Georgia Totto O'Keeffe (15 de noviembre de 1887 - 6 de marzo de 1986) fue una pintora y dibujante modernista estadounidense cuya carrera abarcó siete décadas y cuyo trabajo se mantuvo en gran medida independiente de los principales movimientos artísticos . Llamada la "Madre del modernismo estadounidense", O'Keeffe obtuvo reconocimiento internacional por sus meticulosas pinturas de formas naturales, en particular flores y paisajes inspirados en el desierto, que a menudo se extrajeron de los lugares y entornos en los que vivió y se relacionaron con ellos. [1] [2]
Desde 1905, cuando O'Keeffe comenzó sus estudios en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago , hasta aproximadamente 1920, estudió arte o ganó dinero como ilustradora comercial o profesora para pagar su educación superior. [3] [4] Influenciada por Arthur Wesley Dow , O'Keeffe comenzó a desarrollar su estilo único comenzando con sus acuarelas de sus estudios en la Universidad de Virginia y más dramáticamente en los dibujos al carbón que produjo en 1915 que la llevaron a la abstracción total. . Alfred Stieglitz , marchante de arte y fotógrafo, realizó una exposición de sus obras en 1917. [5] Durante los dos años siguientes, enseñó y continuó sus estudios en el Teachers College de la Universidad de Columbia .
Se mudó a Nueva York en 1918 a petición de Stieglitz y comenzó a trabajar seriamente como artista. [6] Desarrollaron una relación profesional y personal que los llevó a casarse el 11 de diciembre de 1924. [7] O'Keeffe creó muchas formas de arte abstracto, incluidos primeros planos de flores, como las pinturas Red Canna , que muchos Se encontró que representaban vulvas, [8] aunque O'Keeffe negó consistentemente esa intención. [9] La imputación de la representación de la sexualidad de las mujeres también fue alimentada por fotografías explícitas y sensuales de O'Keeffe que Stieglitz había tomado y exhibido.
O'Keeffe y Stieglitz vivieron juntos en Nueva York hasta 1929, cuando O'Keeffe comenzó a pasar parte del año en el suroeste, lo que le sirvió de inspiración para sus pinturas de paisajes de Nuevo México e imágenes de cráneos de animales, como Cow's Skull: Red. , Blanco y azul (1931) y Días de verano (1936) . Después de la muerte de Stieglitz en 1946, vivió en Nuevo México durante los siguientes 40 años en su casa y estudio o casa de verano Ghost Ranch en Abiquiú , y en los últimos años de su vida, en Santa Fe . En 2014, la pintura de O'Keeffe de 1932 Jimson Weed/White Flower No. 1 se vendió por 44.405.000 dólares, en ese momento, con diferencia, el precio más alto pagado por cualquier pintura de una artista. [10] Sus obras se encuentran en las colecciones de varios museos y, tras su muerte, se estableció el Museo Georgia O'Keeffe en Santa Fe.
Georgia O'Keeffe nació el 15 de noviembre de 1887, [15] [16] en una granja en la ciudad de Sun Prairie, Wisconsin . [17] [18] Sus padres, Francis Calyxtus O'Keeffe e Ida (Totto) O'Keeffe, eran productores de leche. Su padre era de ascendencia irlandesa. El padre de su madre, George Victor Totto, de quien se nombró a O'Keeffe, era un conde húngaro que llegó a los Estados Unidos en 1848. [15] [19]
O'Keeffe fue el segundo de siete hijos. [15] Asistió a la escuela Town Hall en Sun Prairie. [20] A los 10 años, había decidido convertirse en artista. [21] Con sus hermanas, Ida y Anita, [22] recibió instrucción artística de la acuarelista local Sara Mann. O'Keeffe asistió a la escuela secundaria en la Academia del Sagrado Corazón en Madison, Wisconsin, como interno entre 1901 y 1902. A finales de 1902, los O'Keeffe se mudaron de Wisconsin al vecindario muy unido de Peacock Hill en Williamsburg, Virginia , donde O 'El padre de Keeffe inició un negocio de fabricación de bloques de hormigón moldeado rústico en previsión de la demanda del bloque en el sector de la construcción de la península de Virginia , pero la demanda nunca se materializó. [23] O'Keeffe permaneció en Wisconsin asistiendo a Madison Central High School [24] hasta que se unió a su familia en Virginia en 1903. Completó la escuela secundaria como interna en el Chatham Episcopal Institute en Virginia (ahora Chatham Hall ), graduándose en 1905. En Chatham, era miembro de la hermandad de mujeres Kappa Delta . [15] [20]
O'Keeffe enseñó y dirigió el departamento de arte en West Texas State Normal College , cuidando de su hermana menor, Claudia, a petición de su madre. [25] En 1917, visitó a su hermano, Alexis, en un campamento militar en Texas antes de que él se embarcara hacia Europa durante la Primera Guerra Mundial . Mientras estuvo allí, creó la pintura La bandera , [26] que expresaba su ansiedad y depresión por la guerra. [19]
De 1905 a 1906, O'Keeffe estuvo matriculada en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago , donde estudió con John Vanderpoel y se ubicó entre las mejores de su clase. [15] [21] Como resultado de contraer fiebre tifoidea , tuvo que tomarse un año de descanso de su educación. [15] En 1907, asistió a la Liga de Estudiantes de Arte en la ciudad de Nueva York, donde estudió con William Merritt Chase , Kenyon Cox y F. Luis Mora . [15] En 1908, ganó el premio de naturaleza muerta William Merritt Chase de la Liga por su pintura al óleo Dead Rabbit with Copper Pot . Su premio fue una beca para asistir a la escuela de verano al aire libre de la Liga en Lake George , Nueva York. [15] Mientras estuvo en la ciudad de Nueva York, O'Keeffe visitó galerías, como 291 , copropiedad de su futuro esposo, el fotógrafo Alfred Stieglitz . La galería promovió el trabajo de artistas y fotógrafos de vanguardia de Estados Unidos y Europa. [15]
En 1908, O'Keeffe descubrió que no podría financiar sus estudios. Su padre había quebrado y su madre estaba gravemente enferma de tuberculosis . [15] No estaba interesada en una carrera como pintora basada en la tradición mimética que había formado la base de su formación artística. [21] Consiguió un trabajo en Chicago como artista comercial y trabajó allí hasta 1910, cuando regresó a Virginia para recuperarse del sarampión [27] y luego se mudó con su familia a Charlottesville, Virginia . [15] No pintó durante cuatro años y dijo que el olor a trementina la enfermaba. [21] Comenzó a enseñar arte en 1911. Uno de sus puestos fue en su antigua escuela, el Chatham Episcopal Institute, en Virginia. [15] [28]
Tomó una clase de arte de verano en 1912 en la Universidad de Virginia con Alon Bement , quien era miembro de la facultad del Teachers College de la Universidad de Columbia . Con Bement, se enteró de las ideas innovadoras de Arthur Wesley Dow , colega de Bement. El enfoque de Dow estuvo influenciado por los principios de diseño y composición del arte japonés. Comenzó a experimentar con composiciones abstractas y desarrolló un estilo personal que se alejaba del realismo. [15] [21] De 1912 a 1914, enseñó arte en las escuelas públicas de Amarillo en el Panhandle de Texas , y fue asistente de enseñanza de Bement durante los veranos. [15] Tomó clases en la Universidad de Virginia durante dos veranos más. [29] También tomó una clase en la primavera de 1914 en el Teachers College de la Universidad de Columbia con Dow, quien influyó aún más en su pensamiento sobre el proceso de creación de arte. [30] Sus estudios en la Universidad de Virginia, basados en los principios de Dow, fueron fundamentales en el desarrollo de O'Keeffe como artista. A través de su exploración y crecimiento como artista, ayudó a establecer el movimiento modernista estadounidense .
Enseñó en Columbia College en Columbia, Carolina del Sur, a finales de 1915, donde completó una serie de abstracciones al carbón altamente innovadoras [21] basadas en sus sensaciones personales. [28] A principios de 1916, O'Keeffe estaba en Nueva York en el Teachers College de la Universidad de Columbia. Envió por correo los dibujos al carboncillo a una amiga y ex compañera de clase en Teachers College, Anita Pollitzer , quien se los llevó a Alfred Stieglitz en su galería 291 a principios de 1916. [31] Stieglitz encontró que eran las "cosas más puras, finas y sinceras que jamás se habían Entré 291 en mucho tiempo" y dijo que le gustaría mostrárselos. En abril de ese año, Stieglitz expuso diez de sus dibujos en el 291. [15] [21]
Después de realizar más cursos en Columbia a principios de 1916 y enseñar durante el verano para Bement, [15] se convirtió en presidenta del departamento de arte del West Texas State Normal College , en Canyon, Texas , a partir del otoño de 1916. [32] O' Keeffe, que disfrutaba de los amaneceres y atardeceres, desarrolló una afición por los colores intensos y nocturnos. A partir de una práctica que comenzó en Carolina del Sur, O'Keeffe pintó para expresar sus sensaciones y sentimientos más privados. En lugar de esbozar un diseño antes de pintar, creaba diseños libremente. O'Keeffe continuó experimentando hasta que creyó que realmente había capturado sus sentimientos en la acuarela Light Coming on the Plains No. I (1917). [28]
Comenzó una serie de acuarelas basadas en el paisaje y las amplias vistas durante sus caminatas, [28] [33] incluidas pinturas vibrantes del Cañón Palo Duro . [34] Ella "capturó un paisaje monumental en esta configuración simple, fusionando pigmentos azules y verdes en graduaciones tonales casi indistintas que simulan el efecto pulsante de la luz en el horizonte del Panhandle de Texas", según la autora Sharyn Rohlfsen Udall. [28] [33]
En 1918, O'Keeffe se mudó a Nueva York cuando Stieglitz se ofreció a brindarle apoyo financiero, [35] una residencia y un lugar para pintar. Desarrollaron una estrecha relación personal y luego se casaron, mientras él promocionaba su trabajo. [15] Stieglitz también desalentó su uso de la acuarela, que se asociaba con artistas mujeres aficionadas. [35] Según el historiador de arte Charles Eldredge, "la pareja disfrutó de una posición destacada en el exuberante arte de Nueva York durante la década de 1920". [36]
O'Keeffe llegó a conocer a muchos de los primeros modernistas estadounidenses que formaban parte del círculo de artistas de Stieglitz, incluidos los pintores Charles Demuth , Arthur Dove , Marsden Hartley , John Marin y los fotógrafos Paul Strand y Edward Steichen . La fotografía de Strand, así como la de Stieglitz, inspiraron el trabajo de O'Keeffe. Stieglitz, cuya galería 291 cerró en 1917, ahora pudo dedicar más tiempo a su propia práctica fotográfica, produciendo una serie de fotografías de formas naturales, estudios de nubes (una serie conocida como Equivalentes ) y retratos de O'Keeffe. [36] Antes de su matrimonio con Stieglitz, los dibujos y pinturas de O'Keeffe eran frecuentemente abstractos, aunque comenzó a ampliar su vocabulario visual a partir de 1924 para incluir imágenes más representativas "generalmente tomadas de la naturaleza y a menudo pintadas en series". [37]
O'Keeffe comenzó a crear imágenes simplificadas de objetos naturales, como hojas, flores y rocas. [38] Inspirada en el precisionismo , La manzana verde , terminada en 1922, describe su noción de vida simple y significativa. [39] O'Keeffe dijo ese año, "sólo mediante la selección, la eliminación y el énfasis llegamos al verdadero significado de las cosas". [39] Blue and Green Music expresa los sentimientos de O'Keeffe sobre la música a través del arte visual, utilizando colores llamativos y sutiles. [40]
También en 1922, el periodista Paul Rosenfeld comentó que "[la] esencia de la feminidad impregna sus imágenes", citando su uso del color y las formas como metáforas del cuerpo femenino. [41] Este mismo artículo también describe sus pinturas de manera sexual. [41] O'Keeffe, más famosa por su representación de flores, realizó alrededor de 200 pinturas de flores , [42] que a mediados de la década de 1920 eran representaciones de flores a gran escala, como vistas a través de una lupa, como Amapolas orientales. [43] [44] y varias pinturas de Red Canna . [45] Pintó su primer cuadro de flores a gran escala, Petunia, No. 2 , en 1924 y se exhibió por primera vez en 1925. [15] Hacer representaciones ampliadas de objetos creó una sensación de asombro e intensidad emocional. [38] En 1924, Stieglitz organizó una exposición que mostraba las obras de arte de O'Keeffe junto con sus fotografías en las Galerías Anderson y ayudó a organizar otras exposiciones durante los siguientes años. [46]
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Después de haberse mudado a un apartamento en el piso 30 del Hotel Shelton en 1925, [47] O'Keeffe comenzó una serie de pinturas de los rascacielos y el horizonte de Nueva York . [48] Una de sus obras más notables, que demuestra su habilidad para representar los edificios en el estilo precisionista, es Radiator Building – Night, Nueva York . [49] [50] Otros ejemplos son New York Street with Moon (1925), [51] The Shelton with Sunspots, NY (1926), [52] y City Night (1926). [15] Hizo un paisaje urbano, East River desde el piso treinta del Hotel Shelton en 1928, una pintura de su vista del East River y las fábricas que emiten humo en Queens. [48] Al año siguiente, realizó sus últimas pinturas sobre el horizonte y los rascacielos de la ciudad de Nueva York y viajó a Nuevo México, que se convirtió en una fuente de inspiración para su trabajo. [49]
El Museo de Brooklyn celebró una retrospectiva de su obra en 1927. [31] En 1928, Stieglitz anunció que seis de sus pinturas de calas se vendieron a un comprador anónimo en Francia por 25.000 dólares estadounidenses, pero no hay evidencia de que esta transacción se produjera de la manera en que Stieglitz informó. [53] [54] Como resultado de la atención de la prensa, las pinturas de O'Keeffe se vendieron a un precio más alto a partir de ese momento. [55] [54]
En 1929, viajó a Santa Fe por primera vez, [56] acompañada por su amiga Rebecca (Beck) Strand y se quedó en Taos con Mabel Dodge Luhan , quien proporcionó estudios a las mujeres. [57] Desde su habitación tenía una vista clara de las montañas de Taos , así como de la morada (centro de reuniones) de los Hermanos de la Fraternidad Piadosa de Nuestro Padre Jesús Nazareno , también conocidos como los Penitentes . [58] Posteriormente visitó Nuevo México casi anualmente desde 1929 en adelante, permaneciendo allí a menudo varios meses seguidos, regresando a Nueva York cada invierno para exhibir su trabajo en la galería de Stieglitz . [59] O'Keeffe realizó muchos viajes con mochila , explorando las escarpadas montañas y desiertos de la región ese verano y luego visitó el cercano rancho DH Lawrence , [57] donde completó su ahora famosa pintura al óleo, The Lawrence Tree , actualmente propiedad de por el Wadsworth Athenaeum en Hartford , Connecticut . [60] O'Keeffe visitó y pintó la cercana e histórica Iglesia de la Misión de San Francisco de Asís en Ranchos de Taos . Hizo varias pinturas de la iglesia, al igual que muchos artistas, y su pintura de un fragmento de la misma recortada contra el cielo la capturó desde una perspectiva única. [61] [62]
En Nuevo México, recogió rocas y huesos del suelo del desierto y los convirtió en temas arquitectónicos y paisajísticos distintivos de la zona en su trabajo. [38] Conocida como una persona solitaria, O'Keeffe a menudo exploraba la tierra que amaba en su Ford Modelo A , que compró y aprendió a conducir en 1929. A menudo hablaba de su afición por Ghost Ranch y el norte de Nuevo México, como en 1943. , cuando explicó: "Es un lugar tan hermoso, intacto y con una sensación de soledad, una parte tan excelente de lo que llamo 'Lejano'. Es un lugar que he pintado antes... incluso ahora debo hacerlo de nuevo". [62] O'Keeffe no trabajó desde finales de 1932 hasta mediados de la década de 1930 [62] debido a crisis nerviosas. [35] Era una artista popular y recibía encargos mientras sus obras se exhibían en Nueva York y otros lugares. [63]
En 1933 y 1934, O'Keeffe se recuperó en las Bermudas y regresó a Nuevo México en 1934. [62] En agosto de 1934, se mudó a Ghost Ranch , al norte de Abiquiú. En 1940, se mudó a una casa en la propiedad del rancho. Los acantilados multicolores que rodean el rancho inspiraron algunos de sus paisajes más famosos. [62] Entre 1934 y 1936, completó una serie de pinturas de paisajes inspiradas en el desierto de Nuevo México, a menudo con representaciones prominentes de cráneos de animales, incluidas Rams Head with Hollyhock (1935) y Deer's Head with Pedernal (1936), así como Summer. Días (1936). [64] En 1936, completó lo que se convertiría en una de sus pinturas más conocidas, Días de verano . Representa una escena desértica con una calavera de ciervo con vibrantes flores silvestres. Parecido a la cabeza de carnero con malvarrosa , representaba el cráneo flotando sobre el horizonte. [63] [65]
En 1938, la agencia de publicidad NW Ayer & Son se acercó a O'Keeffe para crear dos pinturas para que Hawaiian Pineapple Company (ahora Dole Food Company ) las utilizara en publicidad. [66] [67] [68] Otros artistas que produjeron pinturas de Hawái para la publicidad de Hawaiian Pineapple Company incluyen a Lloyd Sexton, Jr. , Millard Sheets , Yasuo Kuniyoshi , Isamu Noguchi y Miguel Covarrubias . [69] La oferta llegó en un momento crítico en la vida de O'Keeffe: tenía 51 años y su carrera parecía estar estancada (los críticos decían que su enfoque en Nuevo México era limitado y calificaban sus imágenes del desierto como "una especie de producción en masa". ). [70]
Llegó a Honolulu el 8 de febrero de 1939 a bordo del SS Lurline y pasó nueve semanas en Oahu , Maui , Kauai y la isla de Hawaii . Con diferencia, el período más productivo y vívido fue el de Maui, donde se le dio total libertad para explorar y pintar. [70] [71] Pintó flores, paisajes y anzuelos tradicionales hawaianos. De regreso a Nueva York, O'Keeffe completó una serie de 20 pinturas sensuales y verdes. Sin embargo, no pintó la piña solicitada hasta que Hawaiian Pineapple Company envió una planta a su estudio de Nueva York. [72]
Durante la década de 1940, O'Keeffe realizó dos retrospectivas individuales, la primera en el Instituto de Arte de Chicago (1943). [38] La segunda fue en 1946, cuando fue la primera mujer artista en tener una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Manhattan. [42] El Museo Whitney comenzó un esfuerzo para crear el primer catálogo de su obra a mediados de la década de 1940. [63]
En 1945, O'Keeffe compró una segunda casa, una hacienda abandonada en Abiquiú, que renovó para convertirla en casa y estudio. [73] Se mudó permanentemente a Nuevo México en 1949, pasando tiempo tanto en Ghost Ranch como en la casa Abiquiú que convirtió en su estudio. [38] [46]
Todd Webb , un fotógrafo que conoció en la década de 1940, se mudó a Nuevo México en 1961. A menudo le hacía fotografías, al igual que muchos otros fotógrafos estadounidenses importantes, que constantemente presentaban a O'Keeffe como una "figura solitaria, severa y autosuficiente". persona hecha." [74] Si bien se sabía que O'Keeffe tenía una "personalidad quisquillosa", las fotografías de Webb la retratan con una especie de "tranquilidad y calma" que sugiere una amistad relajada y revela nuevos contornos del carácter de O'Keeffe. [75]
En la década de 1940, O'Keeffe realizó una extensa serie de pinturas de lo que se llama el "Lugar Negro", a unas 150 millas (240 km) al oeste de su casa en Ghost Ranch. [76] O'Keeffe dijo que Black Place se parecía a "una milla de elefantes con colinas grises y arena blanca a sus pies". [62] Realizó pinturas del "Lugar Blanco", una formación rocosa blanca ubicada cerca de su casa en Abiquiú . [77] En 1946, comenzó a hacer de las formas arquitectónicas de su casa en Abiquiú (la pared del patio y la puerta) temas de su trabajo. [78] Otra pintura distintiva fue Ladder to the Moon , 1958. [79] A mediados de la década de 1960, O'Keeffe produjo Sky Above Clouds , una serie de paisajes de nubes inspirados en sus vistas desde las ventanas de los aviones. [38] [b] El Museo de Arte de Worcester celebró una retrospectiva de su obra en 1960 [31] y diez años más tarde, el Museo Whitney de Arte Americano montó la Exposición Retrospectiva de Georgia O'Keeffe . [46]
En 1972, O'Keeffe había perdido gran parte de su vista debido a la degeneración macular , [83] dejándola sólo con visión periférica . Dejó de pintar al óleo sin ayuda en 1972. [84] En 1973, O'Keeffe contrató a John Bruce "Juan" Hamilton como asistente interno y luego cuidador. Hamilton era alfarero. [85] Hamilton le enseñó a O'Keeffe a trabajar con arcilla, la animó a volver a pintar a pesar de su deterioro de la vista y la ayudó a escribir su autobiografía. Trabajó para ella durante 13 años. [38] La autobiografía del artista, Georgia O'Keeffe , publicada en 1976 por Viking Press , incluía Summer Days (1936) en la portada. Se convirtió en un éxito de ventas. [46] Durante la década de 1970, realizó una serie de obras en acuarela. [86] Continuó trabajando con lápiz y carboncillo hasta 1984. [83]
O'Keeffe se volvió cada vez más frágil a finales de los noventa. Se mudó a Santa Fe en 1984, donde murió el 6 de marzo de 1986, a la edad de 98 años. [87] Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas fueron esparcidas, como ella deseaba, en los terrenos alrededor de Ghost Ranch. [88] Tras la muerte de O'Keeffe, su familia impugnó su testamento porque los codicilos añadidos en la década de 1980 habían dejado la mayor parte de su patrimonio de 65 millones de dólares a Hamilton. El caso finalmente se resolvió extrajudicialmente en julio de 1987. [88] [89] El caso se convirtió en un famoso precedente en la planificación patrimonial . [90] [91]
En 1938, O'Keeffe recibió el título honorífico de "Doctor en Bellas Artes" del College of William & Mary . [92] Más tarde, O'Keeffe fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras [31] y en 1966 fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias . [93] Entre sus premios y honores, O'Keeffe recibió el premio M. Carey Thomas en Bryn Mawr College en 1971 y dos años más tarde recibió un título honorífico de la Universidad de Harvard . [31]
En 1977, el presidente Gerald Ford entregó a O'Keeffe la Medalla Presidencial de la Libertad , el más alto honor otorgado a los civiles estadounidenses. [94] En 1985, el presidente Ronald Reagan le concedió la Medalla Nacional de las Artes . [46] En 1993, fue incluida en el Salón Nacional de la Fama de la Mujer . [95]
Las pinturas de lotos de O'Keeffe pueden tener vínculos más profundos con la imaginería y el simbolismo vulvar. En la mitología egipcia, las flores de loto son un símbolo del útero y en la mitología india, son símbolos directos de las vulvas. [96] La historiadora del arte feminista Linda Nochlin y autora del influyente ensayo de 1971 titulado " ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas? ", también interpretó Black Iris III (1926) como una metáfora morfológica de una vulva. [97] [98]
El marchante de arte Samuel Kootz fue uno de los críticos de O'Keeffe que, aunque la consideraba "la única artista femenina prominente" (en palabras de Marilyn Hall Mitchell), consideraba que la expresión sexual en su obra (y en la de otros artistas) era artísticamente problemática. . [99] Kootz afirmó que "la afirmación del sexo sólo puede impedir los talentos de un artista, porque es un acto de desafío, de agravio, en el que la conciencia de estas cualidades retarda las afirmaciones naturales del pintor". [99]
O'Keeffe se mantuvo firme en contra de las interpretaciones sexuales de su trabajo y durante cincuenta años mantuvo que no había conexión entre las vulvas y su obra de arte. [99] Respondiendo a algunas de las críticas, O'Keeffe afirmó: "Cuando la gente lee símbolos eróticos en mis pinturas, en realidad están hablando de sus propios asuntos". [100] Ella atribuyó los ataques de otros artistas a su trabajo a la proyección psicológica . O'Keeffe también fue vista como una feminista revolucionaria ; sin embargo, la artista rechazó estas nociones y afirmó que "la feminidad es irrelevante" y que "no tiene nada que ver con la creación o los logros artísticos". [101]
En junio de 1918, O'Keeffe aceptó la invitación de Stieglitz de mudarse a Nueva York desde Texas después de que él le prometiera que le proporcionaría un estudio tranquilo donde pudiera pintar. Al cabo de un mes, tomó la primera de muchas fotografías de ella desnuda en el apartamento de su familia mientras su esposa estaba fuera. Su esposa regresó a casa una vez mientras la sesión aún estaba en curso. Ella había sospechado por un tiempo que algo estaba pasando entre los dos y le dijo que dejara de ver a O'Keeffe o que se fuera. Stieglitz salió de casa inmediatamente y encontró un lugar en la ciudad donde él y O'Keeffe podían vivir juntos. Durmieron separados durante más de dos semanas. A finales de mes estaban juntos en la misma cama, y a mediados de agosto, cuando visitaron Oaklawn, la finca de verano de la familia Stieglitz en Lake George, en el norte del estado de Nueva York, "eran como dos adolescentes enamorados. Varias veces al día subían corriendo las escaleras hasta su dormitorio, tan ansiosos por hacer el amor que empezaban a quitarse la ropa mientras corrían". [102] También por esta época, O'Keeffe se enfermó durante la pandemia de gripe de 1918 . [19]
En febrero de 1921, las fotografías de O'Keeffe tomadas por Stieglitz se incluyeron en una exposición retrospectiva en las Galerías Anderson. Stieglitz comenzó a fotografiar a O'Keeffe cuando ella lo visitó en la ciudad de Nueva York para ver su exposición de 1917 y continuó tomando fotografías, muchas de las cuales eran desnudas. Creó una sensación pública. Cuando se retiró de la fotografía en 1937, había realizado más de 350 retratos y más de 200 fotografías de ella desnuda. [38] [103] En 1978, escribió sobre lo distante que se había vuelto de ellos: "Cuando miro las fotografías que Stieglitz me tomó, algunas de ellas hace más de sesenta años, me pregunto quién es esa persona. Es como si en mi única vida hubiera vivido muchas vidas." [104]
Debido a los retrasos legales causados por la primera esposa de Stieglitz y su familia, tuvieron que pasar seis años antes de que Stieglitz obtuviera el divorcio. O'Keeffe y Stieglitz se casaron el 11 de diciembre de 1924. [7] [46] Durante el resto de sus vidas juntos, su relación fue "una colusión... un sistema de acuerdos y compensaciones, tácitamente acordados". y llevado a cabo, en su mayor parte, sin intercambiar una palabra, prefiriendo evitar la confrontación en la mayoría de los temas, O'Keeffe fue el principal agente de colusión en su unión", según la biógrafa Benita Eisler . [105] Vivían principalmente en la ciudad de Nueva York, pero pasaban los veranos en la finca familiar de su padre, Oaklawn, en Lake George, en el norte del estado de Nueva York. [46]
O'Keeffe y Stieglitz tenían una relación abierta, lo que podía resultar doloroso para O'Keeffe cuando Stieglitz tenía aventuras con mujeres. [108] [c] En 1928, Stieglitz comenzó una relación a largo plazo con Dorothy Norman , quien también estaba casada, y O'Keeffe perdió un proyecto para crear un mural para el Radio City Music Hall . Fue hospitalizada por depresión . [38] Por sugerencia de Maria Chabot y Mabel Dodge Luhan , O'Keeffe comenzó a pasar los veranos pintando en Nuevo México en 1929. [46] Viajó en tren con su amiga la pintora Rebecca Strand, esposa de Paul Strand , a Taos, donde vivieron con su patrón que les proporcionó estudios . [57] En 1933, O'Keeffe fue hospitalizado durante dos meses después de sufrir un ataque de nervios , en gran parte debido al romance de Stieglitz con Dorothy Norman. [110] No volvió a pintar hasta enero de 1934. [62]
O'Keeffe continuó visitando Nuevo México, sin su marido, y creó un nuevo conjunto de obras basadas en el desierto. [111] [d] O'Keeffe se liberó de los "roles de género estrictos" y adoptó ropa "neutral en cuanto al género", [117] al igual que otras mujeres profesionales en Santa Fe y Taos que experimentaron "espacio psicológico y libertad sexual" allí. [113] [108] [115] [118] [e]
Poco después de que O'Keeffe llegara a pasar el verano en Nuevo México en 1946, Stieglitz sufrió una trombosis cerebral (accidente cerebrovascular). Ella inmediatamente voló a Nueva York para estar con él. Murió el 13 de julio de 1946. Enterró sus cenizas en Lake George. [122] Pasó los siguientes tres años principalmente en Nueva York resolviendo su patrimonio. [38]
Tenía una relación cercana con Beck Strand. Disfrutaban pasar tiempo juntos, viajar [123] y vivir con "alegría". [124] Strand dijo que era más ella misma cuando estaba con O'Keeffe. En Foursome , un libro sobre O'Keeffe, Stieglitz, Beck y Paul Strand, Carolyn Burke argumenta en contra de la noción de que las mujeres tuvieran una relación sexual o romántica, y considera que esa lectura de su correspondencia es incongruente con sus "vínculos apasionados con sus maridos". y "fuertes atracciones heterosexuales". [123]
Frida Kahlo conoció a O'Keeffe en diciembre de 1931 en la ciudad de Nueva York en la inauguración de la exposición individual de Diego Rivera en el MOMA, tras lo cual se desarrolló una amistad. [125] [f] Siguieron siendo amigos y se mantuvieron en contacto cuando O'Keeffe se recuperó de una crisis nerviosa en un hospital y luego en las Bermudas. [125] [126] Ambas mujeres visitaron las casas de las otras en un par de ocasiones en la década de 1950. [125]
Entre los invitados que la visitaron en el rancho a lo largo de los años se encontraban Charles y Anne Lindbergh , la cantautora Joni Mitchell , el poeta Allen Ginsberg y el fotógrafo Ansel Adams . [127] Viajó y acampó en "Black Place" a menudo con su amiga, Maria Chabot, y más tarde con Eliot Porter . [62] [76]
La escuela secundaria Marquette en Madison, Wisconsin pasó a llamarse escuela secundaria Georgia O'Keeffe. [128]
O'Keeffe fue una leyenda a partir de la década de 1920, conocida tanto por su espíritu independiente y modelo femenino como por sus obras de arte dramáticas e innovadoras. [88] Nancy y Jules Heller dijeron: "Lo más notable de O'Keeffe fue la audacia y la singularidad de sus primeros trabajos". En aquella época, incluso en Europa, había pocos artistas que exploraran la abstracción. Aunque sus obras pueden mostrar elementos de diferentes movimientos modernistas, como el surrealismo y el precisionismo, su trabajo es exclusivamente de su propio estilo. [129]
Una parte sustancial de los activos de su patrimonio fueron transferidos a la Fundación Georgia O'Keeffe, una organización sin fines de lucro. El Museo Georgia O'Keeffe abrió sus puertas en Santa Fe en 1997. [88] Los bienes incluían una gran cantidad de su trabajo, fotografías, materiales de archivo y su casa, biblioteca y propiedad de Abiquiú. La Casa y Estudio de Georgia O'Keeffe en Abiquiú fue designada Monumento Histórico Nacional en 1998 y ahora es propiedad del Museo Georgia O'Keeffe. [73] Una especie fosilizada de arcosaurio fue nombrada Effigia okeeffeae ("El fantasma de O'Keeffe") en enero de 2006, "en honor a Georgia O'Keeffe por sus numerosas pinturas de las tierras baldías de Ghost Ranch y su interés en la cantera Coelophysis cuando fue descubierto". [130] En noviembre de 2016, el Museo Georgia O'Keeffe reconoció la importancia de su tiempo en Charlottesville al dedicarle una exposición utilizando acuarelas que había creado durante tres veranos. Se titulaba O'Keeffe en la Universidad de Virginia, 1912-1914 . [29]
En 1991, PBS emitió la producción de American Playhouse Un matrimonio: Georgia O'Keeffe y Alfred Stieglitz , protagonizada por Jane Alexander como O'Keeffe y Christopher Plummer como Alfred Stieglitz. [131] En 1996, el Servicio Postal de Estados Unidos emitió un sello de 32 centavos en honor a O'Keeffe. [132] En 2013, en el centenario del Armory Show , el USPS emitió un sello con Black Mesa Landscape, New Mexico/Out Back of Marie's II, 1930 de O'Keeffe como parte de su serie Modern Art in America. [133] Lifetime Television produjo una película biográfica de Georgia O'Keeffe protagonizada por Joan Allen como O'Keeffe, Jeremy Irons como Alfred Stieglitz, Henry Simmons como Jean Toomer , Ed Begley Jr. como Lee, el hermano de Stieglitz, y Tyne Daly como Mabel Dodge Luhan. Se estrenó el 19 de septiembre de 2009. [134] [135]
El 20 de noviembre de 2014, Jimson Weed/White Flower No 1 (1932) de O'Keeffe se vendió por 44.405.000 dólares en 2014 en una subasta a la heredera de Walmart, Alice Walton , más de tres veces el récord mundial de subasta anterior para cualquier artista femenina. [136] [137]
En Igualdad bajo el cielo: Georgia O'Keeffe y el feminismo del siglo XX , Linda M. Grasso documenta la participación de toda la vida de O'Keeffe en el feminismo y las cuestiones de las mujeres. O'Keeffe alcanzó la mayoría de edad como mujer y artista en la década de 1910, en el apogeo del movimiento por el sufragio femenino y el intenso fermento artístico del modernismo . Grasso señala que "los modernistas defendieron la ruptura, la innovación y la audacia en las formas, estilos y perspectivas del arte", y que O'Keeffe "se creó por primera vez como artista cuando el feminismo y el modernismo estaban interconectados". [138] Ya en 1915, O'Keeffe leía con entusiasmo libros y artículos sobre el sufragio femenino y la política cultural, como Women as World Builders: Studies in Modern Feminism de Floyd Dell . [139] Se habló mucho en esta época sobre la " Mujer Nueva ", liberada de las restricciones y costumbres victorianas y que se dedicaba libremente a su propia vida, educación y autoexpresión. O'Keeffe mantuvo un diálogo activo con su amiga sufragista Anita Pollitzer , con quien intercambió cartas sobre el tema. Pollitzer, de hecho, fue la primera persona en presentarle a Alfred Stieglitz la obra de arte de O'Keeffe. [140] También estaba leyendo a Charlotte Perkins Gilman y Olive Schreiner , entre otros, junto con la revista radical The Masses , y dando conferencias sobre la bailarina modernista Isadora Duncan . En un debate con Michael Gold en 1930, O'Keeffe dijo que estaba "interesada en la opresión de las mujeres de todas las clases". [141] Gross escribe: "Mantuvo una afiliación con el Partido Nacional de la Mujer e hizo declaraciones públicas sobre la discriminación de género y los derechos de las mujeres en entrevistas, discursos, cartas y artículos en la década de 1970". [142]
Recibió una aceptación sin precedentes como mujer artista en el mundo de las bellas artes debido a sus poderosas imágenes gráficas y una década después de mudarse a la ciudad de Nueva York, era la artista estadounidense mejor pagada. [143] Era conocida por un estilo distintivo en todos los aspectos de su vida. [144]
Some Living American Women Artists / Last Supper (1972) de Mary Beth Edelson se apropió de La última cena de Leonardo da Vinci , con las cabezas de mujeres artistas notables colocadas en collage sobre las cabezas de Cristo y sus apóstoles. La cabeza de Juan el Apóstol fue reemplazada por Nancy Graves y la de Cristo por Georgia O'Keeffe. Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía histórica religiosa y del arte en la subordinación de las mujeres, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ". [145] [146] Judy Chicago le dio a O'Keeffe un lugar destacado en su The Dinner Party (1979) en reconocimiento a lo que muchas artistas feministas prominentes consideraron una introducción innovadora de imágenes sensuales y feministas en sus obras de arte. [147] Aunque las feministas celebraron a O'Keeffe como la creadora de la " iconografía femenina ", [148] ella no se consideraba feminista. [149] No le gustaba que la llamaran "mujer artista" y quería ser considerada una "artista". [150]
{{cite book}}: Mantenimiento CS1: varios nombres: lista de autores ( enlace )... su lugar, a través de los ojos y la lente de su amigo cercano y de toda la vida, el fotógrafo Todd Webb (1905-2000), quien produjo una gloriosa colección de fotografías de ella y su entorno en sus casas Ghost Ranch y Abiquiú entre 1955 y 1981. .
La personalidad irritable de O'Keeffe es legendaria, pero con Webb muestra el tipo de tranquilidad y calma que quería encarnar.
De 1972 a 1976-77, O'Keeffe continuó trabajando al óleo, pastel y acuarela, pero sólo con ayuda. Sin embargo, podía trabajar sin ayuda con carboncillo y lápiz, y así lo hizo hasta 1984.
O'Keeffe pintó su último cuadro al óleo sin ayuda en 1972.
Georgia O'Keeffe (1887–1986)...Medalla presidencial de la libertad recibida el 10 de enero de 1977
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