Pierre Huyghe (nacido el 11 de septiembre de 1962) es un artista francés que trabaja en una variedad de medios, desde películas y esculturas hasta intervenciones públicas y sistemas vivos.
Pierre Huyghe (pronunciado hweeg ) [1] nació en París en 1962. Vive y trabaja en París y Nueva York . Estudió en la École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de París.
Huyghe participó en la Cumbre de Okayama en 2016 y fue el director artístico del evento en 2019. En una entrevista en la revista Ocula con Stephanie Bailey, Huyghe explicó que eligió "artistas que construyen mundos que tienen la capacidad de cambiar sin cesar, en lugar de ser creadores". de las cosas' [2] , una cualidad que se traduce en su propia práctica.
Huyghe ha recibido varios premios, entre ellos el Premio Nasher (2017), el Premio Kurt Schwitters (2015); Premio Roswitha Haftmann (2013), Premio al Artista Contemporáneo del Museo Smithsonian (2010), Premio Hugo Boss, Museo Guggenheim (2002) y un DAAD en Berlín (1999-2000). [3]
Huyghe ha estado trabajando con situaciones basadas en el tiempo e instalaciones específicas desde principios de los años 1990. Sus obras consisten en formas tan diversas como objetos, películas, fotografías, dibujos, música, personajes de ficción y ecosistemas completos, tratando de hecho la exposición y su ritual como un objeto en sí mismo.
En Blanche-Neige (1997), Huyghe reveló el rostro y la historia de Lucie Dolène, la locutora francesa a quien Walt Disney contrató para hacer la versión en francés de Blancanieves . Cuando Disney posteriormente reeditó la película y usó la voz de Dolmen sin su permiso, demandó a la compañía por el derecho a poseer su propia voz. La película de Huyghe es una foto de la cabeza simplemente editada de Dolène que cuenta su experiencia con su inconfundible (para oídos franceses) voz. [4] Blanche-Neige fue una continuación más concreta de Dubbing (1996), en la que Huyghe proyecta la película Poltergeist de Tobe Hooper , pero centra su cámara en los quince actores que han sido contratados para hacer las voces en off en francés en lugar de la proyección de la película en sí, que sólo es visible para los actores. [5] En 1999, Huyghe y su colega artista francés Philippe Parreno convirtieron esta idea de la interpretación subjetiva del lenguaje en el cuerpo de un personaje ficticio al comprar los derechos de una figura de manga a la que llamaron "Annlee". [6] Luego invitaron a otros artistas, incluidos Liam Gillick , Dominique González-Foerster , Pierre Joseph , Mélik Ohanian, Joe Scanlan y Rirkrit Tiravanija, a producir varias obras utilizando el personaje de Annlee, cuyo conjunto se convirtió en la exposición colectiva itinerante No Ghost Just. Como el infierno . [7] Después de varias exhibiciones, transfirieron los derechos de autor del personaje a la Asociación Annlee, una entidad legal propiedad de Annlee, asegurando así su libertad y muerte simultáneas. [8]
El vídeo de dos canales de Huyghe La tercera memoria (1999), encargado por la Renaissance Society de la Universidad de Chicago y posteriormente expuesto en el Centro Georges Pompidou de París , toma como punto de partida la película de 1975 Tarde de perros de Sidney Lumet , [9 ] protagonizada por Al Pacino en el papel del ladrón de bancos John Wojtowicz . El vídeo de Huyghe reconstruye el decorado de la película de Lumet, pero permite que el propio Wojtowicz, ahora unas decenas de años mayor y fuera de prisión, cuente la historia del robo. Huyghe yuxtapone imágenes de la reconstrucción con imágenes de Tarde de perros , demostrando que la memoria de Wojtowicz ha sido alterada irrevocablemente por la película sobre su vida. [10] Streamside Day Follies (2003) fue un encargo de la DIA Art Foundation, Nueva York, e implicó la relación integrada entre tres lugares: una comunidad ficticia en el valle de Hudson que está lanzando un festival vecinal igualmente ficticio; un film verité que captura las actuaciones del incipiente festival; y el antiguo espacio expositivo de DIA en Manhattan. La exposición implicó la creación periódica de un cuarto espacio en el que convergerían la comunidad ficticia, la película y la galería. Huyghe logró esto diseñando cuatro paredes suspendidas de vías motorizadas que fueron programadas para organizarse intermitentemente en un recinto oscuro en el que se proyectaría la película Streamside Day Follies . Cuando terminaba la película, las paredes se dispersaban. [11] Un viaje que no fue (2005) fue encargado por el Public Art Fund y el Whitney Museum of American Art , Nueva York, e implicó intersecciones similares de un lugar ficticio, una película y una convergencia viva. Como obra cinematográfica, Un viaje que no fue yuxtapone una expedición en barco desde Tierra del Fuego en busca de una isla inexplorada frente a la costa de la Antártida, con la grabación (y regrabación) de su partitura sinfónica en la pista de hielo Wollman en Parque Central . La partitura sinfónica fue compuesta por Joshua Cody y contó con el solista de guitarra Elliott Sharp . [12] [13]
The Host and the Cloud (2010) es un largometraje que se rodó íntegramente en el edificio inactivo que albergó el Museo Nacional de Artes y Tradiciones Populares de París. La narrativa divagante, melancólica y algo de ciencia ficción se estructura en torno a las celebraciones de Halloween , el Día de San Valentín y el Primero de Mayo . El estreno de la película en la Marian Goodman Gallery de Nueva York estuvo acompañado por varias de las esculturas Zoodram de Huyghe , elaborados acuarios que presentan criaturas marinas exóticas que no se diferencian del ecosistema humano cautivo representado en The Host and the Cloud . [14] [15] Para dOCUMENTA(13) (2012) Pierre Huyghe creó Untilled (2011-2012), un sitio de abono dentro de un jardín barroco, una asociación no jerárquica que incluía una escultura de un desnudo reclinado con la cabeza oscurecida por una un enjambre de colmenas, plantas afrodisíacas y psicotrópicas, un perro con una pata rosada y un roble arrancado de 7.000 robles de Joseph Beuys , entre otros elementos. [16] [17] Untilled ocupó el tercer lugar en la lista de Mejor Arte del Siglo XXI de The Guardian , y el crítico Adrian Searle la calificó de "obra maravillosa" y "una elegía para un mundo moribundo". [18]
Human Mask (2014) es una película ambientada en Fukushima después del desastre que describe la actividad apática de un sirviente mono entrenado vestido con la máscara de una mujer joven. [19]