The Waste Land (La tierra baldía) es un poema de T. S. Eliot , considerado ampliamente como uno de los poemas en lengua inglesa más importantes del siglo XX y una obra central de la poesía modernista . Publicado en 1922, el poema de 434 líneas [A] apareció por primera vez en el Reino Unido en la edición de octubre de la revista de Eliot, The Criterion , y en los Estados Unidos en la edición de noviembre de The Dial . Entre sus frases famosas se encuentran «Abril es el mes más cruel», «Te mostraré el miedo en un puñado de polvo» y «Estos fragmentos los he apuntalado contra mis ruinas». [6]
La tierra baldía no sigue una única narrativa ni presenta un estilo o estructura consistente. El poema oscila entre voces satíricas y proféticas, y presenta cambios abruptos e imprevistos de narrador, lugar y tiempo, evocando una amplia y disonante gama de culturas y literaturas. Emplea muchas alusiones al canon occidental : Las metamorfosis de Ovidio , la leyenda del Rey Pescador , La Divina Comedia de Dante , Los cuentos de Canterbury de Chaucer e incluso una canción popular contemporánea, "That Shakespearean Rag".
El poema se divide en cinco secciones. La primera, "El entierro de los muertos", presenta los diversos temas de la desilusión y la desesperación. La segunda, "Una partida de ajedrez", emplea narraciones alternas en las que viñetas de varios personajes muestran el vacío fundamental de sus vidas. "El sermón del fuego" ofrece una meditación filosófica en relación con la abnegación y la insatisfacción sexual; "Muerte por agua" es una breve descripción de un comerciante ahogado; y "Lo que dijo el trueno" es una culminación de los temas expuestos previamente en el poema, explorados a través de una descripción de un viaje por el desierto. [7]
Tras su publicación inicial, The Waste Land recibió una respuesta mixta: algunos críticos la consideraron deliberadamente oscura, mientras que otros elogiaron su originalidad. En los años siguientes, el poema se consagró como una obra central del canon modernista y resultó ser una de las obras más influyentes del siglo.
Mientras estaba en la Universidad de Harvard, Eliot conoció a Emily Hale , la hija de un ministro de la Escuela de Teología de Harvard , a través de amigos de la familia. Le declaró su amor antes de irse a vivir a Europa en 1914, pero no creyó que sus sentimientos fueran recíprocos. [8] [9] Su influencia se siente en The Waste Land , y renovaría su correspondencia con ella en 1927. [10] [11]
Eliot se casó con su primera esposa Vivienne Haigh-Wood [B] en 1915, a quien Scofield Thayer le había presentado ese mismo año . [13] Ella tenía antecedentes de enfermedad mental, y no está claro hasta qué punto Eliot sabía de esto antes de la boda. [14] El matrimonio tuvo un comienzo inestable: Eliot parece haber tenido ciertas neurosis relacionadas con el sexo y la sexualidad, tal vez indicadas por las mujeres que aparecen en su poesía [ aclaración necesaria ] , y se especula que los dos no eran sexualmente compatibles. [15] A fines de 1915, Vivienne comenzó a sufrir de "nervios" o "neuralgia aguda", una enfermedad que indudablemente tenía un componente mental. Su amigo Bertrand Russell la llevó a la ciudad costera de Torquay para recuperarse; Eliot tomó el lugar de Russell después de una semana, y la pareja caminó por la orilla, que Eliot encontró tranquila. [16] Una vez de vuelta en Londres, Vivienne se quedó aburrida y desocupada mientras Eliot trabajaba catorce o quince horas al día, y en 1918 tuvo un breve romance con Russell; no se sabe si Eliot estaba al tanto de esto. [17] El propio Eliot, bajo la tensión de su pesada carga de trabajo, la preocupación por la salud de su padre y el estrés de la guerra en curso, también sufría de mala salud, hasta el punto de que su médico le había ordenado que no escribiera prosa durante seis meses. [18] En los años siguientes, ambos experimentaron períodos de depresión, con Eliot constantemente agotado y Vivienne sufriendo migrañas. [19] En 1921, a Eliot le diagnosticaron un trastorno nervioso y le prescribieron tres meses de descanso, un período que precipitó la escritura de La tierra baldía . [20]
Eliot había trabajado como maestro de escuela entre 1915 y 1916, renunciando para ganarse la vida dando conferencias y reseñas literarias. [21] Sin embargo, se vio obligado a aceptar un trabajo en el Lloyds Bank en marzo de 1917, ganando un salario de 270 libras en 1918 por un puesto de interpretación de los balances de los bancos extranjeros. Trabajaría en el banco durante los siguientes nueve años. [22] Comenzó a trabajar como editor asistente de la revista literaria The Egoist en paralelo, su salario de 9 libras por trimestre financiado en parte por John Quinn , el mecenas de Ezra Pound . [23] Eliot también comenzó a escribir de forma independiente para The Athenaeum y The Times Literary Supplement en 1919, lo que construyó su reputación como crítico y periodista respetado. [24]
Mientras vivía en Londres, Eliot conoció a figuras literarias, especialmente a Pound en 1914, quien ayudaría a publicar la obra de Eliot y editaría The Waste Land . [25] Eliot también conoció a Aldous Huxley y Katherine Mansfield , así como a miembros del Grupo Bloomsbury , en Londres en 1916, aunque no conoció a Leonard y Virginia Woolf hasta dos años después. [26]
La primera colección de Eliot, Prufrock and Other Observations , se publicó en 1917 gracias a los esfuerzos de Pound. Los editores no confiaban en su éxito, y fue publicada por Harriet Shaw Weaver de The Egoist solo con financiación proporcionada por la esposa de Pound , Dorothy , aunque Eliot no estaba al tanto de este acuerdo. Generó muy poco interés hasta después de la publicación de The Waste Land , y no vendió su tirada inicial de 500 copias hasta 1922. [27] Poems fue publicado en 1919 por Hogarth Press de los Woolf , nuevamente después de haber sido rechazado por varios otros editores. [28] Para 1920, Eliot se había establecido como un crítico reputado, y la publicación de Ara Vos Prec y la publicación estadounidense de Poems generaron una notable cobertura de prensa. [29] Su colección de ensayos de 1920, The Sacred Wood , recibió críticas mixtas, y Eliot sintió que debería haber sido revisada más a fondo. [30]
Eliot probablemente trabajó en el texto que se convirtió en The Waste Land durante varios años antes de su primera publicación en 1922. En 1919 se refirió a "un largo poema que he tenido en mi mente durante mucho tiempo" en una carta a su madre. [31] En una carta de mayo de 1921 al abogado y mecenas de arte de Nueva York John Quinn , Eliot escribió que tenía "un largo poema en mente y parcialmente en papel que deseo terminar". [32]
Richard Aldington , en sus memorias, relata que "un año más o menos" antes de que Eliot le leyera el borrador manuscrito de The Waste Land en Londres, Eliot lo visitó en el campo. [33] Mientras caminaban por un cementerio, hablaron de la Elegía escrita en un cementerio rural de Thomas Gray . Aldington escribe: "Me sorprendió descubrir que Eliot admiraba algo tan popular, y luego continuó diciendo que si un poeta contemporáneo, consciente de sus limitaciones como Gray evidentemente lo era, concentrara todos sus dones en un poema así, podría lograr un éxito similar". [33]
En el otoño de 1921, Eliot y Vivienne viajaron al balneario costero de Margate . [34] A Eliot le habían recomendado reposo tras un diagnóstico de algún tipo de trastorno nervioso , y le habían concedido tres meses de licencia del banco en el que trabajaba, por lo que el viaje estaba pensado como un período de convalecencia. Eliot trabajó en lo que se convertiría en The Waste Land mientras estaba sentado en el refugio de Nayland Rock en Margate Sands, produciendo "unas 50 líneas", y la zona se menciona directamente en "The Fire Sermon" ("En Margate Sands / puedo conectar / Nada con nada"). [35] [36] La pareja viajó a París en noviembre, donde Eliot le mostró una versión temprana del poema a Pound. [37] Pound había conocido a Eliot siete años antes, y había ayudado a publicar parte de su trabajo anterior. [38] Eliot iba a viajar a Lausana para recibir tratamiento con el Dr. Roger Vittoz, que le había sido recomendado por Ottoline Morrell ; [35] [39] Vivienne iba a quedarse en un sanatorio en las afueras de París. [37] Mientras estaba bajo el cuidado de Vittoz, Eliot completó el primer borrador de The Waste Land . [40]
Eliot regresó de Suiza a París a principios de enero de 1922 con el borrador de 19 páginas del poema; su tratamiento con el Dr. Vittoz resultó ser muy exitoso, al menos a corto plazo. [41] [42] Eliot y Pound procedieron a editar el poema aún más, continuando después de que Eliot regresara a Londres. [43] [44] El proceso de edición eliminó una gran cantidad de contenido. Eliot le permitió a Pound un alto grado de control sobre la forma y el contenido de la versión final, delegando en su juicio cuestiones como el uso del poema anterior de Eliot " Gerontion " como preludio, o el uso de un extracto de la muerte de Kurtz en El corazón de las tinieblas de Conrad como epígrafe (Pound rechazó ambas ideas). [45] El biógrafo Peter Ackroyd considera que el enfoque de Pound estuvo en "el ritmo subyacente del poema ... Pound escuchó la música y cortó lo que para él era el material extraño que estaba adjunto a ella". [46] Al eliminar gran parte del material de Eliot, Pound permitió que los lectores lo interpretaran con mayor libertad como una obra menos estructurada y didáctica, y en general se considera que sus ediciones fueron beneficiosas. [47] [48]
Vivienne también revisó borradores de The Waste Land . [49] La sección "Una partida de ajedrez" describe en parte escenas del matrimonio de los Eliot, [49] aunque a petición suya se eliminó una línea específica - "Los hombres de marfil hacen compañía entre nosotros" - quizás porque encontró demasiado dolorosa la descripción de su infeliz matrimonio. [50] [51] En 1960, trece años después de la muerte de Vivienne, Eliot insertó la línea de memoria en una copia en limpio hecha para la venta para ayudar a la Biblioteca de Londres . [52]
En una carta de finales de diciembre de 1921 a Eliot para celebrar el "nacimiento" del poema, Pound escribió un poema obsceno de 48 líneas titulado " Sage Homme " en el que identificó a Eliot como la madre del poema, pero se comparó a sí mismo con la partera. [53] Las primeras líneas son:
Éstos son los poemas de Eliot
Por la musa de Urano engendró;
Un hombre fue su madre,
Una musa su padre.
¿Cómo las Infancias impresas resultaron
De nupcias tan doblemente difíciles?
Si necesitas preguntar,
debes saber, lector diligente
, que en cada ocasión
Esdras realizó la operación cesárea.
Las negociaciones para la publicación de The Waste Land comenzaron en enero de 1922 y duraron hasta finales del verano. [54] Horace Liveright , de la editorial neoyorquina Boni & Liveright , tuvo varias reuniones con Pound mientras estaba en París, y en una cena el 3 de enero de 1922, con Pound, Eliot y James Joyce , hizo ofertas por The Waste Land , Ulises y obras de Pound. [55] Eliot iba a recibir una regalía del 15% por una versión en libro del poema planeada para su publicación en otoño, [56] aunque a Liveright le preocupaba que la obra fuera demasiado corta. [57] Eliot todavía estaba bajo contrato con su editor anterior Alfred Knopf , que le dio a Knopf los derechos de los siguientes dos libros de Eliot, pero en abril Eliot logró asegurar una liberación de ese acuerdo. [54]
Eliot también buscó un acuerdo con las revistas. Se había hecho amigo de Scofield Thayer , editor de la revista literaria The Dial , mientras estaba en la Academia Milton y en el Harvard College , y Eliot le había ofrecido el poema a Thayer para que lo publicara poco después de regresar de Lausana en enero. [58] Aunque The Dial ofrecía 150 dólares (aproximadamente 30-35 libras esterlinas) por el poema, un 25% más que su tarifa estándar, Eliot se sintió ofendido de que el trabajo de un año fuera valorado tan bajo, especialmente porque sabía que a George Moore le habían pagado 100 libras esterlinas por un cuento. [59] El acuerdo con The Dial casi fracasó (otras revistas consideradas fueron The Little Review y Vanity Fair ), [60] pero con los esfuerzos de Quinn finalmente se llegó a un acuerdo por el cual, además de los 150 dólares, Eliot recibiría el segundo premio anual de The Dial por servicio sobresaliente a las letras, que implicaba un premio de 2000 dólares. [61] [62]
En Nueva York, a finales del verano, Boni & Liveright llegó a un acuerdo con The Dial que permitía a la revista ser la primera en publicar el poema en los EE. UU., con la condición de que compraran 350 copias del libro con descuento (lo que aumentaría el costo para The Dial en $315). [63] Eliot sugirió que la "posibilidad de que el libro gane el premio" podría permitir a Boni & Liveright usar la publicidad para aumentar sus ventas iniciales. [64]
El poema se publicó por primera vez en el Reino Unido en el primer número (16 de octubre de 1922) de la revista de Eliot, The Criterion, y en los EE. UU. en el número de noviembre de The Dial (publicado en realidad alrededor del 20 de octubre). [65] Eliot había sugerido inicialmente distribuir el poema en cuatro números de The Dial , ya que tenía dudas sobre su coherencia como pieza única, y había considerado publicarlo en dos números de The Criterion para mejorar las ventas, pero Pound se opuso. [66] En diciembre se publicó la edición en libro de Boni & Liveright en los EE. UU., con una tirada inicial de 1000 copias y, muy poco después, una segunda edición, también de 1000 copias. [66] La primera edición en libro fue la primera publicación en imprimir las notas acompañantes de Eliot, que había agregado para rellenar la pieza y, por lo tanto, abordar las preocupaciones de Liveright sobre su extensión. [65] [67] En septiembre de 1923, Hogarth Press , una editorial privada dirigida por los amigos de Eliot, Leonard y Virginia Woolf , publicó la primera edición en libro del Reino Unido de The Waste Land con una tirada de aproximadamente 460 copias. [68] Eliot, cuyo salario anual en 1922 en Lloyds Bank era de £500 ($2,215), [69] ganó aproximadamente £630 ($2,800) con las publicaciones de The Dial , Boni & Liveright y Hogarth Press. [70]
Eliot envió los borradores manuscritos originales del poema como regalo a John Quinn, creyendo que valía la pena preservar los efectos de la edición de Pound; llegaron a Nueva York en enero de 1923. [71] Tras la muerte de Quinn en 1924, fueron heredados por su hermana Julia Anderson, y durante muchos años se creyeron perdidos. A principios de la década de 1950, la hija de la señora Anderson, Mary Conroy, encontró los documentos en un depósito. En 1958 los vendió de forma privada a la Biblioteca Pública de Nueva York . No fue hasta abril de 1968, tres años después de la muerte de Eliot, que la existencia y el paradero de los borradores del manuscrito se dieron a conocer a Valerie Eliot , su segunda esposa. [72] En 1971 se publicó un facsímil de los borradores originales, que contenía las anotaciones de Pound, editadas y anotadas por Valerie Eliot. [73]
Las críticas iniciales del poema fueron mixtas. [74] Algunos críticos menospreciaron su estructura inconexa y sugirieron que su uso extensivo de citas le daba una sensación de falta de originalidad. [75] FL Lucas escribió una crítica particularmente negativa en el New Statesman , afirmando que "Eliot ha demostrado que a veces puede escribir versos libres reales; pero eso es todo"; [76] The Guardian publicó una reseña que lo calificó de "papel de desecho", [77] y el London Mercury lo consideró incomprensible. [78] William Carlos Williams consideró que había tenido una influencia negativa en la literatura estadounidense, escribiendo que lo había "retrocedido veinte años". [78]
Gilbert Seldes , quien publicó por primera vez el poema en los EE. UU., y Pound, su editor, lo defendieron, al igual que Conrad Aiken , quien lo describió en una reseña de 1923 como "uno de los poemas más conmovedores y originales de nuestro tiempo", [79] aunque encontró la forma incoherente. [80] Seldes encargó una reseña a Edmund Wilson , que fue positiva, y otros admiradores incluyeron a E. M. Forster y Cyril Connolly . [75] [81] Los poetas contemporáneos y los escritores jóvenes respondieron al estilo y contenido modernos del poema, un minifenómeno descrito más tarde como "un culto a 'The Waste Landers ' ". [81]
Las críticas y reseñas posteriores debatieron el valor de algunas de las innovaciones de Eliot. Sus notas y citas fueron una fuente de desacuerdo: se las consideró «distractoras o confusas, si no pedantes y poco poéticas», o «la base misma de una técnica poética nueva y significativa». [82] De manera similar, la estructura del poema, o la falta de ella, continuó generando debate, al igual que las interpretaciones de los temas mismos. [82] IA Richards elogió a Eliot por estos puntos en su libro de 1926 Principles of Literary Criticism , [83] describiendo su técnica de imágenes como «una 'música de ideas ' », [84] y en la década de 1930 el comentario de Richards fue llevado más allá por FR Leavis , FO Matthiessen y Cleanth Brooks , quienes creían que, a pesar de su aparente inconexidad, el poema contiene una unidad subyacente de forma: para Leavis representada por la figura de Tiresias, y para Matthiessen y Brooks por la mitología del Grial . [85] Esta visión se volvió dominante durante las siguientes tres décadas. [86]
Eliot originalmente consideró titular el poema He Do the Police in Different Voices , [87] y en los manuscritos originales las dos primeras secciones del poema aparecen bajo este título. [88] Esta frase está tomada de la novela de Charles Dickens Our Mutual Friend , en la que la viuda Betty Higden dice de su hijo adoptivo expósito Sloppy: "Puede que no lo creas, pero Sloppy es un hermoso lector de periódicos. Hace de policía con diferentes voces". [87] Al final, el título que eligió Eliot fue The Waste Land . En su primera nota al poema atribuye el título al libro de Jessie Weston sobre la leyenda del Grial , From Ritual to Romance (1920). [89]
¿Vivió de nuevo su vida en cada detalle de deseo, tentación y entrega durante ese momento supremo de conocimiento completo? Lloró en un susurro ante alguna imagen, ante alguna visión, gritó dos veces, un grito que no fue más que un suspiro.
"¡¡El horror! ¡El horror!"
Joseph Conrad, El corazón de las tinieblas
La elección original del epígrafe de Eliot. [90]
El poema está precedido por un epígrafe en latín y griego antiguo (sin traducción) del capítulo 48 del Satiricón de Petronio :
Eliot originalmente pretendía que el epígrafe fuera una pequeña sección de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad que describiera la muerte del personaje Kurtz . Pound sugirió que se cambiara porque sentía que Conrad no era lo suficientemente "importante", aunque no está claro si se refería al autor o a la cita en sí. [90]
Después del epígrafe hay una dedicatoria (añadida en una republicación de 1925) que dice "Para Ezra Pound: il miglior fabbro " ("el mejor artesano"). Esta dedicatoria fue escrita originalmente a mano por Eliot en la edición de Boni & Liveright de 1922 del poema presentado a Pound; se incluyó en ediciones posteriores. [92] Eliot está citando tanto el Canto XXVI del Purgatorio de Dante como The Spirit of Romance (1910) de Pound , que contiene un capítulo con el título "Il Miglior Fabbro" y que cita esa sección del Purgatorio . [92] [93] Dante le rinde al trovador Arnaut Daniel el mismo cumplido a través de lo que Pound describe como "el recurso de alabar a Daniel por boca de Guinicelli". Se explica además en The Spirit of Romance de 1910 que Dante está poniendo "la alabanza en boca de su mayor predecesor italiano, Guido Guinicelli de Bolonia". [94] Pound observó que "la poesía de Dante eclipsa tanto su obra en prosa que tendemos a olvidar que se le cuenta junto con Aristóteles y Longino entre los grandes críticos literarios del pasado". [94] Así, el epígrafe de Eliot elogia las habilidades críticas y poéticas de Pound por boca de Dante.
Eliot "quería que su poema pasara por los estilos poéticos ingleses como Joyce había pasado por los estilos de la prosa inglesa", [95] estilos que a su vez derivaban de fuentes antiguas. Daniel representa una encrucijada importante en el mapa de la poesía en La tierra baldía desde lo antiguo hasta lo moderno, situándose en la unión entre la antigüedad y la modernidad. "En las formas de las canciones de Arnaut Daniel encuentro una excelencia correspondiente, ya que satisfacen no sólo al oído moderno, glotón de rimas, sino también al oído acostumbrado a la música romana y helénica, para la que la rima parecía y parece una vulgaridad". [94]
El título de la sección proviene del servicio funerario anglicano en el Libro de Oración Común . Comienza con una descripción de la primavera como algo a lo que temer, con la naturaleza estática y reconfortante del invierno dando paso a la actividad forzada de la primavera. Eliot se traslada a la ubicación más específica de Europa Central alrededor del período de la Primera Guerra Mundial y adopta un tono profético que describe un desierto estéril. Citas de la historia de amor operística Tristán e Isolda enmarcan un recuerdo de la "chica jacinto", con el narrador atrapado en una existencia estática entre la vida y la muerte, incapaz de profesar su amor. La escena luego se mueve hacia la adivina Madame Sosostris, quien es descrita en términos irónicamente realistas, y las cartas del Tarot que saca predicen eventos en el resto del poema. La parte final de "El entierro de los muertos" es una descripción de Londres como el infierno de Dante, con habitantes atrapados en un estado similar a la muerte siguiendo una rutina sin sentido. [96]
Esta sección se centra en las mujeres y la seducción, con el título haciendo referencia a la obra jacobina Women Beware Women (Las mujeres, cuidado con las mujeres) , en la que el personaje de Bianca es seducida mientras su suegra se distrae con una partida de ajedrez. Su primera escena describe una habitación elaboradamente decorada que recuerda a los amantes clásicos como Marco Antonio y Cleopatra o Dido y Eneas . La narración pasa a referencias más inquietantes, como a Filomena , que fue violada y convertida en ruiseñor, y el poema la describe como alguien que todavía sufre a manos de un mundo indiferente. Esto pasa a una conversación entre una mujer ansiosa y los pensamientos de su marido, que no responde; sus pensamientos están preocupados por la pérdida y la muerte. La segunda parte de la sección se desarrolla en un pub del East End y presenta una conversación entre mujeres cockney de clase trabajadora . Hablan sobre la maternidad, la infidelidad y el aborto de manera práctica, y parecen estar atrapadas en relaciones superficiales sin amor. Al final de la sección, Eliot intercala las palabras del camarero dando los últimos pedidos ("Apúrate, por favor, es [ sic ] la hora") y las últimas palabras de Ofelia en Hamlet antes de suicidarse ahogándose, lo que significa la inevitabilidad del envejecimiento y la muerte. [97]
Una referencia al poema Prothalamion de Edmund Spenser , que describe una elegante boda aristocrática de verano junto al río Támesis , contrasta con el estado moderno, decadente y contaminado del entorno. De manera similar, las hermosas ninfas del pasado han sido reemplazadas por prostitutas, y el lavado de pies con agua de soda se contrasta irónicamente con el lavado de pies realizado por los niños del coro en algunas versiones de la leyenda del Rey Pescador . A esto le sigue una breve descripción de un Londres sucio y del Sr. Eugenides, el comerciante tuerto de Esmirna previsto por Madame Sosostris. La narración luego pasa a una descripción de una cita sin amor entre una mecanógrafa y un "joven carbuncular", ambos actuando mecánicamente, sus movimientos automáticos subrayados por el uso de la rima de Eliot. Son observados por la figura de Tiresias, un personaje tomado del mito clásico que vivió como mujer durante siete años y luego fue cegada y recibió el don de la profecía. A diferencia de las alusiones anteriores a tiempos pasados, Tiresias indica que el amor siempre ha sido así de desapasionado y sórdido. El poema vuelve al Támesis, utilizando de nuevo alusiones al pasado para destacar su actual estado de decadencia y esterilidad, pero la sección termina con una nota posiblemente esperanzadora con las palabras de San Agustín y Buda, quienes vivieron vidas de extravagancia antes de adoptar el ascetismo. Es sólo en este punto que la razón del título de la sección queda clara, " El Sermón del Fuego " siendo una enseñanza impartida por Buda. [98]
Esta es la parte más corta del poema, que describe las consecuencias del ahogamiento del marinero fenicio Flebas, un acontecimiento advertido por Madame Sosostris. Su cadáver sigue atrapado en un remolino que sirve como metáfora del ciclo de la vida y la muerte, y sirve como advertencia para buscar una vida con sentido. [99]
El poema vuelve a la árida escena del desierto visitada en la Parte I. La lluvia no ha llegado, a pesar de la promesa de los truenos y la llegada de la primavera. Una descripción de un viaje a través del desierto se intercala con referencias a la muerte y resurrección de Jesús, lo que implica que el viaje tiene un elemento espiritual. El viaje termina en una capilla, pero está en ruinas. La lluvia finalmente llega con el trueno, y su ruido se vincula con el texto del Brihadaranyaka Upanishad hindú , que une la religión oriental con la occidental. El trueno implora al narrador que "dé", pero las imágenes asociadas sugieren que puede que ya esté muerto; que "simpatice", pero sostiene que cada persona está atrapada en su propia prisión egocéntrica; y que "controle", lo que se explora con la metáfora de un marinero que coopera con el viento y el agua. El narrador termina pescando en la orilla del mar, después de haber viajado a través del desierto. Considera tomar algún tipo de acción en su pregunta final "¿Debo al menos poner en orden mis tierras?", pero no decide hacer nada. El poema termina con citas fragmentarias que quizás sugieren la posibilidad de una nueva vida, y finalmente el verso " Shantih shantih shantih " ("Paz, paz, paz"), el final formal de un Upanishad . [100]
El texto del poema va seguido de varias páginas de notas de Eliot, que pretenden explicar sus propias metáforas, referencias y alusiones. Estas fueron incluidas para alargar la obra de modo que pudiera ser publicada como libro, así como para evitar acusaciones de plagio de las que se había acusado a su obra anterior. [67] [78] Pound observó más tarde que las notas sirvieron para despertar el interés de los críticos académicos y de los revisores. [78] Sin embargo, se considera que tienen una utilidad limitada para interpretar el poema, y las propias interpretaciones de Eliot cambiaron a lo largo de las décadas siguientes. [101] [102] [103] Eliot expresó más tarde cierto arrepentimiento por haber incluido las notas, diciendo en 1956 que habían impulsado "la notable exposición de una erudición falsa". [4] [104]
"¿Qué es ese ruido?" El viento debajo de la puerta."¿Qué es ese ruido ahora? ¿Qué está haciendo el viento?" Nada otra vez nada."Hacer"¿No sabes nada? ¿No ves nada? ¿Recuerdas"¿Nada?" RecuerdoAquellas perlas que eran sus ojos.¿Estás vivo o no? ¿No hay nada en tu cabeza? Pero¡OOOO ese trapo shakespeariano!Es muy eleganteTan inteligente
"Una partida de ajedrez", líneas 117-130 [105]
El estilo del poema está marcado por las muchas alusiones y citas intertextuales que Eliot incluyó, y su yuxtaposición . [106] [107] Además de las muchas referencias y citas " intelectuales " de poetas como Baudelaire , Dante, Ovidio y Homero , incluyó varias referencias a géneros " populares ", como una alusión a la canción popular de 1912 "That Shakespearean Rag" de Gene Buck , Herman Ruby y Dave Stamper . [108] [109] El poema contrasta tales elementos a lo largo del poema: "El vocabulario ornamentado da paso al diálogo coloquial, los momentos líricos son interrumpidos por intrusiones sórdidas, lo cómico y lo macabro coexisten con las palabras solemnes de instrucción religiosa, un lenguaje es suplantado por otro, hasta que en las líneas finales del poema los fragmentos se recogen juntos". [107]
The Waste Land se destaca por su estructura aparentemente inconexa, en la que se emplean una amplia variedad de voces que a veces se presentan en forma de monólogo, diálogo o con más de dos personajes hablando. [110] El poema salta de una voz o imagen a otra sin delinear claramente estos cambios para el lector, creando el efecto paradójico de un poema que contiene un tema profundamente personal que es al mismo tiempo un collage impersonal. [111] Como explicó Eliot en su ensayo de 1919 " La tradición y el talento individual ", veía al poeta ideal como un conducto que crea una obra de arte que refleja la cultura y la sociedad, así como su propia perspectiva y experiencias, de una manera impersonal y artesanal. [112]
El poema juega con las formas tradicionales de métrica y rima, a menudo implicando verso libre sin comprometerse estrictamente con él (especialmente a través de citas de obras que están escritas en ese tipo de métrica). Los versos suelen estar fragmentados y, por lo general, tienen una longitud desigual, aunque hay casos de regularidad; por ejemplo, los dos primeros versos de "El sermón del fuego" están formados como sonetos petrarquistas . [113] [114] Durante el proceso de edición, Pound resaltaba los versos que eran "demasiado pentámetros" (es decir, demasiado cercanos al pentámetro yámbico ), lo que incitaba a cambiarlos a ritmos menos regulares. [115] Sin embargo , a Eliot no le gustaba el término " verso libre ", ya que creía que era imposible escribir versos que fueran verdaderamente "libres". [116]
Las fuentes que Eliot cita o alude incluyen las obras de figuras clásicas como Sófocles , Petronio , Virgilio y Ovidio; los escritores del siglo XIV Dante y Geoffrey Chaucer ; los escritores isabelinos y jacobinos Edmund Spenser , Thomas Kyd , William Shakespeare , Thomas Middleton y John Webster ; las figuras del siglo XIX Gérard de Nerval , Paul Verlaine , Charles Baudelaire , Alfred Tennyson y Richard Wagner ; y los escritores más contemporáneos Aldous Huxley , Hermann Hesse , Frank Chapman y FH Bradley . [117] Además, Eliot hace un uso extensivo de escritos religiosos, incluida la Biblia cristiana y el Libro de oración común , el Brihadaranyaka Upanishad hindú y el Sermón del fuego de Buda ; y de estudios culturales y antropológicos como La rama dorada de James Frazer y Del ritual al romance de Jessie Weston . [117]
Además de recurrir a mitos y ficción, Eliot incluyó a personas que conocía como figuras en el poema. "El entierro de los muertos" contiene al personaje de Marie, que está basado en Marie Larisch , [52] y la "chica jacinto" representa a Emily Hale , de quien Eliot se había enamorado varios años antes. [10] "Una partida de ajedrez" presenta una representación de Vivienne; [118] y sus conversaciones están extraídas de las que escuchó la pareja mientras estaban en un pub local. [119]
Los académicos han identificado más influencias artísticas contemporáneas en Eliot, contrariamente al enfoque del propio poeta en influencias más antiguas y en lenguas extranjeras. [120] Eliot había leído borradores tempranos de partes de Ulises y se correspondió con Joyce sobre ellos, y su influencia se ve en el uso simbolista de referencias cruzadas y variedad estilística en La tierra baldía , [121] [122] así como los paralelos míticos entre los personajes de Ulises y los de la Odisea , escribiendo que este "método mítico" tenía "la importancia de un descubrimiento científico". [123] Eliot expresaría más tarde la opinión de que, en comparación con La tierra baldía , Ulises era un ejemplo superior de tales desarrollos literarios, y la novela ha sido descrita como "el modelo más importante para el poema". [124] Sin embargo, a diferencia de su uso en Ulises , Eliot vio el método mítico como una forma de escribir poesía sin depender de la narración convencional: utiliza sus fuentes míticas por sus estructuras ritualistas, en lugar de como un contrapunto a la "historia" del poema. [125]
Eliot se resistía a atribuir cualquier influencia a Walt Whitman , y en su lugar expresaba una preferencia por Jules Laforgue (quien era traductor y admirador de Whitman). [126] Sin embargo, los estudiosos han notado fuertes similitudes en el uso del verso libre por parte de los dos poetas. Las primeras líneas de La tierra baldía , que son una inversión de la apertura de Chaucer a Los cuentos de Canterbury , se parecen mucho a las imágenes de Whitman al comienzo de " Cuando las lilas florecieron por última vez en el patio ": [127] [128]
Abril es el mes más cruel, la críaLilas de la tierra muerta, mezclándoseMemoria y deseo, agitandoRaíces opacas con la lluvia primaveral.— TS Eliot, La tierra baldía , líneas 1–4 [105]
Cuando las lilas florecieron por última vez en el patio,Y la gran estrella se ocultó temprano en el cielo occidental durante la noche,Lloré, y lloraré aún con la primavera que siempre regresa.— Walt Whitman, "Cuando las lilas florecieron por última vez en el patio", líneas 1-3 [129]
¿Cuando ese Aprille con sus horas sote?La sequía de Marche se ha vuelto rutinaria,Y bañó cada vena con ese licor,De cuya virtud engendrada está la harina;— Geoffrey Chaucer, Los cuentos de Canterbury (Prólogo), líneas 1–4 [130]
Además del motivo de las lilas que crecen en primavera, Whitman trata el inevitable regreso de la primavera como "una ocasión para lamentar la muerte que permite el renacimiento", una perspectiva similar propuesta por Eliot y completamente contraria a Chaucer, que celebra las "dulces lluvias" de abril que traen flores primaverales. [126] [127] El académico Pericles Lewis argumenta además que los ritmos similares al habla de Whitman anticipan el estilo aún más libre de La tierra baldía , adhiriéndose al dictamen de Pound de que el verso no debe "[apartarse] en modo alguno del habla salvo por una intensidad aumentada (es decir, simplicidad)". [131] El crítico Harold Bloom continúa identificando más similitudes entre los dos poemas, con el "tercero que siempre camina a tu lado" de Eliot como el "conocimiento de la muerte" de Whitman, y los poemas en sí mismos como "una elegía por el propio genio del poeta, en lugar de un lamento por la civilización occidental". [132]
La tierra baldía también se inspiró en los avances de las artes visuales. Su estilo y contenido reflejan los métodos del cubismo y el futurismo para desmontar y volver a montar sus temas en diferentes formas, y el interés del surrealismo en la mente inconsciente y su influencia en la cultura, temas similares a los que interesaron a Eliot en La rama dorada . [133] El académico Jacob Korg identifica similitudes con las técnicas de collage de Braque y Picasso , en las que las obras cada vez más no figurativas de los artistas incluían una pequeña pieza de detalle "realista". En el mismo sentido, La tierra baldía incluye directamente la "realidad", como la conversación del pub y la frase "El puente de Londres se está cayendo", junto con su contenido "imaginario", para lograr un efecto similar. [134]
Las interpretaciones de La tierra baldía en las primeras décadas después de su publicación habían estado estrechamente vinculadas al romance , debido al destacado reconocimiento de Eliot del libro de Jessie Weston de 1920 Del ritual al romance en sus notas. [86] [135] Sin embargo, la negación de Eliot en 1956 de esta línea de investigación con su comentario de que invitaban a una "erudición falsa" provocó reinterpretaciones del poema, menos como una obra que incorpora ideales románticos anteriores y la "magia de la leyenda del Grial", y más como un poema que describe "alienación, fragmentación, desesperación y desencanto" en el período de posguerra, que se consideran características típicas de la literatura modernista. [136]
En sus notas, Eliot atribuye al trabajo de Weston sobre religión comparada, From Ritual to Romance , la inspiración de "el plan y una buena parte del simbolismo incidental del poema". [89] Weston se concentra en la historia del Rey Pescador , parte del mito del Santo Grial que tiene sus orígenes en Perceval, la historia del Grial , escrita por Chrétien de Troyes en la década de 1180. [137] En la historia, Perceval es un joven que se encuentra con un grupo de caballeros un día en el bosque y se va con ellos para ser entrenado en las costumbres caballerescas en la corte del Rey Arturo . La lección clave que le enseñan es no hablar demasiado. Mientras cabalga un día, Perceval se encuentra con dos hombres pescando en un río; le ofrecen hospitalidad en un castillo cercano. En el salón del castillo, conoce al Rey Pescador, que está gravemente herido. Comienzan a ocurrir eventos sobrenaturales: un niño trae una lanza blanca al salón y una gota de sangre cae de su punta. Aparecen dos muchachos más con candelabros y luego una muchacha que sostiene un grial de oro con piedras preciosas y que irradia luz. El grial, en este relato una especie de bandeja, proporciona comida a los invitados en el salón. Recordando su entrenamiento, Perceval no hace preguntas sobre estos extraños sucesos y cuando despierta al día siguiente encuentra el salón vacío: su aparente falta de curiosidad ha sido tomada como indiferencia. Perceval regresa a Camelot y, mientras está en la Mesa Redonda, una "damisla repugnante" aparece para denunciarlo, diciendo que ocurrirán varias calamidades porque el Rey Pescador no puede defender sus tierras, estando aún en su estado herido. Como resultado, Perceval pierde su fe religiosa. Cinco años después, Perceval busca la ayuda de su tío, un ermitaño. Su tío lo instruye en las costumbres caballerescas y Perceval recibe la comunión. [138]
En este punto termina la historia de Chrétien. Fue continuada en varias versiones diferentes por varios autores. Robert de Boron introduce un vínculo explícito entre el Grial y la crucifixión de Jesús, y en esta versión Perceval regresa al castillo, le hace la pregunta correcta (secreta) al Rey Pescador y se convierte en el guardián del Grial. [139] Otra continuación fue la de Wolfram von Eschenbach , quien hizo de la herida del Rey Pescador una herida esterilizante en la ingle, y la pregunta que Perceval hace es "¿Qué te pasa, tío mío?" (en la traducción de Weston). [140] [141] La formulación de la pregunta, un acto de compasión, es en última instancia lo que cura al rey y restaura la tierra. [142]
Weston interpreta la historia del Rey Pescador como una continuación de los ritos paganos de fertilidad . Se centra en la idea de una "tierra baldía" que rodea el castillo del Rey Pescador, que será restaurada junto con la salud del rey, solo después de que se haga la pregunta correcta. En este sentido, es una historia de muerte y renacimiento, así como una alegoría de la reproducción, con la lanza representando los genitales masculinos y el Grial, los femeninos. [143] Weston considera el símbolo del pez como una analogía de la fertilidad, una conexión que luego se perdió en las lecturas de la leyenda del Grial. [144]
La Tierra Baldía puede interpretarse como narrada, al menos en parte, por un personaje del Rey Pescador, que vive en una "tierra baldía" industrial moderna. [145] Las notas de Eliot indican que asoció al Rey Pescador con una de las cartas del tarot dibujadas en "El entierro de los muertos" (el hombre con tres bastones ); "El sermón del fuego" contiene una figura pescando infructuosamente en un canal contaminado en invierno como un paralelo directo de los hombres que Perceval encontró pescando en un arroyo; y el verso final de "Lo que dijo el trueno" describe a un personaje del Rey Pescador pescando en el mar, considerando la pregunta "¿Debo al menos poner en orden mis tierras?" [5] [146]
Los temas míticos de la fertilidad adquieren un papel más concreto en las partes centrales del poema, que tratan escenas de sexualidad. "Una partida de ajedrez" incluye una escena de un matrimonio jugando al ajedrez en un entorno opulento que contrasta con dos diálogos asexuados "que ilustran dos aspectos de la terrible esterilidad emocional del mundo moderno". [147] La sección continúa con una conversación práctica entre dos mujeres sobre la infidelidad y el aborto, que se funde con las últimas palabras de Ofelia en Hamlet antes de suicidarse ahogándose: un fin a la vida, en lugar de un renacimiento bautismal. [148] "El sermón del fuego" describe una relación desapasionada, tal vez una parodia del ritual de "prostitución santificada" de Frazer en el que "para promover la fertilidad, una muchacha se juntaba con un extraño antes del matrimonio, acto que iba acompañado de un banquete ritual y música". [149]
Los temas de muerte y regeneración aparecen de forma más general en La tierra baldía , especialmente en "El entierro de los muertos". Sin embargo, a diferencia de los mitos de fertilidad como el del Rey Pescador, "la muerte nunca se redime con ninguna salvación clara, y la esterilidad se alivia solo con una multiplicidad caótica, que no solo es un tipo irónico de fertilidad, sino también el caos claramente urbano que el joven Eliot apreciaba como propicio para su trabajo". [150] El poema comienza con una resistencia al crecimiento después de un invierno que representa una "muerte en vida", y un anhelo de estasis que contrasta con la Sibila del epígrafe, que anhela una muerte que signifique escapar de una existencia estática. [151] [152] "El entierro de los muertos" también describe una escena desértica seca y sin vida que, a pesar de la perspectiva de sombra y, por lo tanto, de respiro, promete solo una visión de la muerte: "mostrarle el miedo en un puñado de polvo". [153] Madame Sosostris dibuja al marinero fenicio ahogado, pero más tarde es un símbolo de Adonis , que representa la promesa de la primavera y, por lo tanto, la renovación, y su ahogamiento puede leerse como una alegoría del bautismo, un renacimiento espiritual. [154] La muerte en vida de La tierra baldía ve a la gente enterrar cadáveres y esperar que broten, en una referencia deliberada a los rituales de Osiris como los describe Frazer, cuando los sacerdotes enterraban efigies del dios para asegurar una buena cosecha. [155]
No me gusta la palabra "generación", que ha sido un talismán durante los últimos diez años; cuando escribí un poema titulado La tierra baldía, algunos de los críticos más favorables dijeron que había expresado la "desilusión de una generación", lo cual es una tontería. Puede que les haya expresado su propia ilusión de estar desilusionados, pero eso no formaba parte de mi intención.
TS Eliot, Pensamientos después de Lambeth (1931) [156]
La tierra baldía puede leerse como una expresión de la desilusión y las ansiedades de la posguerra sobre la cultura occidental. [157] El crítico Burton Rascoe escribió que el poema "da voz a la desesperación universal o la resignación que surge de las consecuencias espirituales y económicas de la guerra, los propósitos cruzados de la civilización moderna, el callejón sin salida en el que tanto la ciencia como la filosofía parecen haberse metido y el colapso de todos los grandes propósitos directivos que dan alegría y entusiasmo al negocio de la vida. Es una desesperación erudita". [158] A Eliot no le gustaba que lo describieran como un poeta que había "expresado 'la desilusión de una generación'", pero esta era una lectura común incluso en los primeros días después de la publicación del poema. [159] El poema describe una tierra baldía moderna estéril después de la guerra más grande jamás librada, sin las piedras de toque culturales comunes tradicionales de la religión, la aristocracia y la nacionalidad. [160] [161] Al ser incapaz de crear nada nuevo, el poeta sólo tiene "un montón de imágenes rotas" de épocas pasadas para ensamblar, y La tierra baldía representa un intento de crear algo nuevo a partir de ellas. [160]
Una forma en que el poema expresa esta desilusión es en el contraste entre sus citas y alusiones a textos más antiguos y representaciones de la época moderna. "Una partida de ajedrez" contrasta a una mujer moderna con una descripción elaborada de la reina Cleopatra y Belinda de La violación del rizo en un entorno ornamentado; también yuxtapone la conversación de las mujeres de la clase trabajadora con las últimas palabras de Ofelia en Hamlet . De esta manera, un pasado idealizado se presenta como un lugar prelapsario irrealista, y "la civilización moderna no hace más que estropear lo que una vez fue amable, encantador, ceremonioso y natural". [162]
Los estudiosos consideran que la representación que hace Eliot del Londres moderno también es un ejemplo de estos temas. La desagradable descripción del río Támesis en "El sermón del fuego" invita a la comparación con su belleza en la época de Spenser, [163] y las hermosas doncellas del Rin del ciclo del Anillo de Wagner , que guardan el oro en el fondo del Rin , están irónicamente ubicadas en el contaminado Támesis. [164] El verso final del poema contiene la línea titular de la canción infantil " El puente de Londres se está cayendo ", que muestra que incluso con el optimismo de un renacimiento potencial, la ciudad está destinada a la ruina. [165] Los sonidos de la ciudad acompañan la relación desapasionada de la mecanógrafa en "El sermón del fuego", vinculándola a la esterilidad, [149] y sus habitantes no pueden confiar en un sentido compartido de comunidad: viven en una versión del Limbo de Dante , un reino estático sin vida que no tiene ni vida ni muerte. [166] [167] Eliot hace una referencia directa al Infierno en el verso "No había pensado que la muerte hubiera deshecho a tantos", e indica que las personas que viven en esta ciudad han elegido, por cobardía, no morir (y posiblemente renacer) sino permanecer en este estado de muerte en vida. [167]
El cristianismo impregna la leyenda del Rey Pescador, y las cuestiones de muerte y renacimiento son preocupaciones centrales de todas las religiones. [168] La Biblia ha sido descrita como "probablemente la influencia más penetrante en el poema". [169] Eliot adopta un tono de voz deliberadamente profético del Antiguo Testamento en "El entierro de los muertos", haciendo referencia a Ezequiel y Eclesiastés . [169] [170] La fuente de Ezequiel describe la misión del profeta en un mundo secular, y el libro es relevante nuevamente en la descripción de una tierra seca y desértica. [170] Ezequiel profetizó el cautiverio babilónico , al que se alude en la descripción del Támesis como las "aguas de Leman" en "El sermón del fuego". [170] La sección del Eclesiastés a la que se hace referencia contiene una descripción de una tierra desierta, y "Lo que dijo el trueno" se refiere a ella nuevamente en sus "puertas de casas agrietadas por el barro" y "cisternas vacías". [171] Los símbolos del Nuevo Testamento incluyen la carta del Ahorcado , que representa a Jesús, y "Lo que dijo el trueno" hace referencia a la aparición del Camino de Emaús , en la que el Cristo resucitado no es reconocido por sus discípulos. [172]
The Waste Land también contiene alusiones al budismo y al hinduismo, con los que Eliot entró en contacto mientras estudiaba como posgraduado en el Departamento de Filosofía de Harvard entre 1911 y 1914. [173] El título de "The Fire Sermon" toma su nombre del discurso budista del mismo nombre , que utiliza la metáfora del fuego para significar tanto el dolor inherente a la existencia física como el proceso de purificación para trascender ese dolor. [174] Eliot yuxtapone a Buda con San Agustín , ambos representando figuras históricas que se alejaron de los placeres mundanos para seguir una vida de ascetismo. [175] Sus voces combinadas se mezclan con el narrador del poema al final de la sección ("Tú me arrancas"), convirtiéndose en la voz de la profecía, y la sección se desvanece de manera meditativa, perdiendo al narrador "yo", luego "Señor", dejando solo "ardiente". [176] [177]
Las citas sánscritas del Upanishad hindú Brihadaranyaka, parte de la colección de textos conocidos como los Vedas , aparecen a lo largo de la sección final, "Lo que dijo el trueno". Las tres palabras " datta ", " dayadhvam " y " damyata " son una instrucción para observar la caridad, la compasión y el autocontrol, y la línea final del poema es la misma que la de cada Upanishad: " Shantih shantih shantih " ("paz, paz, paz"). [178] Esto da la impresión de un deseo de que los lectores pongan fin a su sufrimiento de posguerra en los planos físico, natural y espiritual siguiendo estas virtudes. [178] El poema contiene otras alusiones a las escrituras hindúes, como la aparición del río sagrado Ganges llamado por su nombre tradicional en la línea "Ganga se hundió", y puede leerse como una alegoría similar a los temas que se encuentran en los Vedas donde la sequía o la esterilidad son causadas por una fuerza maligna. En esta lectura el poeta asume el papel de un sacerdote, cuya función es purificar la tierra y liberar su fertilidad potencial. [179]
Blanco y dorado
El templo londinense que se encuentra en el centro del poema es la iglesia anglocatólica de San Magnus el Mártir en la City de Londres. Eliot se comprometió formalmente con este credo de la Iglesia de Inglaterra en 1927. Barry Spurr afirma que "la primera manifestación del interés de Eliot por asuntos identificablemente anglocatólicos se encuentra en una carta de 1911", y que "Eliot frecuentaba la Misa Mayor en la iglesia de San Magnus el Mártir de la City después de la Primera Guerra Mundial". El interés de Eliot por la iglesia era también cultural y académico, de modo que el "estímulo estético original se combinaba, en el caso de las iglesias de la City, por ejemplo, con una apreciación de su significado histórico... Una vez alcanzado este grado de comprensión multidimensional (estética, histórica, moral, teológica y espiritual), habría reconocido que la belleza de las iglesias no era meramente satisfactoria desde el punto de vista artístico". [180] Los colores “blanco y dorado” de esa iglesia en el poema son los colores de su contraparte antigua, el Primer Templo, también llamado el Templo de Salomón. El retablo mismo estaba coloreado de blanco y dorado en el siglo XIX. [181]
Donde los pescadores descansan al mediodía: donde las paredesDe Magnus Martyr sostieneInexplicable esplendor del blanco y el oro jónicos.— TS Eliot, La tierra baldía , versos 263-5
Ahora bien, la cara exterior del templo... estaba cubierta por completo con láminas de oro de gran peso, y, al salir el sol, reflejaba un esplendor muy ardiente... Pero este templo les parecía a los extraños, cuando se acercaban a él desde lejos, como una montaña cubierta de nieve; porque las partes que no estaban doradas eran sumamente blancas.
— Flavio Josefo, La guerra judía (circa 75 d.C.).
La mayor parte de la pared está ocupada por un magnífico biombo de altar de dos pisos... lleno de tallas en relieve, de Gibbons, de frutas, flores y zarcillos entrelazados... Las partes sustanciales del biombo están coloreadas en imitación de verde antiguo y otros mármoles, las molduras y adornos son blancos y dorados, el follaje blanco, tocado y realzado con oro, formando, en general, un diseño resplandeciente, en el que se introduce la máxima profusión de adornos sin ostentación.
— Thomas Allen, Historia y antigüedades de Londres (1828) pág.179.
Estos retablos resistieron la prohibición de las imágenes que surgió de la Reforma inglesa. Esa lucha entre credos continuó a partir de 1921, cuando sucesivos casos judiciales obligaron a retirar las imágenes ilegales de la iglesia. En 1925, un periódico describió la "desafiante anarquía del partido anglocatólico". [182] Mientras que el poema publicado dirige la mirada al orden arquitectónico jónico de la iglesia, el retablo es corintio, como se ve en un borrador del poema. [183]
/allí las paredesDe Magnus Mártir se puso de pie, y se mantiene, y se mantiene.Música inviolableSu alegre esplendor del blanco y el oro corintiosInexplicable— TS Eliot, La tierra baldía (borradores, alrededor de 1921)
El piso inferior está dividido en tramos por cuatro columnas corintias estriadas adosadas con pilastras en cada extremo.
— Sitio web de Magnus Martyr
Los pilares corintios interiores del retablo encierran los Diez Mandamientos de la Biblia judeocristiana y representan una entrada figurativa al Lugar Santísimo y al Templo de Salomón, como sus homólogos antiguos construidos por Hiram. "Los dos enormes pilares (de más de 8 m de altura) a la entrada del vestíbulo simbolizan la protección del Señor a la dinastía real... estos pilares funcionan como puertas estilizadas del Templo". [184] Este simbolismo continúa en la Iglesia de San Magno el Mártir, donde la madera sagrada del retablo refleja el Primer Templo. “Se creía ampliamente que los órdenes arquitectónicos no sólo derivaban del desarrollo de la arquitectura griega y romana, sino también de las instrucciones dictadas por Dios a Moisés respecto a la decoración del Arca de la Alianza. El carácter de la decoración clásica también estaba relacionado con la decoración del Templo de Salomón, también de inspiración divina, y con los primitivos 'bosques', en los que se suponía que los antiguos habían rezado. Dado el valor simbólico del orden corintio, no es sorprendente que la evidencia sugiera que la mayoría de los retablos del Londres de finales del siglo XVII lo utilizaban en las decoraciones del presbiterio”. [185]
En La tierra baldía, el aspecto del Primer Templo del retablo sirve como portal cultural a otras culturas semíticas del antiguo Oriente Próximo en el poema. Entre ellas se encuentran "Flebas el fenicio" [verso 312] y la reina Dido, sugerida por la "laquearia" [verso 92] de su palacio, una alusión a la Eneida de Virgilio . Los maestros constructores fenicios construyeron el Templo de Salomón. "El plano del edificio, la mampostería cincelada y los diversos motivos decorativos son claramente de inspiración fenicia, como ahora sabemos". [186] Esta influencia fenicia se puede ver en 1 Reyes 9 de la Biblia, y en el trabajo de arqueólogos como Finkelstein y Silberman. "Hiram de Tiro, el poderoso gobernante fenicio, reconociendo la grandeza de David, envió preciosas vigas de cedro y carpinteros y albañiles para construir un palacio real adecuado para David en su nueva capital". [187] En el antiguo Oriente Próximo, “el palacio y el santuario (real) a menudo pertenecen al mismo complejo. Aquí el Templo es relativamente modesto comparado con el palacio”. [184]
La gema del carbunclo
En su retrato en el retablo, el primer sumo sacerdote Aarón lleva el Pectoral del Juicio. Sujetas al pectoral había 12 gemas inscritas, incluida la gema carbunclo. [181] En El Paraíso Perdido de John Milton, las gemas carbunclo forman parte del tejido del cielo y, en forma profana, son los brillantes ojos rojos como el carbón de Satanás mientras acecha a Eva. La Eva y Adán de Milton son una nueva visión del mito bíblico del génesis, que se dice fue escrito por el hermano de Aarón, Moisés, que también está retratado en el retablo de la iglesia. Eliot afirmó que tenía la intención de que el "joven carbunclo" de La tierra baldía estuviera vinculado a Milton. [188] [189]
Él, el joven carbuncular, llega,Un pequeño empleado de una inmobiliaria, con una mirada atrevida,Uno de los que tienen la seguridad en sus manosComo un sombrero de seda para un millonario de Bradford.— TS Eliot, La tierra baldía , líneas 231–4 [105]
Así habló el enemigo de la humanidad, encerradoEn Serpiente reclusa mala, y hacia EvaSe dirigió a su camino…y Carbuncle sus ojos;— John Milton, El paraíso perdido, líneas 9:494–500
Harás también el pectoral del juicio de obra primorosa... Y pondrás en él engastes de piedras, cuatro hileras de piedras: la primera hilera, un sardio, un topacio y un carbunclo; ésta será la primera hilera.
— (Éxodo 39)
Shakespeare también hizo uso del simbolismo de la gema carbunclo. “Sería difícil pensar que Eliot, un lector atento de Shakespeare, no hubiera tenido esta red de alusiones en mente, al elegir el adjetivo 'carbunculoso' para describir al 'empleado de una pequeña inmobiliaria' que agredía a la mecanógrafa”. [190] Beda el Venerable “observó que el carbunculo , “como demuestra su nombre”, es una piedra del color del fuego con la que es posible aclarar la oscuridad”. La gama simbólica de la gema incluye “un simbolismo atestiguado desde hace mucho tiempo que asociaba a Cristo con el carbunclo”. [191]
The Waste Land se considera uno de los poemas más importantes e influyentes del siglo XX. [34] [192] [193] El poema ha sido elogiado por su valor estético, y su originalidad influyó en los poetas modernistas : "Si bien nos hemos acostumbrado a técnicas poéticas como la alusión, la yuxtaposición irónica y los cambios repentinos en las imágenes y el estilo, el uso que Eliot hizo de ellas parecía sorprendentemente nuevo en 1922". [194] Lewis (2007) comenta que "la práctica poética posterior estuvo en gran medida determinada por la defensa del verso libre por parte de Pound y el ejemplo de Eliot", y Pound más tarde llevó el ejemplo de Eliot de usar diferentes idiomas aún más lejos, incluyendo caracteres chinos en sus Cantos que habrían sido completamente ininteligibles para una gran mayoría de sus lectores. [195]
El poema ha influido en varias obras en prosa. George Orwell utilizó técnicas alusivas de una manera influenciada por Eliot, más claramente en las referencias a canciones populares de Keep the Aspidistra Flying y los epígrafes de Down and Out in London and Paris y Coming Up For Air . [196] De manera similar, The Sound and the Fury de William Faulkner muestra paralelismos estructurales con The Waste Land en sus yuxtaposiciones de diferentes épocas y su uso de asociación y repetición intratextual. [197] Raymond Chandler hace referencias más claras al poema en The Long Goodbye , tanto dentro del texto con personajes que leen a Eliot, como temáticamente, como en el juego de ajedrez de la novela. [198] Anthony Burgess emplea elementos estilísticos similares en The Malayan Trilogy , con sus personajes leyendo el poema, y elementos temáticos como Victor Crabbe temiendo morir por agua. [199] El gran Gatsby de F. Scott Fitzgerald contiene similitudes con La tierra baldía en su ambientación ("Para el efecto total de la novela, como en el poema de Eliot, son centrales los símbolos e imágenes de desolación, desolación e inutilidad") y caracterización ("'¿Qué planea la gente?' [Daisy] pregunta, y la frase es simbólica de su vacío; es como la dama de Eliot en La tierra baldía que grita: '¿Qué haremos mañana? ¿Qué haremos alguna vez?'"). [200] El poema también le da a la novela de Evelyn Waugh Un puñado de polvo no solo su título, sino también una serie de temas clave. [201]
Lesley Wheeler sostiene que, a pesar de la gran influencia de Eliot en la poesía del siglo XX, en gran medida debido al éxito de The Waste Land , su impacto en los poetas de este siglo es muy reducido:
Como editor, crítico y constructor de hitos poéticos a partir de materiales reciclados, el hombre eclipsó la poesía angloamericana durante generaciones. Para William Carlos Williams , la explosión atómica de The Waste Land sacó a la poesía estadounidense de su ritmo. Para los poetas nacidos en los años treinta y cuarenta –Craig Raine , Wendy Cope , Derek Walcott , Seamus Heaney– , Eliot es monumental, aunque esos escritores tienen diferentes respuestas a su inminente edificio. Sin embargo, los poetas nacidos desde entonces metabolizaron a Eliot de manera diferente. No es que el modernismo sea menos relevante. Los escritores más jóvenes reivindican a ciertos poetas modernistas una y otra vez: Williams, WB Yeats , Robert Frost , Gertrude Stein , Wallace Stevens , Langston Hughes , HD , Robert Hayden , Gwendolyn Brooks . Eliot simplemente no aparece en sus listas públicas con tanta frecuencia. [202]
Wheeler atribuye este cambio a una serie de causas, como la menor prominencia de Eliot en los programas escolares, biografías que resaltan su antisemitismo y su "correspondencia misógina y homoerótica con Ezra Pound". [202] Ella postula que tal vez el poema sea víctima de su propia oscuridad, exigiendo interpretación en lugar de proporcionar una experiencia de lectura atractiva. [203]
También se han escrito parodias de este poema. Una de ellas es obra del contemporáneo de Eliot , HP Lovecraft , titulada "Waste Paper: A Poem of Profound Insignificance". Escrita en 1922 o 1923, el erudito ST Joshi la considera una de las mejores sátiras de Lovecraft. [204] [205] Wendy Cope publicó una parodia de The Waste Land , condensando el poema en cinco limericks, Waste Land Limericks , en su colección de 1986 Making Cocoa for Kingsley Amis . [206] John Beer publicó una versión moderna de The Waste Land en 2010 que es en parte sátira y en parte homenaje. [207] [208]
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