Henri-Robert-Marcel Duchamp ( Reino Unido : / ˈ dj uː ʃ ɒ̃ / , EE. UU .: / dj uː ˈ ʃ ɒ̃ , dj uː ˈ ʃ ɑː m p / , [1] francés: [maʁsɛl dyʃɑ̃] ; 28 de julio de 1887 – 2 Octubre de 1968) fue un pintor, escultor, ajedrecista y escritor francés cuya obra está asociada al cubismo , el dadaísmo y el arte conceptual . [2] [3] [4] Se le considera comúnmente, junto con Pablo Picasso y Henri Matisse , como uno de los tres artistas que ayudaron a definir los desarrollos revolucionarios en las artes plásticas en las primeras décadas del siglo XX, responsable de Importantes avances en pintura y escultura. [5] [6] [7] [8] Ha tenido un inmenso impacto en el arte de los siglos XX y XXI, y una influencia fundamental en el desarrollo del arte conceptual. Durante la Primera Guerra Mundial , había rechazado el trabajo de muchos de sus compañeros artistas (como Henri Matisse) por considerarlo " retiniano ", destinado únicamente a agradar a la vista. En cambio, quería utilizar el arte al servicio de la mente . [9]
Duchamp nació en Blainville-Crevon en Normandía, Francia, de Eugène Duchamp y Lucie Duchamp (anteriormente Lucie Nicolle) y creció en una familia que disfrutaba de las actividades culturales. El arte del pintor y grabador Émile Frédéric Nicolle, su abuelo materno, llenaba la casa, y a la familia le gustaba jugar al ajedrez, leer libros, pintar y tocar música juntos.
De los siete hijos de Eugene y Lucie Duchamp, uno murió siendo un bebé y cuatro se convirtieron en artistas de éxito. Marcel Duchamp era hermano de:
Cuando era niño, con sus dos hermanos mayores ya lejos de casa en la escuela de Rouen , Duchamp estaba más cerca de su hermana Suzanne, quien era una cómplice voluntaria en los juegos y actividades conjurados por su fértil imaginación. A los ocho años, Duchamp siguió los pasos de sus hermanos cuando dejó su casa y comenzó sus estudios en el Lycée Pierre-Corneille , en Ruán. Otros dos estudiantes de su clase también se convirtieron en artistas conocidos y amigos duraderos: Robert Antoine Pinchon y Pierre Dumont . [10] Durante los siguientes ocho años, estuvo encerrado en un régimen educativo que se centraba en el desarrollo intelectual. Aunque no fue un estudiante destacado, su mejor materia fueron matemáticas y ganó dos premios de matemáticas en la escuela. También ganó un premio de dibujo en 1903, y en su graduación en 1904 ganó un codiciado primer premio, validando su reciente decisión de convertirse en artista.
Aprendió dibujo académico de un profesor que intentó, sin éxito, "proteger" a sus alumnos del impresionismo , el postimpresionismo y otras influencias de vanguardia . Sin embargo, el verdadero mentor artístico de Duchamp en ese momento fue su hermano Jacques Villon, cuyo estilo fluido e incisivo buscaba imitar. A los 14 años, sus primeros intentos artísticos serios fueron dibujos y acuarelas que representaban a su hermana Suzanne en diversas poses y actividades. Ese verano también pintó paisajes de estilo impresionista utilizando óleos.
Las primeras obras de arte de Duchamp se alinean con estilos postimpresionistas . Experimentó con técnicas y temas clásicos. Cuando más tarde se le preguntó qué había influido en él en ese momento, Duchamp citó la obra del pintor simbolista Odilon Redon , cuyo enfoque del arte no era aparentemente antiacadémico, sino silenciosamente individual.
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Estudió arte en la Académie Julian [12] [13] de 1904 a 1905, pero prefería jugar al billar a asistir a clases. Durante este tiempo, Duchamp dibujó y vendió caricaturas que reflejaban su humor obsceno. Muchos de los dibujos utilizan juegos de palabras verbales (a veces en varios idiomas), juegos de palabras visuales o ambos. Este juego con palabras y símbolos ocupó su imaginación por el resto de su vida.
En 1905, comenzó su servicio militar obligatorio en el 39.º Regimiento de Infantería, [14] trabajando para una imprenta en Rouen. Allí aprendió tipografía y procesos de impresión, habilidades que usaría en su trabajo posterior.
Debido a la membresía de su hermano mayor Jacques en la prestigiosa Académie royale de peinture et desculpture , la obra de Duchamp se exhibió en el Salón de Otoño de 1908 y al año siguiente en el Salón de los Independientes . El protocubismo de Fauves y Paul Cézanne influyó en sus pinturas, aunque el crítico Guillaume Apollinaire —que eventualmente se convertiría en su amigo— criticó lo que llamó "los desnudos muy feos de Duchamp" ("les nus très vilains de Duchamp"). [15] [16] [17] Duchamp también se hizo amigo de toda la vida del exuberante artista Francis Picabia después de conocerlo en el Salón de Otoño de 1911, y Picabia procedió a presentarle un estilo de vida de autos rápidos y una vida "alta".
En 1911, en la casa de Jacques en Puteaux , los hermanos organizaron un grupo de discusión regular con artistas cubistas , entre ellos Picabia, Robert Delaunay , Fernand Léger , Roger de La Fresnaye , Albert Gleizes , Jean Metzinger , Juan Gris y Alexander Archipenko . También participaron poetas y escritores. El grupo pasó a ser conocido como Grupo Puteaux o Sección de Oro . Desinteresado por la seriedad de los cubistas o por su enfoque en cuestiones visuales, Duchamp no participó en las discusiones sobre la teoría cubista y se ganó la reputación de ser tímido. Sin embargo, ese mismo año pintó en estilo cubista y añadió una impresión de movimiento mediante el uso de imágenes repetitivas.
Durante este período, la fascinación de Duchamp por la transición, el cambio, el movimiento y la distancia se hizo manifiesta y, como muchos artistas de la época, estaba intrigado por el concepto de representar la cuarta dimensión en el arte . [18] Su cuadro Joven triste en un tren encarna esta preocupación:
Primero está la idea del movimiento del tren, y luego la del joven triste que está en un pasillo y que se mueve; por tanto hay dos movimientos paralelos que se corresponden entre sí. Luego está la distorsión del joven: a esto lo había llamado paralelismo elemental . Fue una descomposición formal; es decir, elementos lineales que se suceden como paralelos y distorsionan el objeto. El objeto está completamente estirado, como si fuera elástico. Las líneas se suceden en paralelo, mientras cambian sutilmente para formar el movimiento o la forma del joven en cuestión. También utilicé este procedimiento en Desnudo bajando una escalera . [19]
En su Retrato de jugadores de ajedrez ( Retrato de joueurs d'échecs ) de 1911 se encuentran los marcos cubistas superpuestos y las múltiples perspectivas de sus dos hermanos jugando al ajedrez, pero a eso Duchamp añadió elementos que transmiten la actividad mental invisible de los jugadores.
Las obras de esta época también incluyeron su primera pintura "a máquina", Molino de café (Moulin à café) (1911), que regaló a su hermano Raymond Duchamp-Villon. La última pintura de máquina, más figurativa, de 1914, Molinillo de chocolate ( Broyeuse de chocolat ), prefigura el mecanismo incorporado en el Gran Vaso en el que comenzó a trabajar en Nueva York al año siguiente. [20]
La primera obra de Duchamp que provocó una controversia significativa fue Desnudo bajando una escalera, n.° 2 (Nu dedescendiente un escalier n° 2) (1912). La pintura representa el movimiento mecánico de un desnudo, con facetas superpuestas, similar a las películas. Muestra elementos tanto de la fragmentación y síntesis de los cubistas, como del movimiento y dinamismo de los futuristas .
Primero presentó la pieza para que apareciera en el Salón cubista de los Independientes , pero Albert Gleizes (según Duchamp en una entrevista con Pierre Cabanne, p. 31) [21] pidió a los hermanos de Duchamp que le hicieran retirar voluntariamente la pintura o pintar sobre ella. el título que había pintado en la obra y cambiarle el nombre por otro nombre. Los hermanos de Duchamp se acercaron a él con la petición de Gleizes, pero Duchamp se negó silenciosamente. Sin embargo, no hubo jurado en el Salón de los Independientes y Gleizes no estaba en condiciones de rechazar el cuadro. [21] La controversia, según el historiador de arte Peter Brooke, no era si la obra debía colgarse o no, sino si debía colgarse con el grupo cubista. [21]
Del incidente, Duchamp recordó más tarde: "No les dije nada a mis hermanos. Pero fui inmediatamente a la exposición y llevé mi cuadro a casa en un taxi. Fue realmente un punto de inflexión en mi vida, les puedo asegurar. Vi que No estaría muy interesado en grupos después de eso." [22] Sin embargo, Duchamp apareció en las ilustraciones de Du "Cubisme" , participó en La Maison Cubiste (Casa Cubista) , organizada por el diseñador André Mare para el Salón de Otoño de 1912 (unos meses después de los Indépendants). ; firmó la invitación de la Sección de Oro y participó en la exposición de la Sección de Oro durante el otoño de 1912. La impresión es, escribe Brooke, "fue precisamente porque deseaba seguir siendo parte del grupo que retiró la pintura; y que, lejos de ser maltratado por el grupo, se le dio una posición bastante privilegiada, probablemente gracias al patrocinio de Picabia". [21]
El cuadro se expuso por primera vez en las Galerías Dalmau , Exposició d'Art Cubista , Barcelona, 1912, primera exposición del cubismo en España. [23] Duchamp posteriormente presentó la pintura al " Armory Show " de 1913 en la ciudad de Nueva York. Además de exhibir obras de artistas estadounidenses, esta muestra fue la primera gran exposición de tendencias modernas que surgieron de París, abarcando estilos experimentales de la vanguardia europea , incluidos el fauvismo, el cubismo y el futurismo . Los espectadores estadounidenses, acostumbrados al arte realista, se escandalizaron y el Desnudo estuvo en el centro de gran parte de la controversia.
Aproximadamente en esta época, Duchamp leyó el tratado filosófico de Max Stirner , El ego y lo suyo , estudio que consideró otro punto de inflexión en su desarrollo artístico e intelectual. Lo llamó "un libro extraordinario... que no presenta teorías formales, pero sigue diciendo que el ego siempre está ahí en todo". [24]
Mientras estaba en Munich en 1912, pintó el último de sus cuadros de estilo cubista. Empezó The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even image, y empezó a hacer planes para The Large Glass , garabateando notas breves para sí mismo, a veces con bocetos apresurados. Pasarían más de diez años antes de que se completara esta pieza. No se sabe mucho más sobre su estancia de dos meses en Munich, excepto que el amigo que visitó tenía la intención de mostrarle los lugares de interés y la vida nocturna, y que estaba influenciado por las obras del pintor alemán del siglo XVI Lucas Cranach el Viejo en Munich. la famosa Alte Pinakothek , conocida por sus pinturas de antiguos maestros. Duchamp recordó que diariamente hacía el corto paseo para visitar este museo. Los estudiosos de Duchamp han reconocido desde hace mucho tiempo en Cranach la tenue gama de colores ocre y marrón que Duchamp empleó más tarde. [25]
El mismo año, Duchamp también asistió a la representación de una adaptación teatral de la novela de Raymond Roussel de 1910, Impressions d'Afrique, que presentaba tramas que se volvían sobre sí mismas, juegos de palabras, decorados surrealistas y máquinas humanoides. Le dio crédito al drama por haber cambiado radicalmente su enfoque del arte y por haberlo inspirado a comenzar la creación de The Bride Stripped Bare By Her Bachelors, Even , también conocida como The Large Glass . El trabajo en El gran vaso continuó hasta 1913, con su invención de inventar un repertorio de formas. Realizó notas, bocetos y estudios pintados, e incluso dibujó algunas de sus ideas en la pared de su apartamento.
Hacia finales de 1912, viajó con Picabia, Apollinaire y Gabrielle Buffet-Picabia a través de las montañas del Jura , una aventura que Buffet-Picabia describió como una de sus "incursiones de desmoralización, que también fueron incursiones de ocurrencia y payasada... desintegración del concepto de arte". [26] Las notas de Duchamp sobre el viaje evitan la lógica y el sentido, y tienen una connotación mítica y surrealista.
Duchamp pintó pocos lienzos después de 1912, y en los que hizo intentó eliminar los efectos " pictóricos " y utilizar en su lugar un enfoque de dibujo técnico.
Sus amplios intereses lo llevaron a una exposición de tecnología aeronáutica durante este período, después de lo cual Duchamp le dijo a su amigo Constantin Brâncuși : "La pintura está acabada. ¿Quién podrá hacer algo mejor que esa hélice? Dime, ¿puedes hacer eso?" . [26] Brâncuși más tarde esculpió formas de pájaros . Los funcionarios de Aduanas estadounidenses los confundieron con piezas de aviación e intentaron cobrarles derechos de importación.
En 1913, Duchamp se retiró de los círculos de la pintura y comenzó a trabajar como bibliotecario en la Bibliothèque Sainte-Geneviève para poder ganarse la vida mientras se concentraba en el ámbito académico y trabajaba en su Gran Vidrio . Estudió matemáticas y física, áreas en las que se estaban produciendo nuevos e interesantes descubrimientos. Los escritos teóricos de Henri Poincaré intrigaron e inspiraron particularmente a Duchamp. Poincaré postuló que las leyes que se creía que gobernaban la materia fueron creadas únicamente por las mentes que las "comprendían" y que ninguna teoría podía considerarse "verdadera". "Las cosas en sí no son lo que la ciencia puede alcanzar..., sino sólo las relaciones entre las cosas. Fuera de estas relaciones no hay realidad cognoscible", escribió Poincaré en 1902. [27] Como reflejo de la influencia de los escritos de Poincaré, Duchamp toleró cualquier interpretación de su arte al considerarlo como creación de quien lo formuló, no como verdad. [28]
Los propios experimentos arte-ciencia de Duchamp comenzaron durante su estancia en la biblioteca. Para hacer una de sus piezas favoritas, 3 Stoppages étalon ( 3 stoppages étalon ), dejó caer tres trozos de hilo de 1 metro sobre lienzos preparados, uno a la vez, desde una altura de 1 metro. Los hilos aterrizaron en tres posiciones onduladas aleatorias. Los pintó con barniz sobre las tiras de lona de color negro azulado y los pegó al cristal. Luego cortó tres listones de madera con la forma de cuerdas curvas y puso todas las piezas en una caja de croquet. Sobre los fondos del "paro" se pegaron tres pequeños carteles de cuero con el título impreso en oro. La pieza parece seguir literalmente la Escuela del Hilo de Poincaré , parte de un libro sobre mecánica clásica.
En su estudio montó una rueda de bicicleta boca abajo sobre un taburete y la hacía girar de vez en cuando sólo para observarla. Aunque a menudo se supone que la Rueda de Bicicleta representa el primero de los "Readymades" de Duchamp , esta instalación en particular nunca fue presentada para ninguna exposición de arte y finalmente se perdió. Sin embargo, al principio la rueda se colocó simplemente en el estudio para crear atmósfera: "Disfruté mirándola del mismo modo que disfruto mirando las llamas bailando en una chimenea". [29]
Después de que comenzó la Primera Guerra Mundial en agosto de 1914, con sus hermanos y muchos amigos en el servicio militar y él mismo exento (debido a un soplo cardíaco), [30] [31] Duchamp se sintió incómodo en París. Mientras tanto, Desnudo descendiendo una escalera n.° 2 había escandalizado a los estadounidenses en el Armory Show y ayudó a asegurar la venta de sus cuatro pinturas en la exposición. Así, al poder financiar el viaje, Duchamp decidió emigrar a los Estados Unidos en 1915. Para su sorpresa, descubrió que era una celebridad cuando llegó a Nueva York en 1915, donde rápidamente se hizo amigo de la mecenas Katherine Dreier y del artista Man . Rayo . El círculo de Duchamp incluía a los mecenas del arte Louise y Walter Conrad Arensberg , la actriz y artista Beatrice Wood y Francis Picabia , así como otras figuras de la vanguardia . Aunque hablaba poco inglés, mientras se mantenía dando lecciones de francés y trabajando en la biblioteca, aprendió rápidamente el idioma. Duchamp pasó a formar parte de una colonia de artistas en Ridgefield, Nueva Jersey , al otro lado del río Hudson desde la ciudad de Nueva York. [32]
Durante dos años, los Arensberg, que seguirían siendo sus amigos y mecenas durante 42 años, fueron los propietarios de su estudio. En lugar de alquiler, acordaron que su pago sería El Gran Vaso . Una galería de arte le ofreció a Duchamp 10.000 dólares al año a cambio de toda su producción anual, pero él rechazó la oferta y prefirió continuar su trabajo en El gran vidrio .
Duchamp creó la Société Anonyme en 1920, junto con Katherine Dreier y Man Ray. Este fue el comienzo de su participación de por vida en el comercio y el coleccionismo de arte. El grupo coleccionó obras de arte moderno y organizó exposiciones y conferencias de arte moderno a lo largo de la década de 1930.
En ese momento Walter Pach , uno de los coordinadores del Armory Show de 1913, buscó el consejo de Duchamp sobre el arte moderno. A partir de Société Anonyme, Dreier también dependió del consejo de Duchamp para reunir su colección, al igual que Arensberg. Más tarde , Peggy Guggenheim , los directores del Museo de Arte Moderno Alfred Barr y James Johnson Sweeney consultaron con Duchamp sobre sus colecciones y exposiciones de arte moderno.
El dadaísmo o dadaísmo fue un movimiento artístico de la vanguardia europea de principios del siglo XX. Comenzó en Zúrich , Suiza, en 1916, y poco después se extendió a Berlín . [33] Para citar El lenguaje del conocimiento artístico de Dona Budd ,
Dadá nació de una reacción negativa ante los horrores de la Primera Guerra Mundial . Este movimiento internacional fue iniciado por un grupo de artistas y poetas asociados con el Cabaret Voltaire de Zúrich. Dadá rechazó la razón y la lógica, valorando el sinsentido, la irracionalidad y la intuición. El origen del nombre Dada no está claro; algunos creen que es una palabra sin sentido. Otros sostienen que se origina en el uso frecuente de las palabras da, da, que significan sí, sí en el idioma rumano , por parte de los artistas rumanos Tristan Tzara y Marcel Janco . Otra teoría dice que el nombre "Dada" surgió durante una reunión del grupo cuando un cortapapeles clavado en un diccionario francés-alemán señalaba "dada", una palabra francesa para "caballo de batalla". [34]
El movimiento involucró principalmente artes visuales, literatura, poesía, manifiestos de arte , teoría del arte , teatro y diseño gráfico , y concentró su política contra la guerra a través del rechazo de los estándares predominantes en el arte a través de obras culturales contra el arte . Además de estar en contra de la guerra, Dadá también era antiburgués y tenía afinidades políticas con la izquierda radical.
Las actividades dadaístas incluyeron reuniones públicas, manifestaciones y publicación de revistas de arte y literatura; La cobertura apasionada del arte, la política y la cultura fueron temas que a menudo se discutían en una variedad de medios. Las figuras clave del movimiento, además de Duchamp, incluyeron: Hugo Ball , Emmy Hennings , Hans Arp , Raoul Hausmann , Hannah Höch , Johannes Baader , Tristan Tzara , Francis Picabia , Richard Huelsenbeck , Georg Grosz , John Heartfield , Beatrice Wood , Kurt Schwitters y Hans Richter , entre otros. El movimiento influyó en estilos posteriores, como los movimientos musicales de vanguardia y del centro , y en grupos como el surrealismo , el nouveau réalisme , el arte pop y Fluxus .
El dadaísmo es la base del arte abstracto y la poesía sonora, un punto de partida para el arte performance, un preludio al posmodernismo , una influencia en el arte pop, una celebración del antiarte que luego se adoptaría para usos anarcopolíticos en la década de 1960 y el movimiento que sentó sus bases. la base del surrealismo. [35]
El dadaísmo neoyorquino tenía un tono menos serio que el del dadaísmo europeo y no era una empresa particularmente organizada. El amigo de Duchamp, Francis Picabia , se conectó con el grupo dadaísta de Zúrich y trajo a Nueva York las ideas dadaístas del absurdo y el "antiarte". Duchamp y Picabia se conocieron en septiembre de 1911 en el Salón de Otoño de París, donde ambos exponían. Duchamp mostró una versión más grande de su Joven y niña en la primavera de 1911, una obra que tenía un tema edénico y una sexualidad apenas velada que también se encuentra en la contemporánea Adán y Eva de Picabia de 1911. Según Duchamp, "nuestra amistad comenzó allí mismo". [36] Un grupo se reunía casi todas las noches en la casa de Arensberg o se divertía en Greenwich Village . Junto con Man Ray, Duchamp contribuyó con sus ideas y humor a las actividades de Nueva York, muchas de las cuales coincidieron con el desarrollo de sus Readymades y The Large Glass .
El ejemplo más destacado de la asociación de Duchamp con Dada fue su presentación de Fountain , un urinario, a la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes en 1917. Las obras de arte de las exposiciones de Artistas Independientes no fueron seleccionadas por un jurado y todas las piezas presentadas fueron exhibidas. Sin embargo, el comité de la exposición insistió en que Fountain no era arte y la rechazó de la exposición. Esto provocó un gran revuelo entre los dadaístas y llevó a Duchamp a dimitir de la junta directiva de los Artistas Independientes. [37] : 181–186
Junto con Henri-Pierre Roché y Beatrice Wood, Duchamp publicó varias revistas dadaístas en Nueva York, incluidas The Blind Man y Rongwrong , que incluían arte, literatura, humor y comentarios.
Cuando regresó a París después de la Primera Guerra Mundial, Duchamp no participó en el grupo dadaísta.
Se encontraron "Readymades" objetos que Duchamp eligió y presentó como arte. En 1913, Duchamp instaló una rueda de bicicleta en su estudio. La rueda de bicicleta fue una idea de Elsa von Freytag-Loringhoven. Sin embargo, la idea de los Readymades no se desarrolló plenamente hasta 1915. La idea era cuestionar la noción misma de Arte y la adoración del arte, que Duchamp consideraba "innecesarias". [38]
Mi idea era elegir un objeto que no me atrajera, ni por su belleza ni por su fealdad. Encontrar un punto de indiferencia en mi mirada, ya ves. [38]
Bottle Rack (1914), un estante para secar botellas firmado por Duchamp, está considerado el primer readymade "puro". En Advance of the Broken Arm (1915), poco después siguióuna pala quitanieves, también llamada Preludio a un brazo roto . Su Fuente , un urinario firmado con el seudónimo "R. Mutt", conmocionó al mundo del arte en 1917. [31] La Fuente fue seleccionada en 2004 como "la obra de arte más influyente del siglo XX" por 500 artistas e historiadores de renombre. [8]
En 1919, Duchamp hizo una parodia de la Mona Lisa adornando una reproducción barata del cuadro con bigote y perilla. A esto añadió la inscripción LHOOQ , un juego fonético que, leído en voz alta en francés, rápidamente suena como "Elle a chaud au cul" . Esto puede traducirse como "Tiene un culo caliente", lo que implica que la mujer del cuadro se encuentra en un estado de excitación y disponibilidad sexual. También puede haber sido una broma freudiana, en referencia a la supuesta homosexualidad de Leonardo da Vinci . Duchamp dio una traducción "libre" de LHOOQ como "hay fuego abajo" en una entrevista tardía con Arturo Schwarz . Según Rhonda Roland Shearer , la aparente reproducción de la Mona Lisa es en realidad una copia modelada parcialmente a partir del propio rostro de Duchamp. [40] La investigación publicada por Shearer también especula que el propio Duchamp puede haber creado algunos de los objetos que afirmó ser "objetos encontrados".
En 2017-2018, el experto francés Johann Naldi encontró e identificó diecisiete obras inéditas en una colección privada, clasificada como tesoro nacional el 7 de mayo de 2021 por el Ministerio de Cultura francés, entre ellas Des souteneurs encore dans la force de l'âge et le ventre dans l'herbe de Alphonse Allais , compuesto por una cortina de carruaje verde suspendida de un cilindro de madera. [41] Esta obra seguramente se exhibió en las exposiciones Incoherentes en París entre 1883 y 1893. Según Johann Naldi, esta obra es el ready-made más antiguo conocido y fue fuente de inspiración para Marcel Duchamp. [42]
Duchamp trabajó en su compleja pieza inspirada en el futurismo La novia desnudada por sus solteros, incluso (El gran vaso) de 1915 a 1923, excepto los períodos en Buenos Aires y París en 1918-1920. Ejecutó el trabajo sobre dos paneles de vidrio con materiales como láminas de plomo, alambres fusibles y polvo. Combina procedimientos aleatorios, estudios de perspectivas tramadas y una laboriosa artesanía. Publicó notas para la pieza The Green Box , destinadas a complementar la experiencia visual. Reflejan la creación de reglas físicas únicas y una mitología que describe la obra. Afirmó que su "imagen hilarante" pretende representar el encuentro erótico entre una novia y sus nueve solteros.
Una representación de la adaptación teatral de la novela Impressions d'Afrique de Raymond Roussel , a la que Duchamp asistió en 1912, inspiró la pieza. Ya en 1913 se dibujaron notas, bocetos y planos de la obra en las paredes de su estudio. Para concentrarse en la obra sin obligaciones materiales, Duchamp encontró trabajo como bibliotecario mientras vivía en Francia. Después de emigrar a los Estados Unidos en 1915, comenzó a trabajar en la pieza, financiada con el apoyo de los Arensberg.
La pieza está construida en parte como una retrospectiva de las obras de Duchamp, incluida una reproducción tridimensional de sus pinturas anteriores Bride (1912), Molinillo de chocolate (1914) y Planeador que contiene un molino de agua en metales vecinos (1913-1915), que ha llevado a numerosas interpretaciones. La obra fue declarada formalmente "Inacabada" en 1923. Al regresar de su primera exposición pública en una caja de envío, el vidrio sufrió una gran grieta. Duchamp lo reparó, pero dejó intactas las pequeñas grietas del vidrio, aceptando el elemento casual como parte de la pieza.
Joseph Nechvatal ha arrojado considerable luz sobre El gran cristal al señalar las implicaciones autoeróticas tanto de la soltería como de la máquina repetitiva y frenética; luego discierne una constelación más amplia de temas al insinuar que el autoerotismo –y con la máquina como compañera y practicante omnipresente– se abre hacia una pansexualidad subversiva como se expresa en otras partes de la obra y carrera de Duchamp, en la que un placer que induce al trance se convierte en el factor operativo. principio en contraposición a los dictados de la tradicional pareja hombre-mujer; y también documenta la existencia de este grupo temático a lo largo del modernismo, comenzando con el controvertido Monumento a Balzac de Rodin y culminando en una visión duchampiana de un tecnouniverso en el que todos pueden sentirse bienvenidos. [43]
Hasta 1969, cuando el Museo de Arte de Filadelfia reveló el cuadro Étant donnés de Duchamp , se pensaba que El gran vidrio había sido su última obra importante.
El interés de Duchamp por las obras de arte cinético se puede discernir ya en las notas para El gran vaso y la rueda de bicicleta ready-made, y a pesar de perder interés por el "arte retiniano", mantuvo el interés por los fenómenos visuales. En 1920, con la ayuda de Man Ray, Duchamp construyó una escultura motorizada, Rotative plaques verre, optique de précision ("Placas de vidrio rotativas, óptica de precisión"). La obra, que no consideraba arte, implicaba un motor que hacía girar piezas de vidrio rectangulares sobre las que estaban pintados segmentos de un círculo. Cuando el aparato gira, se produce una ilusión óptica, donde los segmentos parecen ser círculos concéntricos cerrados . Man Ray instaló el equipo para fotografiar el experimento inicial, pero cuando giraron la máquina por segunda vez, una correa de transmisión se rompió y atrapó un trozo de vidrio, que después de rebotar en la cabeza de Man Ray, se hizo añicos. [37] : 227–228
Después de regresar a París en 1923, a instancias de André Breton , con financiación de Jacques Doucet , Duchamp construyó otro dispositivo óptico basado en el primero, Rotative Demisphère, optique de précision (Demisfera rotativa, Óptica de precisión). Esta vez el elemento óptico era un globo terráqueo cortado por la mitad, con círculos concéntricos negros pintados en él. Cuando gira, los círculos parecen moverse hacia adelante y hacia atrás en el espacio. Duchamp pidió que Doucet no exhibiera el aparato como arte. [37] : 254–255
Los rotoreliefs fueron la siguiente fase de las obras de hilado de Duchamp. Para hacer los "juguetes" ópticos, pintó diseños en círculos planos de cartón y los hizo girar en un tocadiscos fonográfico. Al girar, los discos planos parecían tridimensionales. Hizo que una imprenta produjera 500 juegos de seis de los diseños y instaló un stand en una exposición de inventores de París en 1935 para venderlos. La empresa fue un desastre financiero, pero algunos científicos ópticos pensaron que podría ser útil para restaurar la visión estereoscópica tridimensional en personas que habían perdido la visión en un ojo. [37] : 301–303 En colaboración con Man Ray y Marc Allégret , Duchamp filmó las primeras versiones de los Rotoreliefs y llamaron a la película Anémic Cinéma (1926). Posteriormente, en el estudio de Alexander Calder en 1931, mientras observaba las obras cinéticas del escultor, Duchamp sugirió que éstas deberían llamarse móviles . Calder acordó utilizar este término novedoso en su próximo programa. Hasta el día de hoy, las esculturas de este tipo se denominan "móviles". [37] : 294
Entre 1912 y 1915, Duchamp trabajó con diversas ideas musicales. Han sobrevivido al menos tres piezas: dos composiciones y una nota para un acontecimiento musical. Las dos composiciones se basan en operaciones aleatorias . Erratum Musical , escrita a tres voces, se publicó en 1934. La Mariée mise à nu par ses célibataires même. Erratum Musical está inacabado y nunca fue publicado ni exhibido durante la vida de Duchamp. Según el manuscrito, la pieza estaba destinada a un instrumento mecánico "en el que se suprime al virtuoso intermediario". El manuscrito también contiene una descripción de "Un aparato que registra automáticamente períodos musicales fragmentados", que consta de un embudo , varios vagones abiertos y un juego de bolas numeradas. [44] Estas piezas son anteriores a Music of Changes (1951) de John Cage , que a menudo se considera la primera pieza moderna concebida en gran medida mediante procedimientos aleatorios. [45]
En 1968, Duchamp y John Cage aparecieron juntos en un concierto titulado "Reunion", jugando una partida de ajedrez y componiendo música aleatoria activando una serie de células fotoeléctricas debajo del tablero de ajedrez . [46]
"Rrose Sélavy", también escrita como Rose Sélavy, era uno de los seudónimos de Duchamp. El nombre, un juego de palabras , suena como la frase francesa Eros , c'est la vie , que puede traducirse como "Eros, así es la vida". También se ha leído como arroser la vie ("brindar por la vida"). Sélavy surgió en 1921 en una serie de fotografías de Man Ray que mostraban a Duchamp vestido de mujer. Durante la década de 1920, Man Ray y Duchamp colaboraron en más fotografías de Sélavy. Más tarde, Duchamp utilizó el nombre como firma de material escrito y firmó varias creaciones con él.
Duchamp utilizó el nombre en el título de al menos una escultura, ¿ Por qué no estornudar a Rose Sélavy? (1921). La escultura, un tipo de readymade llamado ensamblaje , consta de un termómetro oral , un par de docenas de pequeños cubos de mármol que se asemejan a terrones de azúcar y un hueso de sepia dentro de una jaula . Sélavy también aparece en la etiqueta de Belle Haleine, Eau de Voilette (1921), un readymade que es un frasco de perfume en su caja original. Duchamp también firmó su película Anémic Cinéma (1926) con el nombre de Sélavy.
Se cree que la inspiración para el nombre Rrose Sélavy fue Belle da Costa Greene , la bibliotecaria de JP Morgan en la Biblioteca y Museo Morgan (antes Biblioteca Pierpont Morgan) quien, tras su muerte, se convirtió en directora de la biblioteca, trabajando allí durante un total de cuarenta y tres años. Con el apoyo de JP Morgan y luego de su hijo Jack, Greene construyó la colección comprando y vendiendo manuscritos , libros y arte raros. [47]
Rrose Sélavy y los otros seudónimos que utilizó Duchamp pueden leerse como un comentario sobre la falacia de romantizar la individualidad o subjetividad consciente del artista, un tema que también es un subtexto destacado de los readymades . Duchamp dijo en una entrevista: "Crees que estás haciendo algo completamente tuyo, y un año después lo miras y ves en realidad las raíces de donde proviene tu arte sin que lo sepas en absoluto". [48] El Pérez Art Museum Miami , en Florida, conserva la pieza Boîte-en-valise (De ou par Marcel Duchamp ou Rrose Sélavy), o en inglés, Box in a Valise (From or by Marcel Duchamp or Rrose Sélavy) creada de 1941 a 1961, en la colección del museo. [49]
A partir de 1922, el nombre Rrose Sélavy también comenzó a aparecer en una serie de aforismos , juegos de palabras y cucharas del poeta surrealista francés Robert Desnos . Desnos intentó retratar a Rrose Sélavy como una aristócrata perdida hace mucho tiempo y legítima reina de Francia. El aforismo 13 rindió homenaje a Marcel Duchamp: Rrose Sélavy connaît bien le marchand du sel ‒ en inglés: "Rrose Sélavy conoce bien al comerciante de sal"; en francés las palabras finales suenan como Mar-champ Du-cel. Tenga en cuenta que el aforismo del "vendedor de sal" – "mar-chand-du-sel" – es un anagrama fonético del nombre del artista: "mar-cel-du-champ". (Las notas compiladas de Duchamp se titulan "Vendedor de sal".) En 1939 se publicó una colección de estos aforismos bajo el nombre de Rrose Sélavy, titulada Poils et coups de pieds en tous géneros .
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En 1918, Duchamp se despidió de la escena artística de Nueva York, interrumpiendo su trabajo en el Gran Vidrio , y se fue a Buenos Aires, donde permaneció durante nueve meses y jugó a menudo al ajedrez . Talló su propio juego de ajedrez en madera con la ayuda de un artesano local que fabricó los caballeros . Se mudó a París en 1919 y luego regresó a los Estados Unidos en 1920. A su regreso a París en 1923, Duchamp ya no era, en esencia, un artista en ejercicio. En cambio, su principal interés fue el ajedrez, que estudió durante el resto de su vida excluyendo la mayoría de las demás actividades.
Se ve a Duchamp, brevemente, jugando al ajedrez con Man Ray en el cortometraje Entr'acte (1924) de René Clair . Diseñó el cartel de 1925 para el Tercer Campeonato de Francia de ajedrez y, como competidor en el evento, terminó al cincuenta por ciento (3-3, con dos empates), ganándose el título de maestro de ajedrez . Durante este período, su fascinación por el ajedrez angustió tanto a su primera esposa que pegó sus piezas al tablero . Duchamp continuó jugando en el Campeonato de Francia y en las Olimpíadas de Ajedrez de 1928 a 1933, favoreciendo aperturas hipermodernas como la nimzoindia .
En algún momento a principios de la década de 1930, Duchamp alcanzó la cima de su habilidad, pero se dio cuenta de que tenía pocas posibilidades de ganar reconocimiento en el ajedrez de alto nivel. En los años siguientes, su participación en torneos de ajedrez decayó, pero descubrió el ajedrez por correspondencia y se convirtió en periodista de ajedrez, escribiendo columnas semanales en periódicos. Mientras sus contemporáneos lograban un éxito espectacular en el mundo del arte vendiendo sus obras a coleccionistas de la alta sociedad, Duchamp observó: "Todavía soy una víctima del ajedrez. Tiene toda la belleza del arte, y mucho más. No se puede comercializar . El ajedrez es mucho más puro que el arte en su posición social." [50] En otra ocasión, Duchamp explicó: "Las piezas de ajedrez son el alfabeto en bloque que da forma a los pensamientos; y estos pensamientos, aunque forman un diseño visual en el tablero de ajedrez, expresan su belleza de manera abstracta, como un poema... "He llegado a la conclusión personal de que, si bien no todos los artistas son jugadores de ajedrez, todos los jugadores de ajedrez son artistas". [51]
En 1932, Duchamp se asoció con el teórico del ajedrez Vitaly Halberstadt para publicar L'opposition et cases conjuguées sont réconciliées ( La oposición y los cuadrados hermanos se reconcilian), conocidos como cuadrados correspondientes . Este tratado describe la posición de Lasker-Reichhelm , un tipo de posición extremadamente raro que puede surgir en el final . Utilizando gráficos tipo eneagrama que se pliegan sobre sí mismos, los autores demostraron que en esta posición, lo máximo que pueden esperar las negras es un empate .
El tema del "final del juego" es importante para comprender la compleja actitud de Duchamp hacia su carrera artística. El dramaturgo irlandés Samuel Beckett era colaborador de Duchamp y utilizó el tema como recurso narrativo para la obra de 1957 del mismo nombre, Endgame . En 1968, Duchamp jugó una importante partida de ajedrez artísticamente con el compositor de vanguardia John Cage, en un concierto titulado "Reunion". La música era producida por una serie de células fotoeléctricas debajo del tablero de ajedrez, activadas esporádicamente durante el juego normal. [46]
Sobre la elección de una carrera en el ajedrez, Duchamp dijo: "Si Bobby Fischer viniera a pedirme consejo, ciertamente no lo desanimaría, como si alguien pudiera hacerlo, pero trataría de dejarle claramente claro que nunca obtendrá dinero del ajedrez. , vive una existencia de monje y conoce más rechazo que cualquier artista, luchando por ser conocido y aceptado". [53]
Duchamp dejó un legado al ajedrez en forma de un enigmático problema de finales que compuso en 1943. El problema se incluyó en el anuncio de la exposición de la galería de Julian Levi A través del gran extremo del cristal de la ópera , impreso en papel translúcido con la débil inscripción: " Las blancas jugarán y ganarán". Desde entonces, los grandes maestros y especialistas en finales han lidiado con el problema, y la mayoría ha llegado a la conclusión de que no hay solución. [54]
Aunque Duchamp ya no era considerado un artista activo, continuó consultando con artistas, marchantes de arte y coleccionistas. A partir de 1925 viajó a menudo entre Francia y Estados Unidos, e hizo del Greenwich Village de Nueva York su hogar en 1942. También trabajó ocasionalmente en proyectos artísticos como el cortometraje Anémic Cinéma (1926), Box in a Valise (1935-1941). , Autorretrato de perfil (1958) y la obra más amplia Étant Donnés (1946-1966). En 1943, participó con Maya Deren en su película inacabada La cuna de la bruja , filmada en la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim .
Desde mediados de la década de 1930 colaboró con los surrealistas ; sin embargo, no se unió al movimiento, a pesar de las persuasiones de André Breton . Desde entonces hasta 1944, junto con Max Ernst , Eugenio Granell y Breton, Duchamp editó el periódico surrealista VVV y trabajó como editor asesor de la revista View , que lo presentó en su edición de marzo de 1945, introduciéndolo así a una visión estadounidense más amplia. audiencia.
La influencia de Duchamp en el mundo del arte permaneció detrás de escena hasta finales de la década de 1950, cuando fue "descubierto" por artistas jóvenes como Robert Rauschenberg y Jasper Johns , ansiosos por escapar del dominio del expresionismo abstracto . Fue cofundador del grupo literario internacional Oulipo en 1960. El interés por Duchamp se reavivó en la década de 1960 y obtuvo reconocimiento público internacional. En 1963, el Museo de Arte de Pasadena organizó su primera exposición retrospectiva, y allí apareció en una fotografía icónica jugando al ajedrez junto a la modelo desnuda Eve Babitz . [55] La fotografía fue descrita más tarde por los Archivos Smithsonian de Arte Americano como "una de las imágenes documentales clave del arte moderno estadounidense". [56]
La Tate Gallery acogió una gran exposición de su obra en 1966. Otras instituciones importantes, como el Museo de Arte de Filadelfia y el Museo Metropolitano de Arte , siguieron con grandes exposiciones de la obra de Duchamp. Fue invitado a dar conferencias sobre arte y participar en debates formales, además de conceder entrevistas a importantes publicaciones. Como último miembro superviviente de la familia de artistas Duchamp, en 1967 Duchamp ayudó a organizar una exposición en Rouen, Francia, llamada Les Duchamp: Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon, Marcel Duchamp, Suzanne Duchamp . Partes de esta exposición familiar se volvieron a mostrar posteriormente en el Musée National d'Art Moderne de París.
Duchamp participó en el diseño de la Exposición Internacional del Surréalisme de 1938 , celebrada en la Galerie des Beaux-arts de París. La muestra fue organizada por André Breton y Paul Éluard y contó con "Doscientas veintinueve obras de arte de sesenta expositores de catorce países... en esta exposición multimedia". [57] Los surrealistas querían crear una exposición que en sí misma fuera un acto creativo, trabajando así de forma colaborativa en su puesta en escena. Marcel Duchamp fue nombrado "Generador-árbitro", Salvador Dalí y Max Ernst figuraron como directores técnicos, Man Ray fue el técnico jefe de iluminación y Wolfgang Paalen fue responsable de "agua y follaje". [58]
Además, las belles rues de Paris (Las calles más bellas de París) llenaron un lado del vestíbulo con maniquíes vestidos por varios surrealistas. [57] La sala principal, o la Salle de Superstition (Sala de la Superstición), era "una Gesamtkunstwerk con forma de cueva ", que incluía en particular la instalación de Duchamp , Mil doscientas bolsas de carbón suspendidas del techo sobre una estufa , que consistía literalmente en 1200 bolsas de carbón rellenas. suspendido del techo. [59] [60] El suelo fue cubierto por Paalen con hojas muertas y barro del cementerio de Montparnasse . En medio del gran salón, debajo de los sacos de carbón de Duchamp, Paalen instaló un estanque artificial lleno de agua con nenúfares y juncos reales, al que llamó Avant La Mare . Una sola bombilla proporcionaba la única iluminación, [61] por lo que a los clientes se les daban linternas para ver el arte (una idea de Man Ray), mientras el aroma del café tostado llenaba el aire. Alrededor de medianoche, los visitantes presenciaron el brillo danzante de una muchacha ligeramente vestida que de repente se levantó de entre los juncos, saltó sobre una cama, gritó histéricamente y luego desapareció con la misma rapidez. Para satisfacción de los surrealistas, la exposición escandalizó a muchos de los invitados.
En 1942, para la exposición Primeros artículos del surrealismo en Nueva York, los surrealistas pidieron a Duchamp que diseñara la exposición. Creó una instalación, His Twine , comúnmente conocida como la "milla de cuerda", era una red tridimensional de cuerdas a lo largo de las habitaciones del espacio, haciendo en algunos casos casi imposible ver las obras. [60] [62] Duchamp hizo un acuerdo secreto con el hijo de un asociado para traer jóvenes amigos a la inauguración del espectáculo. Cuando llegaron los clientes vestidos formalmente, encontraron a una docena de niños vestidos con ropa deportiva pateando, pasándose pelotas y saltando la cuerda. Cuando se les preguntó a los niños, se les dijo que dijeran: "El Sr. Duchamp nos dijo que podíamos jugar aquí". El diseño del catálogo de Duchamp para la exposición incluía fotografías de los artistas "encontradas", en lugar de posadas.
Breton organizó con Duchamp la exposición "Le surréalisme en 1947" en la Galerie Maeght de París después de la guerra y nombró arquitecto al escenógrafo Frederick Kiesler . [59]
La última gran obra de arte de Duchamp sorprendió al mundo del arte, que creía que había abandonado el arte por el ajedrez 25 años antes. Titulado Étant donnés : 1° la chute d'eau / 2° le gaz d'éclairage ("Dado: 1. La cascada, 2. El gas iluminador"), es un cuadro, visible sólo a través de una mirilla en un marco de madera. puerta. [63] Se puede ver a una mujer desnuda acostada boca arriba con el rostro oculto, las piernas abiertas y una mano sosteniendo una lámpara de gas en el aire contra un paisaje de fondo. [64] Duchamp había trabajado en secreto en la pieza de 1946 a 1966 en su estudio de Greenwich Village , mientras que incluso sus amigos más cercanos pensaban que había abandonado el arte. El torso de la figura desnuda está basado en la amante de Duchamp, la escultora brasileña María Martins , con quien mantuvo una aventura de 1946 a 1951. [65]
A lo largo de su vida adulta, Duchamp fue un apasionado fumador de puros habanos. [66]
Duchamp se convirtió en ciudadano estadounidense en 1955. [67]
En junio de 1927, Duchamp se casó con Lydie Sarazin-Levassor; sin embargo, se divorciaron seis meses después. Se rumoreaba que Duchamp había elegido un matrimonio de conveniencia , porque Sarazin-Levassor era hija de un rico fabricante de automóviles. A principios de enero de 1928, Duchamp dijo que ya no podía soportar la responsabilidad y las limitaciones del matrimonio y pronto se divorciaron. [68]
Entre 1946 y 1951 María Martins fue su amante. [69]
En 1954, él y Alexina "Teeny" Sattler se casaron. Permanecieron juntos hasta su muerte.
Duchamp era ateo. [70]
Duchamp murió repentina y pacíficamente la madrugada del 2 de octubre de 1968 en su casa de Neuilly-sur-Seine , Francia. Después de una cena en casa con sus amigos Man Ray y Robert Lebel, Duchamp se retiró a la 1:05 am, se desplomó en su estudio y murió de insuficiencia cardíaca. [71]
Está enterrado en el cementerio de Rouen, en Rouen, Francia, con el epitafio , "D'ailleurs, c'est toujours les autres qui meurent" ("Además, siempre son los demás los que mueren").
Muchos críticos consideran a Duchamp uno de los artistas más importantes del siglo XX, [72] [73] [74] [75] [76] y su producción influyó en el desarrollo del arte occidental posterior a la Primera Guerra Mundial . Asesoró a coleccionistas de arte moderno, como Peggy Guggenheim y otras figuras destacadas, contribuyendo así a moldear los gustos del arte occidental durante este período. [37] Desafió el pensamiento convencional sobre los procesos artísticos y rechazó el mercado del arte emergente, a través del antiarte subversivo. [77] Denominó arte al urinario y lo llamó Fuente . Duchamp produjo relativamente pocas obras de arte y se mantuvo al margen de los círculos vanguardistas de su época. Siguió fingiendo abandonar el arte y dedicando el resto de su vida al ajedrez, mientras continuaba haciendo arte en secreto. [78] En 1958 Duchamp dijo de la creatividad:
El acto creativo no lo realiza únicamente el artista; el espectador pone la obra en contacto con el mundo exterior descifrando e interpretando sus cualidades internas y aporta así su contribución al acto creativo. [79]
Duchamp en su vida posterior expresó explícitamente su negatividad hacia el arte. En una entrevista de la BBC con Duchamp realizada por Joan Bakewell en 1968, comparó el arte con la religión y dijo que deseaba acabar con el arte de la misma manera que muchos han acabado con la religión. Duchamp continúa explicando al entrevistador que "la palabra arte significa etimológicamente hacer", que arte significa actividad de cualquier tipo y que es nuestra sociedad la que crea distinciones "puramente artificiales" de ser artista. [80] [81]
Una cita atribuida erróneamente a Duchamp sugiere una actitud negativa hacia las tendencias posteriores del arte del siglo XX:
Este Neodadá, al que llaman Nuevo Realismo, Pop Art, Assemblage, etc., es una salida fácil y vive de lo que hizo Dadá. Cuando descubrí los ready-made busqué desalentar la estética. En el Neodadá han cogido mis readymades y han encontrado en ellos belleza estética, les arrojé a la cara el botellero y el urinario como desafío y ahora los admiran por su belleza estética.
Sin embargo, esto fue escrito en 1961 por el también dadaísta Hans Richter , en segunda persona, es decir, "Tiraste el botellero...". Aunque una nota marginal en la carta sugiere que Duchamp aprobó en general la declaración, Richter no dejó clara la distinción hasta muchos años después. [82]
La actitud de Duchamp fue, sin embargo, más favorable, como lo demuestra otra declaración hecha en 1964:
El Pop Art es una vuelta a la pintura "conceptual", prácticamente abandonada, salvo por los surrealistas, desde [Gustave] Courbet, en favor de la pintura retiniana... Si coges una lata de sopa Campbell y la repites 50 veces, no te interesa en la imagen de la retina. Lo que te interesa es el concepto que quiere poner 50 latas de sopa Campbell sobre un lienzo. [83]
El Prix Marcel Duchamp (Premio Marcel Duchamp), establecido en 2000, es un premio anual otorgado a un joven artista por el Centro Georges Pompidou . En 2004, como testimonio del legado de la obra de Duchamp al mundo del arte, un panel de destacados artistas e historiadores del arte votó a Fountain como "la obra de arte más influyente del siglo XX". [8] [84]
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El 17 de noviembre de 1999, una versión de Fountain (propiedad de Arturo Schwarz ) fue vendida en Sotheby's , Nueva York, por 1.762.500 dólares a Dimitris Daskalopoulos, quien declaró que Fountain representaba el origen del arte contemporáneo . [85] El precio estableció un récord mundial, en ese momento, para una obra de Marcel Duchamp en una subasta pública. [86] [87] Desde entonces, el récord ha sido superado por una obra vendida en Christie's París, titulada Belle Haleine, Eau de Voilette (1921). El ready-made de un frasco de perfume en su caja se vendió por la cifra récord de 11,5 millones de dólares (8,9 millones de euros). [88]
Cabanne: "¿Crees en Dios?" Duchamp: "No, en absoluto".
Considerado por muchos en el mundo del arte como el artista más influyente del siglo.
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