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En el arte, una Madonna ( en italiano: [maˈdɔnna] ) es una representación de María , ya sea sola o con su niño Jesús . Estas imágenes son íconos centrales tanto para la iglesia católica como para la ortodoxa . [1] La palabra proviene del italiano ma donna 'mi señora' (arcaico). El tipo de la Virgen y el Niño es muy frecuente en la iconografía cristiana , dividida en muchos subtipos tradicionales, especialmente en la iconografía ortodoxa oriental , a menudo conocida por la ubicación de un ícono notable del tipo, como la Theotokos de Vladimir , Agiosoritissa , Blachernitissa , etc., o descriptiva de la postura representada, como en Odigitria , Eleusa , etc.
El término Madonna en el sentido de "imagen o estatua de la Virgen María" entra en el uso inglés en el siglo XVII, principalmente en referencia a obras del Renacimiento italiano . En un contexto ortodoxo oriental, estas imágenes se conocen típicamente como Theotokos . "Madonna" puede usarse generalmente para representaciones de María, con o sin el niño Jesús, donde ella es el foco y la figura central de la imagen, posiblemente flanqueada o rodeada de ángeles o santos. Otros tipos de imágenes marianas que tienen un contexto narrativo, que representan escenas de la vida de la Virgen , por ejemplo, la Anunciación a María , no se denominan típicamente "Madonna".
Las primeras representaciones de María datan del arte cristiano primitivo de los siglos II al III, encontradas en las Catacumbas de Roma . [2] Estas están en un contexto narrativo. La imaginería clásica de la "Virgen" o "Theotokos" se desarrolla a partir del siglo V, cuando la devoción mariana adquirió gran importancia después de que el Concilio de Éfeso afirmara formalmente su condición de " Madre de Dios o Theotokos ("portadora de Dios") en 431. [3] La iconografía de Theotokos tal como se desarrolló entre los siglos VI y VIII adquirió gran importancia en el alto período medieval (siglos XII al XIV) tanto en la esfera ortodoxa oriental como en la latina.
Según una tradición registrada por primera vez en el siglo VIII, y todavía fuerte en la Iglesia de Oriente, la iconografía de las imágenes de María se remonta a un retrato dibujado de la vida por Lucas el Evangelista , con una serie de iconos (como la Panagia Portaitissa ) que se afirma que representan este icono original o son una copia directa del mismo. En la tradición occidental, las representaciones de la Virgen se diversificaron enormemente con maestros del Renacimiento como Duccio , Leonardo da Vinci , Miguel Ángel , Rafael , Giovanni Bellini , Caravaggio y Rubens (y también con ciertos modernistas como Salvador Dalí y Henry Moore ), mientras que la iconografía ortodoxa oriental se adhiere más estrechamente a los tipos tradicionales heredados.
La liturgia que representa a María como poderosa intercesora (como el Akáthistos ) fue trasladada del griego a la tradición latina en el siglo VIII. El título griego de Δεσποινα ( Despoina ) fue adoptado como Domina en latín, «Señora». El italiano medieval Ma Donna, pronunciado [maˈdɔnna] («Mi Señora»), refleja Mea Domina , mientras que Nostra Domina (δεσποινίς ἡμῶν) fue adoptado en francés como Nostre Dame , «Nuestra Señora». [4]
Estos nombres señalan tanto la creciente importancia del culto a la virgen como la prominencia del arte al servicio de la devoción mariana durante el período medieval tardío. Durante el siglo XIII, especialmente, con la creciente influencia de la caballería y la cultura aristocrática en la poesía, la canción y las artes visuales, la Virgen es representada como la reina del Cielo, a menudo entronizada, [5] [6] como la Madonna Ognissanti . Madonna estaba destinada más bien a recordar a la gente el concepto teológico que otorga un valor tan alto a la pureza o la virginidad. Esto también está representado por el color de su ropa. El color azul simboliza la pureza, la virginidad y la realeza. [7] [8] El ultramar generalmente se reservaba solo para los encargos más importantes, como las túnicas azules de la Virgen María en La Virgen y el Niño con santas de Gérard David .
Aunque el término italiano Madonna era paralelo al inglés Our Lady en la devoción mariana de finales de la Edad Media, fue importado como un término histórico del arte al uso inglés en la década de 1640, designando específicamente el arte mariano del Renacimiento italiano . En este sentido, "una Madonna", o "una Madonna con el Niño" se usa para obras de arte específicas, históricamente en su mayoría obras italianas. Una "Madonna" puede ser llamada alternativamente "Virgen" o "Nuestra Señora", pero "Madonna" no se aplica típicamente a obras orientales; por ejemplo, la Theotokos de Vladimir puede ser llamada en inglés "Our Lady of Vladimir", mientras que es menos habitual, pero no inaudito, referirse a ella como la "Madonna de Vladimir". [9]
Existen varios tipos distintos de representación de la Virgen.
La representación más antigua de la Virgen con el Niño puede ser la pintura mural de las Catacumbas de Priscila , en Roma, en la que la Virgen sentada amamanta al Niño, quien gira la cabeza para mirar al espectador. [15]
Las primeras representaciones consistentes de la Madre y el Niño se desarrollaron en el Imperio de Oriente, donde a pesar de una corriente iconoclasta en la cultura que rechazaba las representaciones físicas como " ídolos ", el respeto por las imágenes veneradas se expresaba en la repetición de una gama estrecha de tipos altamente convencionalizados, las imágenes repetidas conocidas como iconos ( en griego , "imagen"). En una visita a Constantinopla en 536, el papa Agapito fue acusado de oponerse a la veneración de la theotokos y a la representación de su imagen en las iglesias. [16] Los ejemplos orientales muestran a la Virgen entronizada, incluso luciendo la corona bizantina cerrada con incrustaciones de perlas y colgantes, con el Niño Jesús en su regazo. [17]
En Occidente, los modelos bizantinos hieráticos se siguieron de cerca en la Alta Edad Media, pero con la creciente importancia del culto a la Virgen en los siglos XII y XIII se desarrolló una amplia variedad de tipos para satisfacer una avalancha de formas de piedad más intensamente personales. En las fórmulas góticas y renacentistas habituales, la Virgen María está sentada con el Niño Jesús en su regazo o envuelto en sus brazos. En representaciones anteriores, la Virgen está entronizada y el Niño puede estar plenamente consciente, levantando la mano para ofrecer su bendición. En una variación italiana del siglo XV, un niño llamado Juan Bautista observa. La llamada Madonna della seggiola los muestra a ambos: la Virgen abraza al Niño Jesús, cerca de Juan Bautista.
Las esculturas del gótico tardío de la Virgen con el Niño pueden mostrar a una virgen de pie con el niño en brazos. La iconografía varía entre imágenes públicas e imágenes privadas, presentadas en una escala más pequeña y destinadas a la devoción personal en la cámara: la Virgen amamantando al Niño (como la Madonna Litta ) es una imagen confinada en gran medida a los iconos devocionales privados.
El culto a María se expandió considerablemente después del Concilio de Éfeso de 431, cuando se confirmó su condición de Theotokos ("portadora de Dios"); hasta entonces, esto había sido objeto de cierta controversia, aunque principalmente por razones relacionadas con argumentos sobre la naturaleza de Cristo . En los mosaicos de Santa María la Mayor de Roma, que datan de 432 a 440, justo después del concilio, todavía no se la representa con nimbo , y tampoco se la muestra en los belenes de esta fecha, aunque sí se la incluye en la Adoración de los Magos .
En el siglo siguiente se estableció la representación icónica de la Virgen entronizada cargando al niño Jesús, como en el ejemplo del único grupo de iconos que sobrevivió de este período, en el Monasterio de Santa Catalina en Egipto . Este tipo de representación, con diferencias de énfasis sutilmente cambiantes, ha seguido siendo el pilar de las representaciones de María hasta el día de hoy. La imagen del Monte Sinaí logra combinar dos aspectos de María descritos en el Magníficat , su humildad y su exaltación por encima de otros humanos, y tiene la Mano de Dios encima, hacia la que miran los arcángeles. Un icono temprano de la Virgen como reina se encuentra en la iglesia de Santa María en Trastevere en Roma, datado en 705-707 por la figura arrodillada del Papa Juan VII , un notable promotor del culto a la Virgen, a quien el niño Jesús extiende su mano. Este tipo estuvo confinado durante mucho tiempo a Roma. La media docena de iconos variados de la Virgen y el Niño que hay en Roma entre los siglos VI y VIII forman la mayoría de las representaciones que sobreviven de este período; "las imágenes aisladas de la Virgen y el Niño... son tan comunes... hasta el día de hoy en la tradición católica y ortodoxa, que es difícil recuperar un sentido de la novedad de tales imágenes en la Alta Edad Media, al menos en Europa occidental". [18]
En este período, la iconografía de la Natividad estaba tomando la forma, centrada en María , que ha conservado hasta nuestros días en la ortodoxia oriental , y en la que se basaron las representaciones occidentales hasta la Alta Edad Media . Se estaban desarrollando otras escenas narrativas para los ciclos bizantinos sobre la vida de la Virgen , apoyándose en fuentes apócrifas para completar su vida antes de la Anunciación a María . En esta época, el colapso político y económico del Imperio Romano de Occidente significó que la iglesia occidental, latina, no podía competir en el desarrollo de una iconografía tan sofisticada y dependía en gran medida de los desarrollos bizantinos.
La imagen más antigua que se conserva en un manuscrito iluminado occidental de la Virgen con el Niño proviene del Libro de Kells de alrededor del año 800 [19] (hay una imagen tallada similar en la tapa del ataúd de San Cutberto de 698) y, aunque está magníficamente decorada al estilo del arte insular , el dibujo de las figuras solo puede describirse como bastante rudimentario en comparación con el trabajo bizantino de la época. De hecho, se trataba de una inclusión inusual en un libro de los Evangelios , y las imágenes de la Virgen tardaron en aparecer en gran número en el arte manuscrito hasta que se ideó el libro de horas en el siglo XIII.
La Virgen de la Humildad de Domenico di Bartolo , 1433, está considerada una de las imágenes devocionales más innovadoras del Renacimiento temprano . [20]
Muy pocas imágenes tempranas de la Virgen María sobreviven, aunque la representación de la Madonna tiene raíces en antiguas tradiciones pictóricas y escultóricas que informaron a las primeras comunidades cristianas en toda Europa, África del Norte y Oriente Medio. Importantes para la tradición italiana son los iconos bizantinos , especialmente los creados en Constantinopla (Estambul), la capital de la civilización medieval más larga y duradera cuyos iconos participaron en la vida cívica y fueron celebrados por sus propiedades milagrosas. Bizancio (324-1453) se veía a sí mismo como la verdadera Roma , aunque era un imperio cristiano de habla griega con colonias de italianos viviendo entre sus ciudadanos, participando en las Cruzadas en las fronteras de su tierra y, en última instancia, saqueando sus iglesias, palacios y monasterios de muchos de sus tesoros. Más tarde, en la Edad Media , la escuela cretense fue la principal fuente de iconos para Occidente, y los artistas allí podían adaptar su estilo a la iconografía occidental cuando era necesario.
Aunque el robo es una de las formas en que las imágenes bizantinas llegaron a Italia, la relación entre los íconos bizantinos y las imágenes italianas de la Virgen es mucho más rica y complicada. El arte bizantino desempeñó un papel fundamental durante mucho tiempo en Europa occidental, especialmente cuando los territorios bizantinos incluían partes de Europa del Este, Grecia y gran parte de la propia Italia. Los manuscritos bizantinos, los objetos de marfil, el oro, la plata y los lujosos textiles se distribuyeron por todo Occidente. En Bizancio, el título habitual de María era Theotokos o Madre de Dios, en lugar de Virgen María, y se creía que la salvación se entregaba a los fieles en el momento de la encarnación de Dios . Ese concepto teológico toma forma pictórica en la imagen de María sosteniendo a su hijo pequeño.
Sin embargo, lo más relevante para la herencia bizantina de la Virgen es doble. En primer lugar, las primeras imágenes independientes supervivientes de la Virgen María se encuentran en Roma, el centro del cristianismo en el Occidente medieval. Una es una valiosa posesión de Santa María en Trastevere , una de las muchas iglesias romanas dedicadas a la Virgen María. Otra, un fantasma astillado y repintado de su antiguo yo, se venera en el Panteón , esa gran maravilla arquitectónica del Antiguo Imperio Romano , que fue rededicado a María como expresión del triunfo de la Iglesia. Ambas evocan la tradición bizantina en términos de su medio, es decir, la técnica y los materiales de las pinturas, ya que originalmente fueron pintadas al temple (yema de huevo y pigmentos molidos) sobre paneles de madera. En este sentido, comparten la herencia romana antigua de los iconos bizantinos. En segundo lugar, comparten la iconografía o el tema. Cada imagen enfatiza el papel maternal que desempeña María, representándola en relación con su hijo pequeño. Es difícil estimar la fecha del conjunto de estas imágenes más antiguas, aunque parecen ser principalmente obras de los siglos VII y VIII.
No fue hasta el resurgimiento de la pintura monumental sobre tabla en Italia durante los siglos XII y XIII que la imagen de la Virgen ganó prominencia fuera de Roma, especialmente en toda la Toscana . Si bien los miembros de las órdenes mendicantes de los franciscanos y los dominicos fueron algunos de los primeros en encargar paneles que representaran este tema, tales obras rápidamente se hicieron populares en monasterios, iglesias parroquiales y hogares. Algunas imágenes de la Virgen fueron pagadas por organizaciones laicas llamadas cofradías, que se reunían para cantar alabanzas a la Virgen en capillas que se encontraban dentro de las iglesias espaciosas recientemente reconstruidas que a veces estaban dedicadas a ella. Pagar por una obra de este tipo también podría verse como una forma de devoción. Su gasto se registra en el uso de delgadas láminas de pan de oro real en todas las partes del panel que no están cubiertas de pintura, un análogo visual no solo de las costosas vainas que usaban los orfebres medievales para decorar los altares, sino también un medio para rodear la imagen de la Virgen con iluminación de lámparas de aceite y velas. Aún más precioso es el manto azul brillante coloreado con lapislázuli , una piedra importada de Afganistán.
Este es el caso de una de las obras más famosas, innovadoras y monumentales que Duccio ejecutó para los Laudesi en Santa Maria Novella en Florencia. A menudo, la escala de la obra indica mucho sobre su función original. A menudo denominada la Madonna Rucellia (c. 1285), la pintura sobre tabla se eleva sobre el espectador, ofreciendo un foco visual para que los miembros de la cofradía de los Laudesi se reunieran ante ella mientras cantaban alabanzas a la imagen. Duccio hizo una imagen aún más grandiosa de la Madonna entronizada para el altar mayor de la catedral de Siena, su ciudad natal. Conocida como la Maesta (1308-1311), la imagen representa a la pareja como el centro de un patio densamente poblado en la parte central de una obra de carpintería compleja que eleva el patio sobre una predela (pedestal del retablo) de escenas narrativas y figuras de profetas y santos de pie. A su vez, en la National Gallery de Londres se encuentra una imagen de la Virgen de medio cuerpo, de tamaño modesto, que sostiene a su hijo en una representación memorablemente íntima. Está claro que se trata de una obra hecha para la devoción privada de un cristiano lo suficientemente rico como para contratar a uno de los artistas italianos más importantes de su época.
El propietario privilegiado no necesitaba ir a la iglesia para rezar sus oraciones o pedir la salvación; todo lo que tenía que hacer era abrir las contraventanas del tabernáculo en un acto de revelación privada. Duccio y sus contemporáneos heredaron las convenciones pictóricas tempranas que se mantuvieron, en parte, para vincular sus propias obras a la autoridad de la tradición.
A pesar de todas las innovaciones de los pintores de la Virgen durante los siglos XIII y XIV, María suele ser reconocida por su atuendo. Habitualmente, cuando se la representa como una joven madre de su hijo recién nacido, lleva un manto azul muy saturado sobre una prenda roja. Este manto suele cubrir su cabeza, donde a veces se puede ver un velo de lino o, más tarde, de seda transparente. Sostiene al Niño Jesús, que comparte su halo y su porte regio. A menudo, su mirada se dirige al espectador, sirviendo como intercesora o conducto para las oraciones que fluyen del cristiano hacia ella y, solo entonces, hacia su hijo. Sin embargo, los artistas italianos de finales de la Edad Media también siguieron las tendencias de la pintura de iconos bizantinos y desarrollaron sus propios métodos de representación de la Virgen. A veces, el complejo vínculo de la Virgen con su pequeño hijo adopta la forma de un momento íntimo y cercano de ternura impregnado de dolor en el que solo tiene ojos para él.
Aunque el foco de atención de esta entrada se centra actualmente en la representación de la Virgen en la pintura sobre tabla, su imagen también aparece en la decoración mural, ya sea en mosaicos o en frescos en el exterior y el interior de los edificios sagrados. Se la encuentra en lo alto del ábside, o extremo este de la iglesia donde se celebra la liturgia en Occidente. También se la encuentra en forma escultórica, ya sean pequeños marfiles para la devoción privada o grandes relieves escultóricos y esculturas exentas. Como participante del drama sacro, su imagen inspira uno de los ciclos de frescos más importantes de toda la pintura italiana: el ciclo narrativo de Giotto en la Capilla de la Arena, junto al palacio de la familia Scrovegni en Padua. Este programa data de la primera década del siglo XIV.
Los artistas italianos del siglo XV en adelante están en deuda con las tradiciones establecidas en los siglos XIII y XIV en su representación de la Virgen.
Si bien los siglos XV y XVI fueron una época en la que los pintores italianos ampliaron su repertorio para incluir eventos históricos, retratos independientes y temas mitológicos, el cristianismo mantuvo una fuerte influencia en sus carreras. La mayoría de las obras de arte de esta época son sagradas. Si bien la gama de temas religiosos incluía temas del Antiguo Testamento e imágenes de santos cuyos cultos datan de después de la codificación de la Biblia, la Virgen siguió siendo un tema dominante en la iconografía del Renacimiento.
Algunos de los pintores italianos más destacados del siglo XVI que se interesaron por este tema fueron Leonardo da Vinci , Miguel Ángel , Rafael , [nota 1] Giorgione , Giovanni Bellini y Tiziano . Se basaron en las imágenes marianas del siglo XV de Fra Angelico , Fra Filippo Lippi , Mantegna y Piero della Francesca en particular, entre muchos otros. El tema fue igualmente popular en la pintura de los primeros Países Bajos y en la del resto del norte de Europa.
El tema que conservó el mayor poder en todos estos hombres siguió siendo el vínculo maternal, aunque otros temas, especialmente la Anunciación y más tarde la Inmaculada Concepción , dieron lugar a un mayor número de pinturas que representaban a María sola, sin su hijo. Como imagen conmemorativa, la Piedad se convirtió en un tema importante, recién liberada de su antiguo papel en los ciclos narrativos, en parte como resultado de las estatuas devocionales populares en el norte de Europa. Tradicionalmente, se representa a María expresando compasión, dolor y amor, generalmente en obras de arte muy cargadas de emoción, aunque la obra temprana más famosa de Miguel Ángel reprime los signos de duelo. La ternura que una madre común podría sentir hacia su amado hijo se captura, evocando el momento en que sostuvo por primera vez a su hijo pequeño Cristo . Después de todo, se espera que el espectador simpatice, comparta la desesperación de la madre que sostiene el cuerpo de su hijo crucificado.
En algunos países europeos, como Alemania, Italia y Polonia, se pueden encontrar esculturas de la Virgen en el exterior de las casas y edificios de la ciudad o a lo largo de las carreteras, en pequeños recintos.
En Alemania, una estatua de este tipo colocada en el exterior de un edificio se llama Hausmadonna . Algunas datan de la Edad Media, mientras que otras todavía se fabrican hoy en día. Por lo general, se encuentran en el nivel del segundo piso o más alto, y a menudo en la esquina de una casa, estas esculturas se encontraron en gran número en muchas ciudades; Maguncia , por ejemplo, se supone que tuvo más de 200 de ellas antes de la Segunda Guerra Mundial . [23] La variedad en estas estatuas es tan grande como en otras imágenes de Madonna; uno encuentra Madonnas sosteniendo uvas (en referencia al Cantar de los Cantares 1:14, traducido como "Mi amado es para mí un racimo de flores de henna" en la NVI ), Madonnas "inmaculadas" en blanco puro, perfecto sin niño ni accesorios, y Madonnas con rosas que simbolizan su vida determinada por los misterios de la fe. [24]
En Italia, es habitual ver a la Virgen de la carretera, tanto en los laterales de los edificios como en los caminos, en pequeños recintos. Se espera que estos lugares brinden alivio espiritual a las personas que pasan por ellos. [25] Algunas estatuas de la Virgen se colocan en los pueblos y ciudades de Italia como una forma de protección o como una conmemoración de un milagro del que se tenga noticia. [26]
En la década de 1920, las Hijas de la Revolución Americana colocaron estatuas llamadas la Virgen del Camino de costa a costa, marcando el camino de la antigua Carretera Nacional y el Camino de Santa Fe . [27]
A lo largo de su vida, el pintor Ray Martín Abeyta creó obras inspiradas en el estilo de pintura de la Virgen de la Escuela Cusqueña, creando un híbrido de temática latina tradicional y contemporánea que representa los encuentros colonialistas entre europeos y mesoamericanos. [28] [29]
En 2015, el iconógrafo Mark Dukes creó el icono Nuestra Señora de Ferguson , que representa a la Virgen y el Niño, en relación con el tiroteo de Michael Brown en Ferguson, Misuri . [30]
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Se dice que el primer encuentro importante entre el Islam y la imagen de la Virgen ocurrió durante la conquista de La Meca por parte del profeta Mahoma . En la culminación de su misión, en el año 629 d. C., Mahoma conquistó La Meca con un ejército musulmán, siendo su primera acción la "limpieza" o "purificación" de la Kaaba , en la que retiró todas las imágenes paganas preislámicas y los ídolos del interior del templo. Según los informes recopilados por Ibn Ishaq y al-Azraqi , Mahoma, sin embargo, puso su mano protectora sobre una pintura de María y Jesús , y un fresco de Abraham para evitar que se borraran. [31] [32] En palabras del historiador Barnaby Rogerson , "Mahoma levantó su mano para proteger un icono de la Virgen y el Niño y una pintura de Abraham, pero por lo demás sus compañeros limpiaron el interior de su desorden de tesoros votivos, instrumentos de culto, estatuillas y amuletos colgantes". [33]
El erudito islámico Martin Lings narró el acontecimiento de esta manera en su biografía del Profeta : "Los cristianos a veces venían a honrar el Santuario de Abraham, y eran bien recibidos como todos los demás. Además, a un cristiano se le había permitido e incluso alentado a pintar un icono de la Virgen María y el niño Jesús en una pared interior de la Kaaba, donde contrastaba marcadamente con todas las demás pinturas. Pero los Quraysh eran más o menos insensibles a este contraste: para ellos era simplemente una cuestión de aumentar la multitud de ídolos con otros dos; y fue en parte su tolerancia lo que los hizo tan impenetrables... Aparte del icono de la Virgen María y el niño Jesús, y una pintura de un anciano, que se decía que era Abraham , las paredes interiores habían sido cubiertas con imágenes de deidades paganas . Colocando su mano protectora sobre el icono, el Profeta le dijo a Uthman que se encargara de que todas las demás pinturas, excepto la de Abraham, fueran borradas". [34]
En el arte indio se encuentran sorprendentes similitudes entre las imágenes de la Virgen y el Niño Jesús, y Yashoda o Devaki y Krishna , ya que tanto la figura hindú como la cristiana del "niño eterno" [35] se muestran acurrucadas cálidamente en el regazo de su madre. [36]
También existe un templo en Goa , el Templo Shree Devakikrishna en Marcel, donde al ver el ídolo de Krishna-Devaki, los portugueses no diezmaron el templo, pues les había recordado a la Virgen María-Jesús. [37]
"En el santuario interior del templo se encuentra una impresionante imagen de Devaki, que lleva al niño en su cintura. La imagen es inusual porque, si bien existe una gran cantidad de templos en el país dedicados a Krishna, no hay ninguna imagen de Devaki". [36] [37] El historiador Anant Dhume, en su libro 'La historia cultural de Goa desde 10.000 a. C. hasta 1352 d. C.', compara la imagen con la de la Virgen y el niño Jesús debido a las similitudes. [38]
En el libro, Dhume explica: "Sin embargo, el ídolo de Devkikrishna, originario de la isla de Chodan, taluka de Tiswadi, transferido en el momento de los abusos cometidos por los misioneros cristianos a la aldea de Mashela (Marcela en portugués) de la aldea de Orgaon, taluka de Ponda, es interesante... La historia dice que Vasco da Gama, en su vejez, fue nombrado virrey de todas las colonias del Lejano Oriente como un gesto de honor. Un día, visitó la isla de Chodan. Cuando vio este ídolo a través de la puerta principal, inmediatamente saludó a la imagen y se arrodilló, considerándola la imagen de la Madre María, con el niño Jesús..." [38]
Durante el reinado portugués en Goa, a partir del siglo XVI, las estatuillas de marfil indoportuguesas reflejaban estas similitudes. [39] "Los portugueses se habían establecido con el objetivo de dominar el comercio de especias y difundir su fe cristiana, y estas pequeñas estatuas de marfil portátiles embellecían los altares de las iglesias y los hogares de Goa, y también se transportaban al extranjero para cumplir con su proyecto posterior. Estas figurillas fueron talladas por los artistas indios bajo la guía de los jesuitas". [36] El historiador de arte Gauvin Alexander Bailey señala que los encargos de arte jesuitas "eran... una asociación en la que se alentaban y fomentaban las propias interpretaciones del arte sacro de los artistas". [39] Los jesuitas conseguían pequeñas pinturas, grabados y esculturas de Europa para que los escultores indios las utilizaran como referencia, y los artistas indígenas utilizaban sus propias tradiciones para dar forma a dichas figuras. Uno de los ejemplos más brillantes de esta forma sincrética es la figura llamada la Rocalla del Buen Pastor (también conocida como el Monte del Buen Pastor o Bom Pastor) que "muestra la unión de culturas tanto en su iconografía como en sus características, encapsulando cómo los escultores de Goa crearon imágenes de lo divino que son católicas, europeas y del sur de Asia". [36] [39] La forma infantil de Cristo en esta figura, con cara redonda y piel suave, tal vez se haya extraído de esculturas del bebé Krishna. [40] [39] [36]
Mientras que en Bengala, el Chore Bagan Art Studio, el Kansaripara Art Studio y el Calcutta Art Studio produjeron grabados locales alrededor de la segunda mitad del siglo XIX. Estos artistas estaban influenciados por las diversas representaciones de Cristo en los grabados europeos que se habían infiltrado en el mercado de la época. Y quizás la conexión más cercana que pudieron establecer fue entre el niño Cristo y Krishna. [41] Jyotindra Jain comenta: "... el Chore Bagan Art Studio publicó un cuadro popular, titulado El nacimiento de Krishna, que estaba basado casi por completo en grabados populares de El nacimiento de Jesucristo, hasta el punto de que la presencia de los tres Reyes Magos de Oriente también fue imitada literalmente en esta obra". [41]
Artistas como Jamini Roy también adoptaron esta imagen, y Jesús y María aparecerían en los lienzos de Tyeb Mehta , Krishnen Khanna , Madhvi Parekh y otros en formas que brindan un comentario y una visión de la escena social india. [41] Las iglesias en la India, como el Santuario de Nuestra Señora de Vailankanni de Tamil Nadu, que fue considerado una basílica por la Iglesia Católica Romana en 1962, albergaban de manera similar ídolos de María vestida con un sari tradicional . [41] "Estos siguen siendo ejemplos de cómo en el arte y en la fe las tradiciones se fusionan, también lo hacen los símbolos y las imágenes, dando lugar a culturas sincréticas que dan testimonio de los estragos del odio comunitario, las diferencias creadas por el hombre y las interpretaciones ortodoxas". [36] Nirendranath Chakraborty , uno de los mejores poetas modernos de Bengala, escribió, tomando como base esta imagen de la madre y el niño, un famoso poema titulado "Kolkatar Jishu" (El Jesús de Calcuta). [42]
La ternura eterna de la figura madre-hijo, de la maternidad y el vínculo incondicional de amor y calidez que esta relación encierra, "que el Niño Jesús en el regazo de la Virgen significa y se refleja en la imagen de Krishna-Yashoda o Devaki, es quizás lo que marca la cultura del amor", [36] y justifica las diversas interpretaciones de este símbolo en el arte y la poesía que se encuentran en todo el subcontinente.
Hay una gran cantidad de artículos sobre obras individuales de diversos tipos en la Categoría:Virgen María en el arte y su subcategoría. Véase también la Lista incompleta de representaciones de la Virgen con el Niño . El término "Madonna" se aplica a menudo a representaciones de María que no fueron creadas por italianos. Una pequeña selección de ejemplos incluye:
Los Quraysh habían colocado imágenes en la Kaaba, incluidas dos de Jesús, hijo de María y María (¡la paz sea con ambos!). ... El apóstol ordenó que se borraran las imágenes, excepto las de Jesús y María.
Mahoma ordenó a sus hombres que limpiaran la Kaaba de las estatuas e imágenes expuestas allí, perdonó las pinturas de la Virgen con el Niño y de Abraham.
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