El arte performance es una obra de arte o exposición de arte creada a través de acciones ejecutadas por el artista u otros participantes. Puede ser presenciado en vivo o a través de documentación, desarrollado espontáneamente o escrito, y tradicionalmente se presenta al público en un contexto de bellas artes de manera interdisciplinaria. [1] También conocida como acción artística , se ha ido desarrollando a través de los años como un género propio en el que se presenta el arte en vivo. Tuvo un papel importante y fundamental en el arte de vanguardia del siglo XX . [2] [3]
Involucra cinco elementos básicos: tiempo, espacio, cuerpo y presencia del artista, y la relación entre el creador y el público. Las acciones, generalmente desarrolladas en galerías de arte y museos, pueden desarrollarse en la calle, en cualquier tipo de escenario o espacio y en cualquier momento. [4] Su objetivo es generar una reacción, a veces con el apoyo de la improvisación y el sentido estético. Los temas comúnmente están vinculados a experiencias de vida del propio artista, a la necesidad de denuncia o crítica social y con espíritu de transformación. [5]
El término "arte de performance" y "rendimiento" se utilizó ampliamente en la década de 1970, a pesar de que la historia de la performance en las artes visuales se remonta a las producciones futuristas y los cabarets de la década de 1910. [6] [1] El crítico de arte y artista de performance John Perreault atribuye a Marjorie Strider la invención del término en 1969. [7] Los principales pioneros del arte de performance incluyen a Carolee Schneemann , [8] Marina Abramović , [9] Ana Mendieta , [10] Chris Burden , [11] Hermann Nitsch , Joseph Beuys , Nam June Paik , Tehching Hsieh , Yves Klein y Vito Acconci . [12] Algunos de los principales exponentes más recientes son Tania Bruguera , [13] Abel Azcona , [14] Regina José Galindo , [15] Marta Minujín , [16] Melati Suryodarmo y Petr Pavlensky . La disciplina está vinculada a los acontecimientos y "acontecimientos" del movimiento Fluxus , el accionismo vienés , el arte corporal y el arte conceptual . [17]
La definición y contextualización histórica y pedagógica del arte performance es controvertida. Uno de los handicaps proviene del propio término, que es polisémico, y uno de sus significados se relaciona con las artes escénicas. Este significado de performance en el contexto de las artes escénicas es opuesto al significado de performance art, ya que el arte performance surgió con una posición crítica y antagónica hacia las artes escénicas. Las artes escénicas sólo se unen a las artes escénicas en ciertos aspectos, como el público y el cuerpo presente, y todavía no todas las obras de arte escénico contienen estos elementos. [19]
El significado del término en sentido estricto está relacionado con las tradiciones posmodernistas de la cultura occidental. Aproximadamente desde mediados de la década de 1960 hasta la década de 1970, a menudo derivada de conceptos de arte visual, con respecto a Antonin Artaud , Dada , los situacionistas , Fluxus , el arte de instalación y el arte conceptual , el arte de performance tendió a definirse como una antítesis del teatro. desafiando las formas de arte y las normas culturales ortodoxas. Lo ideal había sido una experiencia efímera y auténtica para el intérprete y el público en un evento que no podía repetirse, capturarse ni comprarse. [20] La diferencia ampliamente discutida, cómo se utilizan los conceptos de artes visuales y conceptos de artes escénicas, puede determinar los significados de una presentación de artes escénicas. [19]
Arte de performance es un término generalmente reservado para referirse a un arte conceptual que transmite un significado basado en contenido en un sentido más relacionado con el drama, en lugar de ser una simple interpretación por sí misma con fines de entretenimiento. Se refiere en gran medida a una representación presentada a una audiencia, pero que no busca presentar una obra de teatro convencional o una narrativa lineal formal, o que, alternativamente, no busca representar un conjunto de personajes ficticios en interacciones formales escritas. Por lo tanto, puede incluir acción o palabra hablada como comunicación entre el artista y el público, o incluso ignorar las expectativas del público, en lugar de seguir un guión escrito de antemano.
Sin embargo, algunos tipos de artes escénicas pueden aproximarse a las artes escénicas. Dicha actuación puede utilizar un guión o crear un escenario dramático ficticio, pero aún así constituye arte escénico en el sentido de que no busca seguir la norma dramática habitual de crear un escenario ficticio con un guión lineal que sigue la dinámica convencional del mundo real; más bien, buscaría intencionalmente satirizar o trascender las dinámicas habituales del mundo real que se utilizan en las obras de teatro convencionales.
Los artistas de performance a menudo desafían al público a pensar de maneras nuevas y poco convencionales, romper las convenciones de las artes tradicionales y romper las ideas convencionales sobre "qué es el arte". Mientras el intérprete no se convierta en un actor que repite un papel, el arte escénico puede incluir elementos satíricos; utilizar robots y máquinas como intérpretes, como en piezas de los Survival Research Laboratories ; involucran elementos ritualizados (por ejemplo, Shaun Caton ); o tomar prestados elementos de cualquier arte escénico como danza, música y circo . También puede implicar una intersección con la arquitectura.
Algunos artistas, por ejemplo los accionista vieneses y los neodadaístas , prefieren utilizar los términos "arte vivo", "arte de acción", "acciones", "intervención" (ver intervención artística ) o "maniobra" para describir sus actividades escénicas. Como géneros del arte performativo aparecen el body art , el fluxus-performance, el sucediendo , la poesía de acción y la intermedia .
El arte performance es una forma de expresión que nació como una manifestación artística alternativa. La disciplina surgió en 1916 paralelamente al dadaísmo, bajo el paraguas del arte conceptual. El movimiento fue liderado por Tristan Tzara , uno de los pioneros del dadaísmo . Los teóricos de la cultura occidental han fijado los orígenes del arte escénico a principios del siglo XX, junto con el constructivismo , el futurismo y el dadaísmo. El dadaísmo fue una inspiración importante por sus acciones poéticas, que se alejaban de los convencionalismos, y los artistas futuristas, especialmente algunos miembros del futurismo ruso , también podrían identificarse como parte del proceso inicial del arte performance. [21] [22]
El Cabaret Voltaire fue fundado en Zürich , Suiza por la pareja Hugo Ball y Emmy Hennings con fines artísticos y políticos, y fue un lugar donde se exploraron nuevas tendencias. Ubicado en el piso superior de un teatro, de cuyas exhibiciones se burlaban en sus espectáculos, las obras interpretadas en el cabaret eran vanguardistas y experimentales. Se cree que el movimiento dadaísta se fundó en este local de diez metros cuadrados. [23] [24] Además, los surrealistas, cuyo movimiento descendía directamente del dadaísmo, solían reunirse en el Cabaret. En su breve existencia –apenas seis meses, cerrando el verano de 1916– se leyó el Manifiesto Dadaísta y se celebraron las primeras acciones, performances y presentaciones híbridas de poesía, plástica, música y acciones repetitivas. Fundadores como Richard Huelsenbeck , Marcel Janco , Tristan Tzara , Sophie Taeuber-Arp y Jean Arp participaron en acontecimientos provocadores y escandalosos que fueron fundamentales y la base de la fundación del movimiento anarquista llamado Dada. [25]
El dadaísmo nació con la intención de destruir cualquier sistema o norma establecida en el mundo del arte. [27] Se trata de un movimiento antiarte, antiliterario y antipoesía, que cuestionaba la existencia del arte, la literatura y la poesía misma. No sólo era una forma de crear, sino de vivir; creó una ideología completamente nueva. [28] Estaba contra la belleza eterna, la eternidad de los principios, las leyes de la lógica, la inmovilidad del pensamiento y claramente contra cualquier cosa universal. Promovió el cambio, la espontaneidad, la inmediatez, la contradicción, la aleatoriedad y la defensa del caos frente al orden y de la imperfección frente a la perfección, ideas similares a las del arte performance. Representaron la provocación, la protesta contra el arte y el escándalo, a través de formas de expresión muchas veces satíricas e irónicas. El absurdo o falta de valor y el caos protagonizaron sus acciones de ruptura con la forma artística tradicional. [27] [28] [29] [30]
Cabaret Voltaire cerró en 1916, pero revivió en el siglo XXI.
El futurismo fue un movimiento artístico de vanguardia que apareció en 1909. Inicialmente fue un movimiento literario, aunque la mayoría de sus participantes eran pintores. En sus inicios también incluía escultura, fotografía, música y cine. La Primera Guerra Mundial puso fin al movimiento, aunque en Italia se prolongó hasta los años 1930. Uno de los países donde tuvo mayor impacto fue Rusia. [31] En 1912 surgieron manifiestos como el Manifiesto de la Escultura Futurista y el de la Arquitectura Futurista , y en 1913 el Manifiesto de la Lujuria Futurista de Valentine de Saint-Point , bailarina, escritora y artista francesa. Los futuristas difundieron sus teorías a través de encuentros, encuentros y conferencias en espacios públicos, que se acercaron a la idea de una concentración política, con poesía y music-halls, que anticiparon el arte escénico. [31] [32] [33]
La Bauhaus , escuela de arte fundada en Weimar en 1919, incluía talleres experimentales de artes escénicas con el objetivo de explorar la relación entre el cuerpo, el espacio, el sonido y la luz. El Black Mountain College , fundado en Estados Unidos por instructores de la Bauhaus original exiliados por el Partido Nazi, continuó incorporando las artes escénicas experimentales en la formación de las artes escénicas veinte años antes de los acontecimientos relacionados con la historia de la performance en los años 1960. [34] El nombre Bauhaus deriva de las palabras alemanas Bau, construcción y Haus, casa ; Irónicamente, a pesar de su nombre y de que su fundador era arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura durante los primeros años de su existencia. [35] [36]
En las décadas de 1940 y 1950, la técnica o movimiento de pintura de acción dio a los artistas la posibilidad de interpretar el lienzo como un área para actuar, presentando las pinturas como huellas de la actuación del artista en el estudio [37] . Según el crítico de arte Harold Rosenberg , Fue uno de los procesos iniciadores de la performance, junto con el expresionismo abstracto. Jackson Pollock es el pintor de acción por excelencia, que realizó muchas de sus acciones en directo. [38] En Europa , Yves Klein realizó sus Antropometrías utilizando cuerpos (femeninos) para pintar lienzos como acción pública. Los nombres a destacar son Willem de Kooning y Franz Kline , cuyas obras incluyen pintura abstracta y de acción. [37] [39] [40]
El nouveau réalisme es otro de los movimientos artísticos citados en los inicios del arte performance. Fue un movimiento pictórico fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany y el pintor Yves Klein , durante la primera exposición colectiva en la Galería Apollinaire de Milán. El nouveau réalisme fue, junto con Fluxus y otros grupos, una de las muchas tendencias de vanguardia de los años sesenta. Pierre Restany creó varios montajes de performance en la Tate Modern , entre otros espacios. [41] Yves Klein es uno de los principales exponentes del movimiento. Fue un claro pionero del arte del performance, con sus piezas conceptuales como Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle (1959–62), Anthropométries (1960) y el fotomontaje Saut dans le vide . [42] [43] Todas sus obras tienen una conexión con el arte de performance, ya que se crean como una acción en vivo, al igual que sus obras de arte más conocidas de pinturas creadas con cuerpos de mujeres. Los integrantes del grupo veían el mundo como una imagen, de la cual tomaban parte y la incorporaban a su trabajo; buscaban acercar la vida y el arte. [44] [45] [46]
Uno de los otros movimientos que anticipó el arte del performance fue el movimiento japonés Gutai , que hizo arte de acción o acontecimiento . Surgió en 1955 en la región de Kansai ( Kyōto , Ōsaka , Kōbe ). Los principales participantes fueron Jirō Yoshihara , Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama y Atsuko Tanaka. [47] El grupo Gutai surgió después de la Segunda Guerra Mundial. Rechazaron el consumismo capitalista, realizando acciones irónicas con agresividad latente (rotura de objetos, acciones con humo). Influyeron en grupos como Fluxus y artistas como Joseph Beuys y Wolf Vostell . [47] [48] [49]
A finales de los años 1960, diversos artistas del land art como Robert Smithson o Dennis Oppenheim crearon piezas medioambientales que precedieron al arte escénico de los años 1970. Las obras de artistas conceptuales de principios de la década de 1980, como Sol LeWitt , que convirtió el dibujo mural en un acto de performance, fueron influenciadas por Yves Klein y otros artistas del land art. [50] [51] [52] El land art es un movimiento de arte contemporáneo en el que el paisaje y la obra de arte están profundamente ligados. Utiliza la naturaleza como material (madera, suelo, rocas, arena, viento, fuego, agua, etc.) para intervenir sobre sí mismo. La obra de arte se genera teniendo el propio lugar como punto de partida. El resultado es a veces un cruce entre escultura y arquitectura, y a veces un cruce entre escultura y paisajismo que está adquiriendo cada vez un papel más determinante en los espacios públicos contemporáneos. Al incorporar el cuerpo del artista en el proceso creativo, adquiere similitudes con los inicios del arte performance.
En la década de 1960, con el propósito de evolucionar la idea generalizada de arte y con principios similares a los originarios del Cabaret Voltaire o del Futurismo , una variedad de nuevas obras, conceptos y un número creciente de artistas condujeron a nuevas formas de performance. Movimientos claramente diferenciados del Accionismo vienés , el arte performance de vanguardia en la ciudad de Nueva York, el arte procesual , la evolución del The Living Theatre o el sucediendo , pero sobre todo la consolidación de los pioneros del arte performance. [53]
El término accionismo vienés ( Wiener Aktionismus ) comprende un breve y controvertido movimiento artístico del siglo XX, que es recordado por la violencia, lo grotesco y lo visual de sus obras de arte. [54] Se ubica en la vanguardia austriaca de los años 1960, y tenía como objetivo acercar el arte al terreno del performance, y está vinculado a Fluxus y Body Art. Entre sus principales exponentes se encuentran Günter Brus , Otto Muehl y Hermann Nitsch , quienes desarrollaron la mayor parte de su actividad accionista entre 1960 y 1971. Hermann, pionero del arte del performance, presentó en 1962 su Teatro de Orgías y Misterios (Teatro Orgien und Mysterien). [55] [56] [57] Marina Abramović participó como intérprete en una de sus actuaciones en 1975.
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A principios de la década de 1960, la ciudad de Nueva York albergaba muchos movimientos, eventos e intereses relacionados con el arte escénico. Entre otros, Andy Warhol comenzó a crear películas y vídeos, [58] y a mediados de la década patrocinó The Velvet Underground y organizó eventos y acciones performativas en Nueva York, como Exploding Plastic Inevitable (1966), que incluía música rock en vivo, luces explosivas y películas. [59] [60] [61] [62]
Indirectamente influyentes para la actuación en el mundo del arte, particularmente en los Estados Unidos, fueron las nuevas formas de teatro, encarnadas por el San Francisco Mime Troupe y el Living Theatre y exhibidas en los teatros Off-Off Broadway en SoHO y en La MaMa en la ciudad de Nueva York. The Living Theatre es una compañía de teatro creada en 1947 en Nueva York. Es el teatro experimental más antiguo de Estados Unidos. [63] A lo largo de su historia ha estado liderada por sus fundadores: la actriz Judith Malina , que había estudiado teatro con Erwin Piscator , con quien estudió la teoría de Bertolt Brecht y Meyerhold ; y el pintor y poeta Julian Beck . Tras la muerte de Beck en 1985, Hanon Reznikov, miembro de la empresa, se convirtió en codirector junto con Malina. Debido a que es uno de los grupos de teatro aleatorio o de teatro en vivo más antiguos de la actualidad, el resto lo mira. [ se necesita aclaración ] Entendían el teatro como una forma de vida, y los actores vivían en una comunidad bajo principios libertarios [ se necesita aclaración ] . Fue una campaña teatral dedicada a la transformación de la organización del poder de una sociedad autoritaria y de estructura jerárquica. The Living Theatre realizó giras principalmente por Europa entre 1963 y 1968, y por Estados Unidos en 1968. Una obra de este período, Paradise Now , fue conocida por la participación del público y una escena en la que los actores recitaban una lista de tabúes sociales que incluían la desnudez, mientras se desnuda. [64]
Fluxus , palabra latina que significa fluir , es un movimiento de artes visuales relacionado con la música, la literatura y la danza. Su momento de mayor actividad fue en las décadas de 1960 y 1970. Se proclamaron contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se declararon un movimiento artístico sociológico. Fluxus fue organizado informalmente en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento tuvo representación en Europa, Estados Unidos y Japón. [65] El movimiento Fluxus, desarrollado mayoritariamente en América del Norte y Europa bajo el estímulo de John Cage , no vio la vanguardia como una renovación lingüística, sino que buscó hacer un uso diferente de los principales canales del arte que los separan de lenguaje específico; Intenta ser interdisciplinario y adoptar medios y materiales de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una renovación del arte, visto como un arte global. [66] Al igual que Dada , Fluxus escapó a cualquier intento de definición o categorización. Como afirmó uno de los fundadores del movimiento, Dick Higgins :
Fluxus comenzó con el trabajo y luego se unió, aplicando el nombre Fluxus a un trabajo que ya existía. Fue como si todo hubiera comenzado en medio de la situación, en lugar de al principio. [67] [68]
Robert Filliou sitúa a Fluxus frente al arte conceptual por su referencia directa, inmediata y urgente a la vida cotidiana, y da vuelta la propuesta de Duchamp, quien a partir del Ready-made introdujo lo cotidiano en el arte, mientras que Fluxus disolvía el arte en lo cotidiano, muchas veces con pequeñas acciones o actuaciones. [69]
John Cage fue un compositor, teórico musical , artista y filósofo estadounidense. Pionero de la indeterminación en la música , la música electroacústica y el uso no estándar de instrumentos musicales , Cage fue una de las principales figuras de la vanguardia de la posguerra . La crítica lo ha elogiado como uno de los compositores más influyentes del siglo XX. [70] [71] [72] [73] También jugó un papel decisivo en el desarrollo de la danza moderna , principalmente a través de su asociación con la coreógrafa Merce Cunningham , quien también fue la pareja romántica de Cage durante la mayor parte de sus vidas. [74] [75]
La amiga de Cage, Sari Dienes, puede considerarse un vínculo importante entre los expresionistas abstractos , los artistas neodadá como Robert Rauschenberg y Ray Johnson , y Fluxus. Dienes inspiró a todos estos artistas a desdibujar las líneas entre la vida, el zen, las técnicas de creación de arte performativo y los "eventos", de manera tanto premeditada como espontánea. [76]
El arte procesual es un movimiento artístico donde el producto final del arte y la artesanía , el objet d'art ( obra de arte / objeto encontrado ), no es el foco principal; el proceso de su elaboración es uno de los aspectos más relevantes, si no el más importante: la recopilación, clasificación, cotejo, asociación, modelado y, además, el inicio de acciones y procedimientos. Los artistas del proceso vieron el arte como pura expresión humana. El arte procesual defiende la idea de que el proceso de creación de la obra de arte puede ser una obra de arte en sí misma. El artista Robert Morris predijo la "antiforma", el proceso y el tiempo sobre un producto objetual terminado. [77] [78] [79]
Wardrip-Fruin y Montfort en The New Media Reader , "El término 'Happening' se ha utilizado para describir muchas representaciones y eventos organizados por Allan Kaprow y otros durante las décadas de 1950 y 1960, incluidas varias producciones teatrales que tradicionalmente tenían guiones y sólo invitó a una interacción limitada de la audiencia". [80] Un acontecimiento permite al artista experimentar con el movimiento del cuerpo, sonidos grabados, textos escritos y hablados e incluso olores. Una de las primeras obras de Kaprow fue Happenings in the New York Scene , escrita en 1961. [81] Los Happenings de Allan Kaprow convirtieron al público en intérpretes. Muchas veces los espectadores se convertían en parte activa del acto sin darse cuenta. Otros actores que crearon events fueron Jim Dine , Al Hansen , Claes Oldenburg , Robert Whitman y Wolf Vostell : El teatro está en la calle (París, 1958). [82] [83]
Las obras de los artistas de performance posteriores a 1968 mostraron en muchas ocasiones influencias de la situación política y cultural de ese año. Barbara T. Smith con Ritual Meal (1969) estuvo a la vanguardia del arte feminista corporal y escénico de los años setenta, del que formaban parte, entre otras, Carolee Schneemann y Joan Jonas . Estos, junto con Yoko Ono , Joseph Beuys , Nam June Paik , Wolf Vostell , Allan Kaprow , Vito Acconci , Chris Burden y Dennis Oppenheim fueron pioneros en la relación entre el arte corporal y el arte performance, así como el colectivo Zaj en España con Esther. Ferrer y Juan Hidalgo .
Barbara Smith es una artista y activista estadounidense. Es una de las principales exponentes afroamericanas del feminismo y el activismo LGBT en Estados Unidos. A principios de los años 1970 trabajó como docente, escritora y defensora de la corriente del feminismo negro. [84] Ha enseñado en numerosos colegios y universidades en los últimos cinco años. Los ensayos, reseñas, artículos, cuentos y críticas literarias de Smith han aparecido en una variedad de publicaciones, incluidas The New York Times , The Guardian , The Village Voice y The Nation . [85] [86] [87]
Carolee Schneemann [88] fue una artista visual experimental estadounidense , conocida por sus trabajos multimedia sobre el cuerpo, la narrativa, la sexualidad y el género . [89] Creó piezas como Meat Joy (1964) e Interior Scroll (1975). [90] Schneemann consideraba su cuerpo como una superficie de trabajo. [91] Se describió a sí misma como una "pintora que ha abandonado el lienzo para activar el espacio real y el tiempo vivido". [92] [ verificación fallida ]
Joan Jonas (nacida el 13 de julio de 1936) es una artista visual estadounidense y pionera del vídeo y las artes escénicas, una de las artistas femeninas más importantes que surgieron a finales de los años sesenta y principios de los setenta. [93] Los proyectos y experimentos de Jonas proporcionaron la base sobre la que se basaría gran parte del video performance. Sus influencias también se extendieron al arte conceptual , el teatro, el arte escénico y otros medios visuales. Vive y trabaja en Nueva York y Nueva Escocia, Canadá. [94] [95] Inmerso en la escena artística del centro de Nueva York de la década de 1960, Jonas estudió con la coreógrafa Trisha Brown durante dos años. [96] Jonas también trabajó con los coreógrafos Yvonne Rainer y Steve Paxton. [97]
Yoko Ono formó parte del movimiento de vanguardia de los años 60. Formó parte del movimiento Fluxus. [98] Es conocida por sus piezas de arte performance de finales de la década de 1960, obras como Cut Piece , donde los visitantes podían intervenir en su cuerpo hasta dejarla desnuda. [99] Una de sus piezas más conocidas es Pieza de pared para orquesta (1962). [100] [101]
Joseph Beuys fue un Fluxus alemán, artista de performance , pintor, escultor, medallista y artista de instalaciones . En 1962 inició sus acciones junto al movimiento neodadaísta Fluxus, grupo del que acabó convirtiéndose en el miembro más importante. Su logro más relevante fue la socialización del arte, haciéndolo más accesible a todo tipo de público. [102] En Cómo explicar cuadros a una liebre muerta (1965) se cubrió la cara con miel y pan de oro y explicó su trabajo a una liebre muerta que yacía en sus brazos. En esta obra vinculó factores espaciales y escultóricos, lingüísticos y sonoros a la figura del artista, a su gesto corporal, a la conciencia de un comunicador cuyo receptor es un animal. [103] Beuys actuó como un chamán con poderes curativos y salvadores hacia la sociedad que consideraba muerta. [104] En 1974 realizó la performance I Like America and America Likes Me donde Beuys, un coyote y materiales como papel, fieltro y paja constituyeron el vehículo para su creación. Vivió con el coyote durante tres días. Apiló periódicos estadounidenses, símbolo del capitalismo. [105] Con el tiempo, la tolerancia entre Beuys y el coyote creció y terminó abrazando al animal. Beuys repite muchos elementos utilizados en otras obras. [106] Objetos que se diferencian de los ready-mades de Duchamp, no por su pobre [ aclaración ] y efímero, sino porque son parte de la propia vida de Beuys, quien los colocó después de convivir con ellos y dejar su huella en ellos. Muchas tienen un significado autobiográfico, como la miel o la grasa que usaron los tártaros que salvaron [ es necesario aclarar ] en la Segunda Guerra Mundial. En 1970 realizó su Traje de Fieltro . También en 1970, Beuys enseñó escultura en la Kunstakademie Düsseldorf. [107] En 1979, el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York exhibió una retrospectiva de su trabajo desde la década de 1940 hasta 1970. [108] [109] [110]
Nam June Paik fue un artista de performance, compositor y videoartista de Corea del Sur de la segunda mitad del siglo XX. Estudió música e historia del arte en la Universidad de Tokio. Posteriormente, en 1956, viajó a Alemania, donde estudió Teoría de la Música en Munich, continuando luego en Colonia en el conservatorio de Friburgo. Mientras estudiaba en Alemania, Paik conoció a los compositores Karlheinz Stockhausen y John Cage y a los artistas conceptuales Sharon Grace , así como a George Maciunas , Joseph Beuys y Wolf Vostell y, desde 1962, fue miembro del movimiento artístico experimental Fluxus . [111] [112] Nam June Paik luego comenzó a participar en el movimiento artístico Neo-Dada , conocido como Fluxus , que se inspiró en el compositor John Cage y su uso de sonidos y ruidos cotidianos en su música. [113] Era compañero de Yoko Ono como miembro de Fluxus . [114]
Wolf Vostell fue un artista alemán, uno de los más representativos de la segunda mitad del siglo XX, que trabajó con diversos medios y técnicas como pintura, escultura, instalación , escote , videoarte , sucediendo y fluxus . [115]
Vito Acconci [116] [117] fue un influyente artista estadounidense de performance, video e instalaciones , cuya práctica diversa eventualmente incluyó escultura, diseño arquitectónico y diseño de paisajes. Su performance y videoarte fundacionales [118] se caracterizaron por "inquietud existencial", exhibicionismo, incomodidad, transgresión y provocación, así como ingenio y audacia, [117] y a menudo implicaron cruzar fronteras como lo público-privado, lo consensual-no consensual, y el mundo real: el mundo del arte. [119] [120] Se considera que su trabajo influyó en artistas como Laurie Anderson , Karen Finley , Bruce Nauman y Tracey Emin , entre otros. [119] Acconci inicialmente estaba interesado en la poesía radical, pero a finales de la década de 1960, comenzó a crear actuaciones de influencia situacionista en la calle o para audiencias pequeñas que exploraban el cuerpo y el espacio público. Dos de sus piezas más famosas fueron Siguiendo pieza (1969), en la que seleccionó a transeúntes al azar en las calles de la ciudad de Nueva York y los siguió todo el tiempo que pudo, y Seedbed (1972), en la que afirmó que se masturbaba mientras estaba bajo un piso temporal en la Galería Sonnabend , mientras los visitantes caminaban hacia arriba y lo escuchaban hablar. [121]
Chris Burden fue un artista estadounidense que trabajó en performance , escultura e instalación . Burden se hizo conocido en la década de 1970 por sus obras de arte escénico, incluida Shoot (1971), en la que consiguió que un amigo le disparara en el brazo con un rifle de pequeño calibre. Burden, un artista prolífico, creó muchas instalaciones, obras de arte públicas y esculturas conocidas antes de su muerte en 2015. [122] [123] [124] Burden comenzó a trabajar en artes escénicas a principios de la década de 1970. Realizó una serie de performances controvertidas en las que la idea del peligro personal como expresión artística era central. Su primera obra escénica significativa, Five Day Locker Piece (1971), fue creada para su tesis de maestría en la Universidad de California, Irvine, [122] e implicó que lo encerraran en un casillero durante cinco días. [125]
Dennis Oppenheim fue un artista conceptual , artista de performance, artista de la tierra , escultor y fotógrafo estadounidense. La práctica artística temprana de Dennis Oppenheim es un cuestionamiento epistemológico sobre la naturaleza del arte, la creación del arte y la definición del arte: un metaarte que surgió cuando las estrategias de los minimalistas se ampliaron para centrarse en el sitio y el contexto. Además de una agenda estética, el trabajo avanzó desde las percepciones de las propiedades físicas de la galería hasta el contexto social y político, tomando en gran medida la forma de escultura pública permanente en las últimas dos décadas de una carrera altamente prolífica, cuya diversidad podría exasperar su críticos. [126]
Yayoi Kusama es una artista japonesa que, a lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios que incluyen: escultura, instalación, pintura, performance, cine, moda, poesía, ficción y otras artes; la mayoría de ellos exhibieron su interés por la psicodelia, la repetición y los patrones. Kusama es una pionera de los movimientos artísticos pop, minimalista y feminista e influyó en sus coetáneos, Andy Warhol y Claes Oldenburg . [127] Ha sido reconocida como una de las artistas vivas más importantes de Japón y una voz muy relevante en el arte de vanguardia. [128] [129]
En la década de 1970, artistas que habían derivado en trabajos relacionados con el performance evolucionaron y se consolidaron como artistas con el performance como disciplina principal, derivando en instalaciones creadas a través de performance, video performance o acciones colectivas, o en el contexto de una sociedad. contexto histórico y político.
A principios de los años 1970 se consolidó el uso del formato vídeo por parte de los artistas del performance. Algunas exposiciones de Joan Jonas y Vito Acconci se realizaron íntegramente en vídeo, activado por procesos performativos previos. En esta década se publicaron diversos libros que hablaban del uso de los medios de comunicación, el vídeo y el cine por parte de artistas del performance, como Expanded Cinema , de Gene Youngblood. Uno de los principales artistas que utilizó el vídeo y la performance, con notorias instalaciones audiovisuales, es el artista surcoreano Nam June Paik , quien a principios de los años 1960 ya había estado en el movimiento Fluxus hasta convertirse en media artista y evolucionar hacia las instalaciones audiovisuales que es. conocido por.
También debe tenerse en cuenta el trabajo de Carolee Schneemann y Robert Whitman en los años 60 en relación con sus video-representaciones. Ambos fueron pioneros del arte del performance, convirtiéndolo en una forma de arte independiente a principios de los años setenta. [130]
Joan Jonas comenzó a incluir vídeo en sus actuaciones experimentales en 1972, mientras Bruce Nauman escenificaba [ se necesita aclaración ] sus actos para ser grabados directamente en vídeo. [131] Nauman es un artista multimedia estadounidense, cuyas esculturas, vídeos, obras gráficas y actuaciones han ayudado a diversificar y desarrollar la cultura desde la década de 1960 en adelante. Sus inquietantes obras de arte enfatizaron la naturaleza conceptual del arte y el proceso de creación. [132] Su prioridad es la idea y el proceso creativo sobre el resultado. Su arte utiliza una increíble variedad de materiales y especialmente su propio cuerpo. [133] [134]
Gilbert y George son el artista italiano Gilbert Proesch y el artista inglés George Passmore, quienes han desarrollado su trabajo dentro del arte conceptual, la performance y el body art. Eran mejor conocidos por sus actos de esculturas en vivo. [135] [136] Una de sus primeras creaciones fue The Singing Sculpture , donde los artistas cantaron y bailaron "Underneath the Arches", una canción de la década de 1930. Desde entonces se han forjado una sólida reputación como esculturas vivas, convirtiéndose en obras de arte, expuestas ante los espectadores en diversos intervalos de tiempo. Suelen aparecer vestidos de traje y corbata, adoptando diversas posturas que mantienen sin moverse, aunque en ocasiones también se mueven y leen un texto, y en ocasiones aparecen en montajes o instalaciones artísticas. [137] Además de sus esculturas, Gilbert y George también han realizado obras pictóricas, collages y fotomontajes, donde se retrataban junto a diversos objetos de su entorno más inmediato, con referencias a la cultura urbana y un fuerte contenido; abordaron temas como el sexo, la raza, la muerte y el VIH, la religión o la política, [138] criticando muchas veces al gobierno británico y al poder establecido. El trabajo más prolífico y ambicioso del grupo fue Jack Freak Pictures , donde tenían una presencia constante de los colores rojo, blanco y azul en la Union Jack. Gilbert y George han expuesto su obra en museos y galerías de todo el mundo, como el Stedelijk van Abbemuseum de Eindhoven (1980), la Hayward Gallery de Londres (1987) y la Tate Modern (2007). Han participado en la Bienal de Venecia. En 1986 ganaron el Premio Turner. [139]
El arte del performance de resistencia profundiza los temas del trance, el dolor, la soledad, la privación de libertad, el aislamiento o el agotamiento. [140] Algunas de las obras, basadas en el paso de largos períodos de tiempo, también se conocen como performances de larga duración. [141] Uno de los artistas pioneros fue Chris Burden en California desde la década de 1970. [142] En una de sus obras más conocidas, Cinco días en un casillero (1971) permaneció cinco días dentro de un casillero escolar, en Disparar (1971) le dispararon con un arma de fuego, y habitó durante veintidós días una cama dentro. una galería de arte en Bed Piece (1972). [143] Otro ejemplo de artista de resistencia es Tehching Hsieh. Durante una performance creada en 1980-1981 ( Time Clock Piece ), donde permaneció un año entero repitiendo la misma acción alrededor de un reloj metafórico. Hsieh también es conocido por sus actuaciones sobre la privación de libertad; pasó un año entero confinado. [144] En La casa con vista al mar (2003), Marina Abramović vivió en silencio durante doce días sin comer. [145] Los Nueve Encierros o La Privación de la Libertad es una obra de aguante conceptual de contenido crítico realizada en los años 2013 y 2016. Todas ellas tienen en común la privación ilegítima de la libertad.
A mediados de la década de 1970, detrás del Telón de Acero, en las principales ciudades de Europa del Este como Budapest , Cracovia , Belgrado, Zagreb , Novi Sad y otras, florecieron las artes escénicas de contenido más experimental. Contra el control político y social surgieron distintos artistas que realizaban performances de contenido político. Serie de actuaciones de Orshi Drozdik , titulada Individual Mythology 1975–77 y NudeModel 1976–77. Todas sus acciones fueron críticas con el discurso patriarcal en el arte y el programa de emancipación forzoso y construido por el Estado igualmente patriarcal. [146] Drozdik mostró un punto de vista pionero y feminista en ambos, convirtiéndose en uno de los precursores de este tipo de arte crítico en Europa del Este. [147] En la década de 1970, el arte performance, debido a su fugacidad, [ es necesario aclarar ] tuvo una sólida presencia en las vanguardias de Europa del Este, especialmente en Polonia y Yugoslavia, donde surgieron decenas de artistas que exploraron el cuerpo conceptual y críticamente.
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A mediados de la década de 1976, Ulay y Marina Abramović fundaron el colectivo The Other en la ciudad de Ámsterdam . Cuando Abramović y Ulay [148] comenzaron su colaboración. Los principales conceptos que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. [149] Ambos artistas estaban interesados en la tradición de su herencia cultural y el deseo del individuo por los rituales. [150] En consecuencia, [ es necesario aclarar ] formaron un colectivo denominado El Otro . Se vistieron y se comportaron como uno solo, y crearon una relación de absoluta confianza. Crearon una serie de obras en las que sus cuerpos crearon espacios adicionales para la interacción del público. En Relation in Space corrían por la habitación, dos cuerpos como dos planetas, entrelazando energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "ese yo". [151] Relación en movimiento (1976) hizo que la pareja condujera su automóvil dentro del museo, haciendo 365 giros. Un líquido negro goteaba del coche formando una escultura, y cada ronda representaba un año. [152] Después de esto, crearon Breathing In/Breathing Out , donde ambos unieron sus labios e inspiraron el aire exhalado por el otro hasta agotar todo el oxígeno. Exactamente 17 minutos después del inicio de la actuación, ambos cayeron inconscientes debido a que sus pulmones se llenaron de dióxido de carbono. Esta pieza exploraba la idea de la capacidad de una persona de absorber la vida de otra, cambiándola y destruyéndola. En 1988, tras algunos años de tensa relación, Abramović y Ulay decidieron realizar un viaje espiritual que pondría fin al colectivo. Caminaron a lo largo de la Gran Muralla China, comenzando en extremos opuestos y encontrándose a mitad de camino. Abramović concibió este paseo sobre un sueño y le dio lo que ella vio como un final apropiado y romántico para la relación, lleno de misticismo, energía y atracción. [153] Ulay partió del desierto de Gobi y Abramovic del mar Amarillo. Cada uno caminó 2500 kilómetros, se encontraron en el medio y se despidieron.
En 1973, Laurie Anderson interpretó Duets on Ice en las calles de Nueva York. Marina Abramović , en la performance Rhythm 10 , incluyó conceptualmente la violación de un cuerpo. [154] Treinta años después, el tema de la violación, la vergüenza y la explotación sexual se reinventaría en las obras de artistas contemporáneos como Clifford Owens , [155] Gillian Walsh , Pat Oleszko y Rebecca Patek, entre otros. [156] Nuevos artistas con actos radicales se consolidaron como los principales precursores del performance, como Chris Burden , con la obra Shoot de 1971 , donde un asistente le disparó en el brazo desde una distancia de cinco metros, y Vito Acconci el mismo año con Seedbed. . La obra Eye Body (1963) de Carolee Schneemann en 1963, ya había sido considerada un prototipo de arte performance. En 1975, Schneemann recurrió a actos solistas innovadores como Interior Scroll , que mostraba el cuerpo femenino como medio artístico.
Una de las principales artistas fue Gina Pane , [157] artista francesa de origen italiano. Estudió en la École nationale supérieure des Beaux-Arts de París desde 1960 hasta 1965 [158] y fue miembro del movimiento de artes escénicas de la década de 1970 en Francia, llamado "Art Corporel". [159] Paralelamente a su arte, Pane enseñó en la Escuela de Bellas Artes de Mans de 1975 a 1990 y dirigió un taller dedicado al arte del performance en el Centro Pompidou de 1978 a 1979. [159] Una de sus obras más conocidas es The Conditioning (1973), en la que la acostaban sobre un somier de metal sobre un área de velas encendidas. The Conditioning fue creado como un homenaje a Marina Abramović , parte de sus Siete piezas fáciles (2005) en el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York en 2005. Gran parte de sus obras están protagonizadas por el dolor autoinfligido, que la separa de la mayoría de otras mujeres artistas en la década de 1970. A través de la violencia de cortarse la piel con navajas o apagar incendios con las manos y los pies desnudos, Pane tiene la intención de suscitar una experiencia real en el visitante, quien se sentiría conmovido por su malestar. [157] La naturaleza impactante de estas primeras piezas o acciones de arte performance, como ella prefería llamarlas, muchas veces eclipsó su prolífico trabajo fotográfico y escultórico. Sin embargo, el cuerpo fue la preocupación principal en la obra de Panes, ya sea literal o conceptualmente.
Hasta la década de 1980, el arte del performance ha desmitificado el virtuosismo, siendo [ es necesario aclarar ] esta una de sus características clave. Sin embargo, a partir de la década de 1980 comenzó a adoptar cierta brillantez técnica. [160] En referencia a la obra Presence and Resistance [161] de Philip Auslander, la crítica de danza Sally Banes escribe: "... a finales de la década de 1980, el arte del performance se había vuelto tan ampliamente conocido que ya no necesitaba ser definida; la cultura de masas, especialmente la televisión, había llegado a proporcionar tanto estructura como tema para gran parte del arte de performance; y varios artistas de performance, entre ellos Laurie Anderson, Spalding Gray, Eric Bogosian, Willem Dafoe y Ann Magnuson, de hecho se habían convertido en artistas cruzados en entretenimiento convencional." [162] En esta década se definieron los parámetros y tecnicismos construidos para purificar y perfeccionar el arte escénico.
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A pesar de que muchas actuaciones se llevan a cabo dentro del círculo de un pequeño grupo del mundo del arte, Roselee Goldberg señala en Performance Art: From Futurism to the Present que "la performance ha sido una manera de atraer directamente a un gran público, así como de impactar Por el contrario, el interés del público por el medio, especialmente en los años 1980, surge de un aparente deseo de ese público de obtener acceso al mundo del arte, de ser espectador de su ritual. y su comunidad distintiva, y sorprenderse con las presentaciones inesperadas, siempre poco ortodoxas, que idean los artistas". En esta década surgieron publicaciones y recopilaciones sobre el arte performance y sus artistas más conocidos.
En la década de 1980, el contexto político jugó un papel importante en el desarrollo artístico y especialmente en la performance, pues casi todas las obras creadas con un discurso crítico y político fueron en esta disciplina. Hasta el declive del bloque europeo del Este a finales de la década de 1980, la mayoría de los gobiernos comunistas habían rechazado activamente las artes escénicas. Con la excepción de Polonia y Yugoslavia, las artes escénicas estaban más o menos prohibidas en países donde se temía cualquier evento público independiente. En la RDA, Checoslovaquia, Hungría y Letonia ocurrió en apartamentos, en reuniones aparentemente espontáneas en estudios de artistas, en entornos controlados por la iglesia, o fue cubierto como una actividad más, como una sesión de fotos. Aislado del contexto conceptual occidental, en diferentes escenarios podría ser como una protesta lúdica o un comentario amargo, utilizando metáforas subversivas para expresar desacuerdo con la situación política. [163] Entre las obras de performance de contenido político más notables de esta época se encuentran las de Tehching Hsieh entre julio de 1983 y julio de 1984, Art/Life: One Year Performance (Rope Piece). [164]
En 1982, los términos "poesía" y "actuación" se utilizaron juntos por primera vez. La poesía escénica parecía distinguir las interpretaciones vocales basadas en texto del arte escénico, especialmente el trabajo de artistas escénicos [ se necesita aclaración ] y musicales, como Laurie Anderson, que trabajaba con música en ese momento. Los poetas de performance se basaron más en la expresión retórica y filosófica en su poética que los artistas de performance, que surgieron de los géneros de artes visuales de la pintura y la escultura. Muchos artistas desde John Cage fusionan la performance con una base poética.
Desde 1973 el Estudio Taller Feminista en el Edificio de la Mujer de Los Ángeles tuvo impacto en la ola de actos feministas, pero hasta 1980 no se fusionaron por completo. La conjunción entre feminismo y performance avanzó a lo largo de la última década. En las dos primeras décadas de desarrollo del arte performance, las obras que no habían sido concebidas como feministas ahora se ven como tales. [ se necesita aclaración ]
Aun así, no fue hasta 1980 que las artistas se autodefinieron como feministas. Grupos de artistas en los que destacaron mujeres influenciadas por el movimiento estudiantil de 1968 así como por el movimiento feminista. [165] Esta conexión ha sido tratada en la investigación de la historia del arte contemporáneo. Algunas de las mujeres cuyo aporte innovador en representaciones y espectáculos fue más relevante fueron Pina Bausch y las Guerrilla Girls que surgieron en 1985 en la ciudad de Nueva York, [166] colectivo anónimo de arte feminista y antirracista. [167] [168] [169] [170] Eligieron ese nombre porque utilizaron tácticas de guerrilla en su activismo [167] para denunciar la discriminación contra las mujeres en el arte a través del arte político y del performance. [171] [172] [173] [174] Su primera actuación fue colocar carteles y hacer apariciones públicas en museos y galerías de Nueva York, para criticar el hecho de que algunos grupos de personas eran discriminados por su género o raza. [175] Todo esto se hizo de forma anónima; en todas estas apariciones se cubrieron la cara con máscaras de gorila (esto se debió a la pronunciación similar de las palabras "gorila" y "guerrilla"). Usaron como apodos los nombres de artistas femeninas que habían fallecido. [176] Desde los años 1970 hasta los años 1980, entre las obras que desafiaron el sistema y sus estrategias habituales de representación, las principales presentan cuerpos de mujeres, como las obras de Ana Mendieta en la ciudad de Nueva York donde su cuerpo es ultrajado y abusado, o las representaciones artísticas de Louise Bourgeois con un discurso más bien minimalista que surgen a finales de los setenta y ochenta. Mención especial a las obras creadas con corporeidad femenina y feminista [ es necesario aclarar ] como Lynda Benglis y sus acciones performativas fálicas, quienes reconstruyeron la imagen femenina para convertirla en algo más que un fetiche. A través del performance feminista, el cuerpo se convierte en un espacio para desarrollar estos nuevos discursos y significados. La artista Eleanor Antin , creadora en los años 1970 y 1980, trabajó sobre los temas de género, raza y clase. Cindy Sherman , en sus primeros trabajos en los años setenta y ya en su madurez artística en los ochenta, continúa su línea crítica de derribar el yo impuesto, a través de su uso del cuerpo como objeto de privilegio.
Cindy Sherman es una fotógrafa y artista estadounidense. Es una de las artistas más representativas de la posguerra y expuso más de tres décadas de su trabajo en el MoMA . Aunque aparece en la mayoría de sus fotografías performativas, no las considera autorretratos. Sherman se utiliza a sí misma como vehículo para representar una gran variedad de temas del mundo contemporáneo, como el papel que desempeñan las mujeres en nuestra sociedad y la forma en que están representadas en los medios, así como la naturaleza de la creación artística. En 2020 recibió el premio Wolf en artes . [177]
Judy Chicago es una artista y pionera del arte feminista y del performance en Estados Unidos. Chicago es conocida por sus grandes instalaciones artísticas colaborativas sobre imágenes del nacimiento y la creación, que examinan el papel de las mujeres en la historia y la cultura. En la década de 1970, Chicago fundó el primer programa de arte feminista en los Estados Unidos. El trabajo de Chicago incorpora una variedad de habilidades artísticas como la costura, en contraste con habilidades que requerían mucha mano de obra, como la soldadura y la pirotecnia. La obra más conocida de Chicago es The Dinner Party , que se instaló permanentemente en el Centro Elizabeth A. Sackler de Arte Feminista en el Museo de Brooklyn . La Cena celebró los logros de las mujeres a lo largo de la historia y es ampliamente considerada como la primera obra de arte feminista épica. Otros proyectos notables incluyen International Honor Quilt , The Birth Project, [178] Powerplay, [179] y The Holocaust Project. [180]
En esta década el arte performance se extendió hasta llegar a América Latina a través de los talleres y programas que ofrecían universidades e instituciones académicas. Se desarrolló principalmente en México, Colombia -con artistas como María Teresa Hincapié- , Brasil y Argentina. [181]
Ana Mendieta fue una artista conceptual y de performance nacida en Cuba y criada en Estados Unidos. Es principalmente conocida por sus obras de arte y performances en land art. El trabajo de Mendieta fue conocido principalmente en el ambiente crítico de arte feminista. Años después de su muerte, especialmente desde la retrospectiva del Whitney Museum of American Art en 2004 [182] y la retrospectiva en la Haywart Gallery de Londres en 2013 [183] , es considerada una pionera del performance art y otras prácticas relacionadas con el body art y el land. arte, escultura y fotografía. [184] Ella describió su propio trabajo como arte del cuerpo terrestre . [185] [186]
Tania Bruguera es una artista cubana especializada en arte performance y arte político. Su trabajo consiste principalmente en su interpretación de temas políticos y sociales. [187] Ha desarrollado conceptos como "conduct art" para definir sus prácticas artísticas con un enfoque en los límites del lenguaje y el cuerpo frente a la reacción y el comportamiento de los espectadores. También propuso el "arte útil", que debería transformar ciertos aspectos políticos y jurídicos de la sociedad. El trabajo de Brugera gira en torno a temas de poder y control, y una gran parte de su trabajo cuestiona el estado actual de su país de origen, Cuba. En 2002 creó la Cátedra Arte de Conducta en La Habana. [188] [189] [190]
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Regina José Galindo es una artista guatemalteca especializada en arte performance. Su obra se caracteriza por su contenido político y crítico explícito, utilizando su propio cuerpo como herramienta de confrontación y transformación social. [191] Su carrera artística ha estado marcada por la Guerra Civil Guatemalteca que tuvo lugar de 1960 a 1996, que desencadenó un genocidio de más de 200 mil personas, muchas de ellas indígenas, campesinos, mujeres y niños. [181] Con su obra, Galindo denuncia la violencia, el sexismo (uno de sus principales temas es el feminicidio), los estándares de belleza occidentales, la represión de los estamentos y el abuso de poder, especialmente en el contexto de su país, aunque su El lenguaje trasciende fronteras. Desde sus inicios sólo utilizó su cuerpo como medio, que ocasionalmente lleva a situaciones extremas (como en Himenoplastia (2004) donde pasa por una reconstrucción del himen, obra que ganó el Lyon de Oro en la Bienal de Venecia ), para luego contar con voluntarios. o contrató a personas para que interactúen con ella, de modo que pierda el control sobre la acción. [192]
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La década de 1990 fue un período de ausencia de la interpretación clásica europea, por lo que los artistas de performance mantuvieron un perfil bajo. Sin embargo, Europa del Este experimentó un pico. Por otro lado, la performance latinoamericana continuó en auge, así como el arte del performance feminista. También hubo un auge de esta disciplina en los países asiáticos, cuya motivación surgió a partir de la danza Butō en los años 50, pero en este período se profesionalizaron y surgieron nuevos artistas chinos que obtuvieron un gran reconocimiento. También se registró una profesionalización generalizada en el aumento de las exposiciones dedicadas al performance, con la inauguración de la Bienal de Arte de Venecia al performance, donde varios artistas de esta disciplina han ganado el Leone d'Oro, entre ellos Anne Imhof , Regina José Galindo o Santiago Sierra .
Mientras el bloque soviético se disolvía, algunas obras de arte escénicas prohibidas comenzaron a difundirse. Jóvenes artistas del antiguo bloque del Este, incluida Rusia, se dedicaron al arte del performance. Las artes escénicas surgieron casi al mismo tiempo en Cuba, el Caribe y China. "En estos contextos, el arte del performance se convirtió en una nueva voz crítica con una fuerza social similar a la de Europa Occidental, Estados Unidos y América del Sur en los años sesenta y principios de los setenta. Hay que enfatizar que el auge del arte del performance en los años noventa en Europa del Este, China, Sudáfrica, Cuba y otros lugares no deben ser considerados secundarios o una imitación de Occidente". [193]
En el mundo occidental, en la década de 1990, el arte escénico se unió a la cultura dominante. Diversas obras de arte performance, en vivo, fotografiadas o a través de documentación comenzaron a formar parte de galerías y museos que comenzaron a entender el arte performance como una disciplina artística. [194] Sin embargo, no fue hasta la década siguiente que se produjo una institucionalización importante, cuando todos los museos comenzaron a incorporar piezas de arte escénico en sus colecciones y a dedicar grandes exposiciones y retrospectivas, museos como el Tate Modern de Londres, el MoMA de Nueva York York o el Centro Pompidou de París. A partir de la década de 1990, muchos más artistas del performance fueron invitados a importantes bienales como la Bienal de Venecia , la Bienal de Sao Paulo y la Bienal de Lyon .
A finales de la década de 1990, el arte contemporáneo chino y las artes escénicas recibieron un gran reconocimiento a nivel internacional, cuando 19 artistas chinos fueron invitados a la Bienal de Venecia. [195] [196] El arte escénico en China y su historia había ido creciendo desde la década de 1970 debido al interés entre el arte, el proceso y la tradición en la cultura china, pero ganó reconocimiento a partir de la década de 1990. [197] [193] En China, el arte escénico es parte del programa de educación de bellas artes y se está volviendo cada vez más popular. [197] [198] A principios de la década de 1990, el arte escénico chino ya era aclamado en la escena artística internacional. [199] [197] [200]
A finales de la década de 1990 y principios de la década de 2000, varios artistas incorporaron tecnologías como la World Wide Web, el vídeo digital, las cámaras web y los medios de streaming en sus obras de arte. [201] Artistas como Coco Fusco , Shu Lea Cheang y Prema Murthy produjeron artes escénicas que llamaron la atención sobre el papel del género, la raza, el colonialismo y el cuerpo en relación con Internet. [202] Otros artistas, como Critical Art Ensemble , Electronic Disturbance Theatre y Yes Men , utilizaron tecnologías digitales asociadas con el hacktivismo y el intervencionismo para plantear cuestiones políticas relativas a nuevas formas de capitalismo y consumismo. [203] [204]
En la segunda mitad de la década, comenzaron a surgir formas de arte escénico asistidas por computadora. [205] Muchas de estas obras condujeron al desarrollo del arte algorítmico , el arte generativo y el arte robótico , en el que la propia computadora, o un robot controlado por computadora, se convierte en el intérprete. [206]
Coco Fusco es una artista, escritora y curadora interdisciplinaria cubanoamericana que vive y trabaja en Estados Unidos. Su carrera artística comenzó en 1988. En su trabajo explora temas como la identidad, la raza, el poder y el género a través de la performance. También realiza vídeos, instalaciones interactivas y escritura crítica. [207] [19]
Durante las décadas de 2000 y 2010, artistas como Pussy Riot , Tania Bruguera y Petr Pavlensky han sido juzgados por diversas acciones artísticas. [208]
El 21 de febrero de 2012, como parte de su protesta contra la reelección de Vladímir Putin , varias mujeres del colectivo artístico Pussy Riot ingresaron a la Catedral de Cristo Salvador de Moscú de la Iglesia Ortodoxa Rusa . Hicieron la señal de la cruz, se inclinaron ante el santuario y comenzaron a interpretar una actuación compuesta por una canción y una danza bajo el lema "Virgen María, aleja a Putin". El 3 de marzo fueron detenidos. [209] El 3 de marzo de 2012, Maria Alyokhina y Nadezhda Tolokonnikova , [210] [211] miembros de Pussy Riot, fueron arrestadas por las autoridades rusas y acusadas de vandalismo. Al principio, ambos negaron ser miembros del grupo e iniciaron una huelga de hambre por estar encarcelados y separados de sus hijos hasta que comenzaron los juicios en abril. [212] El 16 de marzo otra mujer, Yekaterina Samutsévitch, que había sido previamente interrogada como testigo, fue arrestada y acusada también. [ cita necesaria ] El 5 de julio, se presentaron cargos formales contra el grupo y una acusación de 2800 páginas. [213] Ese mismo día fueron notificados que tenían hasta el 9 de julio para preparar su defensa. En respuesta, anunciaron una huelga de hambre, alegando que dos días era un plazo inadecuado para preparar su defensa. [214] El 21 de julio, el tribunal amplió su prisión preventiva por seis meses más. [215] Los tres miembros detenidos fueron reconocidos como presos políticos por la Unión de Solidaridad con los Presos Políticos. [216] Amnistía Internacional los considera presos de conciencia por "la severidad de la respuesta de las autoridades rusas". [217]
Desde 2012, el artista Abel Azcona se encuentra procesado por algunas de sus obras. La demanda que mayor repercusión obtuvo fue la realizada por el Arzobispado de Pamplona y Tudela , [218] en representación de la Iglesia católica . [219] La Iglesia reclamó a Azcona por delitos de profanación y blasfemia, delitos de odio y atentado contra la libertad religiosa y los sentimientos por su obra Amén o La Pederastia . [220] [221] En 2016, Azcona fue denunciado por enaltecimiento del terrorismo [222] [223] por su exposición Natura Morta , [224] en la que el artista recreaba situaciones de violencia, memoria histórica, terrorismo o conflictos bélicos a través de performances e imágenes hiperrealistas. esculturas e instalaciones. [225]
En diciembre de 2014 Tania Bruguera fue detenida en La Habana para impedirle realizar nuevos trabajos reivindicativos . Sus obras de performance le han valido duras críticas y ha sido acusada de promover la resistencia y los disturbios públicos. [226] [227] En diciembre de 2015 y enero de 2016, Bruguera fue detenido por organizar un espectáculo público en la plaza de la Revolución de La Habana. Fue detenida junto a otros artistas, activistas y reporteros cubanos que participaron en la campaña Yo También Exijo , creada tras las declaraciones de Raúl Castro y Barack Obama a favor de restablecer sus relaciones diplomáticas. Durante la función El Susurro de Tatlin #6 instaló micrófonos y parlantes [ se necesita aclaración ] en la Plaza de la Revolución para que los cubanos expresaran su sentir ante el nuevo clima político. El evento tuvo gran repercusión en medios internacionales, incluyendo una presentación de El Susurro de Tatlin #6 en Times Square, y una acción en la que diversos artistas e intelectuales se expresaron a favor de la liberación de Bruguera mediante el envío de una carta abierta a Raúl Castro firmada por miles de personas en todo el mundo pidiendo la devolución de su pasaporte y alegando una injusticia criminal, ya que ella sólo le dio un micrófono al pueblo para que pudiera dar su opinión. [228] [229] [230] [231] [232]
En noviembre de 2015 y octubre de 2017, Petr Pavlensky fue arrestado por realizar una obra de arte radical en la que prendió fuego a la entrada del edificio Lubyanka, sede del Servicio Federal de Seguridad de Rusia y una sucursal del Banco de Francia. [233] En ambas ocasiones roció la entrada principal con gasolina; en la segunda actuación roció también el interior y lo encendió con un encendedor. Las puertas del edificio quedaron parcialmente quemadas. En ambas ocasiones Pavlenski fue arrestado sin resistencia y acusado de libertinaje. Pocas horas después de las acciones aparecieron en Internet varios vídeos reivindicativos políticos y artísticos. [234]
Desde la década de 2000, grandes museos, instituciones y colecciones han apoyado el arte escénico. Desde enero de 2003, la Tate Modern de Londres cuenta con un programa curado de arte en vivo y performance. [235] Con exposiciones de artistas como Tania Bruguera o Anne Imhof . [236] En 2012 se abrieron The Tanks at Tate Modern : los primeros espacios dedicados a la performance, el cine y la instalación en un importante museo de arte moderno y contemporáneo.
El Museo de Arte Moderno celebró una importante retrospectiva y recreación escénica de la obra de Marina Abramović , la mayor exposición de arte escénico en la historia del MoMA, del 14 al 31 de marzo de 2010. [237] [238] La exposición estuvo compuesta por más de veinte piezas del artista, la mayoría de los años 1960-1980. Muchos de ellos fueron reactivados por otros jóvenes artistas de múltiples nacionalidades seleccionados para la muestra. [239] Paralelamente a la exposición, Abramovic interpretó The Artist is Present , una pieza estática y silenciosa de 726 horas y 30 minutos de duración, en la que se sentaba inmóvil en el atrio del museo, mientras los espectadores eran invitados a turnarse para sentarse frente a ella. [240] La obra es una reproducción actualizada de una de las piezas de 1970, mostradas en la exposición, donde Abramovic permaneció días completos al lado de Ulay, quien era su compañero sentimental. La actuación atrajo a celebridades como Björk , Orlando Bloom y James Franco [241] que participaron y recibieron cobertura mediática. [242]
En el contexto de la institucionalización de la performance, la iniciativa A Performance Affair [243], con sede en Bruselas, y el formato Performance Exchange [244], con sede en Londres, preguntan sobre la coleccionabilidad de las obras de performance. Con The Non-fungible Body?, el museo y centro cultural austriaco OÖLKG/OK reflexiona sobre los avances recientes en la institucionalización de la performance a través de un formato de festival discursivo que se presentó por primera vez en junio de 2022.
En 2014 se crea la obra de arte performativo Carry That Weight , también conocida como "el performance del colchón". La artista detrás de esta pieza es Emma Sulkowicz quien, durante su tesis de fin de carrera en artes visuales en la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York. En septiembre de 2014, la pieza de Sulkowicz comenzó, cuando empezó a cargar su propio colchón por el campus de la Universidad de Columbia . [245] Esta obra fue creada por la artista con el objetivo de denunciar su violación en ese mismo colchón años antes, en su propio dormitorio, la cual denunció y no fue escuchada por la universidad ni la justicia, [ 246] por lo que decidió llevar el colchón consigo durante todo el semestre, sin dejarlo en ningún momento, hasta su ceremonia de graduación en mayo de 2015. La pieza generó una gran polémica, pero contó con el apoyo de un grupo de sus compañeros y activistas que se unieron a Sulkowicz en múltiples ocasiones al portar el colchón. colchón, haciendo de la obra una reivindicación internacional. El crítico de arte Jerry Saltz consideró la obra de arte como una de las más importantes del año 2014. [247]
En 2019 la obra de arte performance colectiva Un violador en tu camino fue creada por un grupo feminista de Valparaíso , Chile llamado Lastesis , que consistió en una manifestación contra las violaciones a los derechos de las mujeres en el contexto de las protestas chilenas de 2019-2020 . [248] [249] [250] Se realizó por primera vez frente a la Segunda Comisaría de Carabineros de Chile en Valparaíso el 18 de noviembre de 2019. [251] Una segunda actuación realizada por 2000 mujeres chilenas el 25 de noviembre de 2019, En el marco del Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer , fue filmado y se volvió viral en las redes sociales. [252] Su alcance se volvió global [253] [254] después de que movimientos feministas en docenas de países adoptaron y tradujeron la actuación para sus propias protestas y demandas por el cese y castigo del feminicidio y la violencia sexual, entre otros. [255]
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{{cite book}}: |work=ignorado ( ayuda )John Cage, el prolífico e influyente compositor cuyas obras minimalistas han sido durante mucho tiempo una fuerza impulsora en el mundo de la música, la danza y el arte, falleció ayer en el Hospital St. Vincent's de Manhattan. Tenía 79 años y vivía en Manhattan.
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