El cine asiático se refiere a las industrias cinematográficas y películas producidas en el continente asiático . Sin embargo, en países como Estados Unidos , a menudo se utiliza para referirse solo al cine de Asia Oriental , Sudeste Asiático y Sur de Asia . El cine de Asia Occidental a veces se clasifica como parte del cine de Oriente Medio , junto con el cine de Egipto . El cine de Asia Central a menudo se agrupa con el Medio Oriente o, en el pasado, el cine de la Unión Soviética durante la era soviética de Asia Central . El norte de Asia está dominado por el cine ruso siberiano , y por lo tanto se considera parte del cine europeo .
El cine del este de Asia se caracteriza por el cine de Japón , China , Hong Kong , Taiwán y Corea del Sur , incluida la industria del anime japonés y las películas de acción de Hong Kong . [1] El cine del sudeste asiático se caracteriza por el cine de Filipinas (uno de los pioneros del cine asiático), Tailandia , Indonesia y otros países del sudeste asiático.
El cine del sur de Asia se caracteriza por el cine de la India , el cine de Pakistán , el cine de Bangladesh y el cine de Nepal .
El cine de Asia central y del Cáucaso meridional se caracteriza por el cine iraní y el cine de Tayikistán . El cine de Asia occidental se caracteriza por el cine árabe , el cine iraní , el cine israelí (que puede coincidir con el cine judío ) y el cine turco .
Un cuenco de barro de 5.200 años de antigüedad hallado en Shahr-i Sokhta , Irán , tiene cinco imágenes de una cabra pintadas a lo largo de los lados. Se cree que se trata de un ejemplo de animación primitiva . [2] [3] [4]
Mo-Ti , un filósofo chino que vivió alrededor del año 500 a. C., reflexionó sobre el fenómeno de la luz invertida procedente del mundo exterior que se proyectaba a través de un pequeño orificio en la pared opuesta de una habitación oscura. Los teatros de sombras aparecieron por primera vez durante la dinastía Han y luego ganaron popularidad en toda Asia . Alrededor del año 180 d. C., Ting Huan (丁緩) creó un zootropo elemental en China.
Los primeros cortometrajes de Asia se produjeron durante la década de 1890. Los primeros cortometrajes producidos en Japón fueron Bake Jizo ( Jizo el fantasma ) y Shinin no Sosei ( Resurrección de un cadáver ), ambos de 1898. [5] El primer cortometraje indio también se produjo en 1898, La flor de Persia , dirigido por Hiralal Sen. [ 6]
A principios de la década de 1900, las películas mudas israelíes se proyectaban en cobertizos, cafés y otras estructuras temporales. [7] En 1905, el Café Lorenz abrió en Jaffa Road en el barrio judío de Neve Tzedek . A partir de 1909, la familia Lorenz comenzó a proyectar películas en el café. En 1925, el Cine Kessem estuvo alojado allí por un corto tiempo. [8] El primer largometraje de Asia oriental fue The Life Story of Tasuke Shiobara (1912) de Japón . Fue seguido por el primer largometraje mudo de la India, el drama de época Raja Harishchandra (1913), de Dadasaheb Phalke , considerado el padre del cine indio . En la década siguiente, la producción de cine indio fue un promedio de 27 películas por año. [9]
En la década de 1920, el cine soviético, recién nacido , fue el más radicalmente innovador. Allí, el arte del montaje, en particular, avanzó, yendo más allá de su función anterior de hacer avanzar una historia. Sergei Eisenstein perfeccionó la técnica del llamado montaje dialéctico o intelectual , que se esforzaba por hacer que imágenes no lineales , a menudo violentamente contrapuestas, expresaran ideas y provocaran reacciones emocionales e intelectuales en el espectador.
Las películas sonoras comenzaron a producirse en Asia a partir de la década de 1930. Entre las primeras películas sonoras notables del cine japonés se incluyen Las hermanas de Gion ( Gion no shimai , 1936), Osaka Elegy (1936) y La historia de los últimos crisantemos (1939) de Kenji Mizoguchi , junto con Humanity and Paper Balloons (1937) de Sadao Yamanaka y Wife, Be Like A Rose! ( Tsuma Yo Bara No Yoni , 1935) de Mikio Naruse , que fue una de las primeras películas japonesas en estrenarse en cines de Estados Unidos. Sin embargo, con la creciente censura, las películas de tendencia izquierdista de directores como Daisuke Ito también comenzaron a ser atacadas. En las décadas de 1920 y 1930 se realizaron algunos cortometrajes sonoros japoneses, pero el primer largometraje sonoro de Japón fue Fujiwara Yoshie no furusato (1930), que utilizó el «sistema Mina Talkie». En 1935, Yasujirō Ozu también dirigió An Inn in Tokyo , considerada una precursora del género neorrealista .
Ardeshir Irani estrenó Alam Ara , la primera película hablada de la India, el 14 de marzo de 1931. Tras el inicio del cine sonoro en la India, algunas estrellas de cine eran muy solicitadas y obtenían ingresos cómodos a través de la actuación. A medida que la tecnología del sonido avanzaba, la década de 1930 vio el auge de la música en el cine indio con musicales como Indra Sabha y Devi Devyani que marcaron el comienzo de la canción y el baile en las películas de la India. [10] Los estudios surgieron en las principales ciudades como Chennai , Calcuta y Bombay a medida que la realización cinematográfica se convirtió en un oficio establecido en 1935, ejemplificado por el éxito de Devdas , que había logrado cautivar al público de todo el país. [11]
Tras el final de la Segunda Guerra Mundial a mediados de la década de 1940, el período comprendido entre finales de la década de 1940 y la década de 1960 se considera la "Edad de Oro" del cine asiático. [ 12] [13] [14] Muchas de las películas asiáticas más aclamadas por la crítica de todos los tiempos se produjeron durante este período, entre ellas Late Spring (1949) y Tokyo Story (1953) de Yasujirō Ozu ; Rashomon (1950), Ikiru (1952), Seven Samurai (1954) y Throne of Blood (1957) de Akira Kurosawa ; The Life of Oharu (1952), Sansho the Bailiff (1954) y Ugetsu (1954) de Kenji Mizoguchi ; The Apu Trilogy (1955-1959), The Music Room (1958) y Charulata (1964) de Satyajit Ray ; Pyaasa (1957) y Kaagaz Ke Phool (1959) de Guru Dutt ; y Primavera en una pequeña ciudad de Fei Mu (1948), Awaara (1951) de Raj Kapoor , Nubes flotantes de Mikio Naruse (1955), Madre India de Mehboob Khan (1957) y Subarnarekha (1962) de Ritwik Ghatak . [12] [13]
Durante la «época dorada» del cine japonés de los años 1950 y 1960, las películas de éxito incluyeron Rashomon (1950), Los siete samuráis (1954) y La fortaleza escondida (1958) de Akira Kurosawa , así como Historias de Tokio (1953) de Yasujirō Ozu y Godzilla (1954) de Ishirō Honda . [15] Estas películas han tenido una profunda influencia en el cine mundial. En particular, Los siete samuráis de Kurosawa ha sido rehecha varias veces como películas occidentales , como Los siete magníficos (1960) y Batalla más allá de las estrellas (1980), y también ha inspirado varias películas de Bollywood , como Sholay (1975) y China Gate (1998). Rashomon también fue rehecha como The Outrage (1964), e inspiró películas con métodos narrativos de " efecto Rashomon ", como Andha Naal (1954), The Usual Suspects (1995) y Hero (2002). The Hidden Fortress también fue la inspiración detrás de Star Wars (1977) de George Lucas . La Nueva Ola Japonesa comenzó a fines de la década de 1950 y continuó hasta la década de 1960. Otros cineastas japoneses famosos de este período incluyen a Kenji Mizoguchi , Mikio Naruse , Hiroshi Inagaki y Nagisa Oshima . [13] El cine japonés más tarde se convirtió en una de las principales inspiraciones detrás del movimiento New Hollywood de la década de 1960 a 1980.
Durante la "época dorada" del cine indio, en las décadas de 1950 y 1960, se producían 200 películas al año, mientras que las películas independientes indias ganaban mayor reconocimiento a través de festivales de cine internacionales . Una de las más famosas fue La trilogía de Apu (1955-1959) del aclamado director de cine bengalí Satyajit Ray , cuyas películas tuvieron una profunda influencia en el cine mundial, con directores como Akira Kurosawa , [16] Martin Scorsese , [17] [18] James Ivory , [19] Abbas Kiarostami , Elia Kazan , François Truffaut , [20] Steven Spielberg , [21] [22] [23] Carlos Saura , [24] Jean-Luc Godard , [25] Isao Takahata , [26] Gregory Nava , Ira Sachs , Wes Anderson [27] y Danny Boyle [28] siendo influenciados por su estilo cinematográfico. Según Michael Sragow de The Atlantic Monthly , los " dramas juveniles de mayoría de edad que han inundado las salas de arte desde mediados de los años cincuenta tienen una deuda enorme con la trilogía de Apu". [29] La técnica cinematográfica de Subrata Mitra de iluminación rebotada también se origina en La trilogía de Apu . [30] El éxito de Satyajit Ray condujo al establecimiento del movimiento de Cine Paralelo , que estuvo en su apogeo durante las décadas de 1950 y 1960. Otros cineastas indios famosos de este período incluyen a Guru Dutt , [13] Ritwik Ghatak , [12] Mrinal Sen , Bimal Roy , K. Asif y Mehboob Khan . [31]
El cine chino vivió una «edad de oro» a finales de los años cuarenta. En 1946, Cai Chusheng regresó a Shanghái para revivir el nombre de Lianhua como «Sociedad Cinematográfica Lianhua». [32] Esta, a su vez, se convirtió en los Estudios Kunlun, que se convertirían en uno de los estudios chinos más importantes de la época, con producciones clásicas como Miríadas de luces (1948), El río de primavera fluye hacia el este (1947) y Cuervos y gorriones (1949). [33] El drama romántico de Wenhua Primavera en un pequeño pueblo (1948), una película del director Fei Mu poco antes de la revolución, es considerada a menudo por los críticos de cine chinos como una de las películas más importantes de la historia del cine chino, y fue nombrada por los Premios de Cine de Hong Kong en 2004 como la mejor película en idioma chino jamás realizada. [34]
El cine de Malasia también tuvo su "Edad de Oro" en el período de posguerra de los años 1950 y 1960. El período vio la introducción del sistema de estudios de producción cinematográfica en Malasia y la afluencia de influencias de Hollywood , el cine emergente de Hong Kong y, en particular, las industrias cinematográficas india y japonesa que estaban experimentando una Edad de Oro. [35] [36]
Los años 1950 y 1960 fueron también una «época dorada» para el cine filipino , con el surgimiento de películas más artísticas y maduras, y una mejora significativa en las técnicas cinematográficas entre los cineastas. El sistema de estudios produjo una actividad frenética en la industria cinematográfica local, ya que se hacían muchas películas anualmente y varios talentos locales comenzaron a ganar reconocimiento en el extranjero. Los principales directores filipinos de la época incluyeron a Gerardo de León , Gregorio Fernández , Eddie Romero , Lamberto Avellana y Cirio Santiago . [37] [38]
El cine de Corea del Sur también experimentó una "Edad de Oro" a finales de los años 1950 y 1960, [39] comenzando con la exitosa nueva versión de Chunhyang-jon (1955) del director Lee Kyu-hwan. [40] Ese año también se estrenó Yangsan Province del reconocido director Kim Ki-young , lo que marcó el comienzo de su productiva carrera. Tanto la calidad como la cantidad de la producción cinematográfica habían aumentado rápidamente a finales de los años 1950. Las películas surcoreanas, como la comedia de Lee Byeong-il de 1956 Sijibganeun nal (El día de la boda) , habían comenzado a ganar premios internacionales. A diferencia de principios de la década de 1950, cuando solo se hacían 5 películas por año, en 1959 se produjeron 111 películas en Corea del Sur. [41] El año 1960 vio la producción de The Housemaid de Kim Ki-young y Aimless Bullet de Yu Hyun-mok , ambas incluidas entre las mejores películas coreanas jamás realizadas. [42]
La década de 1960 se considera a menudo la «edad de oro» del cine paquistaní . En este período se presentaron muchas estrellas de primer nivel que se convirtieron en leyendas de la pantalla grande . Cuando el blanco y negro se volvió obsoleto, Pakistán vio la introducción de sus primeras películas en color, siendo la primera Azra de Munshi Dil en 1962, Sangam de Zahir Rehan (primer largometraje en color) en 1964, y Mala (primera película en cinemascope en color). En 1961, se estrenó la película política Bombay Wala , basada en la ciudad de Bombay en la vecina India, a raíz de la creciente tensión entre las naciones. [43] En 1962, Shaheed ( Mártir ) pronunció el tema de Palestina en la pantalla grande y se convirtió en un éxito instantáneo, lo que llevó a un cambio de actitud en los cineastas. [ cita requerida ]
La década de 1960 fue la "edad de oro" del cine camboyano . Se fundaron varias compañías de producción y se construyeron más salas de cine en todo el país. Durante esa época se hicieron más de 300 películas en Camboya. [44] Varias películas en idioma jemer tuvieron una buena acogida en los países vecinos en ese momento. [45] Entre las películas clásicas de Camboya durante este período se encuentran Lea Haey Duong Dara ( Adiós Duong Dara ) y Pos Keng Kang ( La esposa del rey serpiente ) de Tea Lim Kun y Sabbseth, y An Euil Srey An ( Jemer después de Angkor ) de Ly Bun Yim.
En 1966, 2,6 millones de israelíes fueron al cine más de 50 millones de veces. A partir de 1968, cuando comenzó la transmisión televisiva , los cines comenzaron a cerrar, primero en la periferia y luego en las grandes ciudades. 330 salas independientes fueron derribadas o rediseñadas como multicines. [7]
A finales de los años 1960 y principios de los 1970, el cine japonés había comenzado a verse seriamente afectado por el colapso del sistema de estudios. Mientras el cine japonés se deslizaba hacia un período de relativa baja visibilidad, el cine de Hong Kong entró en un renacimiento dramático propio, en gran medida un efecto secundario del desarrollo de la mezcla wuxia de acción, historia y preocupaciones espirituales. Varias figuras importantes surgieron en Hong Kong en esta época, incluido King Hu , cuya película Come Drink With Me de 1966 fue una influencia clave en muchos desarrollos cinematográficos de Hong Kong posteriores. Poco después, Bruce Lee, nacido en Estados Unidos , se convirtió en un ícono mundial en la década de 1970.
A partir de 1969, la Nueva Ola iraní condujo al crecimiento del cine iraní , que luego alcanzaría el reconocimiento internacional en las décadas de 1980 y 1990. Las figuras más notables de la Nueva Ola iraní son Abbas Kiarostami , Jafar Panahi , Majid Majidi , Bahram Beizai , Darius Mehrjui , Mohsen Makhmalbaf , Masoud Kimiay , Sohrab Shahid-Saless , Parviz Kimiavi , Samira Makhmalbaf , Amir Naderi y Abolfazl Jalili . Las características del cine iraní de la Nueva Ola, en particular las obras de Kiarostami, han sido clasificadas por algunos como posmodernas . [46]
La década de 1970 también vio el establecimiento del cine de Bangladesh después de la independencia del país en 1971. Una de las primeras películas producidas en Bangladesh después de la independencia fue Titash Ekti Nadir Naam ( Un río llamado Titas ) en 1973 del aclamado director Ritwik Ghatak , cuya estatura en el cine bengalí es comparable a la de Satyajit Ray y Mrinal Sen. Otra gran película de Bangladesh es 'Lathial' (El delantero) de Mita, que fue una de las mejores películas del año 1975. 'Lathial' obtuvo el primer Premio Nacional como mejor película y Mita obtuvo el primer Premio Nacional como mejor director.
En el cine de la India , la década de 1970 vio un declive del " cine paralelo " y el auge del cine hindi comercial en forma de películas masala perdurables , un género en gran parte iniciado por el dúo de guionistas Salim-Javed , con películas como el drama criminal del submundo de Mumbai Deewaar (1975) y la película " Curry Western " Sholay (1975), que solidificó la posición de Amitabh Bachchan como actor principal. El cine comercial creció aún más durante las décadas de 1980 y 1990 con el estreno de películas como Mr. India (1987), Qayamat Se Qayamat Tak (1988), Tezaab (1988), Chandni (1989), Maine Pyar Kiya (1989), Baazigar (1993), Darr (1993), Hum Aapke Hain Koun..! (1994) y Dilwale Dulhaniya Le Jayenge (1995). [47] En ese momento, el término " Bollywood " fue acuñado para referirse a la industria cinematográfica en idioma hindi de Bombay (ahora Mumbai). A principios de la década de 2020, la duología épica de SS Rajamouli Baahubali y la película de historia alternativa RRR recibieron las nominaciones al American Saturn Award en varias categorías, las únicas películas indias que obtuvieron los honores. [48] [49] [50] El éxito de Rajamouli jugó un papel en el crecimiento más amplio de las industrias cinematográficas del sur de la India , [51] que ahora están a la par con las películas de Bollywood en términos de ingresos de taquilla. [52]
Durante la década de 1980, el cine japonés, ayudado por el auge del cine independiente y el éxito espectacular del anime , comenzó a recuperarse a nivel internacional. Al mismo tiempo, una nueva generación de cineastas chinos post- Mao Zedong comenzó a ganar atención mundial. Otro grupo de cineastas, centrado en Edward Yang y Hou Hsiao-hsien , lanzó lo que se conoce como la "Nueva Ola Taiwanesa". [ cita requerida ]
La década de 1980 también se considera la Edad de Oro del cine de acción de Hong Kong . Jackie Chan reinventó el género cinematográfico de artes marciales con un nuevo énfasis en las acrobacias elaboradas y peligrosas y el humor físico, comenzando con Proyecto A (1983). John Woo inició el género del " derramamiento de sangre heroico " basado en tríadas , comenzando con Un mañana mejor (1986). La Nueva Ola de Hong Kong también se produjo durante este período, liderada por cineastas como Tsui Hark .
Con el aumento de la popularidad del cine del este de Asia en Occidente a partir de 1980, el público occidental está volviendo a familiarizarse con muchos de los cineastas y estrellas de la industria. Varios de estos actores clave, como Chow Yun-fat y Zhang Ziyi , han "pasado al otro lado del Atlántico" y han trabajado en películas occidentales. Otros han ganado exposición a través del éxito internacional de sus películas, aunque muchos más conservan un atractivo más " de culto ", encontrando un grado de éxito occidental a través de las ventas de DVD en lugar de los estrenos en cines. En la era moderna, el cine israelí ha experimentado una ola de éxito en el siglo XXI, con varias películas israelíes ganando premios en festivales de cine de todo el mundo. Entre las películas más destacadas de este período se incluyen Late Marriage ( Dover Koshashvili ), Broken Wings , Walk on Water y Yossi & Jagger ( Eytan Fox ), Nina's Tragedies , Campfire and Beaufort ( Joseph Cedar ), Or (My Treasure) ( Keren Yedaya ), Turn Left at the End of the World ( Avi Nesher ), The Band's Visit ( Eran Kolirin ), Waltz With Bashir ( Ari Folman ) y Ajami . En 2011, Strangers No More ganó el Oscar al mejor cortometraje documental. [53]
En 2020, la película surcoreana Parásitos se convirtió en la primera película en idioma no inglés en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película en la 92.ª edición de los Premios de la Academia . [54]
Uno de los festivales de cine asiático más famosos de Europa es el Festival Internacional de Cine Asiático de Vesoul , fundado en 1995.
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