La Fundación Solomon R. Guggenheim es una organización sin fines de lucro fundada en 1937 por el filántropo Solomon R. Guggenheim y su asesora artística desde hace mucho tiempo, la artista Hilla von Rebay . La fundación es una institución líder en la colección, preservación e investigación de arte moderno y contemporáneo y opera varios museos en todo el mundo. El primer museo creado por la fundación fue el Museo de Pintura No Objetiva, en la ciudad de Nueva York. Este se convirtió en el Museo Solomon R. Guggenheim en 1952, y la fundación trasladó la colección a su primer edificio de museo permanente, en la ciudad de Nueva York, en 1959. A continuación, la fundación abrió la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, Italia, en 1980. Su interés internacional La red de museos se amplió en 1997 para incluir el Museo Guggenheim Bilbao en Bilbao , España, y espera abrir un nuevo museo, Guggenheim Abu Dhabi , en los Emiratos Árabes Unidos una vez finalizada su construcción.
La misión de la fundación es "promover la comprensión y apreciación del arte, la arquitectura y otras manifestaciones de la cultura visual, principalmente de los períodos moderno y contemporáneo, y coleccionar, conservar y estudiar" el arte moderno y contemporáneo. [2] La Fundación busca, en los museos que la componen, unir arquitectura y obras de arte distinguidas. El primer museo permanente de la fundación, el Museo Solomon R. Guggenheim, está ubicado en un moderno edificio en espiral diseñado por Frank Lloyd Wright , y el Guggenheim Bilbao fue diseñado por Frank Gehry . Ambos diseños innovadores recibieron amplia prensa y atención crítica. La Colección Peggy Guggenheim se encuentra en un palacio italiano del siglo XVIII, el Palazzo Venier dei Leoni , en el Gran Canal .
La colección permanente de la fundación se basa principalmente en nueve colecciones privadas: la colección de pinturas no objetivas de Solomon R. Guggenheim; la colección de Karl Nierendorf sobre el expresionismo alemán y los primeros expresionismos abstractos ; la donación de pinturas y esculturas de Katherine S. Dreier ; la colección de Peggy Guggenheim, centrada en la abstracción y el surrealismo ; la colección de obras maestras impresionistas , postimpresionistas y modernas tempranas de Justin K. y Hilde Thannhauser ; parte de la colección de Hilla von Rebay; las participaciones de Giuseppe Panza di Biumo sobre arte minimalista , posminimalista , ambiental y conceptual estadounidense de las décadas de 1960 y 1970; una colección de fotografías y técnicas mixtas de la Fundación Robert Mapplethorpe ; y la colección de películas, vídeos, fotografías y nuevos medios de la Fundación Bohen. [3] Las colecciones de la fundación se han expandido enormemente a lo largo de ocho décadas e incluyen todos los movimientos importantes del arte de los siglos XX y XXI. Sus directores y curadores han intentado formar una colección única que no sea enciclopédica, sino basada en sus visiones únicas. [4] La colección ha crecido en alcance para incluir nuevos medios y arte escénico, y la fundación ha iniciado colaboraciones con YouTube y BMW .
Solomon R. Guggenheim , miembro de una rica familia minera, comenzó a coleccionar obras de los antiguos maestros en la década de 1890. Se retiró de su negocio en 1919 para dedicar más tiempo al coleccionismo de arte. En 1926, a la edad de 66 años, conoció a la artista Hilla von Rebay , a quien la esposa de Guggenheim, Irene Rothschild, le encargó pintar su retrato. [5] Rebay le presentó el arte de vanguardia europeo , en particular el arte abstracto que, en su opinión, tenía un aspecto espiritual y utópico ( arte no objetivo ). [5] Guggenheim cambió por completo su estrategia de coleccionismo. [6] En 1930, los dos visitaron el estudio de Wassily Kandinsky en Dessau , Alemania, y Guggenheim comenzó a comprar la obra de Kandinsky. El mismo año, Guggenheim comenzó a exhibir la colección al público en su apartamento del Hotel Plaza de la ciudad de Nueva York. Las compras de Guggenheim continuaron con las obras de Rudolf Bauer , Fernand Léger , Robert Delaunay , y grandes artistas que no eran de la escuela no objetiva, como Marc Chagall , Jean Metzinger , Albert Gleizes , Pablo Picasso y László Moholy-Nagy . [5] [6]
En 1937, Guggenheim estableció la Fundación Solomon R. Guggenheim para fomentar la apreciación del arte moderno . [6] El primer lugar de exhibición de arte de la fundación se llamó "Museo de Pintura No Objetiva". Se inauguró en 1939 bajo la dirección de Rebay, su primer curador, en una antigua sala de exposición de automóviles en East 54th Street en el centro de Manhattan . [7] Éste se trasladó, en 1947, a otro espacio alquilado en 1071 de la Quinta Avenida . [6] Bajo la dirección de Rebay, Guggenheim intentó incluir en la colección los ejemplos más importantes de arte no objetivo disponibles en ese momento, como la Composición 8 de Kandinsky (1923), el Contraste de formas de Léger (1913) y las Ventanas simultáneas de Delaunay (2. Motivo, 1ª Parte) (1912). [8]
A principios de la década de 1940, la fundación había acumulado una colección tan grande de pinturas de vanguardia que se hizo evidente la necesidad de un edificio permanente para albergar la colección de arte. [9] En 1943, Guggenheim y Rebay encargaron al arquitecto Frank Lloyd Wright el diseño del edificio del museo. [10] Rebay concibió el espacio como un "templo del espíritu" que facilitaría una nueva forma de ver las piezas modernas de la colección. [11] En 1948, la colección se amplió enormemente gracias a la compra del patrimonio del marchante de arte Karl Nierendorf de unos 730 objetos, en particular pinturas expresionistas alemanas . [8] En ese momento, la colección de la fundación incluía un amplio espectro de obras expresionistas y surrealistas , incluidas pinturas de Paul Klee , Oskar Kokoschka y Joan Miró . [3] [8] Guggenheim murió en 1949 y el museo pasó a llamarse Museo Solomon R. Guggenheim en 1952. La fundación amplió sus actividades de exhibición con una serie de exposiciones itinerantes. [12]
Después de la muerte de Guggenheim, los miembros de la familia Guggenheim que formaban parte de la junta directiva de la fundación tuvieron diferencias personales y filosóficas con Rebay, y en 1952 ella dimitió como directora del museo. [12] Sin embargo, dejó una parte de su colección personal a la fundación en su testamento, incluidas obras de Kandinsky, Klee, Alexander Calder , Gleizes, Piet Mondrian y Kurt Schwitters . [3]
En 1953, los límites de recaudación de la fundación se ampliaron aún más bajo la dirección de su nuevo director, James Johnson Sweeney . Sweeney rechazó el rechazo de Rebay a la pintura y la escultura "objetivas", y pronto adquirió Adán y Eva (1921) de Constantin Brâncuși , seguida de obras de otros escultores modernistas, entre ellos Jean Arp , Alexander Calder , Alberto Giacometti y David Smith . [8] Sweeney llegó más allá del siglo XX para adquirir El hombre de brazos cruzados de Paul Cézanne (c. 1899). [8] En 1953, la fundación recibió una donación de 28 obras importantes del patrimonio de Katherine S. Dreier , fundadora de la primera colección de Estados Unidos que se llamó museo de arte moderno, la Société Anonyme . Dreier había sido colega de Rebay. Las obras incluían Niña francesa (1914-18) de Brâncuși, una naturaleza muerta sin título (1916) de Juan Gris , una escultura de bronce (1919) de Alexander Archipenko y tres collages (1919-21) de los dadaístas alemanes hannoverianos Schwitters. También incluyó obras de Calder, Marcel Duchamp , El Lissitzky y Mondrian. [3] Entre otros, Sweeney también adquirió las obras de Alberto Giacometti , David Hayes , Willem de Kooning y Jackson Pollock . [13] También estableció los Premios Internacionales Guggenheim en 1956. Sweeney supervisó los últimos seis años de la construcción del edificio del museo, tiempo durante el cual tuvo una relación antagónica con Frank Lloyd Wright, especialmente en lo que respecta a los problemas de iluminación del edificio. [14] [15]
El distintivo edificio cilíndrico, más ancho en la parte superior que en la inferior, con una rampa en espiral que sube suavemente desde el nivel del suelo hasta el tragaluz en la parte superior, resultó ser la última obra importante de Wright, ya que el arquitecto murió seis meses antes de su inauguración. [16] El edificio se inauguró en octubre de 1959 ante grandes multitudes [17] y polarizó instantáneamente a los críticos de arquitectura, [16] [18] aunque hoy en día es ampliamente elogiado. [19] Algunas de las críticas se centraron en la idea de que el edificio eclipsa las obras de arte expuestas en su interior, [9] y que es difícil colgar adecuadamente pinturas en los nichos de exposición cóncavos, poco profundos y sin ventanas que rodean la espiral central. Antes de su inauguración, veintiún artistas firmaron una carta protestando por la exhibición de sus obras en dicho espacio. [16] Tras su apertura, el museo recibió una respuesta muy favorable del público, a pesar de las primeras dudas: "en general, el diseño de Wright fue, y sigue siendo, admirado por ser muy personal y atractivo". [20]
Thomas M. Messer sucedió a Sweeney como director del museo (pero no de la fundación) en 1961 y permaneció allí durante 27 años, el mandato más largo de cualquiera de los directores de las principales instituciones artísticas de la ciudad. [21] Cuando Messer asumió el control, la capacidad del museo para presentar arte todavía estaba en duda debido a los desafíos que presentaba la galería con rampa en espiral continua que está inclinada y tiene paredes curvas. [22] Casi inmediatamente, en 1962, se arriesgó a montar una gran exposición que combinaba las pinturas del Guggenheim con esculturas prestadas por el Museo Hirshhorn . [22] La escultura tridimensional, en particular, planteó "el problema de instalar una exposición de este tipo en un museo que se parece tanto a la geografía circular del infierno ", donde cualquier objeto vertical aparece inclinado en una "bancada de borrachera" porque el La pendiente del suelo y la curvatura de las paredes podrían combinarse para producir molestas ilusiones ópticas. [23]
Resultó que la combinación podría funcionar bien en el espacio del Guggenheim, pero Messer recuerda que en ese momento "tenía miedo. Casi sentí que esta sería mi última exposición". [22] Messer tuvo la previsión de preparar una exposición de esculturas más pequeña el año anterior, en la que descubrió cómo compensar la extraña geometría del espacio mediante la construcción de pedestales especiales en un ángulo particular, de modo que las piezas aún no estuvieran en una verdadera vertical. parecía ser así. [23] En la muestra de escultura anterior, este truco resultó imposible para una pieza, un móvil de Alexander Calder cuyo cable inevitablemente colgaba en una verdadera plomada vertical, "sugiriendo una alucinación" en el contexto desorientador del piso inclinado. [23]
Al año siguiente, Messer adquirió una colección privada del marchante de arte Justin K. Thannhauser para la colección permanente de la fundación. [24] Estas 73 obras incluyen obras maestras impresionistas , postimpresionistas y modernas francesas, incluidas importantes obras de Paul Gauguin , Édouard Manet , Camille Pissarro , Vincent van Gogh y 32 obras de Pablo Picasso . [3] [25]
Peggy Guggenheim , sobrina de Salomón, coleccionó y exhibió arte a partir de 1938. [26] A instancias de Messer, donó su colección de arte y su casa en Venecia, el Palazzo Venier dei Leoni , a la fundación en 1976. [27] Después de su muerte en En 1979, la colección de más de 300 obras fue reabierta al público como Colección Peggy Guggenheim en 1980 por la fundación, que entonces estaba bajo la dirección de Peter Lawson-Johnston. [28] [29] Incluye obras de principios del siglo XX de destacados modernistas estadounidenses y futuristas italianos . Las piezas de la colección abarcan el cubismo , el surrealismo y el expresionismo abstracto . Algunos de los artistas notables son Picasso, Dalí , Magritte , Brâncuși (incluida una escultura de la serie Bird in Space ), once obras de Pollock, Braque , Duchamp , Léger , Severini , Picabia , de Chirico , Mondrian , Kandinsky, Miró, Giacometti . , Klee, Gorky , Calder, Max Ernst y la hija de Peggy Guggenheim, Pegeen Vail Guggenheim . [3] [26]
Desde 1985, Estados Unidos ha seleccionado la fundación para operar el Pabellón estadounidense de la Bienal de Venecia , una exposición que se celebra cada dos veranos. En 1986, la fundación compró el pabellón de estilo palladiano, construido en 1930. [29] [30]
Thomas Krens , director de la fundación de 1988 a 2008, dirigió una rápida ampliación de las colecciones de la fundación. [31] En 1991, amplió los fondos de la fundación adquiriendo la Colección Panza. Ensamblada por el Conde Giuseppe di Biumo y su esposa, Giovanna, la Colección Panza incluye ejemplos de esculturas minimalistas de Carl Andre , Dan Flavin y Donald Judd , y pinturas minimalistas de Robert Mangold , Brice Marden y Robert Ryman , así como una variedad de publicaciones. -Arte minimalista , conceptual y perceptual de Robert Morris , Richard Serra , James Turrell , Lawrence Weiner y otros, en particular ejemplos estadounidenses de las décadas de 1960 y 1970. [3] [32] En 1992, la Fundación Robert Mapplethorpe donó 200 de sus mejores fotografías a la fundación. Las obras abarcaron toda su producción, desde sus primeros collages, Polaroids , retratos de celebridades, autorretratos, desnudos masculinos y femeninos, flores y estatuas. También presentó construcciones en técnica mixta e incluyó su conocido Autorretrato de 1998 . La adquisición inició el programa de exposiciones fotográficas de la fundación. [3]
También en 1992, el edificio del museo de Nueva York y otros espacios se ampliaron mediante la adición de una torre rectangular contigua, más alta que la espiral original, y una renovación del edificio original. [33] El mismo año, la fundación abrió el pequeño Museo Guggenheim SoHo en el barrio SoHo del centro de Manhattan, diseñado por Arata Isozaki , y organizó exhibiciones que incluían a Marc Chagall y el Teatro Judío , Paul Klee en el Museo Guggenheim , Robert Rauschenberg: Una retrospectiva y Andy Warhol: La última cena . [34] Este espacio se mantuvo después de la reapertura del museo principal, pero cerró en 2002 debido a una crisis económica. [35] Para financiar estos movimientos, de manera controvertida, la fundación vendió obras de Kandinsky, Chagall y Modigliani para recaudar 47 millones de dólares, lo que generó considerables críticas por intercambiar maestros por recién llegados "de moda". En The New York Times , el crítico Michael Kimmelman escribió que las ventas "extendieron las reglas aceptadas de salida más allá de lo que muchas instituciones estadounidenses han estado dispuestas a hacer". [36] Krens defendió la acción como coherente con los principios del museo, incluida la ampliación de su colección internacional y la construcción de su "colección de posguerra sobre la base de nuestras existencias de antes de la guerra" [32] y señaló que tales ventas son una práctica habitual de los museos. . [36]
Una de las iniciativas más importantes de Krens fue ampliar la presencia internacional de la fundación. [37] El Museo Guggenheim Bilbao se inauguró en 1997. Diseñado por Frank Gehry , el Guggenheim Bilbao de titanio, vidrio y piedra caliza es una pieza central de la revitalización de la ciudad vasca de Bilbao , España. [38] El edificio fue recibido con entusiastas elogios por parte de los críticos de arquitectura. [39] El gobierno vasco financió la construcción, mientras que la Fundación compró las obras de arte y gestiona las instalaciones. [38] La colección permanente del museo incluye obras de artistas vascos y españoles modernos y contemporáneos como Eduardo Chillida , Juan Muñoz y Antonio Saura , así como obras de la fundación, y ha organizado diversas exposiciones comisariadas por el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York. [40]
También en 1997, la fundación abrió una pequeña galería en el área de Unter den Linden en Berlín, Alemania, como Deutsche Guggenheim , en cooperación con el Deutsche Bank. [9] El Deutsche Guggenheim tenía cuatro exposiciones cada año, complementadas con una programación educativa, y anualmente encargaba una, o ocasionalmente dos, nuevas obras de arte o series de artistas contemporáneos, que luego se exhibían en el museo en una exposición especial. [41] Después de 14 años de funcionamiento, el Deutsche Guggenheim cerró a finales de 2012. [42]
Bajo la dirección de Krens, la fundación organizó algunas de sus exposiciones más populares: "África: El arte de un continente" en 1996; "China: 5.000 años" en 1998, "Brasil: Cuerpo y alma" en 2001; y "El Imperio Azteca" en 2004. [43] En ocasiones ha mostrado exposiciones inusuales, por ejemplo, instalaciones de arte comercial de trajes y motocicletas de Giorgio Armani . Hilton Kramer del New Criterion condenó tanto El arte de la motocicleta [44] como la retrospectiva de la obra del diseñador de moda Armani. [45] Otros no estuvieron de acuerdo. [46] Una retrospectiva de 2009 de Frank Lloyd Wright en el edificio original de Nueva York mostró al arquitecto en el 50.º aniversario de la inauguración del edificio y fue la exposición más popular del museo desde que comenzó a llevar registros de asistencia en 1992. [9]
En 2001, la fundación abrió dos nuevos museos en Las Vegas, el Guggenheim Las Vegas y el Museo Guggenheim Hermitage , ambos diseñados por el arquitecto Rem Koolhaas . Los museos exhibieron lo más destacado de las colecciones, respectivamente, de la fundación y del Museo del Hermitage en San Petersburgo , Rusia. [47] [48] El primero y más grande de los dos acogió una exposición: "El arte de la motocicleta", antes de cerrar en 2003. [49] Este último, celebró diez exposiciones de obras maestras de artistas destacados de los últimos seis siglos. entre ellos Van Eyck , Tiziano , Velázquez , Van Gogh , Picasso , Pollock y Lichtenstein . El Museo Guggenheim Hermitage cerró en 2008. [47]
En 2001, la fundación también estableció el Centro Sackler para la Educación Artística en el campus del edificio original de Nueva York. [50] El mismo año, la fundación recibió como obsequio la gran colección de la Fundación Bohen, que, durante dos décadas, encargó nuevas obras de arte con énfasis en cine, video, fotografía y nuevos medios. Los artistas incluidos en la colección son Pierre Huyghe , Sophie Calle y Jac Leirner . [5] La fundación planeó un gran museo Guggenheim en el paseo marítimo del bajo Manhattan y contrató a Frank Gehry como arquitecto. Sus diseños esencialmente completos para el edificio se exhibieron en 2001 en el museo de la Quinta Avenida, [51] pero estos planes fueron interrumpidos por la crisis económica de principios de la década de 2000 y los ataques del 11 de septiembre de 2001 , lo que provocó la reconsideración de cualquier plan en el bajo Manhattan. . [52] Otros proyectos en Río de Janeiro , Vilnius , Salzburgo , [53] Guadalajara [54] y Taichung también fueron considerados pero no completados.
El 19 de enero de 2005, el filántropo Peter B. Lewis dimitió de su cargo de presidente de la fundación, expresando su oposición a los planes de Krens de una mayor expansión global de los museos Guggenheim. Lewis había sido el mayor donante en la historia del Guggenheim. [55] Sin embargo, las tensiones continuaron y el 27 de febrero de 2008, Krens renunció a su puesto en la fundación. Sin embargo, se ha mantenido como asesor para asuntos internacionales. [56] Durante sus dos décadas al frente de la fundación, Krens fue criticado no sólo por la retirada de obras más antiguas del museo [36] sino también por su estilo profesional y su percepción de populismo y comercialización. [46] [57] Un escritor comentó: "Krens ha sido elogiado y vilipendiado por convertir lo que una vez fue una pequeña institución de Nueva York en una marca mundial, creando la primera institución artística verdaderamente multinacional. ... Krens transformó el Guggenheim en una de la marca más conocida en las artes." [58]
Richard Armstrong se convirtió en el quinto director de la fundación el 4 de noviembre de 2008. Había sido director del Museo de Arte Carnegie de Pittsburgh , Pensilvania, durante 12 años, donde también se había desempeñado como curador jefe y curador de arte contemporáneo. [59] Además de sus colecciones permanentes, que continúan creciendo, [5] la fundación administra exposiciones en préstamo y coorganiza exposiciones con otros museos para fomentar la divulgación pública. [60]
En 2006, Abu Dhabi , capital de los Emiratos Árabes Unidos, anunció un acuerdo con la Fundación Guggenheim para construir un nuevo museo, " Guggenheim Abu Dhabi ". Gehry diseñó la estructura, [61] que, si se completa, será con diferencia la más grande de la fundación. [62] Comenzó la construcción en el extremo noroeste de la isla Saadiyat , [29] donde se han construido un centro de artes escénicas y otros museos. [63] La fecha de finalización se ha retrasado repetidamente y ahora se espera que el museo abra sus puertas alrededor de 2023 como muy pronto. [64] [65] Se espera que el museo albergue colecciones modernas y contemporáneas que se centrarán en el arte contemporáneo del Medio Oriente y exhibirá exhibiciones especiales de la colección principal de la fundación. [29]
En 2011, la ciudad de Helsinki , Finlandia, encargó a la fundación estudiar la viabilidad de construir allí un museo . [62] El estudio de viabilidad recomendó construir el museo en el puerto sur de Helsinki. En 2012, la propuesta fue rechazada por la junta municipal "por preocupaciones sobre el costo y una propuesta de fusión con el Museo de Arte de Helsinki ". En 2013, la fundación presentó una propuesta revisada [66] que preveía que el arquitecto del proyecto sería elegido mediante un concurso internacional. La propuesta anticipaba que la tarifa de licencia del Guggenheim sería financiada por fuentes privadas, con menores costos operativos y mayores ingresos; un periodista calificó las estimaciones de la Fundación de "en el mejor de los casos, especulativas". [67] En 2014, el ayuntamiento aprobó un concurso internacional de arquitectura para solicitar diseños para el museo, [68] y al año siguiente se eligió un diseño. [69] En 2016, el ayuntamiento de Helsinki votó a favor de rechazar el plan. [70]
La fundación ha buscado durante mucho tiempo, en los museos que la componen, unir sus obras de arte con una arquitectura distinguida. En 1943, Hilla von Rebay y Solomon R. Guggenheim encargaron a Frank Lloyd Wright la construcción del primer museo permanente de la fundación. [71] Rebay le escribió a Wright que "cada una de estas grandes obras maestras debería organizarse en el espacio, y sólo tú... probarías las posibilidades para hacerlo... ¡Quiero un templo del espíritu, un monumento!" [72] El logro resultante, el Museo Solomon R. Guggenheim, en la ciudad de Nueva York, da testimonio no sólo del genio arquitectónico de Wright, sino también del espíritu aventurero que caracterizó a sus fundadores. [73] El crítico Paul Goldberger escribió más tarde que, antes del edificio modernista de Wright, "sólo había dos modelos comunes para el diseño de museos: el Palacio de Bellas Artes ... y el Pabellón de Estilo Internacional". [74] Goldberger pensó que el edificio era un catalizador del cambio, haciendo que fuera "social y culturalmente aceptable para un arquitecto diseñar un museo altamente expresivo e intensamente personal. En este sentido, casi todos los museos de nuestro tiempo son hijos del Guggenheim". [74]
Antes de decidirse por el sitio actual para el Museo Solomon R. Guggenheim en la Quinta Avenida entre las calles 88 y 89, Wright, Rebay y Guggenheim consideraron numerosas ubicaciones en Manhattan, así como en la sección Riverdale del Bronx, con vista al río Hudson . [75] Guggenheim consideró que la proximidad del sitio a Central Park era importante; el parque brindó alivio del ruido, la congestión y el cemento de la ciudad. [76] La naturaleza también proporcionó inspiración al museo. [75] El edificio encarna los intentos de Wright "de representar la plasticidad inherente de las formas orgánicas en la arquitectura". [77] El Guggenheim iba a ser el único museo diseñado por Wright. La ubicación de la ciudad requirió que Wright diseñara el edificio en forma vertical en lugar de horizontal, muy diferente de sus obras rurales anteriores. [76]
El concepto original de Wright se llamó " zigurat " invertido, porque se parecía a los empinados escalones de los zigurats construidos en la antigua Mesopotamia . [76] Su diseño prescindió del enfoque convencional del diseño del museo, en el que los visitantes son conducidos a través de una serie de salas interconectadas y obligados a volver sobre sus pasos al salir. [77] El plan de Wright era que los visitantes del museo subieran a la cima del edificio en ascensor, descendieran a un ritmo pausado a lo largo de la suave pendiente de la rampa continua y vieran el atrio del edificio como la última obra de arte. . La rotonda abierta brindó a los espectadores la posibilidad única de ver varias áreas de trabajo en diferentes niveles simultáneamente e incluso interactuar con invitados en otros niveles. [78] El diseño en espiral recordaba la concha de un nautilo, con espacios continuos que fluían libremente uno dentro del otro. [79]
Aunque abrazó la naturaleza, el diseño de Wright también expresa su visión de la rígida geometría de la arquitectura modernista. [79] Wright atribuyó un significado simbólico a las formas del edificio. Explicó que "estas formas geométricas sugieren ciertas ideas, estados de ánimo y sentimientos humanos, como por ejemplo: el círculo, el infinito; el triángulo, la unidad estructural; la espiral, el progreso orgánico; el cuadrado, la integridad". [80] Las formas se hacen eco entre sí en todas partes: las columnas de forma ovalada, por ejemplo, reiteran la geometría de la fuente. La circularidad es el leitmotiv, desde la rotonda hasta el diseño de incrustaciones de los suelos de terrazo. [75]
La visión de Wright tardó 16 años en realizarse. En marcado contraste con los edificios típicamente rectangulares de Manhattan que lo rodean, el edificio del Museo Solomon R. Guggenheim se inauguró en octubre de 1959. Incluso antes de su apertura, el diseño polarizó a los críticos de la arquitectura. [16] [18] Algunos creían que el edificio eclipsaría las obras de arte del museo. [9] [81] [82] "Al contrario", escribió el arquitecto, el diseño hace que "el edificio y la pintura sean una sinfonía hermosa e ininterrumpida como nunca antes había existido en el mundo del arte". [81] Otros críticos, y muchos artistas, sintieron que era incómodo colgar pinturas adecuadamente en los nichos de exposición cóncavos, poco profundos y sin ventanas que rodean la espiral central. [16] El edificio, sin embargo, fue ampliamente elogiado [19] [73] [83] e inspiró a muchos otros arquitectos. [76]
La superficie del edificio se hizo de hormigón para reducir el coste, inferior al acabado de piedra que Wright había querido. [84] La pequeña rotonda (o "edificio Monitor", como lo llamó Wright) al lado de la gran rotonda estaba destinada a albergar apartamentos para Rebay y Guggenheim, pero en cambio se convirtió en oficinas y espacio de almacenamiento. [85] En 1965, el segundo piso del edificio Monitor fue renovado para exhibir la creciente colección permanente del museo, y con la restauración del museo en 1990-92, se entregó por completo a espacio de exhibición y se bautizó como Edificio Thannhauser, en honor de uno de los legados más importantes del museo. [86] El plan original de Wright para una torre contigua, estudios de artistas y apartamentos no se realizó, en gran parte por razones financieras. Sin embargo, como parte de la restauración, los arquitectos Gwathmey Siegel and Associates analizaron los bocetos originales de Wright para diseñar la torre rectangular de piedra caliza de 10 pisos, que se encuentra detrás y es más alta que el edificio en espiral original (que reemplaza una estructura mucho más pequeña), que tiene cuatro galerías de exhibición adicionales con paredes planas que son "más apropiadas para la exhibición de arte". [33] [78] También en la construcción original, el tragaluz de la galería principal había sido cubierto, lo que comprometía los efectos de iluminación cuidadosamente articulados de Wight. Esto cambió en 1992 cuando se restauró el tragaluz a su diseño original. [84] La financiación para las modificaciones se obtuvo en parte a través de la controvertida venta de obras maestras por parte de la fundación en 1991. [84]
En 2001, el museo abrió al público el Centro Sackler para la Educación Artística, que era otra parte del diseño original de Wright para el edificio, a través de una donación de la familia Mortimer D. Sackler. Ubicada justo debajo de la gran rotonda, esta instalación educativa de 8200 pies cuadrados ofrece clases y conferencias sobre las artes visuales y escénicas y oportunidades para interactuar con las colecciones del museo y exhibiciones especiales a través de sus laboratorios, espacios de exhibición, salas de conferencias y el Centro Educativo Peter B. Teatro Luis. [50] Entre septiembre de 2005 y julio de 2008, el Museo Guggenheim se sometió a una importante restauración exterior para reparar grietas y [87] modernizar los sistemas y detalles exteriores. [88] La artista Jenny Holzer pintó un homenaje, Para el Guggenheim , en honor a Peter B. Lewis, uno de los principales benefactores del proyecto de restauración. [89] El museo fue registrado como Monumento Histórico Nacional el 6 de octubre de 2008. [90]
Peggy Guggenheim compró el Palazzo Venier dei Leoni en 1948 para albergar y exhibir su colección al público, y residió allí durante treinta años. [91] [92] Aunque a veces se confunde con un edificio moderno, [93] es un palacio del siglo XVIII diseñado por el arquitecto veneciano Lorenzo Boschetti. [92] El edificio estaba inacabado y tiene una elevación inusualmente baja en el Gran Canal. El sitio web del museo describe su "fachada larga y baja, hecha de piedra de Istria y contrastada con los árboles del jardín detrás que suavizan sus líneas, forma una bienvenida" cesura "en la majestuosa marcha de los palacios del Gran Canal desde la Accademia hasta el Salute . " [94]
La Fundación tomó el control del edificio en 1979 tras la muerte de Guggenheim y tomó medidas para ampliar el espacio de la galería. En 1985, "todas las habitaciones de la planta principal se habían convertido en galerías... la fachada de piedra blanca de Istria y la singular terraza del canal habían sido restauradas", y el arquitecto había reconstruido un ala de arcada que sobresalía, llamada barchessa. Giorgio Bellavitis. [95] Desde 1985, el museo ha estado abierto todo el año. [94] En 1993, la fundación convirtió los apartamentos adyacentes al museo en un anexo de jardín, una tienda y más galerías. [95] En 1995, se completó el Jardín de Esculturas Nasher. [95] Desde 1993, el museo ha duplicado su tamaño, de 2.000 a 4.000 metros cuadrados. [29] y fue renovado en 2012. [96]
En 1991, el gobierno vasco sugirió a la fundación que financiaría la construcción de un museo Guggenheim en Bilbao . [97] [98] La fundación seleccionó a Frank Gehry como arquitecto, y su director, Thomas Krens , lo animó a diseñar algo atrevido e innovador. [99] Se pretendía que las curvas en el exterior del edificio parecieran aleatorias; el arquitecto dijo que "la aleatoriedad de las curvas está diseñada para captar la luz". [100] El interior "está diseñado alrededor de un gran atrio lleno de luz con vistas a la ría de Bilbao y las colinas circundantes del País Vasco". [29]
Cuando el Museo Guggenheim Bilbao abrió al público en 1997, fue inmediatamente aclamado como uno de los edificios más espectaculares del mundo, una obra maestra del siglo XX. [101] El arquitecto Philip Johnson lo describió como "el edificio más grande de nuestro tiempo", [102] mientras que el crítico Calvin Tomkins , en The New Yorker , lo caracterizó como "un fantástico barco de ensueño de forma ondulante envuelto en un manto de titanio ", su Paneles brillantemente reflectantes que también recuerdan a escamas de pescado. [101] Herbert Muschamp elogió su "brillantez voluble" en The New York Times Magazine . [103] The Independent llama al museo "una hazaña arquitectónica asombrosa". [29]
El museo está perfectamente integrado en el contexto urbano, desplegando sus formas interconectadas de piedra, vidrio y titanio en un terreno de 32.500 metros cuadrados a lo largo del río Nervión en el antiguo corazón industrial de la ciudad; Si bien es modesto desde el nivel de la calle, es más impresionante cuando se lo ve desde el río. [97] [103] Once mil metros cuadrados de espacio expositivo se distribuyen en diecinueve galerías, diez de las cuales siguen un plan ortogonal clásico que se puede identificar desde el exterior por sus acabados en piedra. Las nueve galerías restantes tienen forma irregular y pueden identificarse desde el exterior por sus formas orgánicas arremolinadas y su revestimiento de titanio. La galería más grande mide 30 metros de ancho y 130 metros de largo. [98] [103] Desde 2005, alberga la monumental instalación de Richard Serra "La cuestión del tiempo". [104] [105]
El Deutsche Guggenheim, en Berlín, abrió sus puertas un mes después que el Museo Guggenheim Bilbao, en 1997. [106] Diseñada por el arquitecto estadounidense Richard Gluckman en un estilo minimalista, la modesta galería berlinesa ocupaba una esquina de la planta baja del edificio de piedra arenisca del Deutsche Bank . en el bulevar Unter der Linden , construido en 1920. [29] [107] Cerró en 2013. [108]
Está previsto que el museo de Abu Dhabi sea, con diferencia, la instalación más grande de la fundación. [62] [109] El diseño de Gehry presenta galerías de exhibición, espacios de educación e investigación, un laboratorio de conservación, un centro para la cultura árabe, islámica y del Medio Oriente contemporáneo, y un centro de "arte y tecnología". [110] Inspirándose en los tradicionales patios cubiertos y torres de viento del Medio Oriente, utilizados para enfriar estructuras expuestas al sol del desierto, los grupos de galerías horizontales y verticales del museo de varios tamaños están conectados por pasarelas y planificados alrededor de un patio central cubierto, incorporando Características naturales destinadas a maximizar la eficiencia energética del edificio. Las galerías más grandes ofrecerán una gran escala para la exhibición de grandes instalaciones de arte contemporáneo. [110] Partes del edificio tendrán cuatro pisos de altura, con "grupos de bloques y galerías conectadas en forma de cono aparentemente apiladas una encima de la otra". [29] [111] El museo está destinado a ser una pieza central en el plan de la isla para el arte y la cultura contemporáneos". [112]
El nuevo museo comenzó a construirse en una península en el extremo noroeste de la isla Saadiyat, adyacente a Abu Dhabi. [110] [113] Gehry comentó: "El sitio en sí, prácticamente sobre el agua o cerca del agua por todos lados, en un paisaje desértico con el hermoso mar y la calidad de la luz del lugar sugirieron parte de la dirección". [111] La fecha de finalización se retrasó desde 2011 hasta al menos 2017. [65] En marzo de 2011, más de 130 artistas anunciaron un plan para boicotear el museo de Abu Dhabi, citando informes de abusos a trabajadores extranjeros, incluida la retención arbitraria de salarios. , condiciones de trabajo inseguras y falta de pago de las tarifas de contratación a los trabajadores por parte de las empresas. [114] El progreso continuo está a la espera de la aprobación de las solicitudes y contratos de construcción por parte de la Compañía de Inversión y Desarrollo Turístico (TDIC). [115] A principios de 2016, no se habían logrado avances en la construcción y la Fundación Guggenheim confirmó que "TDIC aún no ha adjudicado un contrato". [116]
El Concurso de Diseño Guggenheim Helsinki de 2014-2015 fue el primer concurso de arquitectura internacional abierto de la Fundación Solomon R. Guggenheim. Recibió 1.715 propuestas de 77 países, un récord para un concurso de diseño de museo. [117] El diseño elegido para el museo Guggenheim propuesto por 130 millones de euros en Helsinki , Finlandia, preveía "un revoltijo confuso de pabellones revestidos de madera carbonizada" y vidrio. [69] El diseño ganador fue de Moreau Kusunoki Architectes, con sede en París. [69] [117] Los críticos objetaron el color oscuro del exterior del diseño, que contrasta con la arquitectura circundante, así como con la forma del edificio. Osku Pajamaki, vicepresidente de la junta ejecutiva de la ciudad, dijo: "El símbolo del faro es arrogante en medio del centro histórico... [como] un museo Guggenheim al lado de Notre Dame en París. La gente se acerca desde el mar , y lo primero que verán es que los ciudadanos de Helsinki compraron su identidad al Guggenheim". [118] El museo propuesto fue rechazado por el ayuntamiento de Helsinki en 2016. [70]
La fundación presta anualmente cientos de obras de arte de sus colecciones a otros museos e instituciones de todo el mundo. También colabora con socios de todo el mundo para interactuar con audiencias diversas y promover el discurso cultural. De 2006 a 2011, se pudieron ver exposiciones de las obras de la fundación en más de 80 museos, como el Museo Nacional de Arte de China en Beijing durante los Juegos Olímpicos de Beijing 2008 . [119]
En 2010, la Fundación Solomon R. Guggenheim y YouTube, en colaboración con Hewlett-Packard e Intel , presentaron YouTube Play, una bienal de vídeo creativo . Se presentaron más de 23.000 vídeos de 91 países en respuesta a una convocatoria abierta de presentaciones destinada a "descubrir y mostrar los talentos más excepcionales que trabajan en el ámbito en constante expansión del vídeo en línea". [120] [121] Los curadores de la Fundación seleccionaron una lista corta de 125 videos de los cuales un jurado, incluidos los artistas Laurie Anderson y Takashi Murakami y el grupo musical Animal Collective , eligió una lista de reproducción de 25 obras. [121] Estos se presentaron en el evento YouTube Play en el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York el 21 de octubre de 2010, durante el cual los videos se proyectaron en el exterior del edificio del museo y dentro de la rotonda del museo. [120]
Las 25 obras seleccionadas continuaron expuestas en el museo hasta el 24 de octubre de 2010. Los 125 vídeos de la lista corta estuvieron expuestos durante todo el otoño de 2010 en quioscos de los museos Guggenheim de Nueva York, Berlín, Bilbao y Venecia. El canal de YouTube del proyecto, youtube.com/play, presenta todos los videos de la lista corta, así como lo más destacado del evento en Nueva York e información sobre el proyecto. [122] La colaboración tenía como objetivo llegar a un público amplio más allá del entorno del museo. [121] La crítica de arte del New York Times, Roberta Smith, comentó: "Es una idea cuyo momento ha llegado... En muchos sentidos es simplemente una exposición anticuada de presentación abierta del tipo que los museos y centros de arte regionales tienen alrededor del mundo. país han representado durante décadas, excepto que se han vuelto digitales". [120]
El Laboratorio BMW Guggenheim es un proyecto itinerante interdisciplinario que comenzó en 2011. [123] [124] Una colaboración entre BMW Group y la fundación, el laboratorio es en parte un grupo de expertos urbano , en parte un centro comunitario y en parte un espacio de reunión, que explora temas de la vida urbana a través de la programación y el discurso públicos. [125] [126] El programa está diseñado para involucrar proactivamente a los residentes de cada ciudad que visita, y a participantes en Internet y de todo el mundo, en programas y experimentos gratuitos, y para abordar ideas y problemas de la vida urbana con particular relevancia. a cada ciudad. [127] El Comité Asesor de expertos del Laboratorio nomina al equipo de laboratorio de cada ciudad, un grupo interdisciplinario que crea la programación para esa ubicación. [123] [124] Se esperaba que el laboratorio visitara nueve ciudades durante tres meses cada una en el transcurso de seis años, con tres estructuras diferentes que albergaban el laboratorio, cada una de las cuales debía viajar a tres ciudades. [128] [129] En 2013, sin embargo, BMW puso fin a su apoyo al proyecto. [130]
La estructura del laboratorio fue diseñada por el estudio de arquitectura Atelier Bow-Wow, con sede en Tokio . [128] [129] El ciclo de tres ciudades del proyecto se diseñó en torno al tema Confronting Comfort , que exploraba formas de hacer que los entornos urbanos respondieran mejor a las necesidades de las personas, logrando un equilibrio entre el confort individual y colectivo y promoviendo la responsabilidad ambiental y social. [127] Los miembros del Comité Asesor del Laboratorio fueron: Daniel Barenboim , Elizabeth Diller , Nicholas Humphrey , Muchadeyi Masunda , Enrique Peñalosa , Juliet Schor , Rirkrit Tiravanija y Wang Shi . [123] [124] El laboratorio estuvo abierto del 3 de agosto al 16 de octubre de 2011 en el East Village de la ciudad de Nueva York y contó con la asistencia de más de 54.000 visitantes de 60 países. [128] [129] El Laboratorio estuvo abierto en Berlín del 24 de mayo al 29 de julio de 2012. [129] [131] La programación del Laboratorio de Berlín se centró en cuatro temas principales: Tecnologías de Empoderamiento (Gómez-Márquez), Conexiones Dinámicas ( Smith), Urban Micro-Lens (Rose) y Senseable (SENSEable) City (Ratti). [ cita necesaria ] El laboratorio abrió en Mumbai , India, el 9 de diciembre de 2012 y estuvo en funcionamiento hasta el 20 de enero de 2013. La ubicación central estaba en los terrenos del Museo Dr. Bhau Daji Lad , con ubicaciones satélite adicionales alrededor de la ciudad. [132] Junto con la programación pública específica del vecindario, el programa Mumbai Lab incluyó estudios de investigación participativa y proyectos de diseño. [133]
El programa finalizó con una exposición, Ciudad participativa: 100 tendencias urbanas del BMW Guggenheim Lab , que estuvo expuesta en el museo de Nueva York del 11 de octubre de 2013 al 5 de enero de 2014. [130]
La Iniciativa de Arte Global Guggenheim UBS MAP fue un programa de cinco años, apoyado por el banco suizo UBS en el que la Fundación identificó y trabajó con artistas, curadores y educadores de Asia, América Latina, Medio Oriente y África del Norte para expandir su alcance en el mundo del arte internacional. Para cada una de las tres fases del proyecto, el museo invitó a un curador de la región elegida al Museo Guggenheim en la ciudad de Nueva York para una residencia curatorial de dos años para trabajar con un equipo del personal del Guggenheim para identificar nuevas obras de arte que reflejen la gama. de talentos en sus partes del mundo. Los curadores residentes organizaron exposiciones itinerantes internacionales que destacaron estas obras de arte y ayudaron a organizar actividades educativas. [134] [135] La Fundación adquirió estas obras de arte para su colección permanente y las incluyó como foco de exposiciones en el museo de Nueva York y posteriormente viajó a otras dos instituciones culturales u otros lugares de todo el mundo. La Fundación complementó las exposiciones con una serie de programas públicos y en línea basados en el tema del intercambio intercultural. [136] [137] Según se informa, la UBS contribuyó con más de 40 millones de dólares al proyecto para pagar sus actividades y las adquisiciones de arte. [138] El director de la Fundación, Richard Armstrong, comentó: "Esperamos desafiar nuestra visión centrada en Occidente de la historia del arte". [134]
La primera exposición (fase 1) se centró en el arte del sur y sudeste de Asia y fue comisariada por la singapurense June Yap, quien trabajó en los departamentos curatoriales de museos de arte moderno y contemporáneo como el Instituto de Arte Contemporáneo de Singapur y el Museo de Arte de Singapur . [139] La segunda y tercera fases del proyecto se centraron en América Latina, Oriente Medio y el Norte de África. [134]
La Fundación de la Familia Robert HN Ho, con sede en Hong Kong (fundada por Robert Hung-Ngai Ho ), otorgó una subvención de 10 millones de dólares para ayudar al museo de Nueva York a encargar obras para su colección permanente a al menos tres artistas nacidos en China y contratar a un curador. dedicado a su colección de arte chino. Las obras se exhibirían en el museo de Nueva York en tres exposiciones entre 2014 y 2017 y también en los demás museos Guggenheim. [140] Los encargos fueron parte de un esfuerzo del museo para ampliar el alcance geográfico de su colección, y la Fundación de la Familia Robert HN Ho esperaba que la colaboración fomentara "una mayor comprensión de la cultura china". [141]
