La música medieval abarca la música sacra y secular de Europa occidental durante la Edad Media , [1] aproximadamente desde el siglo VI al XV. Es la primera y más larga era importante de la música clásica occidental y es seguida por la música renacentista ; las dos eras comprenden lo que los musicólogos generalmente denominan música antigua , anterior al período de práctica común . Siguiendo la división tradicional de la Edad Media, la música medieval se puede dividir en música medieval temprana (500-1000), alta (1000-1300) y tardía (1300-1400).
La música medieval incluye música litúrgica utilizada en la iglesia, otra música sacra y música secular o no religiosa. Gran parte de la música medieval es puramente vocal, como el canto gregoriano . En otras músicas se utilizan solo instrumentos o voces e instrumentos (normalmente, los instrumentos acompañan a las voces).
En la época medieval se crearon y adaptaron sistemas de notación musical que permitieron a los creadores documentar y transmitir ideas musicales con mayor facilidad, aunque la notación coexistió con la tradición oral y la complementó .
La música medieval se creó para una serie de usos y contextos diferentes, lo que dio lugar a diferentes géneros musicales . Los contextos litúrgicos , así como los contextos sagrados más generales , fueron importantes, pero también surgieron tipos seculares , incluidas las canciones de amor y las danzas. Durante el período medieval temprano , la música litúrgica era un canto monofónico ; el canto gregoriano se convirtió en el estilo dominante. Los géneros polifónicos , en los que se interpretan simultáneamente múltiples líneas melódicas independientes, comenzaron a desarrollarse durante la alta era medieval , y se volvieron predominantes a fines del siglo XIII y principios del XIV. El desarrollo de formas polifónicas a menudo se asocia con el estilo Ars antiqua asociado con Notre-Dame de Paris , pero la polifonía improvisada en torno a líneas de canto fue anterior a esto. [2]
El organum , por ejemplo, elaboraba una melodía de canto creando una o más líneas de acompañamiento. La línea de acompañamiento podía ser tan simple como una segunda línea cantada en intervalos paralelos al canto original (a menudo una quinta o cuarta perfectas alejadas de la melodía principal). Los principios de este tipo de organum se remontan al menos a un tratado anónimo del siglo IX, la Musica enchiriadis , que describe la tradición de duplicar un canto llano preexistente en movimiento paralelo en el intervalo de una octava, una quinta o una cuarta. [3] Algunos de los primeros ejemplos escritos pertenecen a un estilo conocido como polifonía aquitana , pero el mayor corpus de organum superviviente procede de la escuela de Notre-Dame . Esta colección suelta de repertorio suele denominarse Magnus Liber Organi ( Gran libro del organum ). [4]
Los géneros polifónicos relacionados incluían el motete y el género de la clausula , ambos también construidos a menudo sobre un segmento original de canto llano o como una elaboración de un pasaje de organum. [5] Si bien la mayoría de los primeros motetes eran sagrados y pueden haber sido litúrgicos (diseñados para su uso en un servicio religioso), a fines del siglo XIII el género se había expandido para incluir temas seculares, como la sátira política y el amor cortés , y textos en francés y en latín. También incluían de una a tres voces superiores, cada una con su propio texto. [6]
En Italia, el género profano del madrigal se hizo popular. De manera similar al carácter polifónico del motete, los madrigales presentaban una mayor fluidez y movimiento en la línea melódica principal. La forma del madrigal también dio origen a los cánones polifónicos (canciones en las que varios cantantes cantan la misma melodía, pero comenzando en diferentes momentos), especialmente en Italia, donde se los llamaba caccie. Se trataba de piezas profanas a tres voces, que presentaban las dos voces más agudas del canon, con un acompañamiento instrumental subyacente de notas largas. [7]
A finales de la Edad Media, también se empezó a escribir música puramente instrumental, aunque esto siguió siendo poco frecuente. La música de baile constituye la mayor parte de la música instrumental que sobrevive, e incluye tipos como la estampie , la ductia y la nota. [8]
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Muchos instrumentos utilizados para interpretar música medieval todavía existen en el siglo XXI, pero en formas diferentes y típicamente más desarrolladas tecnológicamente . [9] La flauta estaba hecha de madera en la época medieval en lugar de plata u otro metal, y podía fabricarse como un instrumento de soplado lateral o de soplado final. Mientras que las flautas de orquesta modernas generalmente están hechas de metal y tienen mecanismos de teclas complejos y almohadillas herméticas, las flautas medievales tenían agujeros que el intérprete tenía que cubrir con los dedos (como con la flauta dulce). La flauta dulce estaba hecha de madera durante la época medieval, y a pesar del hecho de que en el siglo XXI puede estar hecha de materiales sintéticos como el plástico, ha conservado más o menos su forma anterior. El gemshorn es similar a la flauta dulce, ya que tiene agujeros para los dedos en su parte delantera, aunque en realidad es un miembro de la familia de las ocarinas . Uno de los predecesores de la flauta, la flauta de pan , fue popular en la época medieval y posiblemente sea de origen helénico . Los tubos de este instrumento estaban hechos de madera y estaban graduados en longitud para producir diferentes tonos. [ cita requerida ]
La música medieval utilizaba muchos instrumentos de cuerda pulsada, como el laúd , un instrumento con trastes y un cuerpo hueco en forma de pera que es el predecesor de la guitarra moderna. Otros instrumentos de cuerda pulsada eran el mandore , el gittern , la cítola y el salterio . Los dulcémeles , de estructura similar al salterio y la cítara , eran originalmente de cuerda pulsada, pero los músicos comenzaron a tocar el dulcémele con martillos en el siglo XIV después de la llegada de la nueva tecnología de los metales que hizo posible las cuerdas de metal. [ cita requerida ]
La lira de arco del Imperio bizantino fue el primer instrumento de cuerda frotada europeo registrado. Al igual que el violín moderno, un intérprete producía sonido moviendo un arco con cerdas tensas sobre cuerdas tensas. El geógrafo persa Ibn Khurradadhbih del siglo IX ( fallecido en 911 ) citó la lira bizantina , en su discusión lexicográfica de los instrumentos como un instrumento de arco equivalente al rabāb árabe e instrumento típico de los bizantinos junto con el urghun (órgano), [10] [ verificación fallida ] el shilyani (probablemente un tipo de arpa o lira ) y el salandj (probablemente una gaita ). [11] La zanfona era (y todavía es) un violín mecánico que usa una rueda de madera colofonia unida a una manivela para "arquear" sus cuerdas. Los instrumentos sin caja de resonancia como el arpa de boca también eran populares. Se utilizaron versiones tempranas del órgano de tubos , el violín (o vielle ) y un precursor del trombón moderno (llamado sacabuche ). [ cita requerida ]
Durante el período medieval se sentaron las bases para las prácticas teóricas y de notación que darían forma a la música occidental según las normas que se desarrollaron durante la era de la práctica común . La más obvia de ellas es el desarrollo de un sistema integral de notación musical ; sin embargo, los avances teóricos, en particular en lo que respecta al ritmo y la polifonía, son igualmente importantes para el desarrollo de la música occidental.
La música medieval más antigua no tenía ningún tipo de sistema de notación. Las melodías eran principalmente monofónicas (una sola melodía sin acompañamiento ) y se transmitían por tradición oral. [12] A medida que Roma intentaba centralizar las diversas liturgias y establecer el rito romano como la tradición primaria de la iglesia, la necesidad de transmitir estas melodías de canto a través de grandes distancias de manera efectiva era igualmente evidente. [13] Mientras la música solo podía enseñarse a la gente "de oído", limitó la capacidad de la iglesia para lograr que diferentes regiones cantaran las mismas melodías, ya que cada nueva persona tendría que pasar tiempo con una persona que ya conocía una canción y aprenderla "de oído". El primer paso para solucionar este problema llegó con la introducción de varios signos escritos sobre los textos del canto para indicar la dirección del movimiento de tono, llamados neumas . [12]
El origen de los neumas no está claro y es objeto de cierto debate; sin embargo, la mayoría de los estudiosos coinciden en que sus antepasados más cercanos son los signos gramaticales clásicos griegos y romanos que indicaban puntos importantes de la declamación registrando el ascenso y descenso de la voz. [14] Los dos signos básicos de los gramáticos clásicos eran el acutus , /, que indicaba un ascenso de la voz, y el gravis , \, que indicaba un descenso de la voz. Un cantante que leyera un texto de canto con marcas de neume podría tener una idea general de si la línea melódica subía de tono, se mantenía igual o bajaba de tono. Dado que los cantantes entrenados conocían bien el repertorio del canto, las marcas de neume escritas sobre el texto servían como recordatorio de la melodía, pero no especificaban los intervalos reales. [15] Sin embargo, un cantante que leyera un texto de canto con marcas de neume no podría leer a primera vista una canción que nunca hubiera escuchado cantar antes; estas piezas no serían posibles de interpretar con precisión hoy en día sin versiones posteriores en sistemas de notación más precisos. [16]
Estos neumas acabaron evolucionando hasta convertirse en los símbolos básicos de la notación neumática : la virga (o "vara"), que indica una nota más alta y sigue pareciendo el acutus del que procede; y el punctum (o "punto"), que indica una nota más baja y, como sugiere su nombre, reduce el símbolo gravis a un punto. [14] Así, el acutus y el gravis podían combinarse para representar inflexiones vocales gráficas en la sílaba. [14] Este tipo de notación parece haberse desarrollado no antes del siglo VIII, pero en el IX se estableció firmemente como el método principal de notación musical. [17] La notación básica de la virga y el punctum siguieron siendo los símbolos de las notas individuales, pero pronto se desarrollaron otros neumas que mostraban varias notas unidas. Estos nuevos neumas , llamados ligaduras, son esencialmente combinaciones de los dos signos originales. [18]
La primera notación musical consistía en utilizar puntos sobre la letra de un canto, algunos de los cuales eran más agudos o más graves, lo que daba al lector una idea general de la dirección de la melodía. Sin embargo, esta forma de notación sólo servía como ayuda para la memoria de un cantante que ya conocía la melodía. [19] Esta notación neumática básica sólo podía especificar el número de notas y si subían o bajaban. No había forma de indicar el tono exacto, ningún ritmo o incluso la nota inicial. Estas limitaciones son una indicación más de que los neumas se desarrollaron como herramientas para apoyar la práctica de la tradición oral, en lugar de suplantarla. Sin embargo, aunque comenzó como una mera ayuda para la memoria, pronto se hizo evidente el valor de tener una notación más específica. [17]
El siguiente desarrollo en la notación musical fueron los " neumas elevados ", en los que los neumas se colocaban cuidadosamente a diferentes alturas en relación con los demás. Esto permitía que los neumas dieran una indicación aproximada del tamaño de un intervalo dado, así como de la dirección. Esto llevó rápidamente a que se colocaran una o dos líneas, cada una representando una nota particular, en la partitura con todos los neumas relacionados con las anteriores. Al principio, estas líneas no tenían un significado particular y, en su lugar, se colocaba una letra al principio que indicaba qué nota representaba. Sin embargo, las líneas que indicaban el do central y el fa una quinta más abajo se volvieron poco a poco más comunes. Al principio, las líneas simplemente se dibujaban en el pergamino, pero ahora se dibujaban con tintas de dos colores diferentes: generalmente rojo para fa y amarillo o verde para do. Este fue el comienzo del pentagrama musical. [20] La finalización del pentagrama de cuatro líneas generalmente se atribuye a Guido d'Arezzo ( c. 1000-1050 ), uno de los teóricos musicales más importantes de la Edad Media. Aunque fuentes más antiguas atribuyen el desarrollo del pentagrama a Guido, algunos estudiosos modernos sugieren que actuó más como codificador de un sistema que ya se estaba desarrollando. De cualquier manera, esta nueva notación le permitió a un cantante aprender piezas completamente desconocidas para él en un período de tiempo mucho más corto. [13] [21] Sin embargo, a pesar de que la notación del canto había progresado de muchas maneras, un problema fundamental persistía: el ritmo. El sistema de notación neumática , incluso en su estado plenamente desarrollado, no definía claramente ningún tipo de ritmo para el canto de notas. [22]
La teoría musical del período medieval experimentó varios avances respecto de la práctica anterior, tanto en lo que respecta al material tonal, la textura y el ritmo.
En cuanto al ritmo , este período tuvo varios cambios dramáticos tanto en su concepción como en su notación. Durante el período medieval temprano no había ningún método para notar el ritmo, y por lo tanto la práctica rítmica de esta música antigua está sujeta a debate entre los académicos. [22] El primer tipo de sistema rítmico escrito se desarrolló durante el siglo XIII y se basó en una serie de modos. Este plan rítmico fue codificado por el teórico musical Johannes de Garlandia , autor de De Mensurabili Musica ( c. 1250 ), el tratado que definió y elucidaba más completamente estos modos rítmicos . [23] En su tratado, Johannes de Garlandia describe seis especies de modo, o seis formas diferentes en las que se pueden organizar las notas largas y breves. Cada modo establece un patrón rítmico en pulsos (o tempora ) dentro de una unidad común de tres tempora (una perfectio ) que se repite una y otra vez. Además, la notación sin texto se basa en cadenas de ligaduras ( las notaciones características mediante las cuales los grupos de notas se unen entre sí).
El modo rítmico puede determinarse generalmente por los patrones de ligaduras utilizados. [24] Una vez que se había asignado un modo rítmico a una línea melódica, generalmente había poca desviación de ese modo, aunque los ajustes rítmicos podían indicarse por cambios en el patrón esperado de ligaduras, incluso hasta el punto de cambiar a otro modo rítmico. [25] El siguiente paso adelante en lo que respecta al ritmo vino del teórico alemán Franco de Colonia . En su tratado Ars cantus mensurabilis ("El arte de la música mensurable"), escrito alrededor de 1280, describe un sistema de notación en el que las notas de formas diferentes tienen valores rítmicos completamente diferentes. Este es un cambio sorprendente con respecto al sistema anterior de de Garlandia. Mientras que antes la duración de la nota individual solo podía obtenerse del modo en sí, esta nueva relación invertida hizo que el modo dependiera de las notas individuales o figurae que tienen valores duracionales incontrovertibles, y estuviera determinado por ellas, [26] una innovación que tuvo un impacto masivo en la historia posterior de la música europea. La mayor parte de la música escrita que se conserva del siglo XIII utiliza los modos rítmicos definidos por Garlandia. El paso en la evolución del ritmo se produjo a finales del siglo XIII con el desarrollo del estilo Ars Nova .
El teórico más reconocido en lo que respecta a este nuevo estilo es Philippe de Vitry , famoso por escribir el tratado Ars Nova ("Arte nuevo") alrededor de 1320. Este tratado sobre música dio su nombre al estilo de toda esta era. [27] En cierto modo, el sistema moderno de notación rítmica comenzó con Vitry, quien se liberó por completo de la antigua idea de los modos rítmicos. Los predecesores de notación de los metros de tiempo modernos también se originaron en el Ars Nova . Este nuevo estilo se construyó claramente sobre la obra de Franco de Colonia. En el sistema de Franco, la relación entre una breve y una semibreves (es decir, medias breves) era equivalente a la que existía entre una breve y una larga: y, dado que para él el modus siempre era perfecto (agrupado de tres en tres), el tempus o pulso también era inherentemente perfecto y, por lo tanto, contenía tres semibreves. A veces, el contexto del modo requeriría un grupo de solo dos semibrevas, sin embargo, estas dos semibrevas siempre serían una de duración normal y una de duración doble, ocupando así el mismo espacio de tiempo y preservando así la subdivisión perfecta del tempus . [28] Esta división ternaria se mantuvo para todos los valores de nota. En contraste, el período Ars Nova introdujo dos cambios importantes: el primero fue una subdivisión aún más pequeña de las notas (las semibrevas, ahora podían dividirse en mínimas ), y el segundo fue el desarrollo de la "mensuración".
Las mediciones podían combinarse de diversas maneras para producir agrupaciones métricas. Estas agrupaciones de mediciones son las precursoras del metro simple y compuesto. [29] En la época de Ars Nova , la división perfecta del tempus no era la única opción, ya que las divisiones binarias se volvieron más aceptadas. Para Vitry, la breve podía dividirse, para una composición completa, o sección de una, en grupos de dos o tres semibreves más pequeñas. De esta manera, el tempus (el término que llegó a denotar la división de la breve) podía ser "perfecto" ( tempus perfectum ), con subdivisión ternaria, o "imperfecto" ( tempus imperfectum ), con subdivisión binaria. [30] De manera similar, la división de la semibreve (llamada prolación ) podría dividirse en tres mínimos ( prolatio perfectus o prolación mayor) o dos mínimos ( prolatio imperfectus o prolación menor) y, en un nivel superior, la división de las largas (llamada modus ) podría ser de tres o dos breves ( modus perfectus o modo perfecto, o modus imperfectus o modo imperfecto respectivamente). [31] [32] Vitry llevó esto un paso más allá al indicar la división adecuada de una pieza dada al principio mediante el uso de un "signo de mensuración", equivalente a nuestra "firma de compás" moderna. [33]
El tempus perfectum se indicaba con un círculo, mientras que el tempus imperfectum se denotaba con un semicírculo [33] (el símbolo actual
, utilizado como alternativa para el4 4compás, es en realidad un remanente de este símbolo, no una letra C como abreviatura de "tiempo común", como popularmente se cree). Si bien muchas de estas innovaciones se atribuyen a Vitry, y están algo presentes en el tratado Ars Nova , fue un contemporáneo (y conocido personal) de de Vitry, llamado Johannes de Muris (o Jehan des Mars ) quien ofreció el tratamiento más completo y sistemático de las nuevas innovaciones mensurales del Ars Nova [29] (para una breve explicación de la notación mensural en general, consulte el artículo Música renacentista ). Muchos académicos, citando una falta de evidencia atributiva positiva, ahora consideran que el tratado de "Vitry" es anónimo, pero esto no disminuye su importancia para la historia de la notación rítmica. Sin embargo, esto hace que el primer académico definitivamente identificable que acepta y explica el sistema mensural sea de Muris, de quien se puede decir que hizo por él lo que Garlandia hizo por los modos rítmicos.
Durante el período medieval, la mayor parte de la música se componía principalmente en tempus perfecto, con efectos especiales creados por secciones de tempus imperfecto; existe una gran controversia actual entre los musicólogos sobre si dichas secciones se interpretaban con una breve de igual duración o si cambiaba, y en caso afirmativo, en qué proporción. Este estilo de Ars Nova siguió siendo el sistema rítmico principal hasta las obras altamente sincopadas del Ars subtilior a finales del siglo XIV, caracterizadas por extremos de complejidad rítmica y de notación. [34] Este subgénero llevó la libertad rítmica proporcionada por el Ars Nova a sus límites, con algunas composiciones que tenían diferentes voces escritas en diferentes mediciones simultáneamente. La complejidad rítmica que se logró en esta música es comparable a la del siglo XX. [35]
De igual importancia para la historia general de la teoría musical occidental fueron los cambios texturales que vinieron con el advenimiento de la polifonía. Esta práctica dio forma a la música occidental en la música dominada por los armónicos que conocemos hoy. [36] Los primeros relatos de este desarrollo textural se encontraron en dos tratados anónimos pero de amplia circulación sobre música, la Musica y la Scolica enchiriadis . Estos textos datan de algún momento dentro de la segunda mitad del siglo IX. [37] Los tratados describen una técnica que parecía ya estar bien establecida en la práctica. [37] Esta polifonía temprana se basa en tres intervalos simples y tres compuestos. El primer grupo comprende cuartas, quintas y octavas; mientras que el segundo grupo tiene octava más cuartas, octava más quintas y octavas dobles. [37] Esta nueva práctica recibe el nombre de organum por el autor de los tratados. [37] El organum se puede clasificar además dependiendo del período de tiempo en el que fue escrito. El organum primitivo descrito en la enchiriadis puede denominarse " organum estricto " [38]. El organum estricto puede, a su vez, subdividirse en dos tipos: diapente (organum en el intervalo de una quinta) y diatesseron (organum en el intervalo de una cuarta). [38] Sin embargo, ambos tipos de organum estricto tenían problemas con las reglas musicales de la época. Si alguno de ellos se mantenía en paralelo a un canto original durante demasiado tiempo (dependiendo del modo), se obtenía un tritono . [39]
Este problema se superó en cierta medida con el uso de un segundo tipo de organum . Este segundo estilo de organum se llamó " organum libre ". Su factor distintivo es que las partes no tenían que moverse solo en movimiento paralelo, sino que también podían moverse en movimiento oblicuo o contrario. Esto hizo que fuera mucho más fácil evitar el temido tritono. [40] El estilo final de organum que se desarrolló fue conocido como " organum melismático ", que fue un cambio bastante dramático con respecto al resto de la música polifónica hasta este punto. Este nuevo estilo no era nota contra nota, sino más bien una línea sostenida acompañada de una línea melismática florida. [41] Este tipo final de organum también fue incorporado por el compositor polifónico más famoso de esta época, Léonin . Unió este estilo con pasajes discantes medidos , que usaban los modos rítmicos para crear el pináculo de la composición de organum . [41] Esta etapa final del organum se conoce a veces como la escuela de polifonía de Notre Dame , ya que allí se encontraban Léonin (y su alumno Pérotin ). Además, este tipo de polifonía influyó en todos los estilos posteriores, y los géneros polifónicos posteriores de motetes comenzaron como un tropo de los organums de Notre Dame existentes .
Otro elemento importante de la teoría musical medieval fue el sistema por el cual se organizaban y entendían los tonos. Durante la Edad Media, esta disposición sistemática de una serie de tonos y semitonos, lo que ahora llamamos una escala , se conocía como un modo . [ cita requerida ] El sistema modal funcionaba como las escalas de hoy, en la medida en que proporcionaba las reglas y el material para la escritura melódica. [42] Los ocho modos de la iglesia son: dórico , hipodoriano , frigio , hipofrigio , lidio , hipolidio , mixolidio e hipomixolidio . [43] Gran parte de la información sobre estos modos, así como su aplicación práctica, fue codificada en el siglo XI por el teórico Johannes Afflighemensis . En su trabajo describe tres elementos definitorios de cada modo: el final (o finalis) , el tono de recitación ( tenor o confinalis ) y el rango (o ambitus ). El finalis es el tono que sirve como punto focal del modo y, como sugiere el nombre, casi siempre se utiliza como tono final. El tono de recitación es el tono que sirve como punto focal principal en la melodía (particularmente internamente). Por lo general, también es el tono que se repite con más frecuencia en la pieza y, finalmente, el rango delimita los tonos superiores e inferiores para un modo determinado. [44] Los ocho modos se pueden dividir en cuatro categorías según su final ( finalis ).
Los teóricos medievales llamaron a estos pares maneriae y los etiquetaron según los números ordinales griegos. Aquellos modos que tienen re, mi, fa y sol como final se colocan en los grupos protus , deuterus , tritus y tetrardus respectivamente. [45] Estos pueden dividirse aún más en función de si el modo es "auténtico" o "plagal". Estas distinciones tratan sobre el rango del modo en relación con el final. Los modos auténticos tienen un rango de aproximadamente una octava (se permite un tono por encima o por debajo) y comienzan en el final, mientras que los modos plagales, aunque todavía cubren aproximadamente una octava, comienzan una cuarta perfecta por debajo del auténtico. [46] Otro aspecto interesante del sistema modal es el uso de " Musica ficta ", que permite alterar los tonos (cambiar si ♮ a si ♭, por ejemplo) en ciertos contextos independientemente del modo. [47] Estos cambios tienen varios usos, pero uno que parece particularmente común es evitar dificultades melódicas causadas por el tritono. [48]
Estos modos eclesiásticos, aunque tienen nombres griegos, tienen poca relación con los modos establecidos por los teóricos griegos. Más bien, la mayor parte de la terminología parece ser una apropiación indebida por parte de los teóricos medievales [43] . Aunque los modos eclesiásticos no tienen relación con los modos griegos antiguos, la sobreabundancia de terminología griega apunta a un posible origen interesante en las melodías litúrgicas de la tradición bizantina . Este sistema se llama octoechos y también se divide en ocho categorías, llamadas echoi [49] .
Para teóricos de la música medieval específicos, véase también: Isidoro de Sevilla , Aureliano de Réôme , Odón de Cluny , Guido de Arezzo , Hermannus Contractus , Johannes Cotto (Johannes Afflighemensis), Johannes de Muris , Franco de Colonia , Johannes de Garlandia (Johannes Gallicus) , Anónimo IV , Marchetto da Padova (Marchettus de Padua), Jacques de Lieja , Johannes de Grocheo , Petrus de Cruce (Pierre de la Croix) y Philippe de Vitry .
El canto (o canto llano ) es una forma sacra monofónica (melodía única, sin acompañamiento) que representa la música más antigua conocida de la iglesia cristiana. El canto se desarrolló por separado en varios centros europeos. Aunque los más importantes fueron Roma , Hispania , Galia , Milán e Irlanda, también hubo otros. Todos estos estilos se desarrollaron para apoyar las liturgias regionales utilizadas al celebrar la misa allí. Cada área desarrolló su propio canto y reglas para la celebración. En España y Portugal , se utilizó el canto mozárabe y muestra la influencia de la música del norte de África . La liturgia mozárabe incluso sobrevivió durante el gobierno musulmán , aunque esta fue una corriente aislada y esta música fue suprimida más tarde en un intento de imponer la conformidad en toda la liturgia. En Milán, el canto ambrosiano , llamado así por San Ambrosio , fue el estándar, mientras que el canto beneventano se desarrolló alrededor de Benevento , otro centro litúrgico italiano. El canto galicano se utilizó en la Galia y el canto celta en Irlanda y Gran Bretaña.
La dinastía carolingia reinante quería estandarizar la misa y el canto en todo su imperio franco . En ese momento, Roma era el centro religioso de Europa occidental, y el norte de la Galia y Renania (sobre todo la ciudad de Aquisgrán ) era el centro político. El esfuerzo de estandarización consistió principalmente en combinar las dos liturgias regionales, la romana y la galicana . Carlomagno (742-814) envió cantantes capacitados por todo el Imperio para enseñar esta nueva forma de canto. [50] Este cuerpo de canto se conoció como canto gregoriano , llamado así por el papa Gregorio I. Se decía que el canto gregoriano fue recopilado y codificado durante su papado o incluso compuesto por él mismo, inspirado por el Espíritu Santo en forma de paloma. Sin embargo, esa es solo una leyenda popular que fue difundida por los carolingios que querían legitimar sus esfuerzos de unificación litúrgica. El canto gregoriano ciertamente no existía en ese momento. Es posible, sin embargo, que el papado de Gregorio haya contribuido realmente a recopilar y codificar el canto romano de la época que, en los siglos IX y X, formó, junto con el canto galicano, una de las dos raíces del canto gregoriano. [51] [52] En los siglos XII y XIII, el canto gregoriano había reemplazado a todas las demás tradiciones de canto occidental, con la excepción del canto ambrosiano en Milán y el canto mozárabe en unas pocas capillas españolas especialmente designadas. Hildegard von Bingen (1098-1179) fue una de las primeras compositoras conocidas. Escribió muchas obras monofónicas para la Iglesia católica, casi todas ellas para voces femeninas.
A finales del siglo IX, los cantantes de monasterios como el de San Gall en Suiza comenzaron a experimentar con la adición de otra parte al canto, generalmente una voz en movimiento paralelo , cantando principalmente en cuartas o quintas perfectas por encima de la melodía original (véase intervalo ). Este desarrollo se llama organum y representa los inicios del contrapunto y, en última instancia, de la armonía . [53] Durante los siguientes siglos, el organum se desarrolló de varias maneras.
El más significativo de estos desarrollos fue la creación del "organum florido" alrededor de 1100, a veces conocido como la escuela de San Marcial (llamado así por un monasterio en el centro-sur de Francia, que contiene el manuscrito mejor conservado de este repertorio). En el "organum florido" la melodía original se cantaba en notas largas mientras una voz acompañante cantaba muchas notas para cada una de las originales, a menudo de una manera muy elaborada, al mismo tiempo que enfatizaba las consonancias perfectas (cuartas, quintas y octavas), como en el organa anterior. Desarrollos posteriores del organum tuvieron lugar en Inglaterra, donde se favorecía particularmente el intervalo de tercera , y donde el organa probablemente se improvisaba sobre una melodía de canto existente, y en Notre Dame en París, que iba a ser el centro de la actividad creativa musical durante todo el siglo XIII.
Gran parte de la música del período medieval temprano es anónima . Algunos de los nombres pueden haber sido poetas y escritores líricos, y las melodías para las que escribieron palabras pueden haber sido compuestas por otros. La atribución de música monofónica del período medieval no siempre es confiable. Los manuscritos sobrevivientes de este período incluyen la Musica Enchiriadis , el Codex Calixtinus de Santiago de Compostela , el Magnus Liber y el Winchester Troper . Para obtener información sobre compositores o poetas específicos que escribieron durante el período medieval temprano, consulte Papa Gregorio I , San Godric , Hildegarda de Bingen , Hucbald , Notker Balbulus , Odón de Arezzo , Odón de Cluny y Tutilo .
Otra tradición musical de Europa que se originó durante la Alta Edad Media fue el drama litúrgico .
El drama litúrgico se desarrolló posiblemente en el siglo X a partir de los tropos, adornos poéticos de los textos litúrgicos. Uno de los tropos, el llamado Quem Quaeritis, perteneciente a la liturgia de la mañana de Pascua, se convirtió en una obra breve alrededor del año 950. [54] La fuente escrita más antigua que sobrevive es el Troper de Winchester. Alrededor del año 1000 se cantaba ampliamente en el norte de Europa. [55] [ verificación fallida ]
Poco tiempo después, [ aclaración necesaria ] se desarrolló una obra navideña similar, musical y textualmente posterior a la de Pascua, y le siguieron otras obras.
Existe una controversia entre los musicólogos en cuanto al acompañamiento instrumental de tales obras, dado que las acotaciones escénicas, muy elaboradas y precisas en otros aspectos, no solicitan ninguna participación de instrumentos. [ cita requerida ] Estos dramas fueron interpretados por monjes, monjas y sacerdotes. [ cita requerida ] A diferencia de las obras profanas, que eran habladas, el drama litúrgico siempre era cantado. [ cita requerida ] Muchos se han conservado lo suficiente como para permitir la reconstrucción y representación modernas (por ejemplo, el Drama de Daniel , que ha sido grabado recientemente al menos diez veces).
Los goliardos fueron poetas y músicos itinerantes de Europa desde el siglo X hasta mediados del siglo XIII. La mayoría eran eruditos o eclesiásticos , y escribían y cantaban en latín. Aunque muchos de los poemas han sobrevivido, muy poco de la música lo ha hecho. Posiblemente influyeron, incluso decisivamente, en la tradición trovadoresca - trouvère que vendría después. La mayor parte de su poesía es secular y, mientras que algunas de las canciones celebran ideales religiosos, otras son francamente profanas y tratan sobre la embriaguez, el libertinaje y la lujuria. Una de las fuentes existentes más importantes de las canciones de los goliardos es Carmina Burana . [56]
El florecimiento de la escuela polifónica de Notre Dame , entre 1150 y 1250, coincidió con los igualmente impresionantes logros de la arquitectura gótica : de hecho, el centro de actividad estaba en la propia catedral de Notre Dame . A veces, la música de este período se denomina escuela parisina u organum parisino y representa el comienzo de lo que se conoce convencionalmente como Ars antiqua . Este fue el período en el que apareció por primera vez la notación rítmica en la música occidental, principalmente un método de notación rítmica basado en el contexto conocido como modos rítmicos .
Este fue también el período en el que se desarrollaron conceptos de estructura formal que prestaban atención a la proporción, la textura y el efecto arquitectónico. Los compositores de la época alternaron organum florido y discante (más nota contra nota, en oposición a la sucesión de melismas de muchas notas contra notas sostenidas durante mucho tiempo que se encuentra en el tipo florido), y crearon varias formas musicales nuevas: clausulae , que eran secciones melismáticas de organa extraídas y ajustadas con nuevas palabras y mayor elaboración musical; conductus , que eran canciones para una o más voces que se cantaban rítmicamente, muy probablemente en una procesión de algún tipo; y tropos , que eran adiciones de nuevas palabras y, a veces, nueva música a secciones de canto más antiguo. Todos estos géneros, excepto uno, se basaban en el canto; es decir, una de las voces (generalmente tres, aunque a veces cuatro), casi siempre la más baja (el tenor en este punto) cantaba una melodía de canto, aunque con duraciones de notas compuestas libremente, sobre la que las otras voces cantaban organum. La excepción a este método fue el conductus, una composición a dos voces que se componía libremente en su totalidad. [ cita requerida ]
El motete , una de las formas musicales más importantes de la Alta Edad Media y el Renacimiento, se desarrolló inicialmente durante el período de Notre Dame a partir de la clausula, especialmente la forma que utiliza varias voces elaborada por Perotin , quien allanó el camino para esto particularmente al reemplazar muchas de las largas y floridas clausulas de su predecesor (como canónigo de la catedral) Léonin con sustitutos en un estilo discente. Gradualmente, llegaron a existir libros completos de estos sustitutos, disponibles para ser incluidos dentro y fuera de los diversos cantos. Dado que, de hecho, había más de los que posiblemente se podrían haber usado en contexto, es probable que las clausulas llegaran a interpretarse de forma independiente, ya sea en otras partes de la misa o en devociones privadas. La clausula, así practicada, se convirtió en el motete cuando se combinaba con palabras no litúrgicas, y esto se desarrolló aún más en una forma de gran elaboración, sofisticación y sutileza en el siglo XIV, el período del Ars nova . Los manuscritos sobrevivientes de esta época incluyen el Códice de Montpellier , el Códice de Bamberg y el Códice de Las Huelgas .
Entre los compositores de esta época se encuentran Léonin , Pérotin , W. de Wycombe , Adam de St. Victor y Petrus de Cruce (Pierre de la Croix). A Petrus se le atribuye la innovación de escribir más de tres semibreves para adaptarse a la longitud de una breve. Esta práctica, anterior a la innovación del tempus imperfecto, inauguró la era de los llamados motetes "petronianos". Estas obras de finales del siglo XIII tienen entre tres y cuatro partes y tienen varios textos cantados simultáneamente. Originalmente, la línea de tenor (del latín tenere , "sostener") contenía una línea de canto litúrgico preexistente en el latín original, mientras que el texto de las voces de una, dos o incluso tres voces superiores, llamadas voces organales , proporcionaba comentarios sobre el tema litúrgico, ya sea en latín o en francés vernáculo. Los valores rítmicos de las voces organales disminuyeron a medida que se multiplicaban las partes, con el duplum (la parte por encima del tenor) teniendo valores rítmicos más pequeños que el tenor, el triplum (la línea por encima del duplum ) teniendo valores rítmicos más pequeños que el duplum , y así sucesivamente. A medida que pasó el tiempo, los textos de las voces organales se volvieron cada vez más seculares en su naturaleza y tenían una conexión cada vez menos evidente con el texto litúrgico en la línea del tenor. [57]
La creciente complejidad rítmica que se observa en los motetes petronianos sería una característica fundamental del siglo XIV, aunque la música en Francia, Italia e Inglaterra tomaría caminos bastante diferentes durante esa época. [ cita requerida ]
Las Cantigas de Santa María son 420 poemas con notación musical, escritos en gallego-portugués durante el reinado de Alfonso X el Sabio (1221-1284). [58] El manuscrito fue probablemente compilado entre 1270 y 1280, y está muy decorado, con una iluminación cada 10 poemas. [59] Las iluminaciones a menudo representan músicos, lo que hace del manuscrito una fuente particularmente importante de iconografía musical medieval. [58] Aunque las Cantigas a menudo se atribuyen a Alfonso, no está claro si él mismo era un compositor, o tal vez un compilador; [59] Se sabe que Alfonso invitaba regularmente a músicos y poetas a la corte que sin duda estuvieron involucrados en la producción de las Cantigas . [60]
Se trata de una de las mayores colecciones de canciones monofónicas (solistas) de la Edad Media y se caracteriza por la mención de la Virgen María en cada canción, mientras que cada décima canción es un himno. Los manuscritos han sobrevivido en cuatro códices: dos en El Escorial , uno en la Biblioteca Nacional de Madrid y uno en Florencia , Italia. Algunos tienen miniaturas coloreadas que muestran parejas de músicos tocando una amplia variedad de instrumentos .
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La música de los trovadores y trovadores era una tradición vernácula de canciones profanas monofónicas, probablemente acompañadas de instrumentos, cantadas por músicos profesionales, a veces itinerantes, que eran tan hábiles como poetas como cantantes e instrumentistas. La lengua de los trovadores era el occitano (también conocido como langue d'oc o provenzal); la lengua de los trovadores era el francés antiguo (también conocido como langue d'oïl ). El período de los trovadores correspondió al florecimiento de la vida cultural en Provenza , que duró hasta el siglo XII y la primera década del XIII. Los temas típicos de la canción trovadoresca eran la guerra, la caballería y el amor cortés (el amor de una mujer idealizada de lejos). El período de los trovadores llegó a su fin después de la Cruzada Albigense , la feroz campaña del Papa Inocencio III para eliminar la herejía cátara (y el deseo de los barones del norte de apropiarse de la riqueza del sur). Los trovadores sobrevivientes se fueron a Portugal , España, el norte de Italia o el norte de Francia (donde la tradición trouvère sobrevivió), donde sus habilidades y técnicas contribuyeron a los desarrollos posteriores de la cultura musical secular en esos lugares. [50]
Los trovadores y los troveros compartían estilos musicales similares, pero los primeros eran, por lo general, nobles. [50] La música de los primeros era similar a la de los segundos, pero logró sobrevivir hasta el siglo XIII sin verse afectada por la cruzada albigense. La mayoría de las más de dos mil canciones troverales que sobrevivieron incluyen música y muestran una sofisticación tan grande como la de la poesía que acompaña. [61]
La tradición de los Minnesänger fue la contraparte germánica de la actividad de los trovadores y trouvères en Occidente. Desafortunadamente, sobreviven pocas fuentes de la época; las fuentes de Minnesang son en su mayoría de dos o tres siglos posteriores al auge del movimiento, lo que conduce a cierta controversia sobre la precisión de estas fuentes. [62] Entre los Minnesänger con música sobreviviente se encuentran Wolfram von Eschenbach , Walther von der Vogelweide y Niedhart von Reuenthal .
Un maestro cantor (en alemán, «maestro cantante») era un miembro de un gremio alemán de poesía lírica , composición y canto artístico sin acompañamiento de los siglos XIV, XV y XVI. Los maestros cantores provenían en su mayoría de varones de clase media. Konrad von Würzburg , Reinmar von Zweter y Heinrich Frauenlob . Frauenlob supuestamente estableció la primera escuela de maestros cantores en Maguncia , a principios del siglo XIV. Las escuelas se originaron primero en el distrito del Alto Rin , y luego se extendieron a otros lugares.
En la Edad Media, el gallego-portugués era la lengua empleada en casi toda Iberia para la poesía lírica. [63] De esta lengua derivan tanto el gallego moderno como el portugués . La escuela gallego-portuguesa, que recibió cierta influencia (sobre todo en ciertos aspectos formales) de los trovadores occitanos, está documentada por primera vez a finales del siglo XII y perduró hasta mediados del XIV.
Se suele aceptar que la composición más antigua que existe en esta escuela es Ora faz ost' o senhor de Navarra del portugués João Soares de Paiva , generalmente fechada justo antes o después de 1200. Los trovadores del movimiento, que no deben confundirse con los trovadores occitanos (que frecuentaba cortes de las cercanas León y Castilla ), escribió casi en su totalidad cantigas . A partir probablemente de mediados del siglo XIII, estas canciones, conocidas también como cantares o trovas , comenzaron a recopilarse en colecciones conocidas como cancioneiros (cancioneros). Se conocen tres de estas antologías: el Cancioneiro da Ajuda , el Cancioneiro Colocci-Brancuti (o Cancioneiro da Biblioteca Nacional de Lisboa) y el Cancioneiro da Vaticana . A ellas se suma la inestimable colección de más de 400 cantigas gallego-portuguesas de las Cantigas de Santa María , que la tradición atribuye a Alfonso X.
Las cantigas gallego-portuguesas se pueden dividir en tres géneros básicos: poesía amorosa con voz masculina, llamadas cantigas de amor (o cantigas d'amor , en la ortografía gallego-portuguesa); poesía amorosa con voz femenina, llamadas cantigas de amigo (o cantigas d'amigo ); y poesía de insulto y burla llamada cantigas de escárnio e maldizer (o cantigas d'escarnho e de mal dizer ). Los tres son géneros líricos en el sentido técnico de que eran canciones estróficas con acompañamiento musical o introducción en un instrumento de cuerda. Pero los tres géneros también tienen elementos dramáticos, lo que llevó a los primeros estudiosos a caracterizarlos como lírico-dramáticos.
Los orígenes de las cantigas d'amor suelen remontarse a la poesía lírica provenzal y francesa antigua , pero formal y retóricamente son bastante diferentes. Las cantigas d'amigo probablemente tengan sus raíces en una tradición de canciones nativas, [64] aunque esta opinión ha sido cuestionada. Las cantigas d'escarnho e maldizer también pueden (según Lang) tener profundas raíces locales. Los dos últimos géneros (que suman alrededor de 900 textos) hacen que la lírica gallego-portuguesa sea única en todo el panorama de la poesía románica medieval.
El comienzo del Ars nova es una de las pocas divisiones cronológicas claras en la música medieval, ya que corresponde a la publicación del Roman de Fauvel , una enorme compilación de poesía y música, en 1310 y 1314. El Roman de Fauvel es una sátira sobre los abusos en la iglesia medieval, y está lleno de motetes medievales, lais , rondeaux y otras nuevas formas seculares. Si bien la mayor parte de la música es anónima, contiene varias piezas de Philippe de Vitry , uno de los primeros compositores del motete isorrítmico , un desarrollo que distingue al siglo XIV. El motete isorrítmico fue perfeccionado por Guillaume de Machaut , el mejor compositor de la época.
Durante la era del Ars nova , la música profana adquirió una sofisticación polifónica que antes sólo se encontraba en la música sacra, un desarrollo que no sorprende considerando el carácter profano del Renacimiento temprano (aunque esta música se considera típicamente "medieval", las fuerzas sociales que la produjeron fueron responsables del comienzo del Renacimiento literario y artístico en Italia; la distinción entre la Edad Media y el Renacimiento es borrosa, especialmente si se consideran artes tan diferentes como la música y la pintura). El término " Ars nova " (arte nuevo o técnica nueva) fue acuñado por Philippe de Vitry en su tratado de ese nombre (probablemente escrito en 1322), con el fin de distinguir la práctica de la música de la época inmediatamente anterior.
El género secular dominante del Ars Nova fue la chanson , como seguiría siendo en Francia durante otros dos siglos. Estas chansons se componían en formas musicales correspondientes a la poesía que ambientaban, [65] que eran las llamadas formes fixes de rondeau , ballade y virelai . Estas formas afectaron significativamente el desarrollo de la estructura musical en formas que se sienten incluso hoy en día; por ejemplo, el esquema de rima ouvert-clos compartido por los tres exigía una realización musical que contribuyó directamente a la noción moderna de frases antecedentes y consecuentes. Fue también en este período en el que comenzó la larga tradición de componer la misa ordinaria. Esta tradición comenzó alrededor de mediados de siglo con arreglos aislados o emparejados de Kyries, Glorias, etc., pero Machaut compuso lo que se cree que es la primera misa completa concebida como una composición. El mundo sonoro de la música del Ars Nova es en gran medida uno de primacía lineal y complejidad rítmica. Los intervalos de "descanso" son la quinta y la octava, y las terceras y sextas se consideran disonancias. Los saltos de más de una sexta en voces individuales no son infrecuentes, lo que lleva a especular sobre la participación instrumental, al menos en interpretaciones seculares. Entre los manuscritos franceses que sobreviven se encuentran el Códice de Ivrea y el Códice de Apt.
Para obtener información sobre compositores franceses específicos que escribieron a finales de la época medieval, véase Jehan de Lescurel , Philippe de Vitry , Guillaume de Machaut , Borlet , Solage y François Andrieu .
La mayor parte de la música de Ars nova era de origen francés; sin embargo, el término se aplica a menudo de forma imprecisa a toda la música del siglo XIV, especialmente para incluir la música secular en Italia. Allí, este período se conocía a menudo como Trecento . La música italiana siempre ha sido conocida por su carácter lírico o melódico, y esto se remonta al siglo XIV en muchos aspectos. La música secular italiana de esta época (la poca música litúrgica que sobrevive es similar a la francesa, excepto por una notación algo diferente) presentó lo que se ha llamado el estilo cantalina , con una voz superior florida apoyada por dos (o incluso una; una buena cantidad de música italiana de Trecento es solo para dos voces) que son más regulares y de movimiento más lento. Este tipo de textura siguió siendo una característica de la música italiana también en los géneros seculares populares de los siglos XV y XVI, y fue una influencia importante en el desarrollo final de la textura de trío que revolucionó la música en el siglo XVII.
En el Trecento existían tres formas principales de obras profanas. Una era el madrigal , que no era el mismo que el de 150-250 años después, pero que tenía una forma de verso o estribillo. Estrofas de tres versos, cada una con palabras diferentes, se alternaban con un ritornello de dos versos , con el mismo texto en cada aparición. Tal vez podamos ver las semillas del posterior ritornello del Renacimiento tardío y del Barroco en este recurso; también vuelve una y otra vez, reconocible cada vez, en contraste con las secciones dispares que lo rodean. Otra forma, la caccia ("persecución"), se escribía para dos voces en un canon al unísono. A veces, esta forma también presentaba un ritornello, que ocasionalmente también era de estilo canónico. Por lo general, el nombre de este género proporcionaba un doble significado, ya que los textos de la caccia trataban principalmente sobre cacerías y actividades al aire libre relacionadas, o al menos escenas llenas de acción; El segundo significado era que una voz caccia (sigue, corre detrás) de la precedente. La tercera forma principal era la ballata , que era aproximadamente equivalente al francés virelai .
Los manuscritos italianos que se conservan incluyen el Códice Squarcialupi y el Códice Rossi . Para obtener información sobre compositores italianos específicos que escribieron a finales de la época medieval, consulte Francesco Landini , Gherardello da Firenze , Andrea da Firenze , Lorenzo da Firenze , Giovanni da Firenze (también conocido como Giovanni da Cascia), Bartolino da Padova , Jacopo da Bolonia , Donato da Cascia. , Lorenzo Masini , Niccolò da Perugia y el maestro Piero .
Los Geisslerlieder eran las canciones de las bandas errantes de flagelantes , que buscaban apaciguar la ira de un Dios airado con música penitencial acompañada de la mortificación de sus cuerpos. Hubo dos períodos separados de actividad de Geisslerlied: uno alrededor de mediados del siglo XIII, del cual, desafortunadamente, no sobrevive ninguna música (aunque sí numerosas letras); y otro de 1349, para el cual tanto la letra como la música sobreviven intactas debido a la atención de un solo sacerdote que escribió sobre el movimiento y grabó su música. Este segundo período corresponde a la propagación de la Peste Negra en Europa, y documenta uno de los eventos más terribles de la historia europea. Ambos períodos de actividad de Geisslerlied ocurrieron principalmente en Alemania.
Como suele ocurrir al final de cualquier era musical, el final de la era medieval está marcado por un estilo altamente manierista conocido como Ars subtilior . En cierto modo, se trató de un intento de fusionar los estilos francés e italiano. Esta música era muy estilizada, con una complejidad rítmica que no se igualó hasta el siglo XX. De hecho, no solo la complejidad rítmica de este repertorio fue prácticamente inigualable durante cinco siglos y medio, con síncopas extremas, trucos mensurales e incluso ejemplos de augenmusik (como una chanson de Baude Cordier escrita a mano en forma de corazón), sino que también su material melódico era bastante complejo, particularmente en su interacción con las estructuras rítmicas. Ya se ha discutido en el Ars Nova la práctica del isorritmo, que continuó desarrollándose hasta finales del siglo y, de hecho, no alcanzó su máximo grado de sofisticación hasta principios del siglo XV. En lugar de utilizar técnicas isorrítmicas a una o dos voces, o intercambiarlas entre voces, algunas obras llegaron a presentar una textura isorrítmica generalizada que rivaliza con el serialismo integral del siglo XX en su ordenamiento sistemático de elementos rítmicos y tonales. El término "manierismo" fue aplicado por académicos posteriores, como suele suceder, en respuesta a una impresión de que se practicaba la sofisticación por sí misma, una enfermedad que algunos autores han sentido que infectó el Ars subtilior .
Una de las fuentes existentes más importantes de las canciones de Ars Subtilior es el Códice Chantilly . Para obtener información sobre compositores específicos que escriben música en estilo Ars subtilior , consulte Anthonello de Caserta , Philippus de Caserta (también conocido como Philipoctus de Caserta), Johannes Ciconia , Matteo da Perugia , Lorenzo da Firenze , Grimace , Jacob Senleches y Baude Cordier .
Es difícil delimitar el final de la era medieval y el comienzo de la era del Renacimiento en lo que respecta a la composición musical. Si bien la música del siglo XIV es obviamente medieval en su concepción, la música de principios del siglo XV a menudo se concibe como perteneciente a un período de transición, que no solo conserva algunos de los ideales del final de la Edad Media (como un tipo de escritura polifónica en la que las partes difieren ampliamente entre sí en carácter, ya que cada una tiene su función textural específica), sino que también muestra algunos de los rasgos característicos del Renacimiento (como el estilo cada vez más internacional que se desarrolla a través de la difusión de músicos franco-flamencos en toda Europa, y en términos de textura una creciente igualdad de partes). Los historiadores de la música no se ponen de acuerdo sobre cuándo comenzó la era del Renacimiento, pero la mayoría de los historiadores coinciden en que Inglaterra todavía era una sociedad medieval a principios del siglo XV (ver cuestiones de periodización de la Edad Media). Si bien no hay consenso, 1400 es un marcador útil, porque fue en esa época cuando el Renacimiento alcanzó su pleno apogeo en Italia. [ cita requerida ]
La creciente dependencia del intervalo de tercera como consonancia es una de las características más pronunciadas de la transición hacia el Renacimiento. La polifonía, en uso desde el siglo XII, se volvió cada vez más elaborada con voces altamente independientes a lo largo del siglo XIV. Con John Dunstaple y otros compositores ingleses, en parte a través de la técnica local de faburden (un proceso improvisado en el que una melodía de canto y una parte escrita predominantemente en sextas paralelas por encima se adornan con una cantada en cuartas perfectas por debajo de esta última, y que más tarde se impuso en el continente como "fauxbordon"), el intervalo de tercera surge como un desarrollo musical importante; debido a este Contenance Angloise ("semblante inglés"), la música de los compositores ingleses a menudo se considera como la primera en sonar menos verdaderamente extraña para el público de la era de 2000 que no está formado en historia de la música. [ cita requerida ]
Las tendencias estilísticas inglesas en este sentido habían dado sus frutos y comenzaron a influir en los compositores continentales ya en la década de 1420, como se puede ver en las obras del joven Dufay , entre otros. Mientras continuaba la Guerra de los Cien Años , los nobles ingleses, los ejércitos, sus capillas y séquitos, y por lo tanto algunos de sus compositores, viajaron a Francia e interpretaron su música allí; por supuesto, también debe recordarse que los ingleses controlaban partes del norte de Francia en este momento. Los manuscritos ingleses incluyen los Fragmentos de Worcester , el Old St. Andrews Music Book, el Old Hall Manuscript y el Egerton Manuscript. Para obtener información sobre compositores específicos que se consideran de transición entre la Edad Media y el Renacimiento, véase Zacara da Teramo , Paolo da Firenze , Giovanni Mazzuoli , Antonio da Cividale , Antonius Romanus , Bartolomeo da Bologna , Roy Henry , Arnold de Lantins , Leonel Power y John Dunstaple . [ cita requerida ]
Un compositor temprano de la escuela franco-flamenca del Renacimiento fue Johannes Ockeghem (1410/1425 –1497). Fue el miembro más famoso de la escuela franco-flamenca en la segunda mitad del siglo XV, y a menudo se lo considera el compositor más influyente entre Dufay y Josquin des Prez . Ockeghem probablemente estudió con Gilles Binchois , y al menos estuvo estrechamente asociado con él en la corte de Borgoña. Antoine Busnois escribió un motete en honor a Ockeghem. Ockeghem es un vínculo directo del estilo borgoñón con la siguiente generación de holandeses, como Obrecht y Josquin. Ockeghem, una fuerte influencia en Josquin des Prez y la generación posterior de holandeses , fue famoso en toda Europa por su música expresiva, aunque fue igualmente reconocido por su destreza técnica. [66]
Los estilos musicales de Pérotin influyeron en compositores del siglo XX como John Luther Adams [67] y el compositor minimalista Steve Reich . [68]
Bardcore , que implica remezclar canciones pop famosas para tener una instrumentación medieval, se convirtió en un meme popular en 2020. [69]
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