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Policromo

1883 reconstrucción de la combinación de colores del entablamento de un templo dórico

La policromía es la "práctica de decorar elementos arquitectónicos, esculturas, etc., en variedad de colores". [1] El término se utiliza para referirse a ciertos estilos de arquitectura , cerámica o escultura en múltiples colores.

Al observar obras de arte y arquitectura de la antigüedad y de la Edad Media europea , la gente tiende a creer que eran monocromáticas. En realidad, el pasado prerrenacentista estuvo lleno de color, y todas las esculturas grecorromanas y catedrales góticas , que ahora son blancas, beige o grises, fueron inicialmente pintadas con colores vivos. Como afirmó André Malraux , "Atenas nunca fue blanca pero sus estatuas, desprovistas de color, han condicionado la sensibilidad artística de Europa... todo el pasado nos ha llegado incoloro". [2] La policromía fue y es una práctica que no se limita sólo al mundo occidental . Las obras de arte no occidentales, como los templos chinos , las figuras de Uli de Oceanía o los jarrones de cerámica maya , también estaban decoradas con colores.

Antiguo Cercano Oriente

De manera similar al arte antiguo de otras regiones, el arte del Antiguo Cercano Oriente era policromado y a menudo estaban presentes colores brillantes. Muchas esculturas hoy en día ya no conservan su colorido original, pero todavía hay ejemplos que lo conservan. Una de las mejores es la Puerta de Ishtar , la octava puerta al centro de la ciudad de Babilonia (en el área de la actual Hillah , Gobernación de Babilonia , Irak ). Fue construido en c. 575 a. C. por orden del rey Nabucodonosor II en el lado norte de la ciudad. Formaba parte de un gran camino procesional amurallado que conducía a la ciudad. Sus colores son tan ricos como en el pasado debido a que las paredes estaban hechas de ladrillo vidriado.

También se pintaron muchas esculturas del Antiguo Cercano Oriente. Aunque hoy son grises, todos los relieves asirios que decoraban los palacios reales estaban pintados con colores muy saturados.

Antiguo Egipto

Gracias al clima seco de Egipto, se conservaron bien los colores originales de muchas esculturas antiguas en forma redonda, relieves, pinturas y diversos objetos. Algunos de los ejemplos mejor conservados de la arquitectura del antiguo Egipto fueron las tumbas, cubiertas por dentro con relieves esculpidos pintados en colores brillantes o simplemente frescos . Los artistas egipcios trabajaron principalmente con pigmentos negros, rojos, amarillos, marrones, azules y verdes. Estos colores se derivaban de minerales molidos, materiales sintéticos ( azul egipcio , verde egipcio y fritas utilizadas para fabricar vidriados de vidrio y cerámica) y negros a base de carbón (hollín y carbón vegetal ). La mayoría de los minerales estaban disponibles en suministros locales, como pigmentos de óxido de hierro (ocre rojo, ocre amarillo y ámbar); el blanco derivado del carbonato de calcio que se encuentra en las extensas colinas de piedra caliza de Egipto; y azul y verde de azurita y malaquita .

Además de su efecto decorativo, los colores también se utilizaron por sus asociaciones simbólicas. Los colores de las esculturas, los ataúdes y la arquitectura tenían cualidades tanto estéticas como simbólicas. Los antiguos egipcios veían el negro como el color del suelo aluvial fértil y, por lo tanto, lo asociaban con la fertilidad y la regeneración. El negro también se asociaba con el más allá y era el color de deidades funerarias como Anubis . El blanco era el color de la pureza, mientras que el verde y el azul se asociaban con la vegetación y el rejuvenecimiento. Debido a esto, Osiris a menudo aparecía con la piel verde, y las caras de los ataúdes de la 26ª Dinastía solían ser verdes. El rojo, el naranja y el amarillo estaban asociados con el sol. El rojo también era el color de los desiertos y, por tanto, estaba asociado con Seth y las fuerzas de destrucción. [5] [6]

Posteriormente, durante el siglo XIX, se llevaron a cabo expediciones que tuvieron como finalidad catalogar el arte y la cultura del antiguo Egipto. Descripción de l'Égypte es una serie de publicaciones de principios del siglo XIX llenas de ilustraciones de monumentos y artefactos del Antiguo Egipto. La mayoría son en blanco y negro, pero algunas son de colores, por lo que pueden mostrar la policromía del pasado. En algunos casos sólo quedaron algunos restos de pintura en las paredes, pilares y esculturas, pero los ilustradores intentaron con éxito mostrar en sus imágenes el estado original de los edificios. [7]

mundo clasico

Reliquias de policromía en un capitel jónico griego antiguo , de un edificio no identificado del siglo V a.C. Museo del Ágora Antigua, Atenas, Stoa de Atalo

Se han excavado piezas de cerámica policromada muy antigua en la Creta minoica , como en el yacimiento de Festos de la Edad del Bronce . [9] En la antigua Grecia las esculturas se pintaban con colores fuertes. La pintura se limitaba frecuentemente a partes que representaban ropa, cabello, etc., y la piel se dejaba en el color natural de la piedra. Pero podría abarcar las esculturas en su totalidad. La pintura de la escultura griega no debe verse simplemente como una mejora de su forma esculpida, sino que tiene las características de un estilo de arte distinto. Por ejemplo, las esculturas del frontón del templo de Afaya en Egina han sido recientemente [ ¿cuándo? ] se ha demostrado que fue pintado con patrones atrevidos y elaborados, que representan, entre otros detalles, ropa estampada. La policromía de las estatuas de piedra tuvo su paralelo en el uso de materiales para distinguir la piel, la ropa y otros detalles en las esculturas criselefantinas , y en el uso de metales para representar labios, pezones, etc., en bronces de alta calidad como los bronces de Riace .

Un ejemplo temprano de decoración policromada se encontró en el Partenón, en lo alto de la Acrópolis de Atenas . Sin embargo, cuando el anticuario europeo despegó en el siglo XVIII, la pintura que había en los edificios clásicos se había desgastado por completo. Así, las primeras impresiones de los anticuarios y arquitectos sobre estas ruinas fueron que la belleza clásica se expresaba sólo a través de la forma y la composición, careciendo de colores robustos, y fue esa impresión la que informó la arquitectura neoclásica . Sin embargo, algunos clasicistas como Jacques Ignace Hittorff notaron rastros de pintura en la arquitectura clásica y esto poco a poco llegó a ser aceptado. Esta aceptación se aceleró más tarde mediante la observación de diminutos rastros de color por medios microscópicos y de otro tipo, lo que permitió reconstrucciones menos provisionales que las que Hittorff y sus contemporáneos habían podido producir. Un ejemplo de policromía arquitectónica griega clásica se puede ver en la réplica a tamaño real del Partenón exhibida en Nashville, Tennessee , EE. UU.

Wikimedia Commons tiene medios relacionados con la policromía en el arte antiguo .

este de Asia

El arte chino es conocido por el uso de colores vibrantes. Las vasijas cerámicas chinas neolíticas, como las producidas por la cultura Yangshao , muestran el uso de pigmentos negros y rojos. Posteriormente aparecen tumbas y esculturas religiosas como consecuencia de la expansión del budismo . Las deidades más comunes en la escultura budista china son las formas de Buda y del bodhisattva Guanyin . Los restos de oro y los colores brillantes con los que se pintaron las esculturas aún dan una idea de su efecto. Durante las dinastías Han y Tang , en las tumbas de personas de clase alta se colocaban figuras de cerámica policromada de sirvientes, artistas, inquilinos y soldados. Estas figuras se produjeron en masa en moldes. Aunque la porcelana china es más conocida por ser azul y blanca, durante las dinastías Ming y Qing se produjeron muchos jarrones y figuras de cerámica de colores . Durante las mismas dos dinastías también se fabricaron vasijas cloisonné que utilizan alambres de cobre ( cloisons ) y esmalte brillante.

De manera similar a lo que estaba sucediendo en China, la introducción del budismo en Japón en 538 (o quizás 552 d.C.) condujo a la producción de esculturas budistas japonesas policromadas. Hasta entonces, la imaginería religiosa japonesa consistía en figuras de arcilla desechables utilizadas para transmitir oraciones al mundo de los espíritus. [18]

Medieval

En toda la Europa medieval, las esculturas religiosas en madera y otros materiales a menudo estaban pintadas o coloreadas de colores brillantes, al igual que los interiores de los edificios de las iglesias. A menudo fueron destruidos o blanqueados durante las fases iconoclastas de la Reforma Protestante o en otros disturbios como la Revolución Francesa , aunque algunos han sobrevivido en museos como el V&A , el Museo de Cluny y el Louvre . También se pintaron los exteriores de las iglesias, pero poco ha sobrevivido. La exposición a los elementos y los gustos cambiantes y la aprobación religiosa a lo largo del tiempo actuaron en contra de su preservación. El "Portal de Majestad" de la Colegiata de Toro es el ejemplo más extenso que se conserva, debido a la construcción de una capilla que la encerraba y protegía de la intemperie apenas un siglo después de su finalización. [22]

Siglos XVII y XVIII

Biblioteca de la Abadía de Wiblingen , Ulm , Alemania, por Christian Wiedemann  [sv] , 1737-1744. [30] Todos los elementos que parecen de mármol en realidad están hechos de estuco policromado.

Mientras que la escultura en piedra y metal normalmente permanecía incolora, como las supervivencias clásicas, las esculturas en madera policromada fueron realizadas por artistas españoles: Juan Martínez Montañés , Gregorio Fernández (siglo XVII); Alemán: Ignaz Günther , Philipp Jakob Straub (siglo XVIII); o brasileño: Aleijadinho (siglo XIX).

Las soluciones de color monocromáticas de órdenes arquitectónicos también se diseñaron en el dinámico barroco tardío, basándose en las ideas de Borromini y Guarini. Se utilizó un revestimiento de piedra de un solo color: arenisca clara, como en el caso de la fachada de la iglesia jesuita de Bamberg (Gunzelmann 2016) diseñada por Georg y Leonhard Dientzenhofer (1686-1693), la fachada de la iglesia del monasterio de Michelsberg de Leonard Dientzenhofer (1696) y la iglesia abacial de Neresheim de JB Neumann (1747-1792). [31]

En el espacio de la actual Alemania, durante el siglo XVIII, los hermanos Asam ( Egid Quirin Asam y Cosmas Damian Asam ) diseñaron iglesias con muros ondulados, frontones borken curvos y policromía. [32] En el espacio de habla alemana, se construyeron múltiples iglesias y bibliotecas rococó con estucos y columnas policromadas en colores pastel. Allí, las columnas de imitación de mármol están hechas de pilares de madera que están cubiertos con una capa de estuco policromado, una mezcla de yeso , cal y pigmento . Cuando se mezclan estos ingredientes, se crea una pasta de color homogéneo. Para lograr el aspecto de mármol, se hacen lotes más finos de pasta más oscura y más clara, de modo que comiencen a aparecer las vetas. Todo está mezclado a mano. Cuando el material endurece se pule frotando con una lija fina, y así esta capa de estuco policromado se vuelve brillante e imita de forma muy realista el mármol. Un buen ejemplo de ello es la Biblioteca de la Abadía de Wiblingen en Ulm , Alemania. El mármol falso hecho de estuco también se seguirá utilizando durante el siglo XIX y principios del XX. Se utiliza sólo para interiores, porque el estuco se disuelve en el exterior mediante el contacto con el agua.

En Valaquia , a finales del siglo XVII y principios del XVIII, el estilo Brâncovenesc fue popular en la arquitectura y las artes decorativas. Lleva el nombre del príncipe Constantin Brâncoveanu , durante cuyo reinado se desarrolló. Algunas de las iglesias de este estilo tienen fachadas policromadas, decoradas con murales, como la iglesia del Monasterio de Stavropoleos en Bucarest , Rumania .

La segunda mitad del siglo XVIII fue el surgimiento del neoclasicismo , un movimiento que intenta revivir los estilos de la antigua Grecia , Roma , la civilización etrusca y, a veces, incluso Egipto . Durante el reinado de Luis XVI (1760-1789), los interiores de estilo Luis XVI comienzan a decorarse con arabescos , inspirados en los descubiertos en casas antiguas de Pompeya y Herculano . Están pintados en colores pastel, pintados de blanco con las partes ornamentadas doradas o policromadas. El Comedor de Estado del Castillo de Inveraray en Escocia , decorado por dos pintores franceses, es un buen ejemplo de interior policromado de estilo Luis XVI.

Porcelana

Con la llegada de la porcelana europea en el siglo XVIII, se hicieron muy populares las figurillas de cerámica de colores brillantes y con una amplia gama de colores. La porcelana se desarrolló en China en el siglo IX. Su receta se mantuvo en secreto para otras naciones y solo los japoneses y vietnamitas la copiaron con éxito en el siglo XV. Durante el siglo XVIII, los hornos alemanes finalmente descubrieron cómo hacer porcelana, comenzando con el alquimista Johann Friedrich Böttger y el físico Ehrenfried Walther von Tschirnhaus , quienes fabricaron la primera variedad europea en 1709. Al año siguiente se fundó la fábrica de porcelana de Meissen . y se convirtió en el principal fabricante europeo de porcelana. Más tarde, otros hornos adoptaron la receta o desarrollaron su propia tecnología de porcelana. Otra fábrica realmente famosa fue la de Sèvres , que produjo porcelana impresionante para la élite francesa durante los siglos XVIII, XIX y XX. [44]

Siglo 19

En comparación con el siglo XVIII, la policromía estuvo algo más extendida en el siglo XIX. Sin embargo, las fachadas de la mayoría de los edificios permanecieron blancas, la mayoría de las esculturas no estaban pintadas y la mayoría de los muebles tenían los tonos de sus materiales. Los colores generalmente se agregaban a través de cerámica vidriada en los edificios, diferentes tipos de piedra en las esculturas y, con mayor frecuencia, mediante pintura o intarsia en los muebles. Al igual que en el siglo XVIII, la porcelana siguió siendo bastante colorida y muchas figuras parecían reales. En contraste con sus exteriores, los interiores de muchas casas de los ricos a menudo estaban decorados con boiserie , estuco y/o pintados. Como en la segunda mitad del siglo XVIII, numerosos relojes y objetos decorativos de bronce presentan dos tintes mediante dorado y pátina . También se agregaron elementos de porcelana para darle más color.

Neoclasicismo

A pesar de que se han descubierto pruebas de policromía en la arquitectura y las esculturas de la antigua Grecia , la mayoría de los edificios neoclásicos tienen fachadas blancas o beige y carpintería metálica negra. Hacia 1840, el arquitecto francés Jacques Ignace Hittorff , publicó estudios sobre la arquitectura siciliana , documentando extensas evidencias de color. La "controversia de la policromía" se prolongó durante más de una década y resultó ser un desafío para los arquitectos neoclásicos de toda Europa. [17]

Debido al descubrimiento de frescos en las ciudades romanas de Pompeya y Herculano durante el siglo XVIII, varias casas neoclásicas de los siglos XVIII y XIX tienen sus interiores decorados con coloridos frescos de estilo pompeyano. A menudo presentan un color rojo brillante, conocido como "rojo pompeyano". La moda de los estilos de pintura pompeyanos dio como resultado habitaciones terminadas en vívidos bloques de colores. Los ejemplos incluyen la Sala Pompeyana del Hinxton Hall en Cambridgeshire , el Pompejanum en Aschaffenburg , el Dormitorio de la Emperatriz Joséfina del Castillo de Malmaison y los baños de Napoleón del Castillo de Rambouillet . A principios del siglo XIX, los pintores también pudieron crear efectos de veteado y veteado para imitar la madera.

maximalismo del siglo XIX

"Más es más" era el principio estético seguido en la época victoriana. El maximalismo está presente en muchos tipos de diseños de la época victoriana, como cerámica, muebles, cubertería, vajilla, moda, arquitectura, ilustración de libros, relojes, etc. A pesar del apetito por la ornamentación, muchos de ellos siguen decorados con unos pocos colores, especialmente los muebles. . La cerámica fue el campo donde se generalizó la policromía. Además de los objetos, la cerámica policromada también estuvo presente en la arquitectura y algunos muebles y la arquitectura a través del azulejo.

Los objetos y edificios del siglo XIX que se muestran en las galerías de esta página son sin duda impresionantes. Hoy estamos encantados con sus adornos, colores y estilos. Sin embargo, hasta la década de 1960, con el auge del posmodernismo , cuando la gente empezó a cuestionar el modernismo y empezó a apreciar las cosas del pasado premoderno, el veredicto sobre los diseños victorianos no fue bueno. A principios del siglo XX, e incluso cuando se fabricaron, algunos describieron la época victoriana como una que nos ha proporcionado algunos de los objetos más feos que jamás se hayan fabricado. En aquella época circulaban descripciones como "monstruosidades estéticas" o "abominaciones ornamentales", y la situación no hizo más que empeorar. A finales del siglo XIX, Marc-Louis Solon (1835-1913), un reconocido diseñador cerámico que trabajó para Minton and Company, no era extraño al comentar que el período "lleva el sello de un absoluto mal gusto". [50] Con el paso del tiempo, las opiniones negativas solo empeoraron. Los arquitectos pioneros de Mondern, Adolf Loos y Le Corbusier, sintieron que obras como ésta no eran simplemente malas, sino que eran una afrenta tal que deberían haberse declarado ilegales. [51]

Ladrillo policromado

El ladrillo policromado es un estilo de ladrillo arquitectónico que surgió en la década de 1860 y utilizaba ladrillos de diferentes colores (marrón, crema, amarillo, rojo, azul y negro) en combinaciones estampadas para resaltar las características arquitectónicas. Estos patrones se hacían alrededor de los arcos de las ventanas o simplemente se aplicaban en las paredes. A menudo se utilizaba para replicar el efecto del quoining . Los primeros ejemplos presentaban bandas, y los ejemplos posteriores exhibían complejos patrones diagonales, entrecruzados y escalonados, y en algunos casos incluso escritura con ladrillos. [54] También se utilizaron elementos de cerámica vidriada con detalles para adornos más complejos.

Estilo renacentista rumano

En el Reino de Rumanía , el estilo Renacimiento rumano apareció a finales del siglo XIX. Es el equivalente rumano del estilo romántico nacional que era popular al mismo tiempo en el norte de Europa . El movimiento está fuertemente inspirado en la arquitectura Brâncovenesc , un estilo que fue popular en Valaquia a finales del siglo XVII y principios del XVIII. Los interiores de las casas de este estilo construidas antes de la Primera Guerra Mundial suelen estar decorados con una variedad de colores brillantes. En el caso de algunos edificios, la policromía se extiende también al exterior, mediante el uso de coloridas baldosas cerámicas esmaltadas. El estilo se hizo más popular en el siglo XX. Una casa del Renacimiento rumano que destaca por su variedad de colores es la Casa Gheorghe Petrașcu ( Piața Romană nº 5) en Bucarest , de Spiru Cegăneanu, 1912 [58]

siglo 20

En el siglo XX hubo períodos notables de policromía en la arquitectura, desde las expresiones del Art Nouveau en toda Europa, pasando por el florecimiento internacional del Art Déco o Art Moderne, hasta el desarrollo del posmodernismo en las últimas décadas del siglo. Durante estos períodos, se diseñaron fachadas de ladrillo, piedra, tejas, estuco y metal centrándose en el uso de nuevos colores y patrones, mientras que los arquitectos a menudo buscaban inspiración en ejemplos históricos que iban desde los azulejos islámicos hasta el ladrillo victoriano inglés.

Antes de la Primera Guerra Mundial

A principios del siglo XX, antes de las guerras mundiales, el Renacimiento (incluido el Neoclasicismo y el Renacimiento gótico ) y el eclecticismo de estilos históricos eran muy populares en el diseño y la arquitectura. Muchas de las cosas que se dijeron sobre el siglo XIX aún se encuentran en esta época. Muchos de los edificios de esta época tienen sus interiores decorados con colores, a través de azulejos, mosaicos, estucos o murales. En cuanto al exterior, la mayoría de fachadas policromadas están decoradas con azulejos cerámicos.

El Art Nouveau también estuvo de moda durante el siglo XX en todo el mundo occidental . Sin embargo, se fragmentó en 1911 y desde entonces se fue desvaneciendo constantemente, hasta que desapareció con la Primera Guerra Mundial. Algunos edificios regulares de estilo Art Nouveau tienen sus fachadas decoradas con coloridos adornos de cerámica vidriada. Los colores utilizados suelen ser más terrosos y descoloridos en comparación con los intensos utilizados por el neoclasicismo. En comparación con otros movimientos en diseño y arquitectura, el Art Nouveau tuvo diferentes versiones en varios países. La forma belga y francesa se caracteriza por formas orgánicas, adornos tomados del mundo vegetal, líneas sinuosas, asimetría (especialmente cuando se trata de diseño de objetos), el motivo del latigazo cervical , la mujer fatal y otros elementos de la naturaleza. En Austria, Alemania y el Reino Unido adoptó una forma geométrica más estilizada, como forma de protesta contra el revivalismo y el eclecticismo. Los ornamentos geométricos que se encuentran en las pinturas de Gustav Klimt y en los muebles de Koloman Moser son representativos de la Secesión de Viena (Art Nouveau austriaco). En algunos países, los artistas se inspiraron en la tradición y el folclore nacionales. En el Reino Unido, por ejemplo, varios plateros utilizaron entrelazados tomados del arte celta . De manera similar, los arquitectos húngaros, rusos y ucranianos utilizaron motivos folclóricos policromáticos en sus edificios, generalmente a través de coloridos adornos cerámicos.

Modernismo

Durante el periodo de entreguerras y mediados del siglo XX, el Modernismo estuvo de moda. Para los modernistas, la forma era más importante que el adorno, por lo que a menudo se usaban bloques sólidos de colores fuertes para enfatizar la forma y crear contraste. Se prefirieron los colores primarios y el blanco y negro. Este es realmente el caso del movimiento holandés De Stijl , que comenzó en 1917. El estilo implicaba reducir un objeto (ya sea una pintura o un diseño) a lo esencial, utilizando sólo el negro, el blanco y los colores primarios, y una geometría simple de líneas rectas. rectas y planos. La Silla roja y azul de Gerrit Rietveld (1917-1918) y la Casa Rietveld Schröder en Utrecht (1924) muestran este uso del color. La policromía en el diseño modernista no se limitó a De Stijl. La Unité d'habitation , una tipología de vivienda residencial desarrollada por Le Corbusier , tiene algunas partes planas y coloridas.

Algunos objetos, edificios e interiores Art Déco destacan por su policromía y el uso de colores intensos. El fauvismo , con sus colores muy saturados, como las pinturas de Henri Matisse , fue una influencia para algunos diseñadores Art Déco. Otra influencia para la policromía fueron los Ballets Rusos . Las escenografías de Leon Bakst llenaron los círculos artísticos parisinos de entusiasmo por los colores brillantes. [71]

A pesar de su falta de ornamentación, múltiples diseños modernos de mediados de siglo , como los textiles de Lucienne Day , el perchero Hang-It-All de Charles y Ray Eames (1953), o el sofá Marshmallow de Irving Harper (1956), están decorados. con colores. Además de los objetos individuales, los interiores modernos de mediados de siglo también eran bastante coloridos. Esto también se debió al hecho de que después de la Segunda Guerra Mundial, los plásticos se hicieron cada vez más populares como material para utensilios de cocina y muebles de cocina, lámparas, electrodomésticos y juguetes, y al hecho de que el plástico podía producirse en una amplia gama de colores, desde jade hasta verde a rojo. [72]

posmodernismo

El uso de colores vivos continuó con el posmodernismo , en las décadas de 1970, 1980 y 1990. En comparación con los objetos modernos de mediados de siglo , que a menudo tenían colores intensos pero eran monocromáticos , el diseño y la arquitectura posmodernos se destacan por el uso de una variedad de colores en objetos o edificios individuales. Los arquitectos posmodernos que trabajaron con colores llamativos incluyeron a Robert Venturi ( adición del Allen Memorial Art Museum ; Best Company Warehouse), Michael Graves ( Snyderman House ; Humana Building) y James Stirling ( Neue Staatsgalerie ; Arthur M. Sackler Museum ), entre otros. En el Reino Unido, John Outram creó numerosos edificios brillantes y coloridos a lo largo de los años 1980 y 1990, incluida la estación de bombeo "Templo de las Tormentas". Aparte de la arquitectura, los colores brillantes estaban presentes en todo, desde muebles hasta textiles y carteles. Los verdes y amarillos neón eran populares en el diseño de productos, al igual que los tonos fluorescentes de escarlata, rosa y naranja utilizados juntos. Los plásticos moldeados por inyección dieron a los diseñadores una nueva libertad creativa, haciendo posible producir en masa casi cualquier forma (y color) de forma rápida y económica. [81]

Una artista muy conocida por sus obras de arte policromadas es Niki de Saint Phalle , que produjo muchas esculturas pintadas en colores llamativos. Dedicó las últimas décadas de su vida a construir un parque de esculturas en la Toscana , el Jardín del Tarot , con obras de arte cubiertas de mosaicos de colores vibrantes. [82]

Estados Unidos

Las fachadas policromadas de los edificios ganaron popularidad más tarde como una forma de resaltar ciertas características decorativas de la arquitectura victoriana y de la reina Ana en los Estados Unidos . El auge de la industria de la pintura moderna después de la Guerra Civil estadounidense también ayudó a impulsar el uso (a veces extravagante) de múltiples colores.

Frontón policromado de principios del siglo XX, Museo de Arte de Filadelfia (1928)
Olla de agua, Acoma Pueblo, c. 1889-1903, loza decorada con engobe - Museo De Young

El estilo de la fachada policromada se desvaneció con el surgimiento de los movimientos de renacimiento del siglo XX, que enfatizaron los colores clásicos aplicados de manera sobria y, más importante, con el nacimiento del modernismo, que propugnaba fachadas limpias y sin adornos revestidas con estuco o pintura blanca. La policromía reapareció con el florecimiento del movimiento de preservación y su aceptación de (lo que antes se había visto como) los excesos de la era victoriana y en San Francisco, California, en la década de 1970 para describir sus abundantes casas de finales del siglo XIX. Estos se ganaron el cariñoso ' Damas Pintadas ', un término que en los tiempos modernos se considera kitsch cuando se aplica para describir todas las casas victorianas que han sido pintadas con colores de la época.

John Joseph Earley (1881-1945) desarrolló un proceso "policromado" de construcción y ornamentación de losas de hormigón que fue admirado en todo Estados Unidos. En el área metropolitana de Washington, DC, sus productos adornaron una variedad de edificios, todos formados por el personal de Earley Studio en Rosslyn, Virginia . Las casas del distrito histórico policromado de Earley en Silver Spring, Maryland, se construyeron a mediados de la década de 1930. Los paneles de hormigón fueron prefabricados con piedras de colores y enviados al lote para su montaje en el lugar. Earley quería desarrollar un nivel más alto de viviendas asequibles después de la Depresión, pero sólo un puñado de casas se construyeron antes de su muerte; Los registros escritos de sus técnicas de fundición de hormigón fueron destruidos en un incendio. Menos conocida, pero igual de impresionante, es la Casa Policromada del Dr. Fealy que Earley construyó en lo alto de una colina en el sureste de Washington, DC, con vistas a la ciudad. Sus casas policromadas de diseño único se destacaron entre las casas prefabricadas del país, apreciadas por su ornamentación Art Déco y su magnífica artesanía.

Los ceramistas nativos americanos, en particular los del suroeste , produjeron cerámica policromada desde la época de las culturas mogollón y los pueblos mimbres hasta la época contemporánea. [92]

Siglo 21

En la década de 2000, el arte de diseñar juguetes artísticos estaba despegando. Durante este período se produjeron múltiples figuras de vinilo monocromáticas o policromadas, que todavía se producen durante la década de 2020. Algunos artistas que diseñaron juguetes de vinilo incluyen a Joe Ledbetter, Takashi Murakami , Flying Förtress y CoonOne1.

Durante la década de 2010 y principios de la de 2020, apareció un nuevo interés por la arquitectura y el diseño posmodernos . Una de las causas fueron las exposiciones conmemorativas que presentaban el estilo, la más completa e influyente se celebró en el Victoria & Albert Museum de Londres en 2011, llamada Postmodernism: Style and Subversion, 1975-1990 . El Salone del Mobile de Milán desde 2014 mostró resurgimientos, reinterpretaciones y nuevos diseños de influencia posmoderna. [93] Debido a esto, se erigieron múltiples edificios policromados originales, como la Casa para Essex, Wrabness , Essex , Reino Unido, por FAT y Grayson Perry , 2014 [94] o el Miami Museum Garage, Miami , EE. UU., por WORKac, 2018. [95]

Además de los resurgimientos del posmodernismo, otro movimiento de diseño clave de principios de la década de 2020 es el maximalismo . Dado que su filosofía se puede resumir en "más es más", en contraste con el lema minimalista " menos es más ", se caracteriza por un amplio uso de colores y estampados intensos.

luz policromática

El término policromático significa tener varios colores. Se utiliza para describir la luz que exhibe más de un color , lo que también significa que contiene radiación de más de una longitud de onda . El estudio de la policromía es particularmente útil en la producción de rejillas de difracción .

Ver también

Notas

  1. ^ Harris, Cyril M., ed. Diccionario ilustrado de arquitectura histórica , Publicaciones de Dover, Nueva York, c. 1977, edición de 1983
  2. ^ Vinzenz Brinkmann, Renée Dreyfus, Ulrike Koch-Brinkmann, John Camp, Heinrich Piening, Oliver Primavesi (2017). DIOSES EN COLOR La policromía en el Mundo Antiguo . Museos de Bellas Artes de San Francisco y Libros DelMonico. pag. 65.ISBN​ 978-3-7913-5707-2.{{cite book}}: Mantenimiento CS1: varios nombres: lista de autores ( enlace )
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Referencias

enlaces externos

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