El arte pop es un movimiento artístico que surgió en el Reino Unido y Estados Unidos entre mediados y finales de la década de 1950 . [1] [2] El movimiento presentó un desafío a las tradiciones de las bellas artes al incluir imágenes de la cultura popular y de masas , como publicidad , cómics y objetos mundanos producidos en masa. Uno de sus objetivos es utilizar imágenes de la cultura popular en el arte, enfatizando los elementos banales o kitsch de cualquier cultura, generalmente mediante el uso de la ironía . [3] También está asociado con el uso por parte de los artistas de medios mecánicos de reproducción o técnicas de representación. En el arte pop, el material a veces se elimina visualmente de su contexto conocido, se aísla o se combina con material no relacionado. [2] [3]
Entre los primeros artistas que dieron forma al movimiento del arte pop se encuentran Eduardo Paolozzi y Richard Hamilton en Gran Bretaña , y Larry Rivers , Ray Johnson , Robert Rauschenberg y Jasper Johns, entre otros, en Estados Unidos . El arte pop se interpreta ampliamente como una reacción a las ideas entonces dominantes del expresionismo abstracto , así como una expansión de esas ideas. [4] Debido a su utilización de objetos e imágenes encontrados, es similar a Dada . El arte pop y el minimalismo se consideran movimientos artísticos que preceden al arte posmoderno , o son algunos de los primeros ejemplos del arte posmoderno. [5]
El arte pop a menudo toma imágenes que se utilizan actualmente en la publicidad. Las etiquetas y logotipos de productos ocupan un lugar destacado en las imágenes elegidas por los artistas pop, como se ve en las etiquetas de Campbell's Soup Cans , de Andy Warhol . Incluso el etiquetado en el exterior de una caja de envío que contiene alimentos para la venta al por menor se ha utilizado como tema en el arte pop, como lo demuestra Campbell's Tomato Juice Box de Warhol , 1964 (en la foto).
Los orígenes del arte pop en América del Norte se desarrollaron de manera diferente a los de Gran Bretaña. [3] En Estados Unidos, el arte pop fue una respuesta de los artistas; Marcó un regreso a la composición dura y al arte representacional . Utilizaron la realidad impersonal y mundana, la ironía y la parodia para "desactivar" el simbolismo personal y la " relajación pictórica " del expresionismo abstracto . [4] [6] En Estados Unidos, algunas obras de arte de Larry Rivers , Alex Katz y Man Ray anticiparon el arte pop. [7]
Por el contrario, los orígenes del arte pop en la Gran Bretaña de la posguerra , aunque empleaban ironía y parodia, eran más académicos. Gran Bretaña se centró en las imágenes dinámicas y paradójicas de la cultura pop estadounidense como dispositivos simbólicos poderosos y manipuladores que afectaban patrones completos de vida y, al mismo tiempo, mejoraban la prosperidad de una sociedad. [6] El arte pop temprano en Gran Bretaña era una cuestión de ideas impulsadas por la cultura popular estadounidense cuando se veía desde lejos . [4] De manera similar, el arte pop fue a la vez una extensión y un repudio del dadaísmo . [4] Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraron algunos de los mismos temas, el arte pop reemplazó los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento dadaísta con una afirmación distante de los artefactos de la cultura de masas. [4] Entre los artistas en Europa que se considera que produjeron trabajos que condujeron al arte pop se encuentran: Pablo Picasso , Marcel Duchamp y Kurt Schwitters .
Aunque tanto el arte pop británico como el estadounidense comenzaron durante la década de 1950, Marcel Duchamp y otros en Europa como Francis Picabia y Man Ray son anteriores al movimiento; Además, hubo algunos orígenes proto-pop estadounidenses anteriores que utilizaban objetos culturales "tal como se encontraban". [4] Durante la década de 1920, los artistas estadounidenses Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy , Charles Demuth y Stuart Davis crearon pinturas que contenían imágenes de la cultura pop (objetos mundanos seleccionados de productos comerciales y diseños publicitarios estadounidenses), casi "prefigurando" el movimiento del arte pop. [8] [9]
El Independent Group (IG), fundado en Londres en 1952, está considerado el precursor del movimiento pop art. [2] [10] Eran una reunión de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban los enfoques modernistas predominantes de la cultura, así como las visiones tradicionales de las bellas artes. Sus discusiones grupales se centraron en las implicaciones de la cultura pop a partir de elementos como la publicidad masiva, las películas, el diseño de productos, las historietas, la ciencia ficción y la tecnología. En la primera reunión del Grupo Independiente en 1952, el miembro cofundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi presentó una conferencia utilizando una serie de collages titulada ¡Bunk! que había reunido durante su estancia en París entre 1947 y 1949. [2] [10] Este material de "objetos encontrados" como publicidad, personajes de cómics, portadas de revistas y diversos gráficos producidos en masa representaban principalmente la cultura popular estadounidense . Uno de los collages de esa presentación fue Yo era el juguete de un hombre rico (1947), de Paolozzi, que incluye el primer uso de la palabra "pop", apareciendo en una nube de humo que emerge de un revólver. [2] [11] Después de la presentación fundamental de Paolozzi en 1952, el IG se centró principalmente en las imágenes de la cultura popular estadounidense, particularmente en la publicidad masiva. [6]
Según el hijo de John McHale , el término "arte pop" fue acuñado por primera vez por su padre en 1954 en una conversación con Frank Cordell , [12] aunque otras fuentes atribuyen su origen al crítico británico Lawrence Alloway . [13] [14] (Ambas versiones coinciden en que el término se utilizó en las discusiones del Grupo Independiente a mediados de 1955).
Luego, los miembros del IG utilizaron el apodo de "arte pop" en las discusiones de la Segunda Sesión del IG en 1955, y el término específico "arte pop" apareció por primera vez en una publicación impresa en el artículo "Pero hoy recopilamos anuncios" de IG. miembros Alison y Peter Smithson en la revista Ark en 1956. [15] Sin embargo, el término a menudo se atribuye al crítico de arte y curador británico Lawrence Alloway por su ensayo de 1958 titulado Las artes y los medios de comunicación , aunque el lenguaje preciso que utiliza es " cultura popular de masas”. [16] "Además, lo que quise decir entonces no es lo que significa ahora. Utilicé el término, y también 'Cultura Pop' para referirme a los productos de los medios de comunicación, no a obras de arte que se basan en la cultura popular. En cualquier caso, en algún momento entre el invierno de 1954-55 y 1957 la frase adquirió vigencia en la conversación..." [17] Sin embargo, Alloway fue uno de los principales críticos en defender la inclusión de imágenes de la cultura de masas en la fina letras. Alloway aclaró estos términos en 1966, momento en el que el arte pop ya había pasado de las escuelas de arte y las pequeñas galerías a una fuerza importante en el mundo del arte. Pero su éxito no había sido en Inglaterra. Prácticamente simultáneamente, e independientemente, la ciudad de Nueva York se había convertido en el semillero del Pop Art. [17]
En Londres, la exposición anual de jóvenes talentos de la Royal Society of British Artists (RBA) en 1960 mostró por primera vez influencias del pop estadounidense. En enero de 1961, los Jóvenes Contemporáneos del RBA más famosos de todos pusieron en el mapa a David Hockney , el RB estadounidense Kitaj , el neozelandés Billy Apple , Allen Jones , Derek Boshier , Joe Tilson , Patrick Caulfield , Peter Phillips , Pauline Boty y Peter Blake. ; Apple diseñó los carteles y las invitaciones para las exposiciones Jóvenes Contemporáneos de 1961 y 1962. [18] Hockney, Kitaj y Blake ganaron premios en la exposición John-Moores en Liverpool ese mismo año. Apple y Hockney viajaron juntos a Nueva York durante las vacaciones de verano del Royal College en 1961, que fue cuando Apple contactó por primera vez con Andy Warhol; ambos se mudaron más tarde a los Estados Unidos y Apple se involucró en la escena del arte pop de Nueva York. [18]
Aunque el arte pop comenzó a principios de los años cincuenta, en Estados Unidos recibió su mayor impulso durante los años sesenta. El término "arte pop" se introdujo oficialmente en diciembre de 1962; la ocasión fue un "Simposio sobre Arte Pop" organizado por el Museo de Arte Moderno . [19] En ese momento, la publicidad estadounidense había adoptado muchos elementos del arte moderno y funcionaba a un nivel muy sofisticado. En consecuencia, los artistas estadounidenses tuvieron que buscar más profundamente estilos dramáticos que distanciaran el arte de los materiales comerciales inteligentes y bien diseñados. [6] Como los británicos veían las imágenes de la cultura popular estadounidense desde una perspectiva un tanto alejada, sus puntos de vista a menudo estaban inculcados con connotaciones románticas, sentimentales y humorísticas. Por el contrario, los artistas estadounidenses, bombardeados todos los días con la diversidad de imágenes producidas en masa, produjeron obras que en general eran más audaces y agresivas. [10]
Según el historiador, curador y crítico Henry Geldzahler , " los collages de Ray Johnson , Elvis Presley No. 1 y James Dean, representan el movimiento Plymouth Rock of the Pop". [20] La autora Lucy Lippard escribió que "Los [collages] de Elvis... y Marilyn Monroe... anunciaron el pop warholiano". [21] Johnson trabajó como diseñador gráfico, conoció a Andy Warhol en 1956 y ambos diseñaron varias portadas de libros para New Directions y otras editoriales. Johnson comenzó a enviar por correo folletos extravagantes anunciando sus servicios de diseño impresos mediante litografía offset. Más tarde se hizo conocido como el padre del arte correo como fundador de su "Escuela por Correspondencia de Nueva York", trabajando en pequeño, metiendo recortes y dibujos en sobres en lugar de trabajar en grande como sus contemporáneos. [22] Una nota sobre la imagen de portada en Art News de enero de 1958 señaló que "la primera exposición individual de [Jasper] Johns... lo coloca con colegas más conocidos como Rauschenberg, Twombly, Kaprow y Ray Johnson". [23]
De hecho, otros dos artistas importantes en el establecimiento del vocabulario del arte pop estadounidense fueron los pintores Jasper Johns y Robert Rauschenberg . [10] Rauschenberg, quien al igual que Ray Johnson asistió al Black Mountain College en Carolina del Norte después de la Segunda Guerra Mundial , fue influenciado por el trabajo anterior de Kurt Schwitters y otros artistas dadaístas , y su creencia de que "la pintura se relaciona tanto con el arte como con la vida" desafió la Perspectiva modernista dominante de su época. [24] Su uso de objetos prefabricados desechados (en sus Combines ) y de imágenes de la cultura pop (en sus pinturas serigrafiadas) conectó sus obras con eventos de actualidad en la América cotidiana. [10] [25] [26] Las pinturas serigrafiadas de 1962-1964 combinaron pinceladas expresivas con recortes de revistas serigrafiados de Life , Newsweek y National Geographic . Las pinturas de Johns de banderas, objetivos, números y mapas de Estados Unidos, así como representaciones tridimensionales de latas de cerveza, llamaron la atención sobre cuestiones de representación en el arte. [27] El trabajo de Johns y Rauschenberg de la década de 1950 se conoce con frecuencia como Neo-Dada , y es visualmente distinto del prototípico arte pop estadounidense que explotó a principios de la década de 1960. [28] [29]
Roy Lichtenstein tiene la misma importancia para el arte pop estadounidense. Su obra, y su uso de la parodia , probablemente define la premisa básica del arte pop mejor que cualquier otra. [10] Al seleccionar la antigua tira cómica como tema, Lichtenstein produce una composición precisa y de bordes duros que documenta y al mismo tiempo parodia de una manera suave. Lichtenstein utilizó óleo y pintura Magna en sus obras más conocidas, como Drowning Girl (1963), que se apropió de la historia principal de Secret Hearts #83 de DC Comics . ( Drowning Girl es parte de la colección del Museo de Arte Moderno .) [30] Su obra presenta contornos gruesos, colores llamativos y puntos Ben-Day para representar ciertos colores, como si hubieran sido creados mediante reproducción fotográfica. Lichtenstein dijo: "[los expresionistas abstractos] pusieron cosas en el lienzo y respondieron a lo que habían hecho, a las posiciones y tamaños de los colores. Mi estilo parece completamente diferente, pero la naturaleza de escribir líneas es prácticamente la misma; la mía simplemente no salgas luciendo caligráfico, como el de Pollock o el de Kline". [31] El arte pop fusiona la cultura popular y de masas con las bellas artes al tiempo que inyecta humor, ironía e imágenes/contenido reconocibles en la mezcla.
Las pinturas de Lichtenstein, como las de Andy Warhol, Tom Wesselmann y otros, comparten un vínculo directo con la imagen común de la cultura popular estadounidense, pero también tratan el tema de una manera impersonal que ilustra claramente la idealización de la producción en masa. [10]
Andy Warhol es probablemente la figura más famosa del arte pop. De hecho, el crítico de arte Arthur Danto llamó una vez a Warhol "lo más parecido a un genio filosófico que ha producido la historia del arte". [19] Warhol intentó llevar el pop más allá de un estilo artístico a un estilo de vida, y su trabajo a menudo muestra una falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la parodia de muchos de sus pares. [32] [33]
Claes Oldenburg , Jim Dine y Tom Wesselmann tuvieron sus primeras exposiciones en la Judson Gallery en 1959 y 1960 y posteriormente entre 1960 y 1964 junto con James Rosenquist , George Segal y otros en la Green Gallery de la calle 57 de Manhattan. En 1960, Martha Jackson mostró instalaciones y ensamblajes , New Media – New Forms contó con Hans Arp , Kurt Schwitters , Jasper Johns , Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg , Jim Dine y May Wilson . 1961 fue el año del espectáculo de primavera de Martha Jackson , Environments, Situations, Spaces . [34] [35] Andy Warhol realizó su primera exposición individual en Los Ángeles en julio de 1962 en la Galería Ferus de Irving Blum , donde mostró 32 pinturas de latas de sopa de Campell, una para cada sabor. Warhol vendió el conjunto de pinturas a Blum por 1.000 dólares; en 1996, cuando el Museo de Arte Moderno lo adquirió, el conjunto estaba valorado en 15 millones de dólares. [19]
Donald Factor, hijo de Max Factor Jr. , coleccionista de arte y coeditor de la revista literaria de vanguardia Nomad , escribió un ensayo en el último número de la revista, Nomad/New York . El ensayo fue uno de los primeros sobre lo que se conocería como arte pop, aunque Factor no utilizó el término. El ensayo, "Cuatro artistas", se centró en Roy Lichtenstein, James Rosenquist , Jim Dine y Claes Oldenburg. [36]
En la década de 1960, Oldenburg, que se asoció con el movimiento del arte pop, creó muchos acontecimientos , que eran producciones relacionadas con el arte escénico de la época. El nombre que le dio a sus propias producciones fue "Ray Gun Theatre". El elenco de colegas en sus actuaciones incluyó: los artistas Lucas Samaras , Tom Wesselmann , Carolee Schneemann , Öyvind Fahlström y Richard Artschwager ; la comerciante Annina Nosei; la crítica de arte Barbara Rose ; y el guionista Rudy Wurlitzer . [37] Su primera esposa, Patty Mucha, quien cosió muchas de sus primeras esculturas blandas, fue una artista constante en sus acontecimientos. Este enfoque atrevido, a menudo humorístico, del arte estaba en gran desacuerdo con la sensibilidad predominante de que, por su naturaleza, el arte trataba de expresiones o ideas "profundas". En diciembre de 1961, alquiló una tienda en el Lower East Side de Manhattan para albergar The Store , una instalación de un mes de duración que había presentado por primera vez en la Martha Jackson Gallery de Nueva York, repleta de esculturas que presentaban aproximadamente la forma de bienes de consumo. [37]
Inaugurada en 1962, la Galería Sidney Janis , marchante de arte de Willem de Kooning en Nueva York , organizó la innovadora Exposición Internacional de los Nuevos Realistas , un estudio del nuevo realismo americano, francés, suizo, italiano y Arte pop británico. Los cincuenta y cuatro artistas mostrados incluyeron a Richard Lindner , Wayne Thiebaud , Roy Lichtenstein (y su cuadro Blam ), Andy Warhol, Claes Oldenburg, James Rosenquist , Jim Dine, Robert Indiana , Tom Wesselmann , George Segal , Peter Phillips, Peter Blake ( The Love Wall de 1961), Öyvind Fahlström , Yves Klein , Arman , Daniel Spoerri , Christo y Mimmo Rotella . La exposición fue vista por los europeos Martial Raysse , Niki de Saint Phalle y Jean Tinguely en Nueva York, quienes quedaron atónitos por el tamaño y el aspecto de la obra de arte estadounidense. También estuvieron Marisol , Mario Schifano , Enrico Baj y Öyvind Fahlström . Janis perdió algunos de sus artistas expresionistas abstractos cuando Mark Rothko , Robert Motherwell , Adolph Gottlieb y Philip Guston abandonaron la galería, pero ganó Dine, Oldenburg, Segal y Wesselmann. [38] En una velada de inauguración organizada por el coleccionista Burton Tremaine, Willem de Kooning apareció y Tremaine lo rechazó, quien irónicamente era dueño de varias obras de De Kooning. Rosenquist recordó: "en ese momento pensé, algo en el mundo del arte definitivamente ha cambiado". [19] Rechazar a un respetado artista abstracto demostró que, ya en 1962, el movimiento de arte pop había comenzado a dominar la cultura artística en Nueva York.
Un poco antes, en la Costa Oeste , Roy Lichtenstein, Jim Dine y Andy Warhol de la ciudad de Nueva York; Phillip Hefferton y Robert Dowd de Detroit; Edward Ruscha y Joe Goode de la ciudad de Oklahoma; y Wayne Thiebaud de California fueron incluidos en la muestra Nueva pintura de objetos comunes . Esta primera exposición en un museo de arte pop en Estados Unidos fue curada por Walter Hopps en el Museo de Arte de Pasadena . [39] El arte pop estaba listo para cambiar el mundo del arte. Nueva York siguió a Pasadena en 1963, cuando el Museo Guggenheim expuso Seis pintores y el objeto , comisariada por Lawrence Alloway . Los artistas fueron Jim Dine, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, James Rosenquist y Andy Warhol. [40] Otra exposición temprana fundamental fue The American Supermarket, organizada por la Galería Bianchini en 1964. La muestra se presentó como el ambiente típico de un pequeño supermercado, excepto que todo lo que contenía: los productos, los productos enlatados, la carne, los carteles en las paredes, etc. .—fue creado por destacados artistas pop de la época, entre ellos Apple, Warhol, Lichtenstein, Wesselmann, Oldenburg y Johns. Este proyecto fue recreado en 2002 como parte de Shopping: A Century of Art and Consumer Culture de la Tate Gallery . [41]
En 1962, los artistas pop comenzaron a exponer en galerías comerciales de Nueva York y Los Ángeles; para algunos, fue su primer espectáculo comercial individual. La Galería Ferus presentó a Andy Warhol en Los Ángeles (y a Ed Ruscha en 1963). En Nueva York, la Green Gallery mostró a Rosenquist, Segal, Oldenburg y Wesselmann. La Stable Gallery mostró a R. Indiana y Warhol (en su primera exposición en Nueva York). La Galería Leo Castelli presentó a Rauschenberg, Johns y Lichtenstein. Martha Jackson mostró a Jim Dine y Allen Stone mostró a Wayne Thiebaud. En 1966, después del cierre de la Galería Green y la Galería Ferus, la Galería Leo Castelli representaba a Rosenquist, Warhol, Rauschenberg, Johns, Lichtenstein y Ruscha. La Galería Sidney Janis representó a Oldenburg, Segal, Dine, Wesselmann y Marisol, mientras que Allen Stone continuó representando a Thiebaud y Martha Jackson continuó representando a Robert Indiana. [42]
En 1968, la Exposición São Paulo 9 – Environment USA: 1957–1967 presentó el "Quién es quién" del arte pop. Considerada como un resumen de la fase clásica del período del arte pop estadounidense, la exposición fue comisariada por William Seitz. Los artistas fueron Edward Hopper , James Gill , Robert Indiana , Jasper Johns , Roy Lichtenstein , Claes Oldenburg , Robert Rauschenberg , Andy Warhol y Tom Wesselmann . [43]
El nouveau réalisme se refiere a un movimiento artístico fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany [44] y el artista Yves Klein durante la primera exposición colectiva en la galería Apollinaire de Milán. Pierre Restany escribió el manifiesto original del grupo, titulado "Declaración Constitutiva del Nuevo Realismo", en abril de 1960, proclamando "Nouveau Realisme: nuevas formas de percibir lo real". [45] Esta declaración conjunta fue firmada el 27 de octubre de 1960, en el taller de Yves Klein, por nueve personas: Yves Klein, Arman , Martial Raysse , Pierre Restany, Daniel Spoerri , Jean Tinguely y los ultraletristas , Francois Dufrêne , Raymond Hains , Jacques de la Villeglé ; en 1961 se les unieron César , Mimmo Rotella , luego Niki de Saint Phalle y Gérard Deschamps . El artista Christo se presentó con el grupo. Se disolvió en 1970. [45]
Contemporáneo del arte pop estadounidense, a menudo concebido como su transposición en Francia, el nuevo realismo fue, junto con Fluxus y otros grupos, una de las numerosas tendencias de la vanguardia de los años sesenta. Inicialmente, el grupo eligió Niza , en la Riviera francesa, como su base de operaciones, ya que Klein y Arman eran originarios de allí; Por lo tanto, los historiadores suelen considerar retrospectivamente el nuevo realismo como uno de los primeros representantes del movimiento École de Nice . [46] A pesar de la diversidad de su lenguaje plástico, percibieron una base común para su trabajo; siendo éste un método de apropiación directa de la realidad, equivalente, en los términos utilizados por Restany; a un "reciclaje poético de la realidad urbana, industrial y publicitaria". [47]
En España, el estudio del arte pop está asociado al "nuevo figurativo", que surgió a raíz de la crisis del informalismo . Se podría decir que Eduardo Arroyo encaja dentro de la corriente pop art, por su interés por el medio ambiente, su crítica a nuestra cultura mediática que incorpora iconos tanto de los medios de comunicación de masas como de la historia de la pintura, y su desprecio por casi todas las manifestaciones artísticas establecidas. estilos. Sin embargo, el artista español que más auténticamente podría considerarse parte del arte "pop" es Alfredo Alcaín, por el uso que hace de imágenes populares y espacios vacíos en sus composiciones.
También en la categoría de arte pop español se encuentra el "Equipo Crónica" , que existió en Valencia entre 1964 y 1981, formado por los artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes. Su movimiento puede caracterizarse como "pop" por su uso de cómics e imágenes publicitarias y su simplificación de imágenes y composiciones fotográficas. El cineasta Pedro Almodóvar surgió de la subcultura madrileña de "La Movida" de la década de 1970 haciendo películas de arte pop en super 8 de bajo presupuesto , y posteriormente los medios de comunicación lo llamaron el Andy Warhol de España en ese momento. En el libro Almodóvar sobre Almodóvar , se le cita diciendo que la película de los años 50 "Funny Face" fue una inspiración central para su trabajo. Una característica pop de las películas de Almodóvar es que siempre produce un comercial falso para insertarlo en una escena.
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En Nueva Zelanda, el arte pop ha florecido predominantemente desde la década de 1990 y, a menudo, está relacionado con Kiwiana . Kiwiana es una representación idealizada y centrada en el pop de iconos clásicos de Kiwi , como pasteles de carne , kiwis , tractores , jandals , supermercados Four Square ; el campismo inherente a esto a menudo se subvierte para significar mensajes culturales. [48] Dick Frizzell es un famoso artista pop de Nueva Zelanda, conocido por utilizar símbolos Kiwiana más antiguos en formas que parodian la cultura moderna. Por ejemplo, a Frizzell le gusta imitar el trabajo de artistas extranjeros, dándoles a sus obras una visión o influencia única de Nueva Zelanda. Esto se hace para mostrar el impacto históricamente moderado de Nueva Zelanda en el mundo; El arte ingenuo está conectado de esta manera con el arte pop de Aotearoan. [49]
Esto también se puede hacer de una manera abrasiva e inexpresiva, como en el famoso trabajo de Michel Tuffrey Pisupo Lua Afe (Corned Beef 2000) . De ascendencia samoana , Tuffery construyó la obra, que representa un toro, con latas de comida procesada conocidas como pisupo . Es una obra única del arte pop occidental porque Tuffrey incluye temas de neocolonialismo y racismo contra las culturas no occidentales (representados por las latas de comida de las que está hecha la obra, que representan la dependencia económica que Occidente trajo a los samoanos ). El innegable punto de vista indígena lo distingue de las obras de arte pop no indígenas más comunes. [50] [51]
Uno de los primeros y famosos artistas pop de Nueva Zelanda es Billy Apple , uno de los pocos miembros no británicos de la Royal Society of British Artists . Destacado entre artistas como David Hockney , el estadounidense RB Kitaj y Peter Blake en la exposición Jóvenes Contemporáneos de la RBA de enero de 1961 , Apple se convirtió rápidamente en un artista internacional icónico de la década de 1960. Esto fue antes de que concibiera su apodo de "Billy Apple", y su trabajo se exhibía bajo su nombre de nacimiento, Barrie Bates. Buscaba distinguirse tanto por la apariencia como por el nombre, por lo que se decoloró el cabello y las cejas con Lady Clairol Instant Creme Whip. Más tarde, Apple se asoció con el movimiento de arte conceptual de la década de 1970. [52]
En Japón, el arte pop evolucionó a partir de la destacada escena vanguardista del país . El uso de imágenes del mundo moderno, copiadas de revistas en las pinturas de estilo fotomontaje producidas por Harue Koga a finales de los años 1920 y principios de los 1930, presagiaba elementos del arte pop. [53] El movimiento japonés Gutai condujo a una exposición Gutai en 1958 en la galería de Martha Jackson en Nueva York que precedió por dos años a su famosa exposición New Forms New Media que puso el arte pop en el mapa. [54] El trabajo de Yayoi Kusama contribuyó al desarrollo del arte pop e influyó en muchos otros artistas, incluido Andy Warhol. [55] [56] A mediados de la década de 1960, el diseñador gráfico Tadanori Yokoo se convirtió en uno de los artistas pop más exitosos y en un símbolo internacional del arte pop japonés. Es bien conocido por sus anuncios y la creación de obras de arte para íconos de la cultura pop, como encargos de The Beatles , Marilyn Monroe y Elizabeth Taylor , entre otros. [57] Otro artista pop destacado en ese momento fue Keiichi Tanaami . Personajes icónicos del manga y anime japoneses también se han convertido en símbolos del arte pop, como Speed Racer y Astro Boy . El manga y el anime japoneses también influyeron en artistas pop posteriores como Takashi Murakami y su movimiento superplano .
En Italia, hacia 1964 el arte pop era conocido y tomó diferentes formas, como la "Scuola di Piazza del Popolo" en Roma, con artistas pop como Mario Schifano , Franco Angeli , Giosetta Fioroni, Tano Festa, Claudio Cintoli y algunas obras de arte. de Piero Manzoni , Lucio Del Pezzo , Mimmo Rotella y Valerio Adami .
El arte pop italiano se originó en la cultura de los años 50; en concreto, las obras de los artistas Enrico Baj y Mimmo Rotella se consideran, con razón, las precursoras de esta escena. De hecho, fue hacia 1958-1959 cuando Baj y Rotella abandonaron sus carreras anteriores (que podrían definirse genéricamente como pertenecientes a un género no representacional , a pesar de ser profundamente posdadaístas), para catapultarse a un nuevo mundo de imágenes, y los reflejos sobre ellos, que surgían a su alrededor. Los carteles rotos de Rotella mostraban un gusto cada vez más figurativo, a menudo haciendo referencia explícita y deliberada a los grandes iconos de la época. Las composiciones de Baj estaban impregnadas de kitsch contemporáneo , lo que resultó ser una "mina de oro" de imágenes y el estímulo para toda una generación de artistas.
La novedad vino del nuevo panorama visual, tanto dentro de los "muros domésticos" como al aire libre. Los coches, las señales de tráfico, la televisión, todo el "nuevo mundo", todo puede pertenecer al mundo del arte, que en sí mismo es nuevo. En este sentido, el arte pop italiano sigue el mismo camino ideológico que el de la escena internacional. Lo único que cambia es la iconografía y, en algunos casos, la presencia de una actitud más crítica hacia la misma. Incluso en este caso, los prototipos se remontan a las obras de Rotella y Baj, ambos lejos de ser neutrales en su relación con la sociedad. Sin embargo, éste no es un elemento exclusivo; Hay una larga lista de artistas, entre ellos Gianni Ruffi, Roberto Barni , Silvio Pasotti, Umberto Bignardi y Claudio Cintoli, que asumen la realidad como un juguete, como un gran banco de imágenes del que extraer material con desencanto y frivolidad, cuestionando los modelos lingüísticos tradicionales con un espíritu renovado de "déjame divertirme" al estilo Aldo Palazzeschi . [58]
En Bélgica , el arte pop estuvo representado en cierta medida por Paul Van Hoeydonck, cuya escultura Fallen Astronaut fue abandonada en la Luna durante una de las misiones Apolo , así como por otros artistas pop notables. Artistas reconocidos internacionalmente como Marcel Broodthaers ( "vous êtes doll?" ), Evelyne Axell y Panamarenko son deudores del movimiento pop art; la gran influencia de Broodthaers fue George Segal . Otro artista muy conocido, Roger Raveel , montó una jaula con un pájaro real. Paloma viva en uno de sus cuadros. A finales de los años 1960 y principios de los años 1970, las referencias al arte pop desaparecieron del trabajo de algunos de estos artistas cuando comenzaron a adoptar una actitud más crítica hacia Estados Unidos a causa de los cada vez más espantosos de la Guerra de Vietnam. Panamarenko, sin embargo, ha conservado la ironía inherente al movimiento del arte pop hasta el día de hoy. Evelyne Axell de Namur fue una prolífica artista pop en el período 1964-1972. Axell fue una de las primeras artistas pop femeninas, tuvo Ha sido asesorada por Magritte y su pintura más conocida es Helado . [59]
Si bien no hubo un movimiento formal de arte pop en los Países Bajos , hubo un grupo de artistas que pasaron un tiempo en Nueva York durante los primeros años del arte pop y se inspiraron en el movimiento de arte pop internacional. Entre los representantes del arte pop holandés se encuentran Daan van Golden , Gustave Asselbergs, Jacques Frenken, Jan Cremer , Wim T. Schippers y Woody van Amen . Se opusieron a la mentalidad pequeñoburguesa holandesa creando obras humorísticas con un trasfondo serio. Ejemplos de esta naturaleza incluyen Sex O'Clock, de Woody van Amen, y Crucifix / Target , de Jacques Frenken. [60]
Rusia llegó un poco tarde a formar parte del movimiento del arte pop, y algunas de las obras de arte que se parecen al arte pop sólo surgieron a principios de la década de 1970, cuando Rusia era un país comunista y las declaraciones artísticas audaces eran monitoreadas de cerca. La propia versión rusa del arte pop tenía una temática soviética y se la conocía como Sots Art . Después de 1991, el Partido Comunista perdió su poder y con él llegó la libertad de expresión. El arte pop en Rusia adoptó otra forma, personificada por Dmitri Vrubel con su pintura titulada Dios mío, ayúdame a sobrevivir a este amor mortal en 1990. Se podría argumentar que los carteles soviéticos hechos en la década de 1950 para promover la riqueza de la nación eran en sí mismo una forma de arte pop. [61]
Robert Rauschenberg, de 37 años, recuerda a un profesor de arte que "me enseñó a pensar: "¿Por qué no?"". Dado que Rauschenberg es considerado un pionero del arte pop, probablemente fue aquí donde el movimiento tomó su tangente particular. ¿Por qué no hacer arte con periódicos viejos, prendas de vestir, botellas de Coca-Cola, libros, patines y relojes?
