Los cómics son un medio utilizado para expresar ideas con imágenes, a menudo combinadas con texto u otra información visual. Por lo general, toma la forma de una secuencia de paneles de imágenes. Los dispositivos textuales como globos de diálogo , subtítulos y onomatopeyas pueden indicar diálogos, narraciones, efectos de sonido u otra información. No existe consenso entre teóricos e historiadores sobre una definición de cómic; algunos enfatizan la combinación de imágenes y texto, algunos la secuencialidad u otras relaciones de imágenes, y otros aspectos históricos como la reproducción masiva o el uso de personajes recurrentes. Las caricaturas y otras formas de ilustración son los medios más comunes para crear imágenes en los cómics; Los cómics fotográficos son una forma que utiliza imágenes fotográficas. Las formas comunes incluyen tiras cómicas , caricaturas editoriales y de broma , y libros de historietas . Desde finales del siglo XX, los volúmenes encuadernados como novelas gráficas , álbumes de cómics y tankōbon se han vuelto cada vez más comunes, junto con los webcomics y los cómics científicos y médicos. [1]
La historia del cómic ha seguido caminos diferentes en diferentes culturas. Los estudiosos han postulado una prehistoria que se remonta a las pinturas rupestres de Lascaux . A mediados del siglo XX, los cómics florecieron, particularmente en Estados Unidos , Europa occidental (especialmente Francia y Bélgica ) y Japón . La historia del cómic europeo se remonta a menudo a las tiras cómicas de Rodolphe Töpffer de la década de 1830, mientras que Wilhelm Busch y sus Max y Moritz también tuvieron un impacto global a partir de 1865, [2] [3] [4] [5] y se convirtieron en Popular tras el éxito en la década de 1930 de tiras cómicas y libros como Las aventuras de Tintín . Los cómics estadounidenses surgieron como un medio de masas a principios del siglo XX con la llegada de las tiras cómicas de los periódicos; En la década de 1930 siguieron los cómics estilo revista , en los que el género de superhéroes se hizo prominente después de la aparición de Superman en 1938. Las historias de los cómics y dibujos animados japoneses ( manga ) proponen orígenes ya en el siglo XII, los cómics japoneses generalmente se mantienen separados de la evolución. de los cómics euroamericanos y del cómic occidental probablemente se originaron en la Italia del siglo XVII, [6] las tiras cómicas japonesas modernas surgieron a principios del siglo XX, y la producción de revistas y libros de cómics se expandió rápidamente en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial (1945-1945). ) con la popularidad de caricaturistas como Osamu Tezuka . Los cómics han tenido una reputación vulgar durante gran parte de su historia, pero hacia finales del siglo XX comenzaron a encontrar una mayor aceptación entre el público y los académicos.
El término inglés cómics se utiliza como sustantivo singular cuando se refiere al medio en sí (por ejemplo, " los cómics son una forma de arte visual"), pero se vuelve plural cuando se refiere a obras colectivas (por ejemplo, " los cómics son material de lectura popular").
Las tradiciones del cómic europea, americana y japonesa han seguido caminos diferentes. [7] Los europeos han considerado que su tradición comienza con el suizo Rodolphe Töpffer desde 1827 y los estadounidenses han visto el origen de la suya en la tira periodística de Richard F. Outcault de 1890 The Yellow Kid , aunque muchos estadounidenses han llegado a reconocer la tradición de Töpffer. precedencia. Wilhelm Busch influyó directamente en Rudolph Dirks y sus Katzenjammer Kids . [8] [9] [10] [11] [12] Japón tiene una larga historia de dibujos animados y cómics satíricos que conducen a la era de la Segunda Guerra Mundial. El artista de ukiyo-e Hokusai popularizó el término japonés para los cómics y las caricaturas, manga , a principios del siglo XIX. [13] En la década de 1930, Harry "A" Chesler fundó un estudio de cómics, que eventualmente, en su apogeo, empleó a 40 artistas que trabajaban para 50 editoriales diferentes que ayudaron a que el medio del cómic floreciera en "la Edad de Oro de los cómics" después de la Segunda Guerra Mundial. [14] En la era de la posguerra, los cómics japoneses modernos comenzaron a florecer cuando Osamu Tezuka produjo una obra prolífica. [15] Hacia finales del siglo XX, estas tres tradiciones convergieron en una tendencia hacia los cómics en formato libro: el álbum de cómics en Europa, el tankōbon [a] en Japón y la novela gráfica en los países de habla inglesa. [7]
Fuera de estas genealogías, los teóricos e historiadores del cómic han visto precedentes del cómic en las pinturas rupestres de Lascaux [16] en Francia (algunas de las cuales parecen ser secuencias cronológicas de imágenes), los jeroglíficos egipcios , la columna de Trajano en Roma, [17] el siglo XI. Tapiz normando de Bayeux del siglo XV , [18] el grabado en madera de bois Protat de 1370, el Ars moriendi y los libros en bloque del siglo XV , El juicio final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, [17] y los grabados secuenciales de William Hogarth del siglo XVIII, [19 ] Entre otros. [17] [b]
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Las publicaciones periódicas de humor ilustradas eran populares en la Gran Bretaña del siglo XIX, la primera de las cuales fue la efímera The Glasgow Looking Glass en 1825. [21] La más popular fue Punch , [22] que popularizó el término caricatura por sus caricaturas humorísticas. [23] En ocasiones, las caricaturas de estas revistas aparecían en secuencias; [22] el personaje que Ally Sloper apareció en la primera tira cómica serializada cuando el personaje comenzó a aparecer en su propia revista semanal en 1884. [24]
Los cómics estadounidenses se desarrollaron a partir de revistas como Puck , Judge y Life . El éxito de los suplementos de humor ilustrados en el New York World y más tarde en el New York American , en particular The Yellow Kid de Outcault , condujo al desarrollo de las tiras cómicas para periódicos. Las primeras tiras dominicales aparecían a página completa [25] y, a menudo, en color. Entre 1896 y 1901 los caricaturistas experimentaron con la secuencialidad, el movimiento y los globos de diálogo. [26] Un ejemplo es Gustave Verbeek , quien escribió su serie de cómics "The UpsideDowns of Old Man Muffaroo and Little Lady Lovekins" entre 1903 y 1905. Estos cómics se hicieron de tal manera que se pudiera leer el cómic de 6 paneles, volteándolo. el libro y sigue leyendo. Hizo 64 cómics de este tipo en total. En 2012, Marcus Ivarsson realizó una nueva versión de una selección de los cómics en el libro 'In Uppåner med Lilla Lisen & Gamle Muppen'. ( ISBN 978-91-7089-524-1 )
Las tiras diarias más cortas, en blanco y negro, comenzaron a aparecer a principios del siglo XX y se establecieron en los periódicos después del éxito en 1907 de Mutt and Jeff de Bud Fisher . [27] En Gran Bretaña, Amalgamated Press estableció un estilo popular de secuencia de imágenes con texto debajo, incluidas fichas ilustradas y recortes de cómics . [28] Las tiras cómicas predominaron al principio, y en las décadas de 1920 y 1930 también se hicieron populares las tiras con historias continuas en géneros como la aventura y el drama. [27]
En la década de 1930 aparecieron revistas delgadas llamadas cómics , que al principio reimprimieron tiras cómicas de periódicos; a finales de la década, el contenido original comenzó a dominar. [29] El éxito en 1938 de Action Comics y su héroe principal Superman marcó el comienzo de la Edad de Oro de los cómics , en la que el género de superhéroes era prominente. [30] En el Reino Unido y la Commonwealth , Dandy (1937) y Beano (1938), creadas por DC Thomson , se convirtieron en exitosos títulos basados en el humor, con una circulación combinada de más de 2 millones de copias en la década de 1950. Sus personajes, incluidos " Dennis the Menace ", " Desperate Dan " y " The Bash Street Kids ", han sido leídos por generaciones de niños británicos. [31] Los cómics originalmente experimentaron con superhéroes e historias de acción antes de decidirse por tiras humorísticas que presentaban una mezcla de los estilos de cómics de Amalgamated Press y Estados Unidos. [32]
La popularidad de los cómics de superhéroes disminuyó en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, [33] mientras que las ventas de cómics continuaron aumentando a medida que proliferaban otros géneros, como el romance , los westerns , el crimen , el terror y el humor. [34] Después de un pico de ventas a principios de la década de 1950, el contenido de los cómics (particularmente sobre crimen y terror) fue sometido a escrutinio por parte de grupos de padres y agencias gubernamentales, lo que culminó en audiencias en el Senado que llevaron al establecimiento de la propia Autoridad del Código de Cómics. -cuerpo censurador. [35] Se ha culpado al Código de frenar el crecimiento de los cómics estadounidenses y mantener su bajo estatus en la sociedad estadounidense durante gran parte del resto del siglo. [36] Los superhéroes se restablecieron como el género de cómics más destacado a principios de la década de 1960. [37] El cómic clandestino desafió el Código y a los lectores con contenido adulto y contracultural a finales de los años 1960 y principios de los 1970. [38] El underground dio origen al movimiento de cómics alternativos en la década de 1980 y su contenido maduro, a menudo experimental, en géneros que no son de superhéroes. [39]
Los cómics en Estados Unidos han tenido una reputación vulgar derivada de sus raíces en la cultura de masas ; Las elites culturales a veces veían la cultura popular como una amenaza para la cultura y la sociedad. En la segunda mitad del siglo XX, la cultura popular ganó mayor aceptación y las líneas entre la alta y la baja cultura comenzaron a desdibujarse. Sin embargo, el cómic siguió estando estigmatizado, ya que el medio se consideraba un entretenimiento para niños y analfabetos. [40]
La novela gráfica —cómics en forma de libro— comenzó a ganar atención después de que Will Eisner popularizara el término con su libro Un contrato con Dios (1978). [41] El término se hizo ampliamente conocido entre el público después del éxito comercial de Maus , Watchmen y The Dark Knight Returns a mediados de los años 1980. [42] En el siglo XXI, las novelas gráficas se establecieron en las principales librerías [43] y bibliotecas [44] y los webcomics se volvieron comunes. [45]
El suizo francófono Rodolphe Töpffer produjo tiras cómicas a partir de 1827 [17] y publicó teorías detrás de la forma. [46] Wilhelm Busch publicó por primera vez Max y Moritz en 1865. [47] Las caricaturas aparecieron ampliamente en periódicos y revistas del siglo XIX. [48] El éxito de Zig et Puce en 1925 popularizó el uso de globos de diálogo en los cómics europeos, después de lo cual los cómics franco-belgas comenzaron a dominar. [49] Las aventuras de Tintín , con su característico estilo de líneas claras , [50] se publicó por primera vez en suplementos de cómics de periódicos a partir de 1929, [51] y se convirtió en un icono de los cómics franco-belgas. [52]
Tras el éxito de Le Journal de Mickey (est. 1934), [53] revistas dedicadas a los cómics [54] como Spirou (est. 1938) y Tintin (1946-1993), y los álbumes de cómics a todo color se convirtieron en la principal salida para los cómics. a mediados del siglo XX. [55] Al igual que en los EE. UU., en ese momento los cómics eran vistos como infantiles y una amenaza para la cultura y la alfabetización; Los comentaristas afirmaron que "ninguno soporta el más mínimo análisis serio", [c] y que los cómics eran "el sabotaje de todo arte y de toda literatura". [57] [d]
En la década de 1960, el término bandes dessinées ("tiras dibujadas") se generalizó en francés para denotar el medio. [58] Los dibujantes comenzaron a crear cómics para audiencias adultas, [59] y se acuñó el término "Noveno Arte" [e] , a medida que los cómics comenzaron a atraer la atención del público y del académico como forma de arte. [60] Un grupo que incluía a René Goscinny y Albert Uderzo fundó la revista Pilote en 1959 para dar a los artistas una mayor libertad sobre su trabajo. Las aventuras de Astérix, de Goscinny y Uderzo, aparecieron en él [61] y se convirtió en la serie de cómics en lengua francesa más vendida. [62] A partir de 1960, el Hara-Kiri satírico y rompedor de tabúes desafió las leyes de censura en el espíritu contracultural que condujo a los acontecimientos de mayo de 1968 . [63]
La frustración por la censura y la interferencia editorial llevó a un grupo de caricaturistas de Pilote a fundar L'Écho des savanes , sólo para adultos , en 1972. Los cómics experimentales y orientados a adultos florecieron en la década de 1970, como en la ciencia ficción experimental de Mœbius y otros en Métal hurlant , incluso los principales editores comenzaron a publicar cómics para adultos en formatos de prestigio . [64]
A partir de la década de 1980, se reafirmaron las sensibilidades dominantes y la serialización se volvió menos común a medida que disminuyó el número de revistas de cómics y muchos cómics comenzaron a publicarse directamente como álbumes. [65] También se volvieron comunes las editoriales más pequeñas como L'Association [66] que publicaban obras más largas [67] en formatos no tradicionales [68] de creadores de autor . Desde la década de 1990, las fusiones dieron como resultado menos editoriales grandes, mientras que proliferaban las editoriales más pequeñas. Las ventas en general continuaron creciendo a pesar de la tendencia hacia un mercado de impresión cada vez más reducido. [69]
Los cómics y dibujos animados japoneses ( manga ), [g] tienen una historia que se remonta a los personajes antropomórficos de los libros ilustrados Chōjū-jinbutsu-giga de los siglos XII y XIII , toba-e y kibyōshi del siglo XVII. , [73] y grabados en madera como el ukiyo-e , que fueron populares entre los siglos XVII y XX. El kibyōshi contenía ejemplos de imágenes secuenciales, líneas de movimiento [74] y efectos de sonido. [75]
Las revistas ilustradas para expatriados occidentales introdujeron en Japón las caricaturas satíricas de estilo occidental a finales del siglo XIX. Nuevas publicaciones tanto en estilo occidental como japonés se hicieron populares y, a finales de la década de 1890, comenzaron a aparecer en Japón suplementos de historietas de periódicos de estilo estadounidense, [76] así como algunas tiras cómicas estadounidenses. [73] 1900 vio el debut de Jiji Manga en el periódico Jiji Shinpō , el primer uso de la palabra "manga" en su sentido moderno, [72] y donde, en 1902, Rakuten Kitazawa comenzó la primera tira cómica japonesa moderna. [77] En la década de 1930, las tiras cómicas se publicaban por entregas en revistas mensuales para niñas y niños de gran circulación y se recopilaban en volúmenes de tapa dura. [78]
La era moderna del cómic en Japón comenzó después de la Segunda Guerra Mundial, impulsada por el éxito de los cómics serializados del prolífico Osamu Tezuka [79] y la tira cómica Sazae-san . [80] Los géneros y las audiencias se diversificaron durante las décadas siguientes. Las historias suelen publicarse primero por entregas en revistas que suelen tener cientos de páginas y pueden contener más de una docena de historias; [81] Posteriormente se compilan en libros en formato tankōbon . [82] A principios de los siglos XX y XXI, casi una cuarta parte de todo el material impreso en Japón eran cómics. [83] Las traducciones se volvieron extremadamente populares en los mercados extranjeros, en algunos casos igualando o superando las ventas de cómics nacionales. [84]
Las tiras cómicas son generalmente historietas breves de varios paneles que, desde principios del siglo XX, han aparecido con mayor frecuencia en los periódicos. En los EE. UU., las franjas diarias normalmente ocupan un solo nivel, mientras que las franjas dominicales tienen varios niveles. Desde principios del siglo XX, las tiras cómicas de los periódicos diarios se imprimían normalmente en blanco y negro y las historietas dominicales normalmente se imprimían en color y, a menudo, ocupaban una página de periódico completa. [85]
Los formatos de las revistas especializadas en cómics varían mucho en las diferentes culturas. Los cómics , principalmente de formato americano, son publicaciones periódicas delgadas [86] que generalmente se publican en color. [87] Los cómics europeos y japoneses se publican con frecuencia en revistas, mensuales o semanales en Europa, [72] y generalmente en blanco y negro y semanales en Japón. [88] Las revistas de cómics japonesas suelen tener cientos de páginas. [89]
Los cómics en forma de libro toman diferentes formas en diferentes culturas. Los álbumes de cómics europeos suelen ser volúmenes en color impresos en tamaño A4 , un tamaño de página más grande que el utilizado en muchas otras culturas. [90] [55] En los países de habla inglesa, el formato de bolsillo comercial procedente de cómics recopilados también se ha elegido para el material original. De lo contrario, los volúmenes encuadernados de cómics se denominan novelas gráficas y están disponibles en varios formatos. A pesar de incorporar el término "novela" -término normalmente asociado a la ficción- "novela gráfica" también se refiere a la no ficción y a las colecciones de obras breves. [91] Los cómics japoneses se recopilan en volúmenes llamados tankōbon después de la serialización de la revista. [92]
Las caricaturas editoriales y de broma generalmente constan de un solo panel, que a menudo incorpora un título o un globo de diálogo. Las definiciones de cómics que enfatizan la secuencia generalmente excluyen las caricaturas mordazas, editoriales y otras de un solo panel; se pueden incluir en definiciones que enfaticen la combinación de palabra e imagen. [93] Las caricaturas mordazas comenzaron a proliferar en los periódicos publicados en Europa en los siglos XVIII y XIX, y el término "caricatura" [h] se utilizó por primera vez para describirlas en 1843 en la revista de humor británica Punch . [23]
Los webcomics son cómics que están disponibles en Internet y se publicaron por primera vez en la década de 1980. Pueden llegar potencialmente a grandes audiencias y los nuevos lectores a menudo pueden acceder a archivos de entregas anteriores. [94] Los webcomics pueden hacer uso de un lienzo infinito , lo que significa que no están limitados por el tamaño o las dimensiones de una página de cómics impresa. [95]
Algunos consideran cómics los guiones gráficos [96] y las novelas sin palabras . [97] Los estudios de cine, especialmente en animación, a menudo utilizan secuencias de imágenes como guías para las secuencias cinematográficas. Estos guiones gráficos no pretenden ser un producto final y el público rara vez los ve. [96] Las novelas sin palabras son libros que utilizan secuencias de imágenes sin subtítulos para ofrecer una narrativa. [98]
"Los cómics... a veces tienen cuatro patas y a veces dos patas y a veces vuelan y otras no... para emplear una metáfora tan mixta como el propio medio, definir el cómic implica cortar un enigma con nudos gordianos envuelto en un misterio. ..."
RC Harvey , 2001 [93]
De manera similar a los problemas de definir la literatura y el cine, [99] no se ha llegado a un consenso sobre una definición del medio del cómic, [100] y los intentos de definiciones y descripciones han sido víctimas de numerosas excepciones. [101] Teóricos como Töpffer, [102] RC Harvey , Will Eisner , [103] David Carrier, [104] Alain Rey, [100] y Lawrence Grove enfatizan la combinación de texto e imágenes, [105] aunque hay aspectos destacados Ejemplos de cómics de pantomima a lo largo de su historia. [101] Otros críticos, como Thierry Groensteen [105] y Scott McCloud, han enfatizado la primacía de las secuencias de imágenes. [106] Hacia finales del siglo XX, los descubrimientos de las diferentes culturas de las tradiciones de los cómics de cada uno, el redescubrimiento de las primeras formas olvidadas de los cómics y el surgimiento de nuevas formas hicieron que definir los cómics fuera una tarea más complicada. [107]
Los estudios del cómic europeo comenzaron con las teorías de Töpffer sobre su propio trabajo en la década de 1840, que enfatizaban las transiciones de paneles y la combinación visual-verbal. No se lograron más avances hasta la década de 1970. [108] Pierre Fresnault-Deruelle luego adoptó un enfoque semiótico para el estudio de los cómics, analizando las relaciones texto-imagen, las relaciones de imagen a nivel de página y las discontinuidades de la imagen, o lo que Scott McCloud más tarde denominó "cierre". [109] En 1987, Henri Vanlier introdujo el término multicadre , o "multiframe", para referirse a la página de cómics como una unidad semántica. [110] En la década de 1990, teóricos como Benoît Peeters y Thierry Groensteen centraron su atención en las elecciones creativas poéticas de los artistas . [109] Thierry Smolderen y Harry Morgan han sostenido puntos de vista relativistas sobre la definición de cómic, un medio que ha adoptado diversas formas igualmente válidas a lo largo de su historia. Morgan ve los cómics como un subconjunto de " les littératures dessinées " (o "literaturas dibujadas"). [107] La teoría francesa ha llegado a prestar especial atención a la página, a diferencia de las teorías estadounidenses como la de McCloud, que se centran en las transiciones de panel a panel. [110] A mediados de la década de 2000, Neil Cohn comenzó a analizar cómo se entienden los cómics utilizando herramientas de la ciencia cognitiva, extendiéndose más allá de la teoría mediante el uso de experimentos psicológicos y de neurociencia reales. Este trabajo ha argumentado que las imágenes secuenciales y los diseños de página utilizan "gramáticas" separadas sujetas a reglas para ser comprendidas que se extienden más allá de las transiciones de panel a panel y las distinciones categóricas de tipos de diseños, y que la comprensión cerebral de los cómics es similar a la comprensión. otros ámbitos, como el lenguaje y la música. [111]
Las narrativas históricas del manga tienden a centrarse en su historia reciente, posterior a la Segunda Guerra Mundial, o en intentos de demostrar sus profundas raíces en el pasado, como el rollo de imágenes Chōjū-jinbutsu-giga de los siglos XII y XIII, o principios del XIX. Manga Hokusai del siglo XIX . [112] La primera descripción histórica de los cómics japoneses fue Nihon Manga-Shi [i] de Seiki Hosokibara en 1924. [113] Las primeras críticas japonesas de la posguerra fueron principalmente de naturaleza política de izquierda hasta la publicación en 1986 de Modern Manga de Tomofusa Kure. : The Complete Picture , [j] que restó importancia a la política en favor de aspectos formales, como la estructura y una "gramática" de los cómics. El campo de los estudios del manga creció rápidamente y en la década de 1990 aparecieron numerosos libros sobre el tema. [114] Las teorías formales del manga se han centrado en desarrollar una "teoría de la expresión del manga", [k] con énfasis en las relaciones espaciales en la estructura de las imágenes en la página, distinguiendo el medio del cine o la literatura, en las que el flujo del tiempo es el elemento organizativo básico. [115] Los cursos de estudios de cómics han proliferado en las universidades japonesas, y la Sociedad Japonesa de Estudios de Dibujos Animados y Cómics (ja) [l] se estableció en 2001 para promover los estudios sobre cómics. [116] ¡La publicación del Manga! de Frederik L. Schodt ! ¡Manga! El mundo del cómic japonés en 1983 propició la difusión del uso de la palabra manga fuera de Japón para significar "cómics japoneses" o "cómics de estilo japonés". [117]
Coulton Waugh intentó la primera historia completa del cómic estadounidense con The Comics (1947). [118] Comics and Sequential Art (1985) de Will Eisner y Understanding Comics (1993) de Scott McCloud fueron los primeros intentos en inglés de formalizar el estudio de los cómics. The Aesthetics of Comics (2000) de David Carrier fue el primer tratamiento completo de los cómics desde una perspectiva filosófica. [119] Los intentos estadounidenses destacados de definir los cómics incluyen los de Eisner, McCloud y Harvey. Eisner describió lo que llamó " arte secuencial " como "la disposición de cuadros o imágenes y palabras para narrar una historia o dramatizar una idea"; [120] Scott McCloud definió los cómics como "imágenes pictóricas y de otro tipo yuxtapuestas en una secuencia deliberada, destinadas a transmitir información y/o producir una respuesta estética en el espectador", [121] una definición estrictamente formal que separaba los cómics de su contexto histórico y cultural. adornos. [122] RC Harvey definió los cómics como "narrativas o exposiciones pictóricas en las que las palabras (a menudo escritas en el área de la imagen dentro de globos de diálogo) generalmente contribuyen al significado de las imágenes y viceversa". [123] Cada definición ha tenido sus detractores. Harvey consideró que la definición de McCloud excluía los dibujos animados de un solo panel, [124] y se opuso a que McCloud restara importancia a los elementos verbales, insistiendo en que "la característica esencial de los cómics es la incorporación de contenido verbal". [110] Aaron Meskin vio las teorías de McCloud como un intento artificial de legitimar el lugar de los cómics en la historia del arte. [103]
El estudio transcultural de los cómics se complica por la gran diferencia de significado y alcance de las palabras para "cómics" en diferentes idiomas. [125] El término francés para los cómics, bandes dessinées ("tira dibujada") enfatiza la yuxtaposición de imágenes dibujadas como un factor definitorio, [126] lo que puede implicar la exclusión incluso de los cómics fotográficos. [127] El término manga se utiliza en japonés para indicar todas las formas de cómics, dibujos animados, [128] y caricaturas. [125]
El término cómics se refiere al medio de los cómics cuando se usa como un sustantivo incontable y, por lo tanto, toma el singular: "los cómics son un medio" en lugar de "los cómics son un medio". Cuando cómic aparece como sustantivo contable, se refiere a instancias del medio, como tiras cómicas individuales o libros de historietas: "Las historietas de Tom están en el sótano". [129]
Los paneles son imágenes individuales que contienen un segmento de acción, [130] a menudo rodeado por un borde. [131] Los momentos principales de una narrativa se dividen en paneles mediante un proceso llamado encapsulación. [132] El lector junta las piezas a través del proceso de cierre utilizando conocimientos previos y una comprensión de las relaciones de los paneles para combinar los paneles mentalmente en eventos. [133] El tamaño, la forma y la disposición de los paneles afectan el tiempo y el ritmo de la narración. [134] El contenido de un panel puede ser asincrónico, y los eventos representados en la misma imagen no necesariamente ocurren al mismo tiempo. [135]
El texto se incorpora con frecuencia a los cómics mediante globos de diálogo , subtítulos y efectos de sonido. Los globos de diálogo indican diálogo (o pensamiento, en el caso de los globos de pensamiento ), con las colas apuntando a sus respectivos hablantes. [136] Los subtítulos pueden dar voz a un narrador, transmitir el diálogo o los pensamientos de los personajes, [137] o indicar lugar o tiempo. [138] Los globos de diálogo en sí mismos están fuertemente asociados con los cómics, de modo que agregar uno a una imagen es suficiente para convertir la imagen en cómics. [139] Los efectos de sonido imitan textualmente sonidos no vocales utilizando palabras sonoras de onomatopeyas . [140]
Los dibujos animados se utilizan con mayor frecuencia en la creación de cómics, tradicionalmente utilizando tinta (especialmente tinta china ) con plumas o pinceles de tinta; [141] Los medios mixtos y la tecnología digital se han vuelto comunes. A menudo se emplean técnicas de dibujos animados como líneas de movimiento [142] y símbolos abstractos. [143]
Si bien los cómics suelen ser obra de un solo creador, el trabajo de realizarlos suele dividirse entre varios especialistas. Puede haber escritores y artistas separados , y los artistas pueden especializarse en partes de la obra de arte, como personajes o fondos, como es común en Japón. [144] Particularmente en los cómics de superhéroes estadounidenses, [145] el arte se puede dividir entre un dibujante , que diseña la obra de arte a lápiz; [146] un entintador , que termina la obra de arte con tinta; [147] un colorista ; [148] y un rotulista , que agrega los subtítulos y los globos de diálogo. [149]
El término cómic en inglés deriva de la obra humorística (o "cómica") que predominaba en las primeras tiras cómicas de los periódicos estadounidenses, pero el uso del término también se ha convertido en estándar para obras no humorísticas. El cómic de ortografía alternativa , acuñado por el movimiento de cómics clandestinos , se utiliza a veces para abordar este tipo de ambigüedades. [150] El término "cómic" tiene una historia igualmente confusa, ya que la mayoría de las veces no son humorísticos y son publicaciones periódicas, no libros normales. [151] Es común en inglés referirse a los cómics de diferentes culturas por los términos utilizados en sus idiomas, como manga para los cómics japoneses, o bandes dessinées para los cómics franco-belgas en francés . [152]
Muchas culturas han tomado la palabra cómic del inglés, incluido el ruso ( комикс , komiks ) [153] y el alemán ( Comic ). [154] De manera similar, el término chino manhua [155] y el coreano manhwa [156] derivan de los caracteres chinos con los que se escribe el término japonés manga . [157]
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