fue provocada accidentalmente... pero en el alma de Hamlet, entendemos que la muerte ha acechado desde el principio: el banco de arena de la finitud no puede satisfacer su dolor y ternura, tal pena y náusea en todas las condiciones de la vida... sentimos que es un hombre a quien el disgusto interior casi ha consumido mucho antes de que la muerte le llegue desde afuera". [77]
«L'Écume des jours» («La espuma del día»), es una tragedia de amor juvenil en la que una mujer muere a causa del lirio que le crece en el pulmón.
Los personajes no están destinados a ser reales. Pero también es devastador cuando la tragedia central de la novela golpea: esa sensación demasiado real de un mundo injusto que quita con la misma facilidad con la que da, y de personas que intentan con todas sus fuerzas ser felices a pesar de ello.
