El cine asiático se refiere a las industrias cinematográficas y a las películas producidas en el continente asiático . Sin embargo, en países como Estados Unidos , suele utilizarse para referirse únicamente al cine del este de Asia , el sudeste asiático y el sur de Asia . El cine de Asia occidental a veces se clasifica como parte del cine de Oriente Medio , junto con el cine de Egipto . El cine de Asia Central a menudo se agrupa con el de Oriente Medio o, en el pasado, con el cine de la Unión Soviética durante la era soviética de Asia Central . El norte de Asia está dominado por el cine ruso siberiano y, por tanto, se considera parte del cine europeo .
El cine de Asia oriental se caracteriza por el cine de Japón , China , Hong Kong , Taiwán y Corea del Sur , incluida la industria del anime japonés y las películas de acción de Hong Kong . [1] El cine del sur de Asia se caracteriza por el cine de la India , el cine de Pakistán , el cine de Bangladesh y el cine de Nepal .
El cine del sudeste asiático se caracteriza por el cine de Filipinas , uno de los pioneros del cine asiático, Tailandia , Indonesia y otros países del sudeste asiático.
El cine de Asia Central y el Cáucaso meridional se caracteriza por el cine iraní y el cine de Tayikistán . El cine de Asia occidental se caracteriza por el cine árabe , el cine iraní , el cine israelí (que puede superponerse al cine judío ) y el cine turco .
Un cuenco de barro de 5.200 años de antigüedad encontrado en Shahr-i Sokhta , Irán , tiene cinco imágenes de una cabra pintadas a lo largo de los lados. Se cree que este es un ejemplo de animación temprana . [2] [3] [4]
Mo-Ti , un filósofo chino de alrededor del año 500 a. C., reflexionó sobre el fenómeno de la luz invertida del mundo exterior que irradia a través de un pequeño agujero en la pared opuesta en una habitación oscura. Los juegos de sombras aparecieron por primera vez durante la dinastía Han y luego ganaron popularidad en toda Asia . Alrededor del año 180 d.C., Ting Huan (丁緩) creó un zoótropo elemental en China.
En 1021, Alhazen , un científico iraquí , experimentó con el mismo principio óptico descrito por Mo-Ti, y escribió sobre los resultados en su Libro de Óptica , que proporcionó la primera descripción clara [5] y análisis correcto de la cámara oscura . [6] Su experimento con lámpara , en el que se disponen varias fuentes de luz diferentes en un área grande, fue el primero en proyectar con éxito una imagen completa desde el exterior en una pantalla interior con la cámara oscura . [7]
Los primeros cortometrajes de Asia se produjeron durante la década de 1890. Los primeros cortometrajes producidos en Japón fueron Bake Jizo ( Jizo the Spook ) y Shinin no Sosei ( La resurrección de un cadáver ), ambos de 1898. [8] También se produjo el primer cortometraje indio en 1898, The Flower of Persia , dirigido por Hiralal Sen. [9]
A principios del siglo XX, se proyectaban películas mudas israelíes en cobertizos, cafés y otras estructuras temporales. [10] En 1905, el Café Lorenz abrió en Jaffa Road en el barrio judío de Neve Tzedek . A partir de 1909, la familia Lorenz empezó a proyectar películas en el café. En 1925, el cine Kessem estuvo allí durante un breve período. [11] El primer largometraje de Asia Oriental fue La historia de la vida de Tasuke Shiobara (1912) de Japón . Le siguió el primer largometraje mudo de la India, la obra dramática de época Raja Harishchandra (1913), de Dadasaheb Phalke , considerado el padre del cine indio . En la década siguiente, la producción del cine indio era de una media de 27 películas al año. [12]
En la década de 1920, el recién nacido cine soviético fue el más radicalmente innovador. Allí, el arte de editar, especialmente, avanzó, yendo más allá de su papel anterior de hacer avanzar una historia. Sergei Eisenstein perfeccionó la técnica del llamado montaje dialéctico o intelectual , que se esforzaba por hacer que las imágenes no lineales , a menudo violentamente chocantes, expresaran ideas y provocaran reacciones emocionales e intelectuales en el espectador.
Las películas sonoras comenzaron a producirse en Asia a partir de la década de 1930. Las primeras películas sonoras destacadas del cine japonés incluyeron Sisters of the Gion ( Gion no shimai , 1936), de Kenji Mizoguchi, Osaka Elegy (1936) y The Story of the Last Chrysanthemums (1939), junto con Humanity y Paper Balloons (1939) de Sadao Yamanaka ( 1937) y La esposa de Mikio Naruse , ¡Sé como una rosa! ( Tsuma Yo Bara No Yoni , 1935), que fue una de las primeras películas japonesas en estrenarse en los EE. UU. Sin embargo, con la creciente censura, las películas de tendencia izquierdista de directores como Daisuke Ito también comenzaron a ser atacadas. . Se hicieron algunos cortos sonoros japoneses en las décadas de 1920 y 1930, pero el primer largometraje sonoro de Japón fue Fujiwara Yoshie no furusato (1930), que utilizaba el 'Sistema Mina Talkie'. En 1935, Yasujirō Ozu también dirigió An Inn in Tokyo , considerada precursora del género neorrealista .
Ardeshir Irani estrenó Alam Ara , la primera película hablada india, el 14 de marzo de 1931. Tras la aparición del cine sonoro en la India, algunas estrellas de cine fueron muy buscadas y obtuvieron cómodos ingresos a través de la actuación. A medida que avanzaba la tecnología del sonido, la década de 1930 vio el auge de la música en el cine indio con musicales como Indra Sabha y Devi Devyani que marcaron el comienzo del canto y la danza en las películas de la India. [13] Surgieron estudios en ciudades importantes como Chennai , Calcuta y Mumbai cuando el cine se convirtió en un oficio establecido en 1935, ejemplificado por el éxito de Devdas , que había logrado cautivar al público en todo el país. [14]
Tras el final de la Segunda Guerra Mundial a mediados de la década de 1940, el período comprendido entre finales de la década de 1940 y la década de 1960 se considera la "Edad de oro" del cine asiático. [15] [16] [17] Muchas de las películas asiáticas más aclamadas por la crítica de todos los tiempos se produjeron durante este período, incluidas Late Spring (1949) y Tokyo Story (1953) de Yasujirō Ozu ; Rashomon (1950), Ikiru (1952), Seven Samurai (1954) y Throne of Blood (1957), de Akira Kurosawa ; La vida de Oharu (1952), Sansho el alguacil (1954) y Ugetsu (1954), de Kenji Mizoguchi ; La trilogía Apu de Satyajit Ray (1955-1959), The Music Room (1958) y Charulata (1964); Pyaasa (1957) y Kaagaz Ke Phool (1959) de Guru Dutt ; y Primavera en una pequeña ciudad de Fei Mu (1948), Awaara de Raj Kapoor (1951), Nubes flotantes de Mikio Naruse (1955), Madre India de Mehboob Khan (1957) y Subarnarekha de Ritwik Ghatak ( 1962). [15] [16]
Durante la 'Edad de Oro' del cine japonés de las décadas de 1950 y 1960, las películas de éxito incluyeron Rashomon (1950), Seven Samurai (1954) y The Hidden Fortress (1958) de Akira Kurosawa , así como Tokyo Story (1953) de Yasujirō Ozu. ) y Godzilla (1954) de Ishirō Honda . [18] Estas películas han tenido una profunda influencia en el cine mundial. En particular, Los siete samuráis de Kurosawa han sido rehechos varias veces como películas occidentales , como Los siete magníficos (1960) y La batalla más allá de las estrellas (1980), y también han inspirado varias películas de Bollywood , como Sholay (1975) y China Gate ( 1998). Rashomon también se rehizo como The Outrage (1964) e inspiró películas con métodos de narración del " efecto Rashomon ", como Andha Naal (1954), The Usual Suspects (1995) y Hero (2002). La Fortaleza Oculta también fue la inspiración detrás de Star Wars (1977) de George Lucas . La Nueva Ola japonesa comenzó a finales de los años cincuenta y continuó hasta los sesenta. Otros cineastas japoneses famosos de este período incluyen a Kenji Mizoguchi , Mikio Naruse , Hiroshi Inagaki y Nagisa Oshima . [16] El cine japonés se convirtió más tarde en una de las principales inspiraciones detrás del movimiento Nuevo Hollywood de los años 1960 a 1980.
Durante la 'Edad de Oro' del cine indio de las décadas de 1950 y 1960, producía 200 películas al año, mientras que las películas independientes indias ganaban mayor reconocimiento a través de festivales de cine internacionales . Uno de los más famosos fue La trilogía Apu (1955-1959) del aclamado director de cine bengalí Satyajit Ray , cuyas películas tuvieron una profunda influencia en el cine mundial, con directores como Akira Kurosawa , [19] Martin Scorsese , [20] [ 21] James Ivory , [22] Abbas Kiarostami , Elia Kazan , François Truffaut , [23] Steven Spielberg , [24] [25] [26] Carlos Saura , [27] Jean-Luc Godard , [28] Isao Takahata , [ 29] Gregory Nava , Ira Sachs , Wes Anderson [30] y Danny Boyle [31] están influenciados por su estilo cinematográfico. Según Michael Sragow de The Atlantic Monthly , los " dramas juveniles sobre la mayoría de edad que han inundado los cines de arte desde mediados de los años cincuenta tienen una enorme deuda con la trilogía de Apu". [32] La técnica cinematográfica de iluminación de rebote de Subrata Mitra también se origina en La trilogía Apu . [33] El éxito de Satyajit Ray condujo al establecimiento del movimiento Cine Paralelo , que alcanzó su apogeo durante las décadas de 1950 y 1960. Otros cineastas indios famosos de este período incluyen a Guru Dutt , [16] Ritwik Ghatak , [15] Mrinal Sen , Bimal Roy , K. Asif y Mehboob Khan . [34]
El cine de China experimentó una "Edad de Oro" a finales de los años cuarenta. En 1946, Cai Chusheng regresó a Shanghai para revivir el nombre de Lianhua como "Lianhua Film Society". [35] Esto a su vez se convirtió en Kunlun Studios, que se convertiría en uno de los estudios chinos más importantes de la época, publicando los clásicos Myriads of Lights (1948), The Spring River Flows East (1947) y Crows and Gorriones (1949). [36] El drama romántico de Wenhua Primavera en una pequeña ciudad (1948), una película del director Fei Mu poco antes de la revolución, es a menudo considerada por los críticos de cine chinos como una de las películas más importantes de la historia del cine chino, con siendo nombrada por los Premios de Cine de Hong Kong en 2004 como la mejor película en idioma chino jamás realizada. [37]
El cine de Malasia también tuvo su "Edad de Oro" en el período de posguerra de los años 1950 y 1960. El período vio la introducción del sistema de estudios cinematográficos en Malasia y la afluencia de influencias de Hollywood , el cine emergente de Hong Kong y, en particular, las industrias cinematográficas india y japonesa, que estaban experimentando una Edad de Oro. [38] [39]
Los finales de los años 1950 y 1960 fueron también una "Edad de Oro" para el cine filipino , con la aparición de películas más artísticas y maduras, y una mejora significativa en las técnicas cinematográficas entre los cineastas. El sistema de estudios produjo una actividad frenética en la industria cinematográfica local, ya que anualmente se rodaban muchas películas y varios talentos locales comenzaron a ganar reconocimiento en el extranjero. Los principales directores filipinos de la época incluyeron a Gerardo de León , Gregorio Fernández , Eddie Romero , Lamberto Avellana y Cirio Santiago . [40] [41]
El cine de Corea del Sur también experimentó una "Edad de Oro" a finales de los años 1950 y 1960, [42] comenzando con la tremendamente exitosa nueva versión de Chunhyang-jon (1955) del director Lee Kyu-hwan . [43] Ese año también vio el estreno de Provincia de Yangsan por parte del renombrado director, Kim Ki-young , marcando el comienzo de su productiva carrera. Tanto la calidad como la cantidad de películas habían aumentado rápidamente a finales de la década de 1950. Las películas surcoreanas, como la comedia Sijibganeun nal (El día de la boda) de Lee Byeong-il de 1956 , habían comenzado a ganar premios internacionales. A diferencia de principios de la década de 1950, cuando sólo se rodaban cinco películas al año, en 1959 se produjeron 111 películas en Corea del Sur. [44] En el año 1960 se produjo la producción de The Housemaid y Yu Hyun-mok de Kim Ki-young . s Aimless Bullet , ambas catalogadas entre las mejores películas coreanas jamás realizadas. [45]
La década de 1960 se cita a menudo como la "edad de oro" del cine paquistaní . Muchas estrellas A se introdujeron en este período y se convirtieron en leyendas en la pantalla grande . A medida que el blanco y negro se volvió obsoleto, Pakistán vio la introducción de sus primeras películas en color, siendo la primera Azra de Munshi Dil en 1962, Sangam de Zahir Rehan (primer largometraje en color) en 1964, y Mala (primera película de cinemascope en color). . En 1961 se estrenó la película política Bombay Wala , basada en la ciudad de Bombay, en la vecina India, a raíz de la creciente tensión entre las naciones. [46] En 1962, Shaheed ( Mártir ) pronunció la cuestión de Palestina en la pantalla grande y se convirtió en un éxito instantáneo, lo que provocó un cambio en la actitud de los cineastas. [ cita necesaria ]
La década de 1960 fue la "edad de oro" del cine camboyano . Se iniciaron varias productoras y se construyeron más salas de cine en todo el país. Durante esa época se hicieron más de 300 películas en Camboya. [47] Varias películas en idioma jemer fueron bien recibidas en los países vecinos en ese momento. [48] Entre las películas clásicas de Camboya durante este período se encuentran Lea Haey Duong Dara ( Goodbye Duong Dara ) y Pos Keng Kang ( The Snake King's Wife ) de Tea Lim Kun y Sabbseth, y An Euil Srey An ( Khmer After Angkor ) de Ly Bun Yim.
En 1966, 2,6 millones de israelíes fueron al cine más de 50 millones de veces. A partir de 1968, cuando comenzaron las transmisiones televisivas , las salas comenzaron a cerrar, primero en la periferia y luego en las grandes ciudades. 330 salas independientes fueron derribadas o rediseñadas como salas multicine. [10]
A finales de los años 1960 y principios de los 1970, el cine japonés había comenzado a verse seriamente afectado por el colapso del sistema de estudios. A medida que el cine japonés cayó en un período de relativa baja visibilidad, el cine de Hong Kong entró en un dramático renacimiento propio, en gran medida un efecto secundario del desarrollo de la mezcla wuxia de acción, historia y preocupaciones espirituales. Varias figuras importantes surgieron en Hong Kong en este momento, incluido el rey Hu , cuyo Come Drink With Me de 1966 fue una influencia clave en muchos desarrollos cinematográficos posteriores de Hong Kong. Poco después, Bruce Lee, nacido en Estados Unidos, se convirtió en un ícono mundial en la década de 1970.
A partir de 1969, la Nueva Ola iraní condujo al crecimiento del cine iraní , que luego alcanzaría el reconocimiento internacional en las décadas de 1980 y 1990. Las figuras más notables de la Nueva Ola iraní son Abbas Kiarostami , Jafar Panahi , Majid Majidi , Bahram Beizai , Darius Mehrjui , Mohsen Makhmalbaf , Masoud Kimiay , Sohrab Shahid-Saless , Parviz Kimiavi , Samira Makhmalbaf , Amir Naderi y Abolfazl Jalili . Algunas características del cine iraní de la Nueva Ola, en particular las obras de Kiarostami, han sido clasificadas como posmodernas . [49]
La década de 1970 también vio el establecimiento del cine bangladesí tras la independencia del país en 1971. Una de las primeras películas producidas en Bangladesh después de la independencia fue Titash Ekti Nadir Naam ( Un río llamado Titas ) en 1973 del aclamado director Ritwik Ghatak , cuya estatura en el cine bengalí Es comparable al de Satyajit Ray y Mrinal Sen. Otra gran película de Bangladesh es 'Lathial' (El delantero) de Mita, fueron las mejores películas del año 1975. 'Lathial' obtuvo el primer Premio Nacional como mejor película y Mita obtuvo el primer Premio Nacional como mejor director.
En el cine de la India , la década de 1970 vio un declive del ' cine paralelo ' y el auge del cine hindi comercial en forma de películas masala duraderas , un género del que fue pionero en gran medida el dúo de guionistas Salim-Javed , con películas como El crimen del inframundo de Mumbai. el drama Deewaar (1975) y la película " Curry Western " Sholay (1975), que solidificó la posición de Amitabh Bachchan como actor principal. El cine comercial creció aún más a lo largo de las décadas de 1980 y 1990 con el estreno de películas como Mr. India (1987), Qayamat Se Qayamat Tak (1988), Tezaab (1988), Chandni (1989), Maine Pyar Kiya (1989), Baazigar. (1993), Darr (1993), Hum Aapke Hain Koun..! (1994) y Dilwale Dulhaniya Le Jayenge (1995). [50] En ese momento, el término " Bollywood " fue acuñado para referirse a la industria cinematográfica en idioma hindi de Bombay (ahora Mumbai). A principios de la década de 2020, la duología épica Baahubali de SS Rajamouli y la película de historia alternativa RRR recibieron nominaciones al premio American Saturn en varias categorías, las únicas películas indias que han obtenido los honores. [51] [52] [53] El éxito de Rajamouli jugó un papel en el crecimiento más amplio de las industrias cinematográficas del sur de la India , [54] que ahora están a la par con las películas de Bollywood en términos de ingresos de taquilla. [55]
Durante la década de 1980, el cine japonés –ayudado por el auge del cine independiente y el espectacular éxito del anime– comenzó a tener una especie de regreso internacional. Al mismo tiempo, una nueva generación de cineastas chinos post- Mao Zedong comenzó a ganar atención mundial. Otro grupo de cineastas, centrado en Edward Yang y Hou Hsiao-hsien , lanzó lo que se conoce como la "Nueva Ola Taiwanesa". [ cita necesaria ]
La década de 1980 también se considera la Edad de Oro del cine de acción de Hong Kong . Jackie Chan reinventó el género cinematográfico de artes marciales con un nuevo énfasis en acrobacias elaboradas y peligrosas y humor slapstick, comenzando con Proyecto A (1983). John Woo inició el género del " derramamiento de sangre heroico " basado en tríadas , comenzando con A Better Tomorrow (1986). Durante este período también se produjo la Nueva Ola de Hong Kong , liderada por cineastas como Tsui Hark .
Con el aumento de la popularidad del cine de Asia oriental en Occidente después de 1980, el público occidental está volviendo a familiarizarse con muchos de los cineastas y estrellas de la industria. Varios de estos actores clave, como Chow Yun-fat y Zhang Ziyi , se han "cruzado" trabajando en películas occidentales. Otros han ganado visibilidad gracias al éxito internacional de sus películas, aunque muchos más conservan un atractivo más de " culto ", encontrando cierto grado de éxito occidental a través de las ventas de DVD en lugar de los estrenos en cines. En la era moderna, el cine israelí ha experimentado una ola de éxito en el siglo XXI, con varias películas israelíes ganando premios en festivales de cine de todo el mundo. Las películas más destacadas de este período incluyen Late Marriage ( Dover Koshashvili ), Broken Wings , Walk on Water y Yossi & Jagger ( Eytan Fox ), Nina's Tragedies , Campfire and Beaufort ( Joseph Cedar ), Or (My Treasure) ( Keren Yedaya ), Turn Izquierda en el fin del mundo ( Avi Nesher ), La visita de la banda ( Eran Kolirin ), Vals con Bashir ( Ari Folman ) y Ajami . En 2011, No más extraños ganó el Oscar al mejor cortometraje documental. [56]
En 2020, la película surcoreana Parasite se convirtió en la primera película en idioma no inglés en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película en la 92ª edición de los Premios de la Academia . [57]
Uno de los festivales de cine asiático más famosos de Europa es el Festival Internacional de Cine Asiático Vesoul , fundado en 1995.
"La primera descripción clara del dispositivo aparece en el Libro de Óptica de Alhazén."
Los principios de la cámara oscura comenzaron a analizarse correctamente por primera vez en el siglo XI, cuando fueron esbozados por Ibn al-Haytham.
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