Doris Salcedo (nacida en 1958) es una artista visual y escultora nacida en Colombia . [1] Su trabajo está influenciado por sus experiencias de la vida en Colombia y generalmente se compone de elementos comunes como muebles de madera, ropa, concreto, pasto y pétalos de rosa. [2] El trabajo de Salcedo da forma al dolor, el trauma y la pérdida, al tiempo que crea un espacio para el duelo individual y colectivo. Estos temas surgen de su propia historia personal. Miembros de su propia familia se encontraban entre las muchas personas que han desaparecido en la Colombia políticamente conflictiva. Gran parte de su obra aborda el hecho de que, si bien se puede llorar la muerte de un ser querido, su desaparición deja un vacío insoportable. [3] Salcedo vive y trabaja en Bogotá , Colombia . [1]
Doris Salcedo nació en 1958 en Bogotá , Colombia . [1] Salcedo completó una Licenciatura en Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en 1980, antes de viajar a la ciudad de Nueva York , donde completó una Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Nueva York en 1984. [1] Luego regresó a Bogotá para Docente en la Universidad Nacional de Colombia . Está casada con el novelista y sociólogo colombiano Azriel Bibliowicz, cuyo trabajo investiga la experiencia judía en Colombia. La pareja actualmente vive y trabaja en Bogotá.
Doris Salcedo aborda la cuestión del olvido y la memoria en su instalación artística. En piezas como Unland: The Orphan's Tunic de 1997 y la serie La Casa Viuda de principios de la década de 1990, Salcedo toma artículos domésticos comunes, como una silla y una mesa, y los transforma en monumentos conmemorativos para las víctimas de la Guerra Civil en Colombia. [4]
En su libro Present Pasts: Present Pasts: Urban Palimpsests and the Politics of Memory , Andreas Huyssen dedica un capítulo a Doris Salcedo y Unland: The Orphan's Tunic , presentando su obra como “Escultura de la memoria”. Huyssen ofrece una descripción detallada de la pieza, una mesa aparentemente mundana que, cuando se considera de cerca, "captura la imaginación del espectador en su inesperada e inquietante presencia visual y material". [5] Un mueble aparentemente cotidiano está formado en realidad por dos mesas destruidas unidas y cubiertas con un velo de tela blanquecina, presumiblemente la túnica original del huérfano. Tras una inspección aún más cercana, cientos de pequeños cabellos humanos parecen ser el hilo que une la túnica a la mesa. Huyssen equipara la estructura de las mesas al cuerpo. “Si la túnica es como una piel… entonces la mesa adquiere una presencia metafórica como cuerpo, ya no de un individuo huérfano sino de una comunidad de huérfanos”. [5] Unland de Salcedo es una escultura de la memoria que presenta el pasado de su propio país, Colombia, a la audiencia artística internacional. [4]
Durante una conversación con Carlos Basualdo , Salcedo analiza su propio enfoque en la producción de arte:
“La forma en que una obra de arte reúne materiales es increíblemente poderosa. La escultura es su materialidad. Trabajo con materiales que ya están cargados de significado, del significado que han requerido en la práctica de la vida cotidiana... luego, trabajo hasta el punto en que se convierte en algo más, donde se alcanza la metamorfosis”. [6]
Nuevamente, en una entrevista de 1998 con Charles Merewether, Salcedo expone esta noción de metamorfosis, describiendo la experiencia del espectador con su propia reparación o restauración artística del pasado.
“La contemplación silenciosa de cada espectador permite que reaparezca la vida vista en la obra. El cambio se produce, como si la experiencia de la víctima se extendiera... La escultura presenta la experiencia como algo presente, una realidad que resuena en el silencio de cada ser humano que la contempla”. [7]
Salcedo emplea objetos del pasado, objetos imbuidos de un importante sentido de la historia y, a través de estas esculturas de memoria contemporáneas, ilustra el flujo del tiempo. Une el pasado y el presente, repara lo que considera incompleto y, a los ojos de Huyssen, presenta “la memoria al borde de un abismo… la memoria en el sentido literal… y la memoria como proceso”. [6]
La obra de Salcedo se ha basado cada vez más en instalaciones. Utiliza espacios de galerías o ubicaciones inusuales para crear arte y entornos con carga política e histórica. Noviembre 6 y 7 (2002) es una obra que conmemora el decimoséptimo aniversario de la toma violenta de la Corte Suprema de Justicia en Bogotá los días 6 y 7 de noviembre de 1985. Salcedo colocó esta pieza en el nuevo Palacio de Justicia. Le llevó 53 horas (la duración del asedio original) colocar sillas de madera contra la fachada del edificio que bajaban desde diferentes puntos de su techo. Salcedo lo hizo creando “un acto de memoria”. Su objetivo era volver a habitar el espacio olvidado. [8]
En 2003, en una obra que llamó Instalación para la 8ª Bienal de Estambul , realizó una instalación en una calle común compuesta por 1.500 sillas de madera apiladas precariamente en el espacio entre dos edificios. [9]
En 2005, en el Castello di Rivoli , Salcedo remodeló una de las salas principales de la institución ampliando el techo abovedado de ladrillo existente de la galería. Transformando sutilmente el espacio existente, Abyss fue diseñado para evocar pensamientos de encarcelamiento y sepultura. [10]
En 2007, Salcedo se convirtió en la octava artista a la que se le encargó producir una obra para la sala de turbinas de Unilever de la galería Tate Modern de Londres, para la que creó Shibboleth , una grieta de 167 metros de largo que recorre todo el suelo de la sala ( en la foto de arriba). ) que según Salcedo "representa las fronteras, la experiencia de los inmigrantes, la experiencia de la segregación, la experiencia del odio racial. Es la experiencia de una persona del Tercer Mundo que llega al corazón de Europa". [11] [12] De esta manera su instalación representó exclusión, separación y alteridad. [13]
Salcedo ha expuesto en exposiciones colectivas a nivel internacional, incluidas Carnegie International (1995), XXIV Bienal de São Paulo (1998), Trace, Bienal de Arte Contemporáneo de Liverpool (1999), Documenta XI, Kassel (2002), 8ª Bienal de Estambul (2003), ' NeoHooDoo', PS1 Contemporary Art Center, Nueva York, The Menil Collection, Houston (2008), 'The New Décor', Hayward Gallery, Londres (2010) y Allen Memorial Art Museum [14] en Oberlin College (2014-2015) ). Las exposiciones individuales incluyen The New Museum of Contemporary Art , Nueva York (1998), San Francisco Museum of Modern Art (1999 y 2005), Tate Britain , Londres (1999), Camden Arts Centre, Londres (2001), White Cube , Londres ( 2004), Tate Modern , Londres (2007), Los 80: una topología (2007), e Inhotim, Centro de Arte Contemporânea, Belo Horizonte, (2008). Desde abril de 2010 hasta febrero de 2013, la instalación del artista “plegaria Muda” viajó a museos de Europa y América del Sur, incluido el MUAC, México; Moderna Museet, Malmö y CAM Gulbenkian, Lisboa (2011); MAXXI Roma y Pinacoteca São Paulo (2012), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (2015) y el Museo Solomon R. Guggenheim. (2015); [13] y Museos de Arte de Harvard (2016). [15]
Estambul es una instalación formada por 1.550 sillas apiladas entre dos altos edificios urbanos. La idea de Salcedo con esta pieza fue crear lo que ella llamó "una topografía de guerra". [19] Ella aclara esto diciendo que está destinado a "representar la guerra en general y no un evento histórico específico". [4] Se cita a Salcedo diciendo que "al ver estas 1.550 sillas de madera apiladas entre dos edificios en el centro de Estambul, recuerdo las fosas comunes. Las víctimas anónimas. Pienso tanto en el caos como en la ausencia, dos efectos de la violencia en tiempos de guerra". Salcedo explica: “Lo que intento sacar de estas piezas es ese elemento que es común en todos nosotros”. [19] “Y en una situación de guerra, todos la experimentamos de la misma manera, ya sea como víctima o como perpetrador. Así que no estoy narrando una historia en particular. Sólo estoy abordando experiencias”. En 2007, cuatro años después de la instalación de Salcedo en Estambul, otro artista, el disidente chino Ai Weiwei , utilizó sillas para crear un efecto de memoria en su pieza Fairytale . Instaló el conjunto de 1.001 sillas de las dinastías Ming y Qing en la Documenta 12 de Kassel, Alemania , una silla para cada uno de los 1.001 viajeros chinos desplazados. [19] Su artículo se centró en el desplazamiento chino, un tema similar al de Salcedo.
Atrabiliarios es una instalación que incorpora madera contrachapada, zapatos, fibra animal, hilo y piel de oveja, todo en seis nichos diferentes. En su pieza, zapatos viejos, en pares o individuales, están encerrados detrás de láminas de piel de animal translúcida dentro de nichos o nichos en la pared de la galería. La piel está toscamente cosida a la pared con suturas médicas. [20] En el suelo debajo hay unas pequeñas cajas hechas con la misma piel de animal. Todos los zapatos usados pertenecían a mujeres que "desaparecieron" y fueron donados a Salcedo por las familias de las víctimas. El uso de estos zapatos en Atrabiliarios pretende hacer eco de la memoria de aquellos cuyo destino y paradero se desconoce. Salcedo lo describe como un estar "permanentemente suspendido entre el presente y el pasado". [19] Por lo tanto, Atrabiliarios es "no sólo un retrato de la desaparición, sino un retrato de la condición mental de incertidumbre, añoranza y duelo de los sobrevivientes". Salcedo busca no sólo expresar el horror de la violencia sino también investigar la forma en que las personas se imponen en tiempos de tortura, reparando sus heridas físicas y psicológicas, además de levantar resistencia y recordar a los desaparecidos. [21]
Shibboleth fue su instalación Turbine Hall en la Tate Modern de Londres. Salcedo fue el primer artista en cambiar el edificio físico. Salcedo utilizó esta pieza para dar voz a las víctimas de todas las injusticias que han separado a las personas y las han armado unos contra otros. En lugar de llenar Turbine Hall con una instalación, abrió una herida subterránea en el suelo que se extendía a lo largo de toda la antigua central eléctrica. Los muros de hormigón de la grieta fueron rotos por una valla de malla de acero, creando una tensión entre elementos que se resistían entre sí y al mismo tiempo dependían unos de otros. La instalación comenzó como una línea delgada, casi invisible, en la entrada principal y gradualmente se ensanchó hasta convertirse en un abismo en el otro extremo. Este diseño pretendía evocar el quebrantamiento y la separación de las culturas poscoloniales, especialmente en su tierra natal, Colombia. Shibboleth planteó preguntas sobre la interacción de los fundamentos ideológicos sobre los que se construyen las nociones occidentales de modernidad y preguntas sobre el racismo y el colonialismo que subyacen al mundo moderno. “La historia del racismo”, dijo Salcedo, “corre paralela a la historia de la modernidad y es su lado oscuro incalculable”. [22] Con Shibboleth , Salcedo centró la atención en la existencia de una gran subclase socialmente excluida presente en todas las sociedades. Salcedo dijo que abrir el piso de la Sala de Turbinas simbolizaba la fractura en la modernidad misma. Esto instó a los espectadores a confrontar verdades incómodas sobre la historia y las personas. [23] La grieta también representó la división entre ricos y pobres, que puede comenzar relativamente poco pero finalmente convertirse en una gran división capaz de desmantelar culturas. La grieta se reparó al final del espectáculo, pero hay una astilla que siempre estará ahí en el piso. [24]
Flor de Piel es una instalación del tamaño de una habitación que se exhibió públicamente por primera vez en los Museos de Arte de Harvard en la exposición individual de Salcedo de 2016-2017, Doris Salcedo: The Materiality of Mourning . Una Flor de Piel , que mide 340 cm x 500 cm, es un tapiz de miles de pétalos de rosas rojas preservados, cosidos a mano, que ondula suavemente en el suelo. Suspendidos en estado de transformación, los pétalos permanecen entre la vida y la muerte y son tan vulnerables que se rompen si se tocan. El artista pretendía que la obra fuera un sudario para una enfermera que fue torturada hasta la muerte en la guerra de Colombia. [25] Salcedo creó la pieza en 2013, trabajando con pétalos de rosa e hilo como materiales; A Flor de Piel fue adquirida por los Museos de Arte de Harvard en 2014. [25]
Plegaria Muda es una serie de esculturas, cada una compuesta por dos mesas hechas a mano, que tienen aproximadamente la misma forma y tamaño de un ataúd. Una mesa está colocada boca abajo sobre la otra, con una capa similar a la tierra con hierba creciendo entre las dos mesas. "Plegaria Muda" se traduce aproximadamente como "oración silenciosa" y es un comentario sobre las relaciones entre los perpetradores de la violencia de las pandillas y sus víctimas, así como un homenaje a las fosas comunes en Colombia donde a menudo se entierra a las víctimas de la violencia de las pandillas. [26]
Desde 1988 Salcedo ha entrevistado a personas cuyos familiares han sido "desaparecidos" presuntamente por orden del ejército asociado con la guerra civil de Colombia y el tráfico ilegal de drogas. Visita regularmente pueblos abandonados, lugares de asesinatos y fosas comunes. [27] Salcedo informa que ha estado realizando gran parte de la misma investigación durante muchos años con sólo pequeñas variaciones. Durante muchos años mantuvo archivos sobre los campos de concentración, tanto históricos como más contemporáneos. Lo que más le interesa es cómo varían unos de otros porque siempre están ahí, simplemente presentados en diferentes formas. Salcedo afirma que su único enfoque siempre ha sido la violencia política y que "la violencia define los males de nuestra sociedad". [28]
"Me quedé asombrado cuando se abrió Guantánamo en Cuba , porque Cuba fue el primer lugar que tuvo un campo de concentración. En realidad fue un invento español. Un general español, Martínez Campos , lo ideó en 1896. En aquella época lo implementaron en Cuba. Es sorprendente ver cómo se ha cerrado el círculo. Ahora tenemos de nuevo a Guantánamo en Cuba , pero , por supuesto, los británicos lo tenían a finales del siglo XIX en Sudáfrica . Tenemos campos de exterminio, campos de trabajos forzados, gulags... la lista es interminable. He llegado a la conclusión de que el sistema de prisiones industriales en los Estados Unidos tiene muchos de estos elementos, donde la gente, realmente sin ninguna razón, por posesión de marihuana o cosas así. Así van a la cárcel, donde algunos delitos menores se han convertido en delitos graves. Estoy realmente sorprendido por la gran cantidad de personas que son encarceladas. Y también creo que es sorprendente cómo este sistema, al estar en la cárcel y luego salir. Tantos efectos colaterales que a una porción bastante grande de la población no se le permite estar viva. La idea de tener a una gran parte de la población excluida de los derechos civiles, de muchas, muchas posibilidades, implica que hay personas que casi pueden considerarse socialmente muertas. ¿Qué significa estar socialmente muerto? ¿Qué significa estar vivo y no poder participar? Es como estar muerto en vida. Eso es lo que estoy investigando ahora y esa es la perspectiva desde la que he estado observando los acontecimientos durante mucho tiempo." [29]