La literatura francesa del siglo XVII se escribió durante el Gran Siglo de Francia, abarcando los reinados de Enrique IV de Francia , la regencia de María de Médici , Luis XIII de Francia , la regencia de Ana de Austria (y la guerra civil llamada la Fronda ) y el reinado de Luis XIV de Francia . La literatura de este período a menudo se equipara con el clasicismo del largo reinado de Luis XIV, durante el cual Francia lideró a Europa en el desarrollo político y cultural; sus autores expusieron los ideales clásicos de orden, claridad, proporción y buen gusto. En realidad, la literatura francesa del siglo XVII abarca mucho más que las obras maestras clasicistas de Jean Racine y Madame de La Fayette .
En la Francia del Renacimiento, la literatura (en el sentido más amplio del término) era en gran medida el producto del humanismo enciclopédico e incluía obras producidas por una clase educada de escritores de trasfondos religiosos y legales. Una nueva concepción de la nobleza, inspirada en las cortes renacentistas italianas y su concepto del cortesano perfecto , estaba empezando a evolucionar a través de la literatura francesa. A lo largo del siglo XVII, este nuevo concepto transformó la imagen del noble rudo en un ideal de honnête homme ("el hombre recto") o el bel esprit ("espíritu hermoso") cuyas principales virtudes incluían elocuencia, habilidad para la danza, modales refinados, apreciación de las artes, curiosidad intelectual, ingenio, una actitud espiritual o platónica hacia el amor y la capacidad de escribir poesía.
En el centro de esta transformación de la literatura estuvieron los salones y las academias literarias que florecieron durante las primeras décadas del siglo XVII; el papel ampliado del mecenazgo noble también fue significativo. La producción de obras literarias como poemas, obras de teatro, obras de crítica o reflexión moral se consideraba cada vez más una práctica necesaria por parte de los nobles, y la creación (o mecenazgo) de las artes sirvió como un medio de avance social tanto para los nobles no marginados como para los marginados. A mediados del siglo XVII, había aproximadamente 2200 autores en Francia (en su mayoría nobles y clérigos) que escribían para un público lector de solo unas pocas decenas de miles. [1] Bajo el cardenal Richelieu , el mecenazgo de las artes y las academias literarias quedó cada vez más bajo el control de la monarquía.
La corte de Enrique IV era considerada por sus contemporáneos como ruda, carente de la sofisticación italianizante de la corte de los reyes Valois . La corte también carecía de una reina, que tradicionalmente servía como foco (o patrona) de los autores y poetas de una nación. Los gustos literarios de Enrique se limitaban en gran medida a la novela caballeresca Amadís de Gaula . [2] En ausencia de una cultura literaria nacional, se formaron salones privados en torno a mujeres de clase alta como María de Médici y Margarita de Valois , dedicándose a debates sobre literatura y sociedad. En la década de 1620, el salón más famoso se celebró en el Hôtel de Rambouillet a cargo de Madame de Rambouillet ; una reunión rival fue organizada por Madeleine de Scudéry .
La palabra salón apareció por primera vez en francés en 1664 a partir de la palabra italiana sala , el gran salón de recepción de una mansión. Antes de 1664, las reuniones literarias a menudo se denominaban por el nombre de la habitación en la que se llevaban a cabo: gabinete , réduit , alcoba y ruelle . Por ejemplo, el término ruelle deriva de las reuniones literarias celebradas en el dormitorio, una práctica popular incluso con Luis XIV . Los nobles, acostados en sus camas, recibían a sus amigos cercanos y les ofrecían asientos en sillas o taburetes que rodeaban la cama. Ruelle ("pequeña calle") se refiere al espacio entre una cama y la pared en un dormitorio; se convirtió en un nombre para estas reuniones (y los círculos intelectuales y literarios que evolucionaron a partir de ellas), a menudo bajo el ala de mujeres educadas en la primera mitad del siglo XVII. [3]
En el contexto de la escolástica francesa, las academias eran sociedades académicas que supervisaban, fomentaban y criticaban la cultura francesa. Las academias aparecieron por primera vez en Francia durante el Renacimiento , cuando Jean-Antoine de Baïf creó una dedicada a la poesía y la música, inspirada en la academia del italiano Marsilio Ficino . La primera mitad del siglo XVII estuvo marcada por un crecimiento fenomenal de las academias privadas, organizadas en torno a una media docena o una docena de individuos que se reunían regularmente. Las academias eran generalmente más formales y estaban más centradas en la crítica y el análisis que los salones , que fomentaban el discurso placentero sobre la sociedad. Sin embargo, ciertos salones (como el de Marguerite de Valois ) estaban más cerca del espíritu académico. [4]
A mediados del siglo XVII, las academias fueron pasando gradualmente a estar bajo el control y patrocinio del gobierno y el número de academias privadas disminuyó. La primera academia privada que pasó a estar bajo control gubernamental fue L'Académie française , que sigue siendo la academia gubernamental más prestigiosa de Francia. Fundada en 1634 por el cardenal Richelieu , L'Académie française se centra en la lengua francesa .
En algunos casos, los valores de la nobleza del siglo XVII desempeñaron un papel importante en la literatura de la época. Los más notables de estos valores son la obsesión aristocrática por la gloria ( la gloire ) y la majestuosidad ( la grandeur ). El espectáculo de poder, prestigio y lujo que se encuentra en la literatura del siglo XVII puede ser desagradable o incluso ofensivo. Los héroes de Corneille , por ejemplo, han sido etiquetados por los críticos modernos como vanidosos, extravagantes y orgullosos; sin embargo, los lectores aristocráticos contemporáneos verían a estos personajes (y sus acciones) como representantes de la nobleza.
El palacio de Versalles , los ballets de la corte, los retratos de los nobles, los arcos de triunfo ... todos ellos eran representaciones de gloria y prestigio. La noción de gloria (ya fuera artística o militar) no era vanidad, jactancia o arrogancia, sino más bien un imperativo moral para la aristocracia. Se exigía a los nobles que fueran generosos, magnánimos y que realizaran grandes hazañas desinteresadamente (es decir, porque su estatus lo exigía, sin expectativas de beneficio económico o político) y que dominaran sus propias emociones (especialmente el miedo, los celos y el deseo de venganza).
El estatus de cada uno en el mundo exigía una externalización apropiada (o " consumo conspicuo "). Los nobles se endeudaban para construir prestigiosas mansiones urbanas ( hôtels particuliers ) y comprar ropa, cuadros, platería, platos y otros muebles acordes con su rango. También se les exigía que mostraran generosidad organizando suntuosas fiestas y financiando las artes. Por el contrario, los advenedizos sociales que adoptaban los adornos externos de las clases nobles (como el uso de una espada) eran severamente criticados, a veces mediante acciones legales (las leyes sobre la vestimenta suntuosa que usaban los burgueses existían desde la Edad Media). [5] Estos valores aristocráticos comenzaron a ser criticados a mediados del siglo XVII; Blaise Pascal , por ejemplo, ofreció un análisis feroz del espectáculo del poder y François de La Rochefoucauld postuló que ningún acto humano, por generoso que pretendiera ser, podía considerarse desinteresado.
En un intento de restringir la proliferación de centros privados de vida intelectual o literaria (para imponer la corte real como el centro artístico de Francia), el cardenal Richelieu tomó una reunión literaria existente (en torno a Valentin Conrart ) y la designó como la Academia francesa oficial en 1634. Otros miembros originales incluyeron a Jean Desmarets de Saint-Sorlin , Jean Ogier de Gombauld , Jean Chapelain , François le Métel de Boisrobert , François Maynard , Marin le Roy de Gomberville y Nicolas Faret ; los miembros agregados en el momento de su creación oficial incluyeron a Jean-Louis Guez de Balzac , Claude Favre de Vaugelas y Vincent Voiture . Este proceso de control estatal de las artes y la literatura se expandiría aún más durante el reinado de Luis XIV.
El "clasicismo" (tal como se aplica a la literatura) implica nociones de orden, claridad, propósito moral y buen gusto. Muchas de estas nociones están directamente inspiradas en las obras de Aristóteles y Horacio , y en obras maestras clásicas griegas y romanas. En teatro, una obra debe seguir las Tres Unidades :
Aunque se basaban en ejemplos clásicos, las unidades de lugar y tiempo se consideraban esenciales para la absorción completa del espectador en la acción dramática; las escenas muy dispersas en China o África, o a lo largo de muchos años, según sostenían los críticos, romperían la ilusión teatral. A veces, junto con la unidad de acción se encuentra la noción de que ningún personaje debe aparecer inesperadamente en el final del drama.
Vinculados a las unidades teatrales están los siguientes conceptos:
Estas reglas excluían muchos elementos comunes en la tragicomedia barroca: caballos voladores, batallas caballerescas, viajes mágicos a tierras extranjeras y el deus ex machina ; la paliza a Hipólita por parte de un monstruo en Fedra sólo podía tener lugar fuera del escenario. Por último, la literatura y el arte debían seguir conscientemente el precepto de Horacio de "complacer y educar" ( aut delectare aut prodesse est ).
Estas reglas (o códigos) rara vez se seguían por completo, y muchas de las obras maestras del siglo XVII rompían estas reglas intencionalmente para aumentar el efecto emocional:
En 1674 estalló un debate intelectual ( la querelle des Anciens et des Modernes ) sobre si las artes y la literatura de la era moderna habían logrado más que los ilustres escritores y artistas de la Antigüedad. La Academia estaba dominada por los "Modernos" ( Charles Perrault , Jean Desmarets de Saint-Sorlin ) y el poema de Perrault "Le Siècle de Louis le Grand" ("El siglo de Luis el Grande") de 1687 fue la expresión más fuerte de su convicción de que el reinado de Luis XIV era igual al de Augusto . Como gran amante de los clásicos, Nicolas Boileau-Despréaux se vio empujado a asumir el papel de campeón de los Antiguos (sus severas críticas a los poemas de Desmarets de Saint-Sorlin no ayudaron), y Jean Racine , Jean de La Fontaine y Jean de La Bruyère tomaron su defensa. Mientras tanto, Bernard le Bovier de Fontenelle y el periódico Mercure Galant se unieron a los "Modernos". El debate duraría hasta principios del siglo XVIII.
El término "clasicismo" también está vinculado a las artes visuales y la arquitectura de la época, donde también se lo conoce como Estilo Luis XIV , más específicamente a la construcción del Palacio de Versalles (el logro supremo de un programa oficial de propaganda y gloria real). Aunque originalmente era un retiro campestre utilizado para festividades especiales, y más conocido por los jardines y fuentes de André Le Nôtre , Versalles finalmente se convirtió en el hogar permanente del rey. Al mudarse a Versalles, Luis evitó efectivamente los peligros de París (en su juventud, Luis XIV había sufrido durante la insurrección civil y parlamentaria conocida como la Fronda ), y también pudo vigilar de cerca los asuntos de los nobles y enfrentarlos entre sí y contra la nueva noblesse de robe . Versalles se convirtió en una jaula dorada; salir significaba un desastre para un noble, ya que todos los cargos y nombramientos oficiales se realizaban allí. Se impuso una etiqueta estricta; una palabra o una mirada del rey podían hacer o destruir una carrera. El propio rey seguía un estricto régimen diario y apenas tenía intimidad. A través de sus guerras y la gloria de Versalles, Luis se convirtió, en cierta medida, en el árbitro del gusto y el poder en Europa; tanto su castillo como la etiqueta de Versalles fueron copiados por las demás cortes europeas. Sin embargo, las difíciles guerras del final de su largo reinado y los problemas religiosos creados por la revocación del Edicto de Nantes hicieron que los últimos años fueran oscuros.
En Francia, el período posterior a las Guerras de religión vio la aparición de una nueva forma de ficción narrativa (que algunos críticos han denominado "novela sentimental"), que rápidamente se convirtió en una sensación literaria gracias al entusiasmo de un público lector en busca de entretenimiento después de tantos años de conflicto. Estas novelas cortas (y realistas) de amor (o amours , como se las llama con frecuencia en los títulos) incluían amplios ejemplos de cartas galantes y discursos corteses, diálogos amorosos, cartas y poemas insertados en la historia, conceptos galantes y otras figuras retóricas. Estos textos desempeñaron un papel importante en la elaboración de nuevos modos de civilidad y discurso de las clases altas (lo que llevó a la noción del noble honnête homme ). Ninguna de estas novelas ha sido reeditada desde principios del siglo XVII, y siguen siendo en gran parte desconocidas en la actualidad. Los autores asociados con les Amours fueron Antoine de Nervèze , Nicolas des Escuteaux y François du Souhait . [6] Mientras tanto, la tradición del cuento oscuro —que proviene del cuento trágico ( histoire tragique ) asociado con Bandello y que frecuentemente termina en suicidio o asesinato— continuó en las obras de Jean-Pierre Camus y François de Rosset.
En 1610, la novela corta de amor había desaparecido en gran medida, ya que los gustos volvieron a las novelas de aventuras más largas ( romans d'aventures ) y sus clichés (piratas, tormentas, doncellas secuestradas) que habían sido populares desde la corte de Valois. Amadis de Gaula era la lectura favorita de Enrique IV; Béroalde de Verville todavía escribía y Nicolás de Montreux acababa de morir en 1608. Tanto Nervèze como Des Escuteaux en sus obras posteriores intentaron novelas de aventuras de varios volúmenes, y durante los siguientes veinte años el sacerdote Jean-Pierre Camus adaptó la forma para contar desgarradores cuentos morales fuertemente influenciados por la histoire tragique . La más conocida de estas novelas de aventuras largas es quizás Polexandre (1629-1649) del joven autor Marin le Roy de Gomberville .
Sin embargo, todos estos autores se vieron eclipsados por el éxito internacional de la novela L'Astrée (1607-1633) de Honoré d'Urfé . Esta historia se centraba en el pastor Celadon y su amada, Astrée, y combinaba un recurso narrativo de pastores y doncellas que se encontraban, contaban historias y filosofaban sobre el amor (una forma derivada de la antigua novela griega "La etíope" de Heliodoro de Emesa ) con un entorno pastoral (derivado de la tradición pastoral española e italiana de escritores como Jacopo Sannazaro , Jorge de Montemayor , Torquato Tasso y Giambattista Guarini ) de pastores y doncellas nobles e idealizados que cuidaban sus rebaños y se enamoraban (y desenamoraban). La influencia de la novela de D'Urfé fue inmensa, especialmente en su estructura discursiva (que permitía introducir una gran cantidad de historias y personajes y demorar su resolución durante miles de páginas; una roman à tiroirs ). La novela de D'Urfé también promovió un neoplatonismo enrarecido , que difería profundamente de la fisicalidad de los caballeros en la novela renacentista (como Amadís de Gaula ). El único elemento de la obra de D'Urfé que no produjo imitaciones fue su ambientación pastoral romana .
Al teorizar los orígenes de la novela, a principios del siglo XVII se concibió la forma como "una epopeya en prosa"; en verdad, el poema épico de finales del Renacimiento tenía pocas diferencias temáticas con la novela. El amor novelesco se había derramado en la épica, y los caballeros aventureros se habían convertido en el tema de las novelas. Las novelas de 1640 a 1660 completarían esta fusión. Estas novelas contenían múltiples volúmenes y eran estructuralmente complicadas, utilizando las mismas técnicas de historias insertadas y diálogos de cuento dentro de cuento que D'Urfé. A menudo llamados romans de longue haleine (o "libros de respiración profunda"), generalmente tenían lugar en la antigua Roma, Egipto o Persia, usaban personajes históricos (por esta razón se llaman romans héroiques ) y contaban las aventuras de una serie de amantes perfectos enviados (por accidente o desgracia) a los cuatro rincones del mundo. A diferencia del romance caballeresco, los elementos y criaturas mágicos eran relativamente raros. Además, en estas obras se hacía hincapié en el análisis psicológico y en cuestiones morales y sentimentales, algo de lo que carecía la novela renacentista. Muchas de estas novelas eran, en realidad, novelas con claves que describían relaciones reales de la época bajo nombres y personajes novelescos camuflados. Los autores y las novelas más famosos son:
No toda la ficción de la primera mitad del siglo XVII fue un descontrol de la imaginación en tierras lejanas e historias de amor enrarecidas y aventureras. Influenciados por el éxito internacional de la novela picaresca española (como Lazarillo de Tormes ) y por la colección de cuentos de Miguel de Cervantes Cuentos ejemplares (que apareció en francés a principios de 1614) y Don Quijote de la Mancha (traducción francesa 1614-1618), los novelistas franceses de la primera mitad del siglo XVII también optaron por describir y satirizar su propia época y sus excesos. Otros modelos satíricos importantes fueron proporcionados por La Celestina de Fernando de Rojas y dos obras satíricas latinas de John Barclay (1582-1621), Euphormio sive Satiricon (1602) y Argenis (1621).
Las aventuras del barón de Faeneste, de Agrippa d'Aubigné , retrata los modales rudos y las aventuras cómicas de un gascón en la corte real. La historia cómica de Francion, de Charles Sorel , es una historia de inspiración picaresca sobre las artimañas y los tratos amorosos de un joven caballero; su extravagante Le Berger es una sátira de la pastoral inspirada en D'Urfé, que (tomando como referencia el final de Don Quijote ) hace que un joven asuma la vida de un pastor. A pesar de su "realismo", las obras de Sorel siguen siendo muy barrocas, con secuencias de sueños y narraciones insertadas (por ejemplo, cuando Francion cuenta sus años en la escuela) típicas de la novela de aventuras. Este uso de historias insertadas también sigue a Cervantes, quien insertó una serie de historias casi autónomas en su Quijote . La obra más famosa de Paul Scarron , Le Roman comique , utiliza el marco narrativo de un grupo de actores ambulantes en provincias para presentar tanto escenas de farsa como cuentos sofisticados e insertados.
Cyrano de Bergerac (famoso por la obra de teatro del siglo XIX de Edmond Rostand ) escribió dos novelas que, 60 años antes de Los viajes de Gulliver o Voltaire (o la ciencia ficción), utilizan un viaje a tierras mágicas (la luna y el sol) como pretexto para satirizar la filosofía y la moral contemporáneas. A finales del siglo XVII, las obras de Cyrano inspirarían una serie de novelas filosóficas , en las que los franceses viajan a tierras extranjeras y extrañas utopías. La primera mitad del siglo XVII también vio la continua popularidad del cuento cómico y las colecciones de discusiones humorísticas, ejemplificadas por las Histoires comiques de François du Souhait ; el juguetón, caótico, a veces obsceno y casi ilegible Moyen de parvenir de Béroalde de Verville (una parodia de los libros de "charlas de sobremesa", de Rabelais y de Los ensayos de Michel de Montaigne ); el anónimo Les Caquets de l'accouchée (1622); y Semaine amoureuse (una colección de cuentos) de Molière d'Essertine .
Una lista selecta de escritores y obras cómicas barrocas incluye:
En la segunda mitad del siglo XVII, los escenarios contemporáneos también se utilizarían en muchas nouvelles clásicas ( sobre todo como crítica moral de la sociedad contemporánea).
En 1660, la novela histórica barroca de varios volúmenes había pasado de moda. La tendencia era hacia obras mucho más cortas ( nouvelles o petits romans ), sin una estructura compleja ni elementos aventureros (piratas, naufragios, secuestros). Este alejamiento de la novela barroca fue apoyado por discusiones teóricas sobre la estructura de la novela, que buscaban aplicar los mismos conceptos aristotélicos y horacianos de las tres unidades, decoro y verosimilitud que los escritores habían impuesto al teatro. Por ejemplo, Georges de Scudéry , en su prefacio a Ibrahim (1641), sugirió que un "límite razonable" para la trama de una novela (una forma de "unidad de tiempo") sería un año. De manera similar, en su discusión sobre La princesa de Clèves , el caballero de Valincourt criticó la inclusión de historias auxiliares dentro de la trama principal (una forma de "unidad de acción"). [7]
El interés por el amor, el análisis psicológico, los dilemas morales y las limitaciones sociales impregnan estas novelas. Cuando la acción se desarrolla en un contexto histórico, este se desarrolla cada vez más en un pasado reciente; aunque todavía están llenas de anacronismos, estas nouvelles historiques demuestran un interés por los detalles históricos. Varias de estas novelas cortas cuentan la "historia secreta" de un evento famoso (como Annales galantes de Villedieu ), vinculando la acción a una intriga amorosa; se las llama histoires galantes . Algunas de estas novelas cortas cuentan historias del mundo contemporáneo (como L'Illustre Parisienne de Préchac ). [8]
Las nouvelles classiques importantes fueron:
La más conocida de todas ellas es La princesa de Clèves, de Madame de Lafayette . Reducida esencialmente a tres personajes, la novela corta cuenta la historia de una noble casada durante el reinado de Enrique II que se enamora de otro hombre, pero que revela su pasión a su marido. Aunque la novela incluye varias historias intercaladas, en general la narración se concentra en las dudas y los temores no expresados de los dos individuos que viven en un entorno social dominado por la etiqueta y la corrección moral; a pesar de su entorno histórico, Lafayette estaba describiendo claramente su mundo contemporáneo. El análisis psicológico se acerca al pesimismo de La Rochefoucauld , y la abnegación del personaje principal conduce en última instancia a un rechazo de un final feliz convencional. A pesar de toda su fuerza, la novela de Madame de Lafayette no es la primera en tener un entorno histórico reciente o profundidad psicológica (como sostienen algunos críticos); Estos elementos se pueden encontrar en novelas de la década anterior y ya están presentes en algunos Amores de principios del siglo XVII.
Las preocupaciones de la nouvelle classique (amor, análisis psicológico, dilemas morales y restricciones sociales) también son evidentes en la novela epistolar anónima Lettres d'une religieuse portugaise ( Cartas de una monja portuguesa ) (1668), a veces atribuida a Guilleragues , que causaron sensación cuando se publicaron (en parte debido a su autenticidad percibida). Estas cartas, escritas por una mujer despreciada a su amante ausente, fueron una poderosa representación de la pasión amorosa con muchas similitudes con el lenguaje de Racine. Otras novelas epistolares siguieron por Claude Barbin, Vincent Voiture , Edmé Boursault , Fontenelle (que usó la forma para introducir la discusión de asuntos filosóficos y morales, prefigurando las Lettres persanes de Montesquieu en el siglo XVIII) y otros; también se publicaron cartas de amor reales escritas por damas nobles (Madame de Bussy-Lameth, Madame de Coligny). Antoine Furetière (1619-1688) es responsable de una novela cómica más larga que se burla de una familia burguesa, Le Roman bourgeois (1666). La elección del burgués arribista o parvenu (un trepador social, tratando de imitar las costumbres y el estilo de las clases nobles) como fuente de burla aparece en una serie de cuentos y obras de teatro de la época (como Bourgeois Gentihomme de Molière ). La larga novela de aventuras de amor continuó existiendo después de 1660, aunque en una forma mucho más corta que las novelas de la década de 1640. Influenciadas tanto por las nouvelles historiques y nouvelles galantes como por los romans d'aventures y romans historiques , estas novelas históricas, cuyos escenarios van desde la antigua Roma hasta la Castilla renacentista o Francia, se publicaron hasta las primeras décadas del siglo XVIII. Entre los autores se encuentran Madame Marie Catherine d'Aulnoy , Mlle Charlotte-Rose de Caumont La Force , Mlle Anne de La Roche-Guilhem, Catherine Bernard y Catherine Bédacier-Durand.
Pierre Daniel Huet escribió una historia de la novela, Traitté de l'origine des romans (1670) . Esta obra (al igual que las discusiones teóricas sobre la verdad teatral , la bondad y la naturaleza de la tragedia y la comedia) enfatizaba la necesidad de utilidad moral; establecía distinciones importantes entre la historia y la novela, y entre la épica (que trata de la política y la guerra) y la novela (que trata del amor). La primera mitad del siglo XVII había presenciado el desarrollo de la mémoire biográfica (véase más adelante), y hacia la década de 1670 esta forma comenzó a usarse en novelas. Madame de Villedieu (nombre real Marie-Catherine Desjardins), autora de varias nouvelles , también escribió una obra realista más larga que representaba (y satirizaba) el mundo contemporáneo a través de las memorias ficticias de una joven que relataba sus dificultades amorosas y económicas, Mémoires de la vie d'Henriette Sylvie de Molière (1672-1674).
La forma ficticia de la memoria fue utilizada también por otros novelistas. Las novelas de Courtilz de Sandras ( Mémoires de MLCDR en 1687, Mémoires de M. d'Artagnan en 1700 y Mémoires de M. de B. en 1711) describen el mundo de Richelieu y Mazarino sin clichés galantes; predominan los espías, los secuestros y las maquinaciones políticas. Entre las otras memorias de la época, la más conocida fue la obra del inglés Anthony Hamilton , cuyas Mémoires de la vie du comte de Grammont... (que narra sus años en la corte francesa de 1643 a 1663) se publicaron en Francia en 1713. Muchas de estas obras se publicaron de forma anónima; en algunos casos es difícil decir si son noveladas o biográficas. Otros autores incluyen al abate Cavard, al abate de Villiers, al abate Olivier y al sieur de Grandchamp. El realismo (y la ironía ocasional) de estas novelas conducirían directamente a las de Alain-René Lesage , Pierre de Marivaux y el Abbé Prévost en el siglo XVIII.
En la década de 1690, el cuento de hadas comenzó a aparecer en la literatura francesa. La colección más conocida de cuentos tradicionales (liberalmente adaptados) fue la de Charles Perrault (1697), aunque se publicaron muchos otros (como los de Henriette-Julie de Murat y Madame d'Aulnoy ). Una revolución importante se produciría con la aparición de la primera traducción francesa (y de hecho moderna) de Antoine Galland de Las mil y una noches (o Las mil y una noches ) (en 1704; apareció otra traducción en 1710-12), que influiría en los cuentos del siglo XVIII de Voltaire , Diderot y muchos otros.
En este período también aparecieron varias novelas con viajes y descripciones utópicas de culturas extranjeras (a imitación de Cyrano de Bergerac, Thomas More y Francis Bacon):
De similar finalidad didáctica fue Les Aventures de Télémaque (1694-96) de Fenelon , que representa un intento clasicista de superar los excesos de la novela barroca; utilizando una estructura de viajes y aventuras (injertada en Telémaco , el hijo de Ulises), Fenelon expone su filosofía moral. Esta novela sería emulada por otras novelas didácticas durante el siglo XVIII.
Debido a la nueva concepción del hombre honesto , la poesía se convirtió en uno de los principales géneros de la producción literaria de los nobles y de los escritores profesionales no nobles bajo su patrocinio durante el siglo XVII. La poesía se utilizaba para todos los fines. Gran parte de la poesía de los siglos XVII y XVIII era "ocasional", es decir, escrita para celebrar un acontecimiento particular (un matrimonio, un nacimiento o una victoria militar) o para solemnizar un suceso trágico (una muerte o una derrota militar); este tipo de poesía era la preferida por los caballeros al servicio de un noble o del rey. La poesía era la forma principal del teatro del siglo XVII; la gran mayoría de las obras con guión se escribían en verso (véase "Teatro" más abajo). La poesía se utilizó en sátiras ( Nicolas Boileau-Despréaux es famoso por sus Sátiras (1666)) y epopeyas (inspiradas en la tradición épica renacentista y en Tasso ) como La Pucelle de Jean Chapelain .
Aunque la poesía francesa durante el reinado de Enrique IV y Luis XIII todavía estaba inspirada en gran medida por los poetas de la última corte de Valois , algunos de sus excesos y libertades poéticas encontraron censura, especialmente en la obra de François de Malherbe , quien criticó las irregularidades de métrica o forma de La Pléiade y Philippe Desportes (la supresión de la cesura por un hiato , cláusulas oracionales que se desbordan en la siguiente línea -encabalgamiento- , neologismos construidos a partir de palabras griegas, etc.). El final del siglo XVII vería a Malherbe como el abuelo del clasicismo poético. Los poemas de la Pléiade sobre el mundo natural (campos y arroyos) continuaron durante la primera mitad del siglo (pero el tono era a menudo elegíaco o melancólico [una "oda a la soledad") y el mundo natural presentado era a veces la costa o algún otro entorno accidentado) por poetas que fueron etiquetados por críticos posteriores con la etiqueta de "barrocos" (en particular Théophile de Viau y Antoine Gérard de Saint-Amant ).
La poesía pasó a formar parte de los juegos sociales de los salones nobles (véase "salones" más arriba), donde los epigramas , los versos satíricos y las descripciones poéticas eran comunes (el ejemplo más famoso es "La Guirlande de Julie" (1641) en el Hôtel de Rambouillet, una colección de poemas florales escritos por los miembros del salón para el cumpleaños de la hija del anfitrión). Los aspectos lingüísticos del fenómeno asociado con las preciosas (similares al eufuismo en Inglaterra, el gongorismo en España y el marinismo en Italia) -el uso de un lenguaje altamente metafórico (a veces oscuro), la purificación del vocabulario socialmente inaceptable- estaban ligados a este espíritu poético de salón y tendrían un enorme impacto en el lenguaje poético y cortesano francés. Aunque el preciosismo fue objeto de burlas a menudo (sobre todo a finales de la década de 1660, cuando el fenómeno se había extendido a las provincias) por sus excesos lingüísticos y románticos (a menudo vinculados a un desdén misógino por las mujeres intelectuales), la lengua francesa y las costumbres sociales del siglo XVII cambiaron permanentemente gracias a él. [9]
A partir de la década de 1660, tres poetas sobresalen. Jean de La Fontaine alcanzó una enorme celebridad con sus Fábulas (1668-1693), inspiradas en Esopo y Fedro , escritas en forma de verso irregular (se utilizan diferentes longitudes de métrica en un poema). Jean Racine fue considerado el mayor escritor de tragedias de su época. Finalmente, Nicolas Boileau-Despréaux se convirtió en el teórico del clasicismo poético. Su Arte poético (1674) elogió la razón y la lógica (Boileau elevó a Malherbe como el primero de los poetas racionales), la credibilidad, la utilidad moral y la corrección moral; elevó la tragedia y la épica poética a los grandes géneros y recomendó la imitación de los poetas de la antigüedad. El "clasicismo" en poesía dominaría hasta los prerrománticos y la Revolución Francesa.
Una lista selecta de poetas franceses del siglo XVII incluye:
Durante la Edad Media y el Renacimiento, las producciones teatrales públicas en París estaban bajo el control de los gremios. Durante las últimas décadas del siglo XVI, solo uno de ellos siguió existiendo; aunque los Confrères de la Passion ya no tenían derecho a representar obras de misterio (desde 1548), se les otorgaron derechos exclusivos para supervisar todas las producciones teatrales en la capital y alquilaron su teatro (el Hôtel de Bourgogne ) a compañías teatrales por un alto precio. En 1599, el gremio abandonó su privilegio, lo que permitió que otros teatros y compañías teatrales operaran en la capital. Además de los teatros públicos, se representaban obras en residencias privadas, ante la corte y en la universidad. En la primera mitad del siglo XVII, el público, el teatro humanista de los colegios y el teatro representado en la corte exhibieron una diversidad de gustos; por ejemplo, mientras que la tragicomedia estaba de moda en la corte durante la primera década, el público estaba más interesado en la tragedia. Los primeros teatros de París solían estar situados en estructuras ya existentes, como pistas de tenis ; sus escenarios eran estrechos y no había instalaciones para decorados ni cambios de escena (lo que favorecía el desarrollo de la unidad de lugar). Con el tiempo, los teatros desarrollarían sistemas de elaboradas máquinas y decorados, que estaban de moda en los vuelos de caballeros de estilo cabaret que se veían en las tragicomedias de la primera mitad del siglo XVII.
A principios del siglo XVII, las representaciones teatrales se celebraban dos veces por semana, a partir de las dos o las tres de la tarde. Las representaciones teatrales a menudo comprendían varias obras; empezaban con un prólogo cómico, luego una tragedia o tragicomedia, después una farsa y finalmente una canción. A veces, los nobles se sentaban a un lado del escenario durante la representación. Como era imposible bajar las luces del teatro, el público siempre estaba atento a los demás y los espectadores eran notablemente vocales durante las representaciones. El lugar directamente frente al escenario, sin asientos, el parterre , estaba reservado para los hombres, pero como estas eran las entradas más baratas, el parterre solía estar formado por una mezcla de grupos sociales. La gente elegante veía el espectáculo desde las galerías. Los príncipes, mosqueteros y pajes reales tenían entrada gratuita. Antes de 1630, una mujer "honesta" no iba al teatro. A diferencia de Inglaterra, Francia no impuso restricciones a las mujeres que actuaban en el escenario; Sin embargo, la carrera de actores de ambos sexos era considerada moralmente incorrecta por la Iglesia Católica (los actores eran excomulgados ) y por el movimiento religioso ascético jansenista . Los actores solían tener nombres artísticos que hacían referencia a papeles típicos o personajes estereotipados.
Además de las comedias y tragedias con guión, los parisinos también eran grandes fanáticos de la compañía de actores italiana que representaba su Commedia dell'arte , una especie de teatro improvisado basado en tipos. Los personajes de la Commedia dell'arte tendrían un profundo efecto en el teatro francés, y uno encuentra ecos de ellos en los fanfarrones, tontos, amantes, ancianos y sirvientes astutos que aún pueblan el teatro francés. Finalmente, la ópera llegó a Francia durante la segunda mitad del siglo XVII.
Los teatros y compañías más importantes de París fueron:
Fuera de París, en los suburbios y en las provincias, había muchas compañías teatrales itinerantes; Molière se inició en una de ellas. La corte real y otras casas nobles también eran importantes organizadores de representaciones teatrales, ballets de cour , simulacros de batallas y otras formas de diversión para sus festividades; en algunos casos, los papeles de bailarines y actores los desempeñaban los propios nobles. Los primeros años en Versalles, antes de la expansión masiva de la residencia, se dedicaron por completo a tales placeres, y espectáculos similares continuaron durante todo el reinado. Los grabados muestran a Luis XIV y a la corte sentados afuera, ante la Cour du marbre de Versalles, viendo la representación de una obra.
La gran mayoría de las obras de teatro con guión del siglo XVII se escribieron en verso. Entre las excepciones notables se incluyen algunas comedias de Molière; Samuel Chappuzeau , autor de Le Théâtre François , imprimió una comedia teatral tanto en prosa como en verso en diferentes momentos. A excepción de los pasajes líricos en estas obras, el metro utilizado era un verso alejandrino de doce sílabas con una pausa regular (o cesura ) después de la sexta sílaba. Estos versos se ponían en pareados rimados ; los pareados alternaban entre rimas "femeninas" (es decir, que terminaban en e muda ) y "masculinas" (es decir, que terminaban en una vocal distinta de una e muda , una consonante o una vocal nasal).
El teatro francés del siglo XVII se suele reducir a tres grandes nombres —Pierre Corneille , Molière y Jean Racine— y al triunfo del «clasicismo». Sin embargo, la verdad es mucho más complicada. El teatro de principios del siglo XVII estaba dominado por los géneros y dramaturgos de la generación anterior; el más influyente en este sentido fue Robert Garnier . Aunque la corte real se había cansado de la tragedia (y prefería la tragicomedia, más escapista ), el público teatral prefería la primera. Esto cambiaría en las décadas de 1630 y 1640 cuando (influenciada por las largas novelas barrocas de la época) la tragicomedia —una aventura heroica y mágica de caballeros y doncellas— se convirtió en el género dominante. El asombroso éxito de El Cid de Corneille en 1637 y Horacio en 1640 haría que la tragedia volviera a estar de moda, y permanecería así durante el resto del siglo XVII.
La fuente más importante para el teatro trágico fue Séneca y los preceptos de Horacio y Aristóteles (más los comentarios modernos de Julio César Scaligero y Ludovico Castelvetro ); las tramas se tomaron de autores clásicos como Plutarco y Suetonio , y de colecciones de cuentos italianos, franceses y españoles. Los autores trágicos griegos ( Sófocles y Eurípides ) serían cada vez más importantes a mediados del siglo XVII. Los dramaturgos españoles Pedro Calderón de la Barca , Tirso de Molina y Lope de Vega también proporcionaron modelos importantes para la comedia, la tragedia y la tragicomedia del siglo XVII , muchas de cuyas obras fueron traducidas y adaptadas para la escena francesa. La escena italiana (incluida la pastoral ) también proporcionó modelos teatrales importantes e Italia fue también una fuente importante de discusiones teóricas sobre el teatro, especialmente en lo relativo al decoro (véanse, por ejemplo, los debates sobre la obra Canace de Sperone Speroni y la obra Orbecche de Giovanni Battista Giraldi ). [10]
Las comedias regulares (es decir, comedias en cinco actos inspiradas en Plauto o Terencio y los preceptos de Elio Donato ) eran menos frecuentes en el escenario que las tragedias y tragicomedias a principios del siglo XVII; el elemento cómico de la primera etapa estaba dominado por la farsa , los monólogos satíricos y la commedia dell'arte . Jean Rotrou y Pierre Corneille volverían a la comedia regular poco antes de 1630. Las tragedias de Corneille eran extrañamente poco trágicas (su primera versión de El Cid incluso fue catalogada como tragicomedia), ya que tenían finales felices. En sus trabajos teóricos sobre el teatro, Corneille redefinió tanto la comedia como la tragedia en torno a los siguientes supuestos:
La historia de la reacción del público y de la crítica ante El Cid de Corneille se puede encontrar en otros artículos (fue criticado por su uso de fuentes, su violación del buen gusto y por otras irregularidades que no se ajustaban a las reglas aristotianas u horacianas), pero su impacto fue sorprendente. El cardenal Richelieu pidió a la recién formada Academia Francesa que investigara y se pronunciara sobre las críticas (fue el primer juicio oficial de la Academia), y la controversia revela un creciente intento de controlar y regular el teatro y las formas teatrales. Este sería el comienzo del "clasicismo" del siglo XVII. Corneille continuó escribiendo obras de teatro hasta 1674 (principalmente tragedias, pero también lo que él llamaba "comedias heroicas"). Muchas tuvieron éxito, aunque las "irregularidades" de sus métodos teatrales fueron cada vez más criticadas (notablemente por François Hédelin, abad de Aubignac ); el éxito de Jean Racine a partir de finales de la década de 1660 marcó el final de su preeminencia.
Una lista selecta de dramaturgos y obras de teatro, con indicación del género (las fechas suelen ser aproximadas, ya que la fecha de publicación solía ser mucho después de la fecha de la primera representación), incluye:
En la década de 1660, el clasicismo se había impuesto en el teatro francés. La obra teórica clave sobre el teatro de este período fue Pratique du théâtre (1657) de François Hedelin, abad de Aubignac , y esta obra revela hasta qué punto el "clasicismo francés" estaba dispuesto a modificar las reglas de la tragedia clásica para mantener las unidades y el decoro (por ejemplo, D'Aubignac consideraba que las tragedias de Edipo y Antígona no eran adecuadas para el escenario contemporáneo). Aunque Pierre Corneille siguió produciendo tragedias hasta el final de su vida, las obras de Jean Racine a partir de finales de la década de 1660 eclipsaron por completo las últimas obras del dramaturgo mayor. Las tragedias de Racine, inspiradas en mitos griegos como Eurípides , Sófocles y Séneca, condensaron su trama en un conjunto de conflictos apasionados y de compromiso entre un pequeño grupo de personajes nobles, centrándose en los dobles vínculos de estos personajes y en la geometría de sus deseos y odios insatisfechos. La habilidad poética de Racine estaba en la representación del patetismo y la pasión amorosa (como el amor de Fedra por su hijastro); su impacto fue tal que la crisis emocional sería el modo dominante de tragedia hasta finales del siglo XVII. Las dos últimas obras de Racine ( Ester y Athalie ) abrieron nuevas puertas a los temas bíblicos y al uso del teatro en la educación de las mujeres jóvenes .
La tragedia durante las dos últimas décadas del siglo XVII y los primeros años del XVIII estuvo dominada por producciones de clásicos de Pierre Corneille y Racine, pero en general el entusiasmo del público por la tragedia había disminuido mucho; la tragedia teatral palideció ante los oscuros problemas económicos y demográficos de finales del siglo XVII, y la "comedia de costumbres" (véase más adelante) había incorporado muchos de los objetivos morales de la tragedia. Otros trágicos de finales del siglo XVII incluyen a Claude Boyer , Michel Le Clerc , Jacques Pradon , Jean Galbert de Campistron , Jean de La Chapelle , Antoine d'Aubigny de la Fosse, el abad Charles-Claude Geneste y Prosper Jolyot de Crébillon . A finales del siglo XVII (sobre todo en las obras de Crébillon), se produce un retorno a la teatralidad de principios de siglo: episodios múltiples, miedo y piedad extravagantes, representación de acciones espantosas en escena.
La ópera francesa temprana fue especialmente popular en la corte real durante este período, y el compositor Jean-Baptiste Lully fue extremadamente prolífico (ver el artículo del compositor para más información sobre los ballets y la ópera de la corte en este período). Estas obras continuaron con la tradición de la tragicomedia (especialmente las pièces à machines ) y el ballet de la corte, y también presentaron ocasionalmente tramas trágicas (o tragédies en musique ). Los dramaturgos que trabajaron con Lully incluyeron a Pierre Corneille y Molière , pero el más importante de estos libretistas fue Philippe Quinault , un escritor de comedias, tragedias y tragicomedias.
La comedia de la segunda mitad del siglo XVII estuvo dominada por Molière. Actor veterano, maestro de la farsa, el slapstick, el teatro italiano y español (véase más arriba) y el teatro "regular" inspirado en Plauto y Terencio , la producción de Molière fue grande y variada. Se le atribuye haber dado a la comedia de costumbres francesa ( comédie de mœurs ) y a la comedia de personajes ( comédie de caractère ) su forma moderna. Sus hilarantes sátiras de padres avaros, preciosistas , advenedizos sociales, médicos y tipos literarios pomposos tuvieron un gran éxito, pero sus comedias sobre la hipocresía religiosa ( Tartufo ) y el libertinaje ( Dom Juan ) le valieron críticas de la iglesia; Tartufo solo se representó por intercesión del rey. Muchas de las comedias de Molière (como Tartufo , Don Juan y El misántropo ) oscilaban entre la farsa y el drama más oscuro, y sus finales están lejos de ser puramente cómicos. Las preciosas ridículas de Molière se basaban sin duda en una obra anterior de Samuel Chappuzeau (más conocido por su obra El teatro francés (1674), que contiene la descripción más detallada del teatro francés durante este período).
La comedia hasta finales del siglo XVII continuará la senda trazada por Molière: predominarán la sátira de las costumbres y las costumbres contemporáneas y la comedia "regular", y la última gran "comedia" del reinado de Luis XIV ( Turcaret de Alain-René Lesage ) es una obra oscura en la que casi ningún personaje presenta rasgos redentores.
A continuación se muestra una lista seleccionada del teatro francés posterior a 1659:
El siglo XVII estuvo dominado por un profundo fervor moral y religioso desatado por la Contrarreforma . De todas las obras literarias, los libros devocionales fueron los más vendidos del siglo. Nuevas organizaciones religiosas se extendieron por el país (véase, por ejemplo, la obra de San Vicente de Paúl y San Francisco de Sales ). El predicador Louis Bourdaloue (1632-1704) era conocido por sus sermones, y el teólogo -orador Jacques-Bénigne Bossuet (1627-1704) compuso una serie de célebres oraciones fúnebres. Sin embargo, el siglo XVII tuvo una serie de escritores que fueron considerados " libertinos "; estos autores (como Théophile de Viau (1590-1626) y Charles de Saint-Evremond (1610-1703)), inspirados por Epicuro y la publicación de Petronio , profesaron dudas sobre asuntos religiosos o morales durante un período de fervor religioso cada vez más reaccionario. René Descartes (1596-1650) Discours de la méthode (1637) y Méditations marcaron una ruptura total con la reflexión filosófica medieval.
El jansenismo , una derivación del catolicismo de la contrarreforma, abogaba por una profunda interrogación moral y espiritual del alma. Este movimiento atraería a escritores como Blaise Pascal y Jean Racine , pero con el tiempo sería objeto de ataques por herejía (defendían una doctrina que lindaba con la predestinación) y su monasterio de Port-Royal fue suprimido. Blaise Pascal (1623-1662) fue un satírico de su causa (en sus Lettres provinciales (1656-57)), pero su mayor obra moral y religiosa fue su colección inacabada y fragmentaria de pensamientos que justificaban la religión cristiana llamada Pensées ( Pensamientos ) (la sección más famosa es su discusión del "pari" o " apuesta " sobre la posible eternidad del alma). Otra consecuencia del fervor religioso de la época fue el quietismo , que enseñaba a los practicantes una especie de estado espiritual meditativo.
François de La Rochefoucauld (1613-1680) escribió una colección de prosa titulada Maximes ( Máximas ) en 1665, que analizaba las acciones humanas frente a un profundo pesimismo moral. Jean de La Bruyère (1645-1696), inspirado por los personajes de Teofrasto , compuso su propia colección de Personajes (1688), que describe los tipos morales contemporáneos. François de La Mothe-Le-Vayer escribió una serie de obras pedagógicas para la educación del príncipe. El Dictionnaire historique et critique (1695-1697; ampliado en 1702) de Pierre Bayle , con su multiplicidad de marginalia e interpretaciones, ofrecía una visión discursiva y multifacética única del conocimiento (claramente en desacuerdo con el clasicismo francés); sería una gran inspiración para la Ilustración y la Encyclopédie de Diderot . Importantes Les Femmes y Grief des Dames y digresión sobre los ensayos de Montaigne de Madame Marie de Gournay
El siglo XVII es conocido por sus "memorias" biográficas. La primera gran efusión de estas proviene de los participantes de la Fronda (como el cardenal de Retz ), que utilizaron el género como justificación política combinada con aventuras novelescas. Roger de Rabutin, conde de Bussy (conocido como Bussy-Rabutin) es responsable de la escandalosa Histoire amoureuse des Gaules , una serie de bocetos de intrigas amorosas de las damas principales de la corte. Paul Pellisson , historiador del rey, escribió una Histoire de Louis XIV que abarca el período 1660-1670. Gédéon Tallemant des Réaux escribió Les Historiettes , una colección de breves bosquejos biográficos de sus contemporáneos.
A las cartas reunidas de Jean-Louis Guez de Balzac se les atribuye la realización (en prosa francesa) de una reforma paralela a la de François de Malherbe en verso. Las cartas de Madame de Sévigné (1626-1696) se consideran un documento importante de la sociedad y los acontecimientos literarios bajo Luis XIV. Las memorias más célebres del siglo XVII, las de Louis de Rouvroy, duque de Saint-Simon (1675-1755), no se publicaron hasta más de un siglo después. También recordamos las Lettres de Ninon de Lenclos y el pequeño libro La Coquette vengée.
