El arte afroamericano es un término amplio que describe el arte visual creado por los afroamericanos . La gama de arte que han creado, y siguen creando, a lo largo de más de dos siglos es tan variada como los propios artistas. [1] Algunos se han inspirado en las tradiciones culturales de África y otras partes del mundo donde se encuentra la diáspora negra. Otros se han inspirado en las formas tradicionales de arte plástico afroamericano , como la cestería , la cerámica , el acolchado , el tallado en madera y la pintura , todas las cuales a veces se clasifican como " artesanías " o " arte popular ". [2] [3]
Muchos también se han inspirado en las tradiciones europeas en el arte, así como en la experiencia personal de vida, trabajo y estudios allí. [4] [5] [6] Al igual que sus colegas occidentales, muchos trabajan en estilos realistas , modernistas y conceptuales , y todas las variaciones intermedias, incluido el movimiento expresionista abstracto de cosecha propia de Estados Unidos , un enfoque del arte que se ve en el trabajo de Howardena Pindell , McArthur Binion y Norman Lewis , entre otros. [7]
Al igual que sus pares, los artistas afroamericanos también trabajan en una variedad de medios, que incluyen pintura, grabado, collage, ensamblaje, dibujo, escultura y más. [8] Sus temas son igualmente variados, aunque muchos también abordan, o sienten que deben abordar, cuestiones de la negritud estadounidense. [9] [10]
Meta Vaux Warrick Fuller , conocida en el pasado como la "escultora de los horrores", prefería una mezcla de realismo conceptual y simbolismo , y se inspiraba en historias de fantasmas. [11] Tutelada por Henry Osawa Tanner , criticada por Auguste Rodin y exhibida en el Salón de 1903 , [11] [12] reconoció que una carrera continua dependía de "satisfacer las solicitudes de trabajo basado en la raza de los principales académicos, activistas y luminarias negros que controlaban la cadena de comisiones". [13] Al aceptar esa realidad, WEB Du Bois se convirtió en una de sus mecenas, y se convirtió en la primera mujer afroamericana en recibir una comisión federal... para dioramas con temática de progreso para el tricentenario de Jamestown... y, más tarde, para la celebración del quincuagésimo aniversario de la Proclamación de la Emancipación ", pero todo tuvo algún costo. [11] [12] [13]
Otro extremo lo ilustra un artista como Emory Douglas , ex ministro de cultura del Partido Pantera Negra , cuyo arte era conscientemente radical y desde entonces se ha vuelto icónico. [14] "Acreditado con la popularización del término 'cerdos' para los oficiales de policía corruptos", su imaginería más conocida era a menudo duramente crítica de la estructura de poder existente, abiertamente violenta y, como toda iconografía política, destinada a persuadir. [14] [15]
La escultora Edmonia Lewis , por el contrario, financió su primer viaje a Europa en 1865 vendiendo esculturas del abolicionista John Brown y Robert Gould Shaw , el coronel de la Unión que dirigió el 54.º Regimiento de Infantería de Massachusetts, formado por negros alistados , durante la Guerra Civil . [16] Más tarde, incorporaría cuestiones de raza de forma más sutil, utilizando temas modernos y símbolos antiguos en la escultura neoclásica con fines sugerentes. [5] En respuesta a un busto que Lewis había hecho de ella, su mecenas Anna Quincey Waterston escribió con admiración sobre ella: "Es apropiado que una hija de la raza / cuyas cadenas se están rompiendo reciba un regalo / tan raro como el genio". [16]
La nieta de esclavos , la artista de grabados y escultora Elizabeth Catlett también fue activista. Aunque parte de su arte incluye símbolos de confrontación del movimiento Black Power , es más conocida por sus representaciones de héroes afroamericanos: MLK, Malcolm X, Harriet Tubman, y mujeres maternales fuertes. [17] [18] [19] El trabajo de la escultora Augusta Savage fue igualmente alentador. En un gran encargo para la Feria Mundial de Nueva York de 1939 , Lift Every Voice and Sing , que a menudo se describe como el Himno Nacional Negro , inspiró un llamado Lift Every Voice and Sing , también conocido como El arpa , ya que representaba a cantantes negros como las cuerdas del instrumento. [6]
Richard Hunt , es un escultor nacido en el South Side de Chicago en 1935. Un tema recurrente de su trabajo es la integración y expresión de la historia y la cultura afroamericana, a pesar de su enfoque en su propia libertad como artista para trabajar en un modo abstracto o uno referencial o sugerente de sus temas. Richard Hunt, descendiente de esclavos traídos a este país a través del puerto de Savannah, Georgia, ha hecho singularmente la mayor contribución al arte público en los EE. UU.; más de 160 encargos de esculturas públicas adornan lugares destacados en 24 estados y Washington DC. A los 19 años, Richard Hunt aprendió a soldar por sí solo. Solo dos años después, ganó reconocimiento nacional cuando el Museo de Arte Moderno adquirió su escultura, Arachne . Otra escultura de Richard Hunt , Hero Construction , ahora se erige como la pieza central del Instituto de Arte de Chicago . Richard Hunt ha realizado más de 150 exposiciones individuales y está representado en más de 100 museos públicos. [20]
La pintora Faith Ringgold , conocida por su arte politizado, ha sido descrita como una artista que "tiene un golpe de estómago magnífico". [21] Su serie The American People #20: Die , que representa un enfrentamiento sangriento entre figuras cubistas en blanco y negro, se colgó frente a Les Demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso en el recientemente renovado MOMA en 2019, para iniciar mejor una conversación sobre la "fuerza salvaje" de sus respectivas composiciones. [21] [22] [23] El artista conceptual Fred Wilson se centra en otros tipos de composición, "yuxtaponiendo elementos tremendamente anómalos, como una estatua de esclavo y un juego de porcelana fina". Beneficiario de la "beca de genio " MacArthur en 1999, su trabajo fomenta "desempacar y cambiar los supuestos sobre la raza y la historia que rodean a cada uno". [24] [25]
Artistas narrativos como Jacob Lawrence utilizan la pintura histórica para contar una historia en imágenes, como lo demuestra su propia Serie Migración . La epopeya de 60 paneles representa la reubicación de un millón de afroamericanos al Norte industrializado después de la Segunda Guerra Mundial. [8] [26] Como en los casos de Kehinde Wiley [ cita requerida ] y Amy Sherald , [27] la pintura histórica también puede involucrar retratos ; en este caso, los retratos oficiales de Barack y Michelle Obama, respectivamente.
Artistas como Horace Pippen y Romare Bearden eligieron temas más comunes, basándose en la vida contemporánea para inspirar imágenes no controvertidas. El influyente Henry Tanner también lo hizo, en pinturas como La lección de banjo y Los pobres agradecidos [4], aunque esas pinturas, como muchos de sus paisajes y escenas bíblicas, a menudo parecen iluminadas desde dentro. Tanner, el primer afroamericano en inscribirse en la prestigiosa Academia de Bellas Artes de Pensilvania en 1880, estudió con el pintor realista Thomas Eakens . [4] Luego se convirtió en el primer artista afroamericano en ganar aclamación internacional. Fue elegido miembro de la Academia Nacional de Diseño en 1910 y designado caballero honorario de la Orden de la Legión de Honor en 1923. [28]
La evidencia más temprana del arte afroamericano en los Estados Unidos es el trabajo de artesanos expertos esclavos de Nueva Inglaterra . Dos categorías de artículos artesanales de esclavos sobreviven de la América colonial: artículos creados para uso personal por esclavos y artículos creados para uso público. Algunos ejemplos de entre el siglo XVII y principios del siglo XIX incluyen: tambores pequeños, colchas, figuras de hierro forjado, cestas, vasijas de cerámica y lápidas. [29] [30]
Muchos de los artesanos esclavos más hábiles de África fueron contratados por sus dueños. Con el consentimiento de sus amos, algunos artesanos esclavos también pudieron quedarse con un pequeño porcentaje de los salarios que ganaban en su tiempo libre para ahorrar suficiente dinero con el que comprar su libertad y la de sus familiares. [31]
Las obras de arte públicas producidas por artesanos esclavos fueron una importante contribución a la economía colonial. En Nueva Inglaterra y las colonias del Atlántico Medio, los esclavos fueron aprendices como orfebres, ebanistas, grabadores, talladores, pintores de retratos, carpinteros, albañiles y trabajadores del hierro. La construcción y decoración de la Casa Janson , construida sobre el río Hudson en 1712, fue obra de afroamericanos. Muchos de los edificios más antiguos de Luisiana, Carolina del Sur y Georgia fueron construidos por artesanos esclavos. [30]
A mediados del siglo XVIII, John Bush era un tallador de cuernos de pólvora y soldado de la milicia de Massachusetts que luchaba con los británicos en la Guerra franco-india . [32] [33] Patrick H. Reason , Joshua Johnson y Scipio Moorhead estuvieron entre los primeros retratistas conocidos, del período de 1773 a 1887. El patrocinio de algunas familias blancas permitió la tutoría privada en casos especiales. Muchos de estos blancos patrocinadores eran abolicionistas . Los artistas recibieron más estímulo y pudieron mantenerse mejor en las ciudades, de las cuales había más en el norte y los estados fronterizos.
Harriet Powers (1837–1910) fue una artista popular y fabricante de colchas afroamericana de la zona rural de Georgia, Estados Unidos , nacida en la esclavitud. Ahora reconocida a nivel nacional por sus colchas , utilizó técnicas tradicionales de apliques para registrar leyendas locales, historias bíblicas y eventos astronómicos en sus colchas. Solo dos de sus últimas colchas han sobrevivido: Bible Quilt 1886 y Bible Quilt 1898. Sus colchas se consideran entre los mejores ejemplos de acolchado sureño del siglo XIX. [34] [35]
Al igual que Powers, las mujeres de Gee's Bend desarrollaron un estilo de acolchado distintivo, audaz y sofisticado basado en los edredones tradicionales estadounidenses (y afroamericanos), pero con una simplicidad geométrica. Aunque están muy separadas por la geografía, tienen cualidades que recuerdan a los edredones Amish y al arte moderno . Las mujeres de Gee's Bend transmitieron sus habilidades y estética a lo largo de al menos seis generaciones hasta el presente. [36] En un momento, los académicos creían que los esclavos a veces usaban bloques de colcha para alertar a otros esclavos sobre planes de escape durante la época del Ferrocarril Subterráneo , [37] pero la mayoría de los historiadores no están de acuerdo. El acolchado sigue vivo como forma de expresión artística en la comunidad afroamericana.
Después de la Guerra Civil, se volvió cada vez más aceptable que las obras creadas por afroamericanos se exhibieran en museos, y los pintores y escultores produjeron cada vez más obras para este propósito. [38] Se trataba de obras en su mayoría de las tradiciones románticas y clásicas europeas de paisajes y retratos. Edward Mitchell Bannister , Henry Ossawa Tanner y Edmonia Lewis son los más notables de este período. Otros incluyen a Meta Vaux Warrick Fuller , una artista femenina que, como Edmonia Lewis, era escultora, así como Grafton Tyler Brown y Nelson A. Primus . [13] [11] [39]
El objetivo de un reconocimiento generalizado más allá de las fronteras raciales se vio facilitado por primera vez en las grandes ciudades de Estados Unidos, entre ellas Filadelfia , Boston , Chicago , Nueva York y Nueva Orleans . Sin embargo, incluso en estos lugares había limitaciones discriminatorias . En el extranjero, sin embargo, los afroamericanos fueron mucho mejor recibidos. En Europa, especialmente en París, Francia , estos artistas tenían más libertad para experimentar con técnicas ajenas al arte occidental tradicional. La libertad de expresión era mucho más frecuente en París y, en menor medida, en Múnich y Roma . [ cita requerida ]
El Renacimiento de Harlem se refiere a un enorme florecimiento del arte afroamericano de todo tipo, incluidas las artes visuales. Las ideas que ya estaban muy extendidas en otras partes del mundo en ese momento habían comenzado a difundirse en las comunidades artísticas estadounidenses durante la década de 1920. Entre los artistas notables de este período se encuentran Richmond Barthé , Aaron Douglas , Lawrence Harris , Palmer Hayden , William H. Johnson , Sargent Johnson , John T. Biggers , Earle Wilton Richardson , Malvin Gray Johnson , Archibald Motley , Augusta Savage , Hale Woodruff y el fotógrafo James Van Der Zee . [ cita requerida ]
William E. Harmon, un mecenas y aficionado al arte, estableció la Fundación Harmon en 1922, y sirvió como mecenas a gran escala del arte afroamericano hasta 1967, generando interés y reconocimiento para artistas que de otra manera podrían haber permanecido desconocidos. El Premio Harmon y la "Exposición anual del trabajo de artistas negros" contribuyeron aún más al apoyo, al igual que el Premio de la Fundación William E. Harmon por logros distinguidos entre los negros , que aunque no se limitaba a los artistas visuales, se otorgó a varios de ellos, incluidos Hale Woodruff , Palmer Hayden y Archibald Motley . En 1929, la financiación finalizó temporalmente como resultado de la Gran Depresión , solo para reanudar el montaje de exposiciones y ofrecer financiación una vez que la economía revivió a artistas como Jacob Lawrence , Laura Wheeler Waring y otros. [ cita requerida ]
En 1933, el Proyecto de Obras de Arte Públicas del Departamento del Tesoro de los EE. UU. intentaba brindar apoyo a los artistas en 1933, pero sus esfuerzos resultaron ineficaces. El presidente Franklin D. Roosevelt creó la Works Progress Administration (WPA) en 1935, y ese programa logró brindar a todos los artistas estadounidenses, y especialmente a los artistas afroamericanos, un medio para ganarse la vida en una economía devastada. A mediados de la década de 1930, más de 250.000 afroamericanos participaron en la WPA, [40] incluidos Jacob Lawrence , Gwendolyn Knight , el escultor William Artis ; el pintor e ilustrador de libros infantiles Ernest Crichlow , el dibujante e ilustrador Elton C. Fax , el fotógrafo Marvin Smith , Dox Thrash , quien inventó el método de grabado carborundo Mezzotint , los pintores Georgette Seabrooke y Elba Lightfoot , mejor conocidos por sus murales del Hospital de Harlem; el grabador de Chicago Eldzier Cortor ; y el reconocido artista radicado en Illinois Adrian Troy y muchos otros. [40] Muchos de estos artistas se sintieron atraídos por el movimiento de entreguerras conocido como Realismo Social , que reflejaba las opiniones políticas y socioeconómicas de una generación que había sido reclutada para la Primera Guerra Mundial, solo para bailar durante los locos años 20 y estrellarse en la Gran Depresión.
Las ciudades importantes con poblaciones negras significativas y círculos artísticos afroamericanos importantes incluyeron Filadelfia, Boston, San Francisco y Washington, DC. La WPA condujo a una nueva ola de importantes profesores de arte negro. Los medios mixtos, el arte abstracto, el cubismo y el realismo social se volvieron no solo aceptables, sino deseables. Los artistas de la WPA se unieron para formar el Harlem Artists Guild de 1935 , que desarrolló instalaciones de arte comunitario en las principales ciudades. Las principales formas de arte incluyeron dibujo, escultura, grabado, pintura, cerámica, acolchado, tejido y fotografía. En 1939, sin embargo, la costosa WPA y sus proyectos fueron cancelados. [ cita requerida ] En 1943, James A. Porter , profesor del Departamento de Arte de la Universidad Howard , escribió el primer texto importante sobre arte y artistas afroamericanos, Modern Negro Art . [ cita requerida ]
En las décadas de 1950 y 1960, pocos artistas afroamericanos eran ampliamente conocidos o aceptados. A pesar de esto, los Highwaymen , una asociación informal de 26 artistas afroamericanos de Fort Pierce , Florida , crearon imágenes idílicas y rápidamente realizadas del paisaje de Florida y vendieron unas 200.000 de ellas desde los baúles de sus autos. En las décadas de 1950 y 1960, era imposible encontrar galerías interesadas en vender obras de arte de un grupo de afroamericanos desconocidos y autodidactas, [41] por lo que vendieron su arte directamente al público en lugar de a través de galerías y agentes de arte. Redescubiertos a mediados de la década de 1990, hoy se los reconoce como una parte importante de la historia popular estadounidense, [42] [43] y el precio de mercado actual de una pintura original de Highwaymen puede alcanzar fácilmente miles de dólares. En 2004, el grupo original de 26 fue incluido en el Salón de la Fama de los Artistas de Florida . [44] Actualmente, ocho de los 26 han fallecido, entre ellos A. Hair, H. Newton, Ellis y George Buckner, A. Moran, L. Roberts, Hezekiah Baker y, más recientemente, Johnny Daniels. La lista completa de los 26 artistas se puede encontrar en el Salón de la Fama de los Artistas de Florida, así como en varios sitios web de salteadores de caminos y arte de Florida.
Después de la Segunda Guerra Mundial , algunos artistas adoptaron un enfoque global, trabajando y exponiendo en el extranjero, en París, y a medida que avanzaba la década, se mudaron gradualmente a otras ciudades acogedoras como Copenhague, Ámsterdam y Estocolmo: Barbara Chase-Riboud , Edward Clark , Harvey Cropper , Beauford Delaney , Herbert Gentry , [45] Bill Hutson , Clifford Jackson, [46] Sam Middleton , [47] Larry Potter, Haywood Bill Rivers, Merton Simpson y Walter Williams. [48] [49]
Algunos artistas afroamericanos lograron ingresar a importantes galerías de Nueva York en las décadas de 1950 y 1960: Horace Pippin , Romare Bearden , Jacob Lawrence , Richard Hunt , William T. Williams , Norman Lewis , Thomas Sills , [50] y Sam Gilliam estaban entre los pocos que habían sido recibidos con éxito en un entorno de galería. Richard Hunt fue el primer artista visual afroamericano en servir en el Consejo Nacional de las Artes , designado por el presidente Lyndon B. Johnson en 1968. Hunt fue el cuarto afroamericano en el consejo, después de Marian Anderson , Ralph Ellison y Duke Ellington . En 1971, Richard Hunt fue el primer escultor afroamericano en tener una gran retrospectiva en solitario en el Museo de Arte Moderno .
El Movimiento por los Derechos Civiles de los años 1960 y 1970 llevó a los artistas a capturar y expresar los tiempos cambiantes. Se desarrollaron galerías y centros de arte comunitarios con el propósito de exhibir arte afroamericano, y se crearon puestos de enseñanza universitaria por y para artistas afroamericanos. Algunas mujeres afroamericanas también participaron activamente en el movimiento artístico feminista en los años 1970. Faith Ringgold realizó obras que presentaban sujetos femeninos negros y que abordaban la conjunción del racismo y el sexismo en los EE. UU., mientras que el colectivo Where We At (WWA) realizó exposiciones que presentaban exclusivamente obras de arte de mujeres afroamericanas. [51]
En los años 1980 y 1990, los grafitis de hip-hop comenzaron a predominar en las comunidades urbanas. La mayoría de las grandes ciudades habían creado museos dedicados a los artistas afroamericanos. El Fondo Nacional para las Artes brindó un apoyo cada vez mayor a estos artistas. [ cita requerida ]
Kara Walker , una artista estadounidense contemporánea, es conocida por su exploración de la raza, el género, la sexualidad, la violencia y la identidad en sus obras de arte. Las imágenes de siluetas de Walker sirven para unir el folclore inacabado en el sur anterior a la guerra y recuerdan el trabajo anterior de Harriet Powers . Sus imágenes de pesadilla pero fantásticas incorporan una sensación cinematográfica. En 2007, Walker fue incluida entre las "100 personas más influyentes del mundo, artistas y animadores" de la revista Time . [52] Los artistas textiles son parte de la historia del arte afroamericano. Según la encuesta de la industria Quilting in America de 2010, hay 1,6 millones de quilters en los Estados Unidos. [53] Una organización histórica sin fines de lucro con varios miembros que son quilters y artistas de fibra es Women of Visions, Inc. ubicada en Pittsburgh, Pensilvania, en el Centro de Artes de Pittsburgh . Los artistas de WOV Inc., pasados y presentes, trabajan en una variedad de medios. Entre quienes han exhibido internacionalmente se incluyen Renee Stout y Tina Williams Brewer .
Entre los artistas contemporáneos influyentes se incluyen Larry D. Alexander , Laylah Ali , Amalia Amaki , Emma Amos , Jean-Michel Basquiat , Dawoud Bey , Camille Billops , Mark Bradford , Edward Clark , Willie Cole , Robert Colescott , Louis Delsarte , David Driskell , Leonardo Drew , Mel Edwards , Ricardo Francis, Charles Gaines , Ellen Gallagher , Herbert Gentry , Sam Gilliam , David Hammons , Jerry Harris , Joseph Holston , Richard Hunt , Martha Jackson-Jarvis , Katie S. Mallory, M. Scott Johnson, Rashid Johnson , Joe Lewis , Glenn Ligon , James Little, Edward L. Loper Sr. , Alvin D. Loving , Kerry James Marshall , Eugene J. Martin , Richard Mayhew , Sam Middleton , Howard McCalebb , Charles McGill, Thaddeus Mosley , Sana Musasama , Senga Nengudi, Joe Overstreet , Martin Puryear , Adrian Piper , Howardena Pindell , Faith Ringgold , Gale Fulton Ross , Alison Saar , Betye Saar , John Solomon Sandridge , Raymond Saunders , John T. Scott , Joyce Scott , Gary Simmons , Lorna Simpson , Renee Stout , Kara Walker , Carrie Mae Weems , Stanley Whitney, William T. Williams , Jack Whitten , Fred Wilson , Richard Wyatt Jr. , Richard Yarde y Purvis Young , Kehinde Wiley , Mickalene Thomas , Barkley Hendricks , Jeff Sonhouse , William Walker , Ellsworth Ausby, Che Baraka , Emmett Wigglesworth , Otto Neals ,Dindga McCannon , Terry Dixon (artista) , Frederick J. Brown y muchos otros. [ cita requerida ]
(La selección estaba limitada por la disponibilidad).
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(La selección estaba limitada por la disponibilidad).
(La selección estaba limitada por la disponibilidad).
Muchos museos estadounidenses albergan obras de artistas afroamericanos, incluido el Museo Smithsonian de Arte Americano [54] Las universidades con colecciones importantes incluyen la Universidad Fisk , el Spelman College y la Universidad Howard . [55] Otras colecciones importantes de arte afroamericano incluyen la Colección Walter O. Evans de Arte Afroamericano , las colecciones Paul R. Jones de la Universidad de Delaware y la Universidad de Alabama , la colección de arte del Centro David C. Driskell , la Colección Harmon y Harriet Kelley de Arte Afroamericano, el Centro Schomburg para la Investigación de la Cultura Negra , el Studio Museum en Harlem y la colección Mott-Warsh.
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