La Fundación Solomon R. Guggenheim es una organización sin fines de lucro fundada en 1937 por el filántropo Solomon R. Guggenheim y su asesora de arte de larga data, la artista Hilla von Rebay . La fundación es una institución líder en la colección, preservación e investigación de arte moderno y contemporáneo y opera varios museos en todo el mundo. El primer museo establecido por la fundación fue el Museo de Pintura No Objetiva, en la ciudad de Nueva York. Este se convirtió en el Museo Solomon R. Guggenheim en 1952, y la fundación trasladó la colección a su primer edificio de museo permanente, en la ciudad de Nueva York, en 1959. La fundación luego abrió la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, Italia, en 1980. Su red internacional de museos se expandió en 1997 para incluir el Museo Guggenheim Bilbao en Bilbao , España, y espera abrir un nuevo museo, Guggenheim Abu Dhabi , en los Emiratos Árabes Unidos una vez que se complete su construcción.
La misión de la fundación es "promover la comprensión y apreciación del arte, la arquitectura y otras manifestaciones de la cultura visual, principalmente de los períodos moderno y contemporáneo, y coleccionar, conservar y estudiar" el arte moderno y contemporáneo. [2] La Fundación busca, en sus museos constituyentes, unir arquitectura y obras de arte distinguidas. El primer museo permanente de la fundación, el Museo Solomon R. Guggenheim, está ubicado en un edificio espiral moderno diseñado por Frank Lloyd Wright , y el Guggenheim Bilbao fue diseñado por Frank Gehry . Ambos diseños innovadores recibieron amplia atención de la prensa y la crítica. La Colección Peggy Guggenheim está ubicada en un palacio italiano del siglo XVIII, el Palazzo Venier dei Leoni , en el Gran Canal .
La colección permanente de la fundación se basa principalmente en nueve colecciones privadas: la colección de pinturas no objetivas de Solomon R. Guggenheim ; la colección de expresionismo alemán y expresionismo abstracto temprano de Karl Nierendorf ; la donación de pinturas y esculturas de Katherine S. Dreier ; la colección de Peggy Guggenheim, centrada en la abstracción y el surrealismo ; la colección de obras maestras impresionistas , postimpresionistas y de principios del modernismo de Justin K. y Hilde Thannhauser ; parte de la colección de Hilla von Rebay; los fondos de Giuseppe Panza di Biumo de arte minimalista , postminimalista , ambiental y conceptual estadounidense de los años 1960 y 1970; una colección de fotografías y técnicas mixtas de la Fundación Robert Mapplethorpe ; y la colección de cine, vídeo, fotografía y nuevos medios de la Fundación Bohen. [3] Las colecciones de la fundación se han expandido enormemente a lo largo de ocho décadas e incluyen todos los movimientos artísticos importantes de los siglos XX y XXI. Sus directores y curadores han intentado formar una colección única que no sea enciclopédica, sino que se base en sus visiones únicas. [4] La colección ha crecido en alcance para incluir nuevos medios y arte escénico, y la fundación ha iniciado colaboraciones con YouTube y BMW .
Solomon R. Guggenheim , miembro de una rica familia minera, comenzó a coleccionar obras de los viejos maestros en la década de 1890. Se retiró de su negocio en 1919 para dedicar más tiempo al coleccionismo de arte. En 1926, a los 66 años, conoció a la artista Hilla von Rebay , a quien la esposa de Guggenheim, Irene Rothschild, encargó que pintara su retrato. [5] Rebay le presentó el arte vanguardista europeo , en particular el arte abstracto que ella sentía que tenía un aspecto espiritual y utópico ( arte no objetivo ). [5] Guggenheim cambió por completo su estrategia de coleccionismo. [6] En 1930, los dos visitaron el estudio de Wassily Kandinsky en Dessau , Alemania, y Guggenheim comenzó a comprar la obra de Kandinsky. El mismo año, Guggenheim comenzó a exhibir la colección al público en su apartamento en el Hotel Plaza en la ciudad de Nueva York. Las compras de Guggenheim continuaron con las obras de Rudolf Bauer , Fernand Léger , Robert Delaunay y grandes artistas que no eran de la escuela no objetiva, como Marc Chagall , Jean Metzinger , Albert Gleizes , Pablo Picasso y László Moholy-Nagy . [5] [6]
En 1937, Guggenheim estableció la Fundación Solomon R. Guggenheim para fomentar la apreciación del arte moderno . [6] El primer lugar de la fundación para la exhibición de arte se llamó "Museo de Pintura No Objetiva". Abrió en 1939 bajo la dirección de Rebay, su primer curador, en una antigua sala de exposición de automóviles en East 54th Street en el centro de Manhattan . [7] Este se trasladó, en 1947, a otro espacio alquilado en 1071 Fifth Avenue . [6] Bajo la guía de Rebay, Guggenheim buscó incluir en la colección los ejemplos más importantes de arte no objetivo disponibles en ese momento, como la Composición 8 de Kandinsky (1923), el Contraste de formas de Léger (1913) y Ventanas simultáneas (2.º motivo, 1.ª parte) de Delaunay (1912). [8]
A principios de la década de 1940, la fundación había acumulado una colección tan grande de pinturas de vanguardia que se hizo evidente la necesidad de un edificio permanente para albergar la colección de arte. [9] En 1943, Guggenheim y Rebay encargaron al arquitecto Frank Lloyd Wright que diseñara el edificio del museo. [10] Rebay concibió el espacio como un "templo del espíritu" que facilitaría una nueva forma de mirar las piezas modernas de la colección. [11] En 1948, la colección se amplió en gran medida mediante la compra del patrimonio del marchante de arte Karl Nierendorf de unos 730 objetos, en particular pinturas expresionistas alemanas . [8] En ese momento, la colección de la fundación incluía un amplio espectro de obras expresionistas y surrealistas , incluidas pinturas de Paul Klee , Oskar Kokoschka y Joan Miró . [3] [8] Guggenheim murió en 1949, y el museo pasó a llamarse Museo Solomon R. Guggenheim en 1952. La fundación amplió sus actividades de exhibición con una serie de exposiciones itinerantes. [12]
Tras la muerte de Guggenheim, los miembros de la familia Guggenheim que formaban parte de la junta directiva de la fundación tuvieron diferencias personales y filosóficas con Rebay, y en 1952 ella renunció como directora del museo. [12] Sin embargo, dejó una parte de su colección personal a la fundación en su testamento, incluidas obras de Kandinsky, Klee, Alexander Calder , Gleizes, Piet Mondrian y Kurt Schwitters . [3]
En 1953, los límites de la colección de la fundación se ampliaron aún más bajo su nuevo director, James Johnson Sweeney . Sweeney rechazó el rechazo de Rebay a la pintura y la escultura "objetivas", y pronto adquirió Adán y Eva (1921) de Constantin Brâncuși , seguido de obras de otros escultores modernistas, incluidos Jean Arp , Alexander Calder , Alberto Giacometti y David Smith . [8] Sweeney trascendió el siglo XX para adquirir El hombre de los brazos cruzados (c. 1899) de Paul Cézanne . [8] En 1953, la fundación recibió una donación de 28 obras importantes del patrimonio de Katherine S. Dreier , fundadora de la primera colección de Estados Unidos en ser llamada museo de arte moderno, la Société Anonyme . Dreier había sido colega de Rebay. Entre las obras se encontraban La pequeña francesa (1914-18) de Brâncuși, una naturaleza muerta sin título (1916) de Juan Gris , una escultura de bronce (1919) de Alexander Archipenko y tres collages (1919-1921) del dadaísta alemán de Hannover, Schwitters. También incluía obras de Calder, Marcel Duchamp , El Lissitzky y Mondrian. [3] Entre otros, Sweeney también adquirió las obras de Alberto Giacometti , David Hayes , Willem de Kooning y Jackson Pollock . [13] También estableció los Premios Internacionales Guggenheim en 1956. Sweeney supervisó los últimos seis años de la construcción del edificio del museo, tiempo durante el cual tuvo una relación antagónica con Frank Lloyd Wright, especialmente con respecto a los problemas de iluminación del edificio. [14] [15]
El característico edificio cilíndrico, más ancho en la parte superior que en la inferior, con una rampa en espiral que sube suavemente desde el nivel del suelo hasta el tragaluz en la parte superior, resultó ser la última gran obra de Wright, ya que el arquitecto murió seis meses antes de su inauguración. [16] El edificio se inauguró en octubre de 1959 ante grandes multitudes [17] e instantáneamente polarizó a los críticos de arquitectura, [16] [18] aunque hoy en día es ampliamente elogiado. [19] Algunas de las críticas se centraron en la idea de que el edificio eclipsa las obras de arte expuestas en el interior, [9] y que es difícil colgar adecuadamente las pinturas en los nichos de exposición cóncavos, sin ventanas y poco profundos que rodean la espiral central. Antes de su apertura, veintiún artistas firmaron una carta en protesta por la exhibición de su trabajo en un espacio así. [16] Tras la inauguración, el museo recibió una respuesta mayoritariamente favorable del público, a pesar de las primeras dudas: "en general, el diseño de Wright fue, y sigue siendo, admirado por ser muy personal y atractivo". [20]
Thomas M. Messer sucedió a Sweeney como director del museo (pero no de la fundación) en 1961 y permaneció en el cargo durante 27 años, el período más largo de cualquiera de los directores de las principales instituciones artísticas de la ciudad. [21] Cuando Messer tomó el control, la capacidad del museo para presentar arte todavía estaba en duda debido a los desafíos que presentaba la galería de rampa espiral continua que está inclinada y tiene paredes curvas. [22] Casi inmediatamente, en 1962, se arriesgó a montar una gran exposición que combinaba las pinturas del Guggenheim con esculturas prestadas por el Museo Hirshhorn . [22] La escultura tridimensional, en particular, planteó "el problema de instalar una muestra de este tipo en un museo que tiene un parecido tan cercano a la geografía circular del infierno ", donde cualquier objeto vertical parece inclinado en una "bambolada de borracho" porque la pendiente del suelo y la curvatura de las paredes podrían combinarse para producir ilusiones ópticas molestas. [23]
Resultó que la combinación podría funcionar bien en el espacio del Guggenheim, pero Messer recordó que en ese momento "tenía miedo. Sentí que esta sería mi última exposición". [22] Messer tuvo la previsión de prepararse organizando una exposición de esculturas más pequeña el año anterior, en la que descubrió cómo compensar la extraña geometría del espacio construyendo pedestales especiales en un ángulo particular, de modo que las piezas no estuvieran en una verdadera vertical pero parecieran estarlo. [23] En la muestra de esculturas anterior, este truco resultó imposible para una pieza, un móvil de Alexander Calder cuyo alambre colgaba inevitablemente en una verdadera vertical , "sugiriendo alucinación" en el contexto desorientador del piso inclinado. [23]
Al año siguiente, Messer adquirió una colección privada del comerciante de arte Justin K. Thannhauser para la colección permanente de la fundación. [24] Estas 73 obras incluyen obras maestras impresionistas , postimpresionistas y modernas francesas, incluidas obras importantes de Paul Gauguin , Édouard Manet , Camille Pissarro , Vincent van Gogh y 32 obras de Pablo Picasso . [3] [25]
Peggy Guggenheim , sobrina de Solomon, coleccionó y exhibió arte a partir de 1938. [26] A instancias de Messer, donó su colección de arte y su hogar en Venecia, el Palazzo Venier dei Leoni , a la fundación en 1976. [27] Después de su muerte en 1979, la colección de más de 300 obras fue reabierta al público como la Colección Peggy Guggenheim en 1980 por la fundación, que entonces estaba bajo la dirección de Peter Lawson-Johnston. [28] [29] Incluye obras de principios del siglo XX de destacados modernistas estadounidenses y futuristas italianos . Las piezas de la colección abarcan el cubismo , el surrealismo y el expresionismo abstracto . Algunos de los artistas notables son Picasso, Dalí , Magritte , Brâncuși (incluida una escultura de la serie Pájaro en el espacio ), once obras de Pollock, Braque , Duchamp , Léger , Severini , Picabia , de Chirico , Mondrian , Kandinsky, Miró, Giacometti , Klee, Gorki , Calder, Max Ernst y la hija de Peggy Guggenheim, Pegeen Vail Guggenheim . [3] [26]
Desde 1985, Estados Unidos ha seleccionado a la fundación para gestionar el pabellón estadounidense de la Bienal de Venecia , una exposición que se celebra cada dos veranos. En 1986, la fundación compró el pabellón de estilo palladiano, construido en 1930. [29] [30]
Thomas Krens , director de la fundación de 1988 a 2008, lideró una rápida expansión de las colecciones de la fundación. [31] En 1991, amplió los fondos de la fundación al adquirir la Colección Panza. Reunida por el conde Giuseppe di Biumo y su esposa, Giovanna, la Colección Panza incluye ejemplos de esculturas minimalistas de Carl Andre , Dan Flavin y Donald Judd , y pinturas minimalistas de Robert Mangold , Brice Marden y Robert Ryman , así como una variedad de arte posminimalista , conceptual y perceptual de Robert Morris , Richard Serra , James Turrell , Lawrence Weiner y otros, en particular ejemplos estadounidenses de los años 1960 y 1970. [3] [32] En 1992, la Fundación Robert Mapplethorpe donó 200 de sus mejores fotografías a la fundación. Las obras abarcaron toda su producción, desde sus primeros collages, Polaroids , retratos de celebridades, autorretratos, desnudos masculinos y femeninos, flores y estatuas. También incluía construcciones en técnica mixta e incluía su conocido Autorretrato de 1998. La adquisición dio inicio al programa de exposiciones de fotografía de la fundación. [3]
También en 1992, el edificio del museo de Nueva York se amplió con la adición de una torre rectangular adyacente, más alta que la espiral original, y una renovación del edificio original. [33] El mismo año, la fundación abrió el pequeño Museo Guggenheim SoHo en el barrio SoHo del centro de Manhattan, diseñado por Arata Isozaki , y albergó exhibiciones que incluyeron Marc Chagall y el Teatro Judío , Paul Klee en el Museo Guggenheim , Robert Rauschenberg: una retrospectiva y Andy Warhol: La última cena . [34] Este espacio se mantuvo después de que se reabriera el museo principal, pero cerró en 2002 debido a una crisis económica. [35] Para financiar estos movimientos, de manera controvertida, la fundación vendió obras de Kandinsky, Chagall y Modigliani para recaudar $ 47 millones, lo que generó considerables críticas por intercambiar maestros por rezagados "de moda". En The New York Times , el crítico Michael Kimmelman escribió que las ventas "extendieron las reglas aceptadas de desinversión más allá de lo que muchas instituciones estadounidenses han estado dispuestas a hacer". [36] Krens defendió la acción como consistente con los principios del museo, incluyendo la expansión de su colección internacional y la construcción de su "colección de posguerra a la fuerza de nuestras existencias de preguerra" [32] y señaló que tales ventas son una práctica habitual de los museos. [36]
Una de las iniciativas más significativas de Krens fue expandir la presencia internacional de la fundación. [37] El Museo Guggenheim Bilbao abrió en 1997. Diseñado por Frank Gehry , el Guggenheim Bilbao de titanio, vidrio y piedra caliza es una pieza central de la revitalización de la ciudad vasca de Bilbao , España. [38] El edificio fue recibido con elogios entusiastas de los críticos de arquitectura. [39] El gobierno vasco financió la construcción, mientras que la Fundación compró las obras de arte y administra la instalación. [38] La colección permanente del museo incluye obras de artistas vascos y españoles modernos y contemporáneos como Eduardo Chillida , Juan Muñoz y Antonio Saura , así como obras de la fundación, y ha organizado varias exposiciones comisariadas por el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. [40]
También en 1997, la fundación abrió una pequeña galería en el área de Unter den Linden de Berlín, Alemania, como el Deutsche Guggenheim , en cooperación con el Deutsche Bank. [9] El Deutsche Guggenheim tenía cuatro exposiciones cada año, complementadas con una programación educativa, y anualmente encargaba una, u ocasionalmente dos, nuevas obras de arte o series de artistas contemporáneos, que luego se exhibían en el museo en una exposición especial. [41] Después de 14 años de funcionamiento, el Deutsche Guggenheim cerró a fines de 2012. [42]
Bajo la dirección de Krens, la fundación montó algunas de sus exposiciones más populares: "África: el arte de un continente" en 1996; "China: 5.000 años" en 1998, "Brasil: cuerpo y alma" en 2001; y "El imperio azteca" en 2004. [43] En ocasiones ha mostrado exposiciones inusuales, por ejemplo, instalaciones de arte comercial de trajes y motocicletas de Giorgio Armani . Hilton Kramer , de The New Criterion, condenó tanto El arte de la motocicleta [44] como la retrospectiva del trabajo del diseñador de moda Armani. [45] Otros no estuvieron de acuerdo. [46] Una retrospectiva de 2009 de Frank Lloyd Wright en el edificio original en Nueva York mostró al arquitecto en el 50 aniversario de la apertura del edificio y fue la exhibición más popular del museo desde que comenzó a mantener dichos registros de asistencia en 1992. [9]
En 2001, la fundación abrió dos nuevos museos en Las Vegas, el Guggenheim Las Vegas y el Museo Guggenheim Hermitage , ambos diseñados por el arquitecto Rem Koolhaas . Los museos exhibieron lo más destacado de las colecciones, respectivamente, de la fundación y del Museo Hermitage en San Petersburgo , Rusia. [47] [48] El primero y más grande de los dos albergó una exposición: "El arte de la motocicleta", antes de cerrar en 2003. [49] El último, albergó diez exposiciones de obras maestras de artistas destacados de los últimos seis siglos, incluidos Van Eyck , Tiziano , Velázquez , Van Gogh , Picasso , Pollock y Lichtenstein . El Museo Guggenheim Hermitage cerró en 2008. [47]
En 2001, la fundación también estableció el Centro Sackler para la Educación Artística en el campus del edificio original de Nueva York. [50] El mismo año, la fundación recibió una donación de la gran colección de la Fundación Bohen, que, durante dos décadas, encargó nuevas obras de arte con énfasis en cine, video, fotografía y nuevos medios. Los artistas incluidos en la colección son Pierre Huyghe , Sophie Calle y Jac Leirner . [5] La fundación planeó un gran museo Guggenheim en la costa del bajo Manhattan , y contrató a Frank Gehry como arquitecto. Sus diseños esencialmente completos para el edificio se exhibieron en 2001 en el museo de la Quinta Avenida, [51] pero estos planes se vieron interrumpidos por la crisis económica de principios de la década de 2000 y los ataques del 11 de septiembre de 2001 , que impulsaron la reconsideración de cualquier plan en el bajo Manhattan. [52] También se consideraron otros proyectos en Río de Janeiro , Vilna , Salzburgo , [53] Guadalajara [54] y Taichung , pero no se completaron.
El 19 de enero de 2005, el filántropo Peter B. Lewis renunció a su cargo de presidente de la fundación, expresando su oposición a los planes de Krens de una mayor expansión global de los museos Guggenheim. Lewis había sido el mayor donante en la historia del Guggenheim. [55] Sin embargo, las tensiones continuaron y el 27 de febrero de 2008, Krens renunció a su cargo en la fundación. Sin embargo, ha permanecido como asesor de asuntos internacionales. [56] Durante sus dos décadas al frente de la fundación, Krens fue criticado no solo por la desinversión de obras antiguas del museo [36] sino también por su estilo empresarial y su percepción de populismo y comercialización. [46] [57] Un escritor comentó: "Krens ha sido tanto elogiado como vilipendiado por convertir lo que alguna vez fue una pequeña institución de Nueva York en una marca mundial, creando la primera institución de arte verdaderamente multinacional. ... Krens transformó el Guggenheim en una de las marcas más conocidas en las artes". [58]
Richard Armstrong se convirtió en el quinto director de la fundación el 4 de noviembre de 2008. Había sido director del Museo de Arte Carnegie en Pittsburgh , Pensilvania durante 12 años, donde también se había desempeñado como curador en jefe y curador de arte contemporáneo. [59] Además de sus colecciones permanentes, que siguen creciendo, [5] la fundación administra exposiciones en préstamo y coorganiza exposiciones con otros museos para fomentar la difusión pública. [60]
En 2006, Abu Dhabi , la capital de los Emiratos Árabes Unidos, anunció un acuerdo con la Fundación Guggenheim para construir un nuevo museo, el Guggenheim Abu Dhabi . Gehry diseñó la estructura, [61] que, si se completa, será la más grande de la fundación con diferencia. [62] Comenzó a construirse en el extremo noroeste de la isla Saadiyat , [29] donde se han construido un centro de artes escénicas y otros museos. [63] La fecha de finalización se ha retrasado en repetidas ocasiones. [64] [65] Se espera que el museo albergue colecciones modernas y contemporáneas que se centrarán en el arte contemporáneo de Oriente Medio y que muestre exposiciones especiales de la colección principal de la fundación. [29]
En 2011, la ciudad de Helsinki , Finlandia, encargó a la fundación que estudiara la viabilidad de construir un museo allí . [62] El estudio recomendó construir el museo en el puerto sur de Helsinki. En 2012, la propuesta fue rechazada por la junta de la ciudad, y en 2013, la fundación hizo una propuesta revisada. [66] La tarifa de licencia del Guggenheim se financiaría con fuentes privadas; un periodista calificó las estimaciones de costos e ingresos de la Fundación como "especulativas en el mejor de los casos". [67] Un concurso internacional de arquitectura solicitó diseños para el museo, [68] y en 2015, se eligió un diseño. [69] En 2016, el ayuntamiento de Helsinki votó para rechazar el plan. [70]
Armstrong dejó el museo a finales de 2023. [71] [72] En junio de 2024, Mariët Westermann, anteriormente vicerrectora de la Universidad de Nueva York en Abu Dabi , se convirtió en la primera directora del Guggenheim. [73] [74]
La fundación lleva mucho tiempo intentando, en los museos que la componen, unir sus obras de arte con una arquitectura distinguida. En 1943, Hilla von Rebay y Solomon R. Guggenheim encargaron a Frank Lloyd Wright la construcción del primer museo permanente de la fundación. [75] Rebay escribió a Wright que «cada una de estas grandes obras maestras debería organizarse en un espacio, y sólo tú... pondrías a prueba las posibilidades de hacerlo... ¡Quiero un templo del espíritu, un monumento!». [76] El logro resultante, el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York, da testimonio no sólo del genio arquitectónico de Wright, sino también del espíritu aventurero que caracterizó a sus fundadores. [77] El crítico Paul Goldberger escribió más tarde que, antes del edificio modernista de Wright, «sólo había dos modelos comunes para el diseño de museos: el Palacio de Bellas Artes ... y el Pabellón de Estilo Internacional». [78] Goldberger pensó que el edificio era un catalizador del cambio, haciendo que "fuera social y culturalmente aceptable para un arquitecto diseñar un museo muy expresivo e intensamente personal. En este sentido, casi todos los museos de nuestro tiempo son hijos del Guggenheim". [78]
Antes de decidirse por el sitio actual para el Museo Solomon R. Guggenheim en la Quinta Avenida entre las calles 88 y 89, Wright, Rebay y Guggenheim consideraron numerosas ubicaciones en Manhattan, así como en la sección Riverdale del Bronx, con vista al río Hudson . [79] Guggenheim sintió que la proximidad del sitio a Central Park era importante; el parque brindaba alivio del ruido, la congestión y el concreto de la ciudad. [80] La naturaleza también proporcionó inspiración al museo. [79] El edificio encarna los intentos de Wright de "reproducir la plasticidad inherente de las formas orgánicas en la arquitectura". [81] El Guggenheim iba a ser el único museo diseñado por Wright. La ubicación en la ciudad requirió que Wright diseñara el edificio en una forma vertical en lugar de horizontal, muy diferente de sus obras rurales anteriores. [80]
El concepto original de Wright se denominó « zigurat » invertido, porque se parecía a los empinados escalones de los zigurats construidos en la antigua Mesopotamia . [80] Su diseño prescindió del enfoque convencional del diseño de museos, en el que los visitantes son conducidos a través de una serie de salas interconectadas y se les obliga a volver sobre sus pasos al salir. [81] El plan de Wright era que los visitantes del museo subieran a la parte superior del edificio en ascensor, descendieran a un ritmo pausado por la suave pendiente de la rampa continua y vieran el atrio del edificio como la última obra de arte. La rotonda abierta ofrecía a los espectadores la posibilidad única de ver varias bahías de trabajo en diferentes niveles simultáneamente e incluso interactuar con los invitados en otros niveles. [82] El diseño en espiral recordaba a una concha de nautilus, con espacios continuos que fluían libremente uno hacia el otro. [83]
Aunque el diseño de Wright abraza la naturaleza, también expresa su interpretación de la geometría rígida de la arquitectura modernista. [83] Wright atribuyó un significado simbólico a las formas del edificio. Explicó que "estas formas geométricas sugieren ciertas ideas, estados de ánimo y sentimientos humanos, como por ejemplo: el círculo, el infinito; el triángulo, la unidad estructural; la espiral, el progreso orgánico; el cuadrado, la integridad". [84] Las formas se hacen eco unas de otras en todo el edificio: las columnas de forma ovalada, por ejemplo, reiteran la geometría de la fuente. La circularidad es el leitmotiv, desde la rotonda hasta el diseño con incrustaciones de los pisos de terrazo. [79]
La visión de Wright tardó 16 años en hacerse realidad. El edificio del Museo Solomon R. Guggenheim, que contrasta marcadamente con los edificios típicamente rectangulares de Manhattan que lo rodean, se inauguró en octubre de 1959. Incluso antes de su apertura, el diseño polarizó a los críticos de arquitectura. [16] [18] Algunos creían que el edificio eclipsaría las obras de arte del museo. [9] [85] [86] "Por el contrario", escribió el arquitecto, el diseño convierte "el edificio y la pintura en una sinfonía ininterrumpida y hermosa como nunca antes existió en el mundo del arte". [85] Otros críticos, y muchos artistas, sintieron que es incómodo colgar pinturas adecuadamente en los nichos de exposición cóncavos, sin ventanas y poco profundos que rodean la espiral central. [16] El edificio, sin embargo, fue ampliamente elogiado [19] [77] [87] e inspiró a muchos otros arquitectos. [80]
La superficie del edificio se hizo de hormigón para reducir el coste, inferior al acabado de piedra que Wright había deseado. [88] La pequeña rotonda (o "edificio Monitor", como la llamó Wright) junto a la gran rotonda estaba destinada a albergar apartamentos para Rebay y Guggenheim, pero en su lugar se convirtió en oficinas y espacio de almacenamiento. [89] En 1965, el segundo piso del edificio Monitor fue renovado para mostrar la creciente colección permanente del museo, y con la restauración del museo en 1990-92, se convirtió en un espacio de exposición y se bautizó como Edificio Thannhauser, en honor a uno de los legados más importantes al museo. [90] El plan original de Wright para una torre contigua, estudios de artistas y apartamentos no se realizó, en gran parte por razones financieras. Sin embargo, como parte de la restauración, los arquitectos Gwathmey Siegel and Associates analizaron los bocetos originales de Wright para diseñar la torre rectangular de piedra caliza de 10 pisos, que se encuentra detrás y es más alta que el edificio en espiral original (reemplazando una estructura mucho más pequeña), que tiene cuatro galerías de exhibición adicionales con paredes planas que son "más apropiadas para la exhibición de arte". [33] [82] Además, en la construcción original, el tragaluz de la galería principal había sido cubierto, lo que comprometió los efectos de iluminación cuidadosamente articulados de Wight. Esto cambió en 1992 cuando el tragaluz fue restaurado a su diseño original. [88] La financiación para las alteraciones se recaudó en parte a través de la controvertida venta de obras maestras por parte de la fundación en 1991. [88]
En 2001, el museo abrió al público el Centro Sackler para la Educación en las Artes, que era otra parte del diseño original de Wright para el edificio, gracias a un obsequio de la familia Mortimer D. Sackler. Situado justo debajo de la gran rotonda, este centro educativo de 8.200 pies cuadrados ofrece clases y conferencias sobre las artes visuales y escénicas y oportunidades para interactuar con las colecciones del museo y las exposiciones especiales a través de sus laboratorios, espacios de exposición, salas de conferencias y el Teatro Peter B. Lewis. [50] Entre septiembre de 2005 y julio de 2008, el Museo Guggenheim se sometió a una importante restauración exterior para reparar grietas y [91] modernizar los sistemas y los detalles exteriores. [92] La artista Jenny Holzer pintó un homenaje, For the Guggenheim , en honor a Peter B. Lewis, un importante benefactor del proyecto de restauración. [93] El museo fue registrado como Monumento Histórico Nacional el 6 de octubre de 2008. [94]
Peggy Guggenheim compró el Palazzo Venier dei Leoni en 1948 para albergar y exhibir su colección al público, y residió allí durante treinta años. [95] [96] Aunque a veces se lo confunde con un edificio moderno, [97] es un palacio del siglo XVIII diseñado por el arquitecto veneciano Lorenzo Boschetti. [96] El edificio estaba inacabado y tiene una elevación inusualmente baja sobre el Gran Canal. El sitio web del museo describe su "fachada larga y baja, hecha de piedra de Istria y contrastada con los árboles del jardín detrás que suavizan sus líneas, forma una "cesura" bienvenida en la majestuosa marcha de los palacios del Gran Canal desde la Accademia hasta la Salute ". [98]
La Fundación tomó el control del edificio en 1979 tras la muerte de Guggenheim y tomó medidas para ampliar el espacio de la galería. En 1985, "todas las salas de la planta principal se habían convertido en galerías... la fachada de piedra blanca de Istria y la singular terraza del canal habían sido restauradas", y el arquitecto Giorgio Bellavitis había reconstruido un ala de arcada que sobresale, llamada barchessa. [99] Desde 1985, el museo ha estado abierto todo el año. [98] En 1993, la fundación convirtió los apartamentos adyacentes al museo en un anexo de jardín, una tienda y más galerías. [99] En 1995, se completó el Jardín de Esculturas Nasher, [99] Desde 1993, el museo ha duplicado su tamaño, de 2.000 a 4.000 metros cuadrados. [29] y fue renovado en 2012. [100]
En 1991, el gobierno vasco sugirió a la fundación que financiaría la construcción de un museo Guggenheim en Bilbao . [101] [102] La fundación seleccionó a Frank Gehry como arquitecto, y su director, Thomas Krens , lo alentó a diseñar algo atrevido e innovador. [103] Las curvas en el exterior del edificio tenían la intención de parecer aleatorias; el arquitecto dijo que "la aleatoriedad de las curvas está diseñada para captar la luz". [104] El interior "está diseñado alrededor de un gran atrio lleno de luz con vistas a la ría de Bilbao y las colinas circundantes del País Vasco". [29]
Cuando el Museo Guggenheim Bilbao abrió sus puertas al público en 1997, fue inmediatamente aclamado como uno de los edificios más espectaculares del mundo, una obra maestra del siglo XX. [105] El arquitecto Philip Johnson lo describió como "el edificio más grande de nuestro tiempo", [106] mientras que el crítico Calvin Tomkins , en The New Yorker , lo caracterizó como "un fantástico barco de ensueño de forma ondulada en un manto de titanio ", sus paneles brillantemente reflectantes también recuerdan a escamas de pescado. [105] Herbert Muschamp elogió su "brillantez mercurial" en The New York Times Magazine . [107] The Independent llama al museo "una asombrosa hazaña arquitectónica". [29]
El museo se integra perfectamente en el contexto urbano, desplegando sus formas interconectadas de piedra, vidrio y titanio en un sitio de 32.500 metros cuadrados a lo largo del río Nervión en el antiguo corazón industrial de la ciudad; aunque modesto desde el nivel de la calle, es más impresionante cuando se ve desde el río. [101] [107] Once mil metros cuadrados de espacio de exposición se distribuyen en diecinueve galerías, diez de las cuales siguen un plan ortogonal clásico que se puede identificar desde el exterior por sus acabados en piedra. Las nueve galerías restantes tienen formas irregulares y se pueden identificar desde el exterior por sus formas orgánicas arremolinadas y revestimiento de titanio. La galería más grande mide 30 metros de ancho y 130 metros de largo. [102] [107] Desde 2005, ha albergado la instalación monumental de Richard Serra "La materia del tiempo". [108] [109]
El Deutsche Guggenheim de Berlín abrió sus puertas un mes después que el Museo Guggenheim de Bilbao, en 1997. [110] Diseñada por el arquitecto estadounidense Richard Gluckman en un estilo minimalista, la modesta galería berlinesa ocupaba una esquina de la planta baja del edificio de piedra arenisca del Deutsche Bank , en el bulevar Unter der Linden , construido en 1920. [29] [111] Cerró en 2013. [112]
El museo de Abu Dhabi está previsto que sea la instalación más grande de la fundación con diferencia. [62] [113] El diseño de Gehry incluye galerías de exposiciones, espacio educativo y de investigación, un laboratorio de conservación, un centro de cultura contemporánea árabe, islámica y de Oriente Medio, y un centro de "arte y tecnología". [114] Inspirados en los patios cubiertos y las torres de viento tradicionales de Oriente Medio, utilizados para enfriar las estructuras expuestas al sol del desierto, los grupos de galerías horizontales y verticales del museo de varios tamaños están conectados por pasarelas y planificados alrededor de un patio central cubierto, incorporando características naturales destinadas a maximizar la eficiencia energética del edificio. Las galerías más grandes ofrecerán una gran escala para la exhibición de grandes instalaciones de arte contemporáneo. [114] Algunas partes del edificio tendrán cuatro pisos de altura, con "grupos de galerías conectadas en forma de bloque y cono que parecen apiladas unas sobre otras". [29] [115] El museo está destinado a ser una pieza central en el plan de la isla para el arte y la cultura contemporáneos". [116]
El nuevo museo comenzó a construirse en una península en el extremo noroeste de la isla Saadiyat, adyacente a Abu Dhabi. [114] [117] Gehry comentó: "El sitio en sí, virtualmente sobre el agua o cerca del agua por todos lados, en un paisaje desértico con el hermoso mar y la calidad de la luz del lugar, sugirió algo de la dirección". [115] La fecha de finalización se retrasó de 2011 a al menos 2017. [65] En marzo de 2011, más de 130 artistas anunciaron un plan para boicotear el museo de Abu Dhabi, citando informes de abusos a trabajadores extranjeros, incluida la retención arbitraria de salarios, condiciones de trabajo inseguras y el incumplimiento de las empresas de pagar las tarifas de contratación a los trabajadores. [118] El progreso continuo espera la aprobación de las solicitudes y contratos de construcción por parte de la Compañía de Desarrollo e Inversión Turística (TDIC). [119] A principios de 2016, no se había logrado ningún progreso en la construcción, y la Fundación Guggenheim confirmó que "TDIC aún no ha adjudicado un contrato". [120]
El Concurso de Diseño Guggenheim Helsinki 2014-2015 fue el primer concurso internacional abierto de arquitectura de la Fundación Solomon R. Guggenheim. Recibió 1.715 propuestas de 77 países, un récord para un concurso de diseño de museos. [121] El diseño elegido para un museo Guggenheim propuesto de 130 millones de euros en Helsinki , Finlandia, imaginaba "un revoltijo indistinto de pabellones revestidos de madera carbonizada" y vidrio. [69] El diseño ganador fue de Moreau Kusunoki Architectes, con sede en París. [69] [121] Los críticos objetaron el color oscuro del exterior del diseño, que contrasta con la arquitectura circundante, así como la forma del edificio. Osku Pajamaki, vicepresidente del consejo ejecutivo de la ciudad, dijo: "El símbolo del faro es arrogante en medio del centro histórico... [como] un museo Guggenheim al lado de Notre Dame en París. La gente se acerca desde el mar, y lo primero que verán es que los ciudadanos de Helsinki compraron su identidad al Guggenheim". [122] El museo propuesto fue rechazado por el ayuntamiento de Helsinki en 2016. [70]
La fundación presta anualmente cientos de obras de arte de sus colecciones a otros museos e instituciones de todo el mundo. También establece colaboraciones con socios de todo el mundo para llegar a públicos diversos y promover el discurso cultural. Entre 2006 y 2011, se pudieron ver exposiciones de las obras de la fundación en más de 80 museos, como el Museo Nacional de Arte de China en Pekín durante los Juegos Olímpicos de Pekín de 2008. [ 123]
En 2010, la Fundación Solomon R. Guggenheim y YouTube, en colaboración con Hewlett-Packard e Intel , presentaron YouTube Play, A Biennial of Creative Video . Más de 23.000 vídeos de 91 países se presentaron en respuesta a una convocatoria abierta destinada a "descubrir y mostrar el talento más excepcional que trabaja en el ámbito en constante expansión del vídeo en línea". [124] [125] Los curadores de la Fundación seleccionaron una lista corta de 125 vídeos de los cuales un jurado, que incluía a los artistas Laurie Anderson y Takashi Murakami y al grupo musical Animal Collective , escogió una lista de reproducción de 25 obras. [125] Estos se presentaron en el evento YouTube Play en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York el 21 de octubre de 2010, durante el cual los vídeos se proyectaron en el exterior del edificio del museo y en el interior de la rotonda del museo. [124]
Las 25 obras seleccionadas continuaron en exposición en el museo hasta el 24 de octubre de 2010. Los 125 vídeos de la lista de finalistas estuvieron en exposición durante todo el otoño de 2010 en quioscos de los museos Guggenheim de Nueva York, Berlín, Bilbao y Venecia. El canal de YouTube del proyecto, youtube.com/play, presenta todos los vídeos de la lista de finalistas, así como los momentos destacados del evento en Nueva York e información sobre el proyecto. [126] La colaboración tenía como objetivo llegar a un público más amplio más allá del entorno del museo. [125] La crítica de arte del New York Times, Roberta Smith, comentó: "Es una idea cuyo momento ha llegado... En muchos sentidos, es simplemente una exposición de presentación abierta al estilo antiguo del tipo que los museos regionales y los centros de arte de todo el país han organizado durante décadas, excepto que se ha vuelto digital". [124]
El BMW Guggenheim Lab es un proyecto itinerante interdisciplinario que comenzó en 2011. [127] [128] Una colaboración entre el Grupo BMW y la fundación, el laboratorio es en parte un grupo de expertos urbanos , en parte un centro comunitario y en parte un espacio de reunión, que explora cuestiones de la vida urbana a través de la programación y el discurso públicos. [129] [130] El programa está diseñado para involucrar de manera proactiva a los residentes de cada ciudad que visita, y a los participantes en Internet y de todo el mundo, en programas y experimentos gratuitos, y para abordar ideas y cuestiones de la vida urbana con particular relevancia para cada ciudad. [131] El Comité Asesor de expertos del Laboratorio nombra al equipo de laboratorio de cada ciudad, un grupo interdisciplinario que crea la programación para esa ubicación. [127] [128] Se esperaba que el laboratorio visitara nueve ciudades durante tres meses cada una en el transcurso de seis años, con tres estructuras diferentes que albergarían el laboratorio, cada una de las cuales viajaría a tres ciudades. [132] [133] Sin embargo, en 2013, BMW puso fin a su apoyo al proyecto. [134]
La estructura del laboratorio fue diseñada por la firma de arquitectura Atelier Bow-Wow , con sede en Tokio . [132] [133] El ciclo de tres ciudades del proyecto se diseñó en torno al tema Confronting Comfort , que exploraba formas de hacer que los entornos urbanos respondieran mejor a las necesidades de las personas, logrando un equilibrio entre el confort individual y colectivo y promoviendo la responsabilidad ambiental y social. [131] Los miembros del Comité Asesor del Laboratorio fueron: Daniel Barenboim , Elizabeth Diller , Nicholas Humphrey , Muchadeyi Masunda , Enrique Peñalosa , Juliet Schor , Rirkrit Tiravanija y Wang Shi . [127] [128] El laboratorio estuvo abierto del 3 de agosto al 16 de octubre de 2011 en el East Village de la ciudad de Nueva York y asistieron más de 54.000 visitantes de 60 países. [132] [133] El Laboratorio estuvo abierto en Berlín del 24 de mayo al 29 de julio de 2012. [133] [135] La programación del Laboratorio de Berlín se centró en cuatro temas principales: Tecnologías de empoderamiento (Gómez-Márquez), Conexiones dinámicas (Smith), Microlente urbana (Rose) y la ciudad sensible (SENSEable) (Ratti). [ cita requerida ] El Laboratorio abrió en Mumbai , India, el 9 de diciembre de 2012 y funcionó hasta el 20 de enero de 2013. La ubicación central estaba en los terrenos del Museo Dr. Bhau Daji Lad , con ubicaciones satélite adicionales alrededor de la ciudad. [136] Junto con la programación pública específica del vecindario, el programa del Laboratorio de Mumbai incluyó estudios de investigación participativos y proyectos de diseño. [137]
El programa finalizó con una exposición, Participatory City: 100 Urban Trends from the BMW Guggenheim Lab , que estuvo en exhibición en el museo de Nueva York desde el 11 de octubre de 2013 hasta el 5 de enero de 2014. [134]
La Iniciativa de Arte Global Guggenheim UBS MAP fue un programa de cinco años, apoyado por el banco suizo UBS, en el que la Fundación identificó y trabajó con artistas, curadores y educadores de Asia, América Latina, Oriente Medio y el norte de África para expandir su alcance en el mundo del arte internacional. Para cada una de las tres fases del proyecto, el museo invitó a un curador de la región elegida al Museo Guggenheim de la ciudad de Nueva York para una residencia curatorial de dos años para trabajar con un equipo del personal del Guggenheim para identificar nuevas obras de arte que reflejaran la gama de talentos en sus partes del mundo. Los curadores residentes organizaron exhibiciones itinerantes internacionales que destacaron estas obras de arte y ayudaron a organizar actividades educativas. [138] [139] La Fundación adquirió estas obras de arte para su colección permanente y las incluyó como foco de exposiciones en el museo de Nueva York y posteriormente viajaron a otras dos instituciones culturales u otros lugares alrededor del mundo. La Fundación complementó las exhibiciones con una serie de programas públicos y en línea basados en el tema del intercambio intercultural. [140] [141] Se dice que la UBS contribuyó con más de 40 millones de dólares al proyecto para financiar sus actividades y las adquisiciones de arte. [142] El director de la fundación, Richard Armstrong, comentó: "Esperamos desafiar nuestra visión occidentalcéntrica de la historia del arte". [138]
La primera exposición (fase 1) se centró en el arte del sur y sudeste de Asia y fue comisariada por la singapurense June Yap, que trabajó en los departamentos de comisariado de museos de arte moderno y contemporáneo como el Instituto de Arte Contemporáneo de Singapur y el Museo de Arte de Singapur . [143] La segunda y tercera fases del proyecto se centraron en América Latina y Oriente Medio y el norte de África. [138]
La Fundación de la Familia Robert HN Ho, con sede en Hong Kong (fundada por Robert Hung-Ngai Ho ), otorgó una subvención de 10 millones de dólares para ayudar al museo de Nueva York a encargar obras para su colección permanente a al menos tres artistas nacidos en China y a contratar a un curador dedicado a su colección de arte chino. Las obras se exhibirían en el museo de Nueva York en tres exposiciones entre 2014 y 2017 y también en los otros museos Guggenheim. [144] Los encargos fueron parte de un esfuerzo del museo por ampliar el alcance geográfico de su colección, y la Fundación de la Familia Robert HN Ho esperaba que la colaboración fomentara "una mayor comprensión de la cultura china". [145]
