Una orquesta ( / ˈɔːrkɪstrə / ; O -ki-strə ) [ 1 ] es un gran conjunto instrumental típico de la música clásica, que combina instrumentos de diferentes familias. Normalmente hay cuatro secciones principales de instrumentos :
Otros instrumentos como el piano , el clavicémbalo , el órgano de tubos y la celesta pueden aparecer a veces en una quinta sección de teclado o pueden actuar solos como instrumentos solistas, al igual que el arpa de concierto y, para las interpretaciones de algunas composiciones modernas, los instrumentos electrónicos y las guitarras . [nota 1]
A una orquesta occidental de tamaño completo a veces se la puede llamarOrquesta sinfónica uorquesta filarmónica(delgriego phil-, "amante" y "armonía"). El número de músicos empleados en una determinada actuación puede variar de setenta a más de cien, dependiendo de la obra que se interprete y del tamaño del recinto.Una orquesta de cámara (a veces unaorquesta de concierto) es un conjunto más pequeño de no más de cincuenta músicos.[2]Las orquestas que se especializan en lamúsica barrocade, por ejemplo,Johann Sebastian BachyGeorge Frideric Handel, oclásico, como el deHaydnyMozart, tienden a ser más pequeñas que las orquestas que interpretan unmúsica románticacomo lassinfoníasde Ludwig van BeethovenyJohannes Brahms. La orquesta típica creció en tamaño a lo largo de los siglos XVIII y XIX, alcanzando un pico con las grandes orquestas de hasta 120 músicos requeridas en las obras deRichard Wagnery más tardeGustav Mahler.
Las orquestas suelen estar dirigidas por un director que dirige la interpretación con movimientos de manos y brazos, que a menudo son más fáciles de ver para los músicos gracias al uso de una varilla corta de madera conocida como batuta de director . El director unifica la orquesta, marca el tempo y da forma al sonido del conjunto. [3] El director también prepara la orquesta dirigiendo ensayos antes del concierto público, en los que da instrucciones a los músicos sobre su interpretación de la música que se está interpretando.
El líder de la sección del primer violín, comúnmente llamado concertino , también desempeña un papel importante al dirigir a los músicos. En la era de la música barroca (1600-1750), las orquestas a menudo eran dirigidas por el concertino o por un músico que tocaba acordes y que interpretaba las partes del bajo continuo en un clavicémbalo o un órgano de tubos , una tradición que algunos conjuntos de música antigua de los siglos XX y XXI continúan. Las orquestas tocan una amplia gama de repertorio, incluidas sinfonías, oberturas de ópera y ballet , conciertos para instrumentos solistas y conjuntos de foso para óperas, ballets y algunos tipos de teatro musical (por ejemplo, las operetas de Gilbert y Sullivan ).
Las orquestas amateurs incluyen orquestas juveniles formadas por estudiantes de una escuela primaria, una escuela secundaria o una universidad y orquestas comunitarias; normalmente están formadas por músicos aficionados de una ciudad o región en particular.
El término orquesta deriva del griego ὀρχήστρα ( orquesta ), el nombre del área delante de un escenario en el teatro griego antiguo reservada para el coro griego . [4]
En la época barroca, el tamaño y la composición de una orquesta no estaban estandarizados. Había grandes diferencias en tamaño, instrumentación y estilos de interpretación (y, por lo tanto, en los paisajes sonoros y paletas de colores de las orquestas) entre las distintas regiones europeas. La orquesta barroca variaba desde orquestas más pequeñas (o conjuntos) con un músico por parte, hasta orquestas de mayor escala con muchos músicos por parte. Ejemplos de la variedad más pequeña fueron las orquestas de Bach, por ejemplo en Köthen, donde tuvo acceso a un conjunto de hasta 18 músicos. Ejemplos de orquestas barrocas de gran escala incluirían la orquesta de Corelli en Roma, que oscilaba entre 35 y 80 músicos para las actuaciones diarias, y se ampliaba a 150 músicos para ocasiones especiales. [5]
En la era clásica, la orquesta se volvió más estandarizada con una sección de cuerdas de tamaño pequeño a mediano y una sección de viento central compuesta por pares de oboes, flautas, fagotes y trompetas, a veces complementadas con percusión y pares de clarinetes y trompetas.
El llamado "complemento estándar" de instrumentos de viento y metales dobles en la orquesta, iniciado a fines del siglo XVIII y consolidado durante la primera mitad del siglo XIX, generalmente se atribuye a las fuerzas requeridas por Beethoven después de Haydn y Mozart. La instrumentación de Beethoven casi siempre incluía flautas , oboes, clarinetes, fagotes, trompas y trompetas en pares. Las excepciones son su Sinfonía n.º 4 , el Concierto para violín y el Concierto para piano n.º 4 , que especifican cada uno una sola flauta. Beethoven calculó cuidadosamente la expansión de esta "paleta" tímbrica particular en las Sinfonías 3, 5, 6 y 9 para lograr un efecto innovador. El tercer instrumento de la Sinfonía "Heroica" llega para brindar no solo cierta flexibilidad armónica sino también el efecto de metales "corales" en el movimiento del Trío. El flautín , el contrafagot y los trombones se suman al final triunfal de su Sinfonía n.º 5. Un flautín y un par de trombones ayudan a producir el efecto de tormenta y sol en la Sexta , también conocida como Sinfonía Pastoral . La Novena requiere un segundo par de trompas, por razones similares a la "Heroica" (desde entonces, cuatro trompas se han convertido en estándar); el uso que hace Beethoven del flautín, el contrafagot, los trombones y la percusión desafinada (además de coros y solistas vocales) en su final, son su primera sugerencia de que los límites tímbricos de la sinfonía podrían expandirse. Durante varias décadas después de su muerte, la instrumentación sinfónica fue fiel al modelo bien establecido de Beethoven, con pocas excepciones. [ cita requerida ]
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La invención del pistón y la válvula rotatoria por Heinrich Stölzel y Friedrich Blühmel , ambos silesios , en 1815, fue la primera de una serie de innovaciones que impactaron en la orquesta, incluyendo el desarrollo de las llaves modernas para la flauta por Theobald Boehm y las innovaciones de Adolphe Sax en los instrumentos de viento de madera, en particular la invención del saxofón. Estos avances llevarían a Hector Berlioz a escribir un libro histórico sobre instrumentación , que fue el primer tratado sistemático sobre el uso del sonido instrumental como elemento expresivo de la música. [6]
La siguiente gran expansión de la práctica sinfónica llegó de la mano de la orquesta de Bayreuth de Richard Wagner , fundada para acompañar sus dramas musicales. Las obras de Wagner para el escenario tenían una escala y una complejidad sin precedentes: de hecho, su partitura para El oro del Rin requiere seis arpas . De este modo, Wagner imaginó un papel cada vez más exigente para el director de orquesta del teatro, como explicó en su influyente obra Sobre la dirección de orquesta . [7] Esto provocó una revolución en la composición orquestal y marcó el estilo de la interpretación orquestal durante los siguientes ochenta años. Las teorías de Wagner reexaminaron la importancia del tempo , la dinámica , el uso del arco en los instrumentos de cuerda y el papel de los directores en la orquesta.
A principios del siglo XX, las orquestas sinfónicas eran más grandes, estaban mejor financiadas y mejor entrenadas que antes; en consecuencia, los compositores podían componer obras más grandes y ambiciosas. Las obras de Gustav Mahler fueron particularmente innovadoras; en sus sinfonías posteriores, como la gigantesca Sinfonía n.º 8 , Mahler empuja los límites más lejanos del tamaño de una orquesta, empleando grandes fuerzas. A finales de la era romántica, las orquestas podían soportar las formas más enormes de expresión sinfónica, con enormes secciones de cuerdas y metales y una gama ampliada de instrumentos de percusión. Con el comienzo de la era de la grabación, los estándares de interpretación se llevaron a un nuevo nivel, porque una sinfonía grabada podía escucharse con atención e incluso los errores menores en la entonación o el conjunto, que podrían no notarse en una interpretación en vivo, podían ser escuchados por los críticos. A medida que las tecnologías de grabación mejoraron durante los siglos XX y XXI, eventualmente los pequeños errores en una grabación podrían "arreglarse" mediante la edición de audio o la sobregrabación . Algunos directores y compositores veteranos recordaban una época en la que la norma era simplemente "interpretar" la música lo mejor posible. Esto, combinado con el mayor público que permitía la grabación, dio lugar a un renovado interés por directores estrella concretos y por un alto nivel de ejecución orquestal. [8]
La orquesta sinfónica típica consta de cuatro grupos de instrumentos musicales relacionados entre sí, llamados instrumentos de viento de madera , instrumentos de viento de metal , instrumentos de percusión y instrumentos de cuerda . Otros instrumentos, como el piano, el acordeón y la celesta, a veces pueden agruparse en una quinta sección, como una sección de teclado , o pueden funcionar de forma independiente, al igual que el arpa de concierto y los instrumentos eléctricos y electrónicos . La orquesta, dependiendo del tamaño, contiene casi todos los instrumentos estándar de cada grupo.
En la historia de la orquesta, su instrumentación se ha ampliado con el tiempo, y a menudo se acepta que se estandarizó debido al período clásico [9] y la influencia de Ludwig van Beethoven en el modelo clásico. [10] En los siglos XX y XXI, las nuevas demandas del repertorio expandieron la instrumentación de la orquesta, lo que resultó en un uso flexible de los instrumentos del modelo clásico y de los instrumentos eléctricos y electrónicos recientemente desarrollados en varias combinaciones. A mediados del siglo XX, se hicieron varios intentos en Alemania y los Estados Unidos de confinar la instrumentación de la orquesta sinfónica exclusivamente a grupos de un instrumento. En esta configuración, la orquesta sinfónica consistía completamente en acordeones cromáticos de lengüeta libre que se modificaron para recrear la gama completa de sonidos y timbres orquestales durante la interpretación de la música clásica occidental ortodoxa. [11] [12] [13] [14] [15] [16]
Los términos orquesta sinfónica y orquesta filarmónica pueden usarse para distinguir diferentes conjuntos de la misma localidad, como la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta Filarmónica de Londres . [nota 2] Una orquesta sinfónica o filarmónica normalmente tendrá más de ochenta músicos en su nómina, en algunos casos más de cien, pero el número real de músicos empleados en una actuación particular puede variar según la obra que se interprete y el tamaño del lugar. [2]
Una orquesta de cámara suele ser un conjunto más pequeño; una gran orquesta de cámara puede llegar a contar con cincuenta músicos, pero algunas son mucho más pequeñas. Orquesta de concierto es un término alternativo, como en el caso de la Orquesta de Conciertos de la BBC y la Orquesta de Conciertos de la RTÉ .
Aparte del complemento orquestal principal, ocasionalmente se requieren otros instrumentos. [17] Estos incluyen el fliscorno y la corneta . Los saxofones y las guitarras clásicas, por ejemplo, aparecen en algunas partituras de los siglos XIX al XXI. Si bien aparece solo como instrumentos solistas destacados en algunas obras, por ejemplo, la orquestación de Maurice Ravel de Cuadros de una exposición de Modest Mussorgsky y las Danzas sinfónicas de Sergei Rachmaninoff , el saxofón está incluido en otras obras, como el Boléro de Ravel , las Suites Romeo y Julieta 1 y 2 de Sergei Prokofiev , las Sinfonías n.º 6 y n.º 9 de Vaughan Williams y El festín de Belsasar de William Walton , y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. El bombardino aparece en algunas obras del Romanticismo tardío y del siglo XX , por lo general interpretando partes marcadas como "tuba tenor", incluyendo Los planetas de Gustav Holst y Ein Heldenleben de Richard Strauss . La tuba de Wagner , un miembro modificado de la familia de las trompas, aparece en el ciclo de Richard Wagner El anillo del nibelungo y en varias otras obras de Strauss, Ígor Stravinski (como aparece en La consagración de la primavera ), Béla Bartók y otros; también tiene un papel notablemente destacado en la Sinfonía n.º 7 en mi mayor de Anton Bruckner . [18] Las cornetas aparecen en el ballet El lago de los cisnes de Piotr Ilich Chaikovski , La mer de Claude Debussy y varias obras orquestales de Hector Berlioz . A menos que estos instrumentos sean tocados por miembros que "doblan" otro instrumento (por ejemplo, un trombonista que cambia a bombardino o un fagotista que cambia a contrafagot para un pasaje determinado), las orquestas normalmente contratan músicos independientes para ampliar su conjunto regular.
La orquesta del siglo XX era mucho más flexible que sus predecesoras. [17] En la época de Beethoven y Felix Mendelssohn , la orquesta estaba compuesta por un núcleo de instrumentos bastante estándar, que rara vez era modificado por los compositores. A medida que avanzaba el tiempo, y a medida que el período romántico vio cambios en la modificación aceptada con compositores como Berlioz y Mahler; algunos compositores utilizaron múltiples arpas y efectos de sonido como la máquina de viento . Durante el siglo XX, la orquesta moderna generalmente estaba estandarizada con la instrumentación moderna que se enumera a continuación. Sin embargo, a mediados y finales del siglo XX, con el desarrollo de la música clásica contemporánea , la instrumentación prácticamente podía ser elegida a mano por el compositor (por ejemplo, para agregar instrumentos eléctricos como la guitarra eléctrica, instrumentos electrónicos como sintetizadores, ondas martenot , [19] o trautonium , [20] así como otros instrumentos no occidentales u otros instrumentos no utilizados tradicionalmente en orquestas, incluidos: el bandoneón , [21] el acordeón de bajo libre , [22] [23] la armónica , [24] [25] el arpa de boca , [26] la mandola [26] y la percusión acuática. [27] [26]
Con esta historia en mente, la orquesta puede analizarse en cinco eras: la era barroca , la era clásica , la era de la música romántica temprana/media , la era romántica tardía y las eras modernas/posmodernas combinadas . La primera es una orquesta barroca (es decir, JS Bach , Handel , Vivaldi ), que generalmente tenía un número menor de intérpretes, y en la que uno o más instrumentos de ejecución de acordes, el grupo de bajo continuo (por ejemplo, clavecín u órgano de tubos y varios instrumentos de bajo para interpretar la línea de bajo ), jugó un papel importante; la segunda es una orquesta típica del período clásico (por ejemplo, Beethoven temprano junto con Mozart y Haydn ), que utilizó un grupo más pequeño de intérpretes que una orquesta de música romántica y una instrumentación bastante estandarizada; la tercera es típica de una era romántica temprana/media (por ejemplo, Schubert , Berlioz , Schumann , Brahms ); La cuarta es una orquesta de finales del romanticismo o principios del siglo XX (por ejemplo, Wagner , Mahler , Stravinsky ), con el complemento común de una orquesta moderna de la era de 2010 (por ejemplo, Adams , Barber , Aaron Copland , Glass , Penderecki ).
Entre los grupos de instrumentos y dentro de cada grupo de instrumentos, existe una jerarquía generalmente aceptada. Cada grupo instrumental (o sección) tiene un director que generalmente es responsable de dirigir el grupo y tocar solos de orquesta. Los violines se dividen en dos grupos, primer violín y segundo violín, con los segundos violines tocando en registros más bajos que los primeros violines, tocando una parte de acompañamiento o armonizando la melodía tocada por los primeros violines. El primer violín principal se llama concertino (o "líder" de orquesta en el Reino Unido) y no solo se considera el líder de la sección de cuerdas, sino el segundo al mando de toda la orquesta, solo detrás del director. El concertino dirige la afinación previa al concierto y maneja los aspectos musicales de la gestión de la orquesta, como determinar los arcos para los violines o toda la sección de cuerdas. El concertino generalmente se sienta a la izquierda del director, más cerca del público. También hay un segundo violín principal, una viola principal, un violonchelo principal y un contrabajo principal.
El trombón principal se considera el líder de la sección de metales graves, mientras que la trompeta principal se considera generalmente el líder de toda la sección de metales. Si bien el oboe a menudo proporciona la nota de afinación para la orquesta (debido a una convención de 300 años de antigüedad), generalmente no hay un director designado de la sección de instrumentos de viento (aunque en los conjuntos de instrumentos de viento, la flauta suele ser el líder presunto). [28] En cambio, cada director se reúne con los demás como iguales en el caso de diferencias de opinión musical. La mayoría de las secciones también tienen un director asistente (o codirector o director asociado), o en el caso de los primeros violines, un concertino asistente, que a menudo toca una parte tutti además de reemplazar al director en su ausencia.
Un músico de cuerda de una sección toca al unísono con el resto de la sección, excepto en el caso de partes divididas ( divisi ), donde las partes superior e inferior de la música a menudo se asignan a los músicos sentados "externos" (más cerca del público) y "internos". Cuando se solicita una parte solista en una sección de cuerdas, el líder de la sección invariablemente toca esa parte. El líder de la sección (o director) de una sección de cuerdas también es responsable de determinar los arcos, a menudo basándose en los arcos establecidos por el concertino. En algunos casos, el director de una sección de cuerdas puede usar un arco ligeramente diferente al del concertino, para adaptarse a los requisitos de tocar su instrumento (por ejemplo, la sección de contrabajos). Los directores de una sección de cuerdas también liderarán las entradas de su sección, generalmente levantando el arco antes de la entrada, para garantizar que la sección toque junta. Los músicos de viento y metal tutti generalmente tocan una parte única pero no solista. Los percusionistas de la sección tocan partes que les asigna el percusionista principal.
En la actualidad, los músicos suelen estar dirigidos por un director, aunque las orquestas primitivas no lo tenían, sino que le daban esta función al concertino o al clavecinista que tocaba el continuo . Algunas orquestas modernas también prescinden de directores , en particular las orquestas más pequeñas y las especializadas en interpretaciones históricamente precisas (las llamadas "de época") de música barroca y anterior.
El repertorio que se interpreta con más frecuencia en una orquesta sinfónica es la música clásica occidental o la ópera. Sin embargo, las orquestas se utilizan a veces en la música popular (por ejemplo, para acompañar a una banda de rock o pop en un concierto), ampliamente en la música de películas y cada vez más a menudo en la música de videojuegos . Las orquestas también se utilizan en el género del metal sinfónico . El término "orquesta" también se puede aplicar a un conjunto de jazz, por ejemplo en la interpretación de música de big band .
En la década de 2000, todos los miembros titulares de una orquesta profesional normalmente hacen una audición para ocupar un puesto en el conjunto. Los intérpretes suelen tocar una o más piezas solistas elegidas por el candidato, como un movimiento de un concierto, un movimiento solista de Bach y una variedad de extractos de la literatura orquestal que se anuncian en el cartel de la audición (para que los candidatos puedan prepararse). Los extractos suelen ser las partes y los solos técnicamente más desafiantes de la literatura orquestal. Las audiciones orquestales suelen celebrarse frente a un panel que incluye al director, el concertino , el músico principal de la sección a la que se postula el candidato y, posiblemente, otros músicos principales.
Los candidatos más prometedores de la primera ronda de audiciones son invitados a volver para una segunda o tercera ronda de audiciones, lo que permite al director y al panel comparar a los mejores candidatos. Se les puede pedir a los intérpretes que lean a primera vista la música orquestal. La etapa final del proceso de audición en algunas orquestas es una semana de prueba , en la que el intérprete toca con la orquesta durante una semana o dos, lo que permite al director y a los músicos principales ver si el individuo puede desenvolverse bien en un entorno de ensayo y actuación real.
Existen diferentes tipos de contratos de trabajo. Los puestos más solicitados son los puestos fijos y con permanencia en la orquesta. Las orquestas también contratan músicos con contratos cuya duración puede ir desde un solo concierto hasta una temporada completa o más. Los músicos contratados pueden ser contratados para conciertos individuales cuando la orquesta está interpretando una obra orquestal excepcionalmente grande de la era del Romanticismo tardío, o para sustituir a un miembro permanente que está enfermo. A un músico profesional que es contratado para actuar en un solo concierto a veces se le llama "suplente". Algunos músicos contratados pueden ser contratados para reemplazar a miembros permanentes durante el período en que el miembro permanente esté de baja por maternidad o por discapacidad .
Históricamente, las principales orquestas profesionales han estado mayoritariamente o totalmente compuestas por hombres. Las primeras mujeres contratadas en orquestas profesionales han sido arpistas . La Filarmónica de Viena , por ejemplo, no aceptó mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que las orquestas comparables (las otras orquestas clasificadas entre las cinco mejores del mundo por Gramophone en 2008). [29] La última gran orquesta en nombrar a una mujer para un puesto permanente fue la Filarmónica de Berlín . [30] En febrero de 1996, el flautista principal de la Filarmónica de Viena, Dieter Flury , dijo a Westdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional ( emotionale Geschlossenheit ) que este organismo tiene actualmente". [31] En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que "compensar las licencias de maternidad esperadas" sería un problema. [32]
En 1997, la Filarmónica de Viena se enfrentó a "protestas durante una gira [en EE. UU.]" por parte de la Organización Nacional de Mujeres y la Alianza Internacional de Mujeres en la Música . Finalmente, "después de ser objeto de burlas cada vez mayores incluso en la conservadora Austria, los miembros de la orquesta se reunieron [el 28 de febrero de 1997] en una reunión extraordinaria en vísperas de su partida y acordaron admitir a una mujer, Anna Lelkes, como arpista". [33] En 2013, la orquesta tenía seis miembros femeninos; una de ellas, la violinista Albena Danailova, se convirtió en una de las concertinas de la orquesta en 2008, la primera mujer en ocupar ese puesto en esa orquesta. [34] En 2012, las mujeres representaban el 6% de los miembros de la orquesta. El presidente de la VPO, Clemens Hellsberg, dijo que la VPO ahora utiliza audiciones a ciegas completamente seleccionadas . [35]
En 2013, un artículo en Mother Jones afirmó que si bien "muchas orquestas prestigiosas tienen una membresía femenina significativa (las mujeres superan en número a los hombres en la sección de violines de la Filarmónica de Nueva York ) y varios conjuntos de renombre, incluida la Orquesta Sinfónica Nacional , la Sinfónica de Detroit y la Sinfónica de Minnesota, están dirigidos por mujeres violinistas", las secciones de contrabajo, metales y percusión de las principales orquestas "... siguen siendo predominantemente masculinas". [36] Un artículo de la BBC de 2014 afirmó que la "... introducción de audiciones 'a ciegas', donde un posible instrumentista actúa detrás de una pantalla para que el panel de jueces no pueda ejercer prejuicios de género o raciales, ha visto cambiar gradualmente el equilibrio de género de las orquestas sinfónicas tradicionalmente dominadas por hombres". [37]
También hay una variedad de orquestas amateurs:
Las orquestas interpretan una amplia gama de repertorio que abarca desde suites de danza del siglo XVII y divertimentos del siglo XVIII hasta bandas sonoras de películas del siglo XX y sinfonías del siglo XXI. Las orquestas se han convertido en sinónimo de sinfonía , una composición musical extensa en la música clásica occidental que normalmente contiene múltiples movimientos que proporcionan tonos y tempos contrastantes. Las sinfonías se escriben en una partitura musical , que contiene todas las partes instrumentales. El director utiliza la partitura para estudiar la sinfonía antes de los ensayos y decidir su interpretación (por ejemplo, tempos, articulación, fraseo, etc.), y para seguir la música durante los ensayos y conciertos, mientras dirige el conjunto. Los músicos de orquesta tocan partes que contienen solo la música escrita para su instrumento. Un pequeño número de sinfonías también contienen partes vocales (por ejemplo, la Novena Sinfonía de Beethoven ).
Las orquestas también interpretan oberturas , un término aplicado originalmente a la introducción instrumental de una ópera. [38] Durante la era romántica temprana, compositores como Beethoven y Mendelssohn comenzaron a usar el término para referirse a obras instrumentales programáticas, independientes y autoexistentes que presagiaban géneros como el poema sinfónico , una forma ideada por Franz Liszt en varias obras que comenzaron como oberturas dramáticas. Estas fueron "indudablemente pensadas al principio para ser tocadas al comienzo de un programa". [38] En la década de 1850, la obertura de concierto comenzó a ser suplantada por el poema sinfónico.
Las orquestas también tocan con solistas instrumentales en conciertos. Durante los conciertos, la orquesta desempeña un papel de acompañamiento del solista (por ejemplo, un violinista o pianista solista) y, a veces, introduce temas musicales o interludios mientras el solista no está tocando. Las orquestas también tocan durante óperas, ballets, algunas obras de teatro musical y algunas obras corales (tanto obras sacras como misas como obras profanas). En óperas y ballets, la orquesta acompaña a los cantantes y bailarines, respectivamente, y toca oberturas e interludios donde las melodías interpretadas por la orquesta toman el centro del escenario.
En la época barroca, las orquestas actuaban en diversos lugares, incluidas las elegantes casas de los aristócratas, en salas de ópera y en iglesias. Algunos aristócratas adinerados tenían una orquesta en su propiedad, para entretenerlos a ellos y a sus invitados con actuaciones. Durante la era clásica, a medida que los compositores buscaban cada vez más el apoyo financiero del público en general, los conciertos de orquesta se celebraban cada vez más en salas de conciertos públicas , donde los amantes de la música podían comprar entradas para escuchar a la orquesta. El mecenazgo aristocrático de las orquestas continuó durante la era clásica, pero esto continuó junto con los conciertos públicos. En los siglos XX y XXI, las orquestas encontraron un nuevo mecenas: los gobiernos. Muchas orquestas de América del Norte y Europa reciben parte de su financiación de los gobiernos a nivel nacional, regional (por ejemplo, los gobiernos estatales en los EE. UU.) o de los gobiernos de las ciudades. Estos subsidios gubernamentales constituyen parte de los ingresos de la orquesta, junto con la venta de entradas, las donaciones caritativas (si la orquesta está registrada como una organización benéfica) y otras actividades de recaudación de fondos. Con la invención de tecnologías sucesivas, incluida la grabación de sonido , la transmisión por radio , la transmisión por televisión y la transmisión y descarga de vídeos de conciertos a través de Internet , las orquestas han podido encontrar nuevas fuentes de ingresos.
Uno de los "grandes temas innombrables de la interpretación orquestal" es la " falsificación ", el proceso por el cual un músico de orquesta da la falsa "... impresión de tocar cada nota como está escrita", típicamente para un pasaje muy desafiante que es muy agudo o muy rápido, mientras que en realidad no toca las notas que están en la parte musical impresa. [39] Un artículo en The Strad afirma que todos los músicos de orquesta, incluso aquellos en las mejores orquestas, ocasionalmente falsifican ciertos pasajes. [39] Una razón por la que los músicos falsifican es porque no hay suficientes ensayos. [39] Otro factor son los desafíos extremos en las piezas contemporáneas del siglo XX y XXI; algunos profesionales dijeron que "falsificar" era "necesario en cualquier cosa desde el diez hasta casi el noventa por ciento de algunas obras modernas". [39] Los músicos profesionales que fueron entrevistados coincidieron en que falsificar puede ser aceptable cuando una parte no está bien escrita para el instrumento, pero falsificar "solo porque no has practicado" la música no es aceptable. [39]
Con la llegada del movimiento de música antigua, se hicieron comunes las orquestas más pequeñas en las que los músicos trabajaban en la ejecución de obras en estilos derivados del estudio de tratados más antiguos sobre interpretación. Entre ellas se encuentran la Orchestra of the Age of Enlightenment , la London Classical Players bajo la dirección de Sir Roger Norrington y la Academy of Ancient Music bajo la dirección de Christopher Hogwood , entre otras. [40]
En Estados Unidos, a finales del siglo XX se produjo una crisis de financiación y apoyo a las orquestas. El tamaño y el coste de una orquesta sinfónica, en comparación con el tamaño de su base de seguidores, se convirtió en un problema que afectó al núcleo de la institución. Pocas orquestas podían llenar auditorios, y el sistema de abonos de temporada, que se había consagrado desde hacía mucho tiempo, se volvió cada vez más anacrónico, ya que cada vez más oyentes compraban entradas de forma ad hoc para eventos individuales. Las dotaciones a las orquestas y, más importante aún para el funcionamiento diario de las orquestas estadounidenses, los donantes de orquestas han visto cómo sus carteras de inversión se reducían o producían rendimientos más bajos, lo que reducía la capacidad de los donantes para contribuir; además, ha habido una tendencia a que los donantes encuentren otras causas sociales más convincentes. Si bien la financiación gubernamental es menos importante para las orquestas estadounidenses que para las europeas, los recortes en dicha financiación siguen siendo significativos para los conjuntos estadounidenses. Por último, la drástica caída de los ingresos procedentes de las grabaciones, relacionada con los cambios en la propia industria discográfica, dio inicio a un período de cambio que aún no ha llegado a su fin. [ cita requerida ]
Entre las orquestas estadounidenses que se han declarado en bancarrota según el Capítulo 11 se encuentran la Orquesta de Filadelfia (abril de 2011) y la Orquesta de Louisville (diciembre de 2010); entre las orquestas que se han declarado en bancarrota según el Capítulo 7 y han cesado sus operaciones se encuentran la Orquesta de Cámara del Noroeste en 2006, la Orquesta de Honolulu en marzo de 2011, la Orquesta Sinfónica de Nuevo México en abril de 2011 y la Sinfónica de Siracusa en junio de 2011. El Festival de Orquestas de Orlando, Florida, cesó sus operaciones a fines de marzo de 2011.
Una fuente de dificultades financieras que recibió atención y críticas fueron los altos salarios de los directores musicales de las orquestas estadounidenses, [41] lo que llevó a varios directores de alto perfil a aceptar recortes salariales en los últimos años. [42] [43] [44] Los administradores musicales como Michael Tilson Thomas y Esa-Pekka Salonen argumentaron que la nueva música, nuevos medios de presentarla y una relación renovada con la comunidad podrían revitalizar la orquesta sinfónica. El crítico estadounidense Greg Sandow ha argumentado en detalle que las orquestas deben revisar su enfoque de la música, la interpretación, la experiencia del concierto, el marketing, las relaciones públicas, la participación comunitaria y la presentación para alinearlas con las expectativas de las audiencias del siglo XXI inmersas en la cultura popular.
No es raro que los compositores contemporáneos utilicen instrumentos no convencionales, incluidos varios sintetizadores, para lograr los efectos deseados. Sin embargo, muchos consideran que una configuración orquestal más convencional ofrece mejores posibilidades de color y profundidad. Compositores como John Adams suelen emplear orquestas de tamaño romántico, como en la ópera de Adams Nixon en China ; Philip Glass y otros pueden ser más libres, pero aún así identifican límites de tamaño. Glass, en particular, ha recurrido recientemente a orquestas convencionales en obras como el Concierto para violonchelo y orquesta y el Concierto para violín n.º 2 .
Junto con la disminución de la financiación, algunas orquestas estadounidenses han reducido su personal en general, así como el número de músicos que aparecen en las interpretaciones. La reducción del número de intérpretes en las interpretaciones suele limitarse a la sección de cuerdas , ya que los números aquí han sido tradicionalmente flexibles (ya que varios músicos suelen tocar la misma parte). [ cita requerida ]
La dirección es el arte de dirigir una interpretación musical, como un concierto orquestal o coral . Las principales funciones del director son marcar el tempo , garantizar la entrada correcta de los distintos miembros del conjunto y "dar forma" al fraseo cuando sea apropiado. [3] Para transmitir sus ideas e interpretación, un director se comunica con sus músicos principalmente a través de gestos con las manos, típicamente (aunque no invariablemente) con la ayuda de una batuta , y puede utilizar otros gestos o señales, como el contacto visual con los intérpretes relevantes. [45] Las instrucciones de un director casi invariablemente se complementarán o reforzarán con instrucciones verbales o sugerencias a sus músicos en el ensayo previo a una interpretación. [45]
El director normalmente se para en un podio elevado con un gran atril para la partitura completa , que contiene la notación musical de todos los instrumentos y voces. Desde mediados del siglo XVIII, la mayoría de los directores no han tocado un instrumento al dirigir, [ cita requerida ] aunque en períodos anteriores de la historia de la música clásica, dirigir un conjunto mientras se toca un instrumento era común. En la música barroca de los años 1600 a 1750, el grupo normalmente estaría dirigido por el clavecinista o el primer violinista (ver concertino ), un enfoque que en los tiempos modernos ha sido revivido por varios directores musicales para la música de este período. La dirección mientras se toca un piano o un sintetizador también puede hacerse con orquestas de foso de teatro musical . La comunicación es típicamente no verbal durante una actuación (este es estrictamente el caso en la música de arte , pero en las grandes bandas de jazz o grandes conjuntos pop, puede haber instrucciones habladas ocasionales, como un "cuenta atrás"). Sin embargo, durante los ensayos , las interrupciones frecuentes permiten al director dar instrucciones verbales sobre cómo debe tocarse o cantarse la música.
Los directores actúan como guías de las orquestas o coros que dirigen. Eligen las obras que se van a interpretar y estudian sus partituras , a las que pueden hacer ciertos ajustes (por ejemplo, en cuanto al tempo, la articulación, el fraseo, las repeticiones de secciones, etc.), elaboran su interpretación y transmiten su visión a los intérpretes. También pueden ocuparse de cuestiones organizativas, como programar ensayos, [46] planificar una temporada de conciertos, escuchar audiciones y seleccionar miembros, y promocionar su conjunto en los medios de comunicación. Las orquestas, coros , bandas de conciertos y otros conjuntos musicales de tamaño considerable, como las big bands, suelen estar dirigidos por directores.
En la era de la música barroca (1600-1750), la mayoría de las orquestas estaban dirigidas por uno de los músicos, normalmente el primer violín principal, llamado concertino . El concertino marcaba el tempo de las piezas levantando el arco de forma rítmica. El liderazgo también podía estar a cargo de uno de los instrumentistas que tocaban acordes y tocaban la parte de bajo continuo , que era el núcleo de la mayoría de las piezas instrumentales barrocas. Normalmente, se trataba de un clavecinista , un organista de tubos o un laudista o un tiorbista . Un teclista podía dirigir el conjunto con la cabeza o quitando una de las manos del teclado para dirigir un cambio de tempo más difícil. Un laudista o un tiorbista podía dirigir levantando el mástil del instrumento hacia arriba y hacia abajo para indicar el tempo de una pieza o para dirigir un ritard durante una cadencia o un final. En algunas obras que combinaban coros y conjuntos instrumentales, a veces se utilizaban dos líderes: un concertino para dirigir a los instrumentistas y un intérprete de acordes para dirigir a los cantantes. Durante el período de la música clásica ( c. 1720-1800 ), la práctica de utilizar instrumentos de acordes para tocar el bajo continuo se fue eliminando gradualmente y desapareció por completo en 1800. En su lugar, los conjuntos comenzaron a utilizar directores para dirigir los tempos y el estilo de interpretación de la orquesta, mientras que el concertino desempeñaba un papel de liderazgo adicional para los músicos, especialmente los intérpretes de cuerda, que imitaban el golpe de arco y el estilo de interpretación del concertino, en la medida en que fuera posible para los diferentes instrumentos de cuerda.
En 1922, la idea de una orquesta sin director revivió en la Unión Soviética posrevolucionaria . La orquesta sinfónica Persimfans se formó sin director, porque los fundadores creían que el conjunto debía modelarse según el estado marxista ideal , en el que todas las personas son iguales. Como tal, sus miembros sentían que no había necesidad de ser dirigidos por la batuta dictatorial de un director; en cambio, eran dirigidos por un comité , que determinaba los tempos y los estilos de interpretación. Aunque fue un éxito parcial dentro de la Unión Soviética, la principal dificultad con el concepto era cambiar el tempo durante las actuaciones, porque incluso si el comité había emitido un decreto sobre dónde debía tener lugar un cambio de tempo, no había un líder en el conjunto para guiar este cambio de tempo. La orquesta sobrevivió durante diez años antes de que la política cultural de Stalin la disolviera quitándole su financiación. [47]
En los países occidentales, algunos conjuntos, como la Orquesta de Cámara Orfeo , con sede en la ciudad de Nueva York, han tenido más éxito con orquestas sin director, aunque es probable que las decisiones se dejen en manos de algún líder dentro del conjunto (por ejemplo, los principales músicos de viento y cuerda, en particular el concertino). Otros han vuelto a la tradición de un músico principal, normalmente un violinista, que es el director artístico y dirige los ensayos y dirige los conciertos. Algunos ejemplos son la Orquesta de Cámara Australiana , la Amsterdam Sinfonietta & Candida Thompson y la New Century Chamber Orchestra . Además, como parte del movimiento de música antigua , algunas orquestas de los siglos XX y XXI han revivido la práctica barroca de no tener director en el podio para las piezas barrocas, utilizando al concertino o a un intérprete de bajo continuo que toque acordes (por ejemplo, clavecín u órgano) para dirigir el grupo.
Algunas obras orquestales especifican que se debe utilizar una trompeta fuera del escenario o que otros instrumentos de la orquesta deben ubicarse fuera del escenario o detrás del escenario, para crear un efecto místico y fantasmal. Para garantizar que los instrumentistas fuera del escenario toquen a tiempo, a veces se colocará un subdirector fuera del escenario con una vista clara del director principal. Algunos ejemplos incluyen el final de " Neptuno " de Los planetas de Gustav Holst . El director principal dirige la gran orquesta y el subdirector transmite el tempo y los gestos del director principal al músico (o músicos) fuera del escenario. Uno de los desafíos de usar dos directores es que el segundo director puede perder la sincronización con el director principal, o puede transmitir mal (o malinterpretar) los gestos del director principal, lo que puede provocar que los instrumentos fuera del escenario estén desincronizados. A finales del siglo XX y principios del XXI, algunas orquestas utilizan una cámara de vídeo apuntando al director principal y un televisor de circuito cerrado frente a los intérpretes fuera del escenario, en lugar de utilizar dos directores.
Las técnicas de poliestilismo y politempo [48] han llevado a algunos compositores de los siglos XX y XXI a escribir música en la que varias orquestas o conjuntos tocan simultáneamente. Estas tendencias han dado lugar al fenómeno de la música policonductor, en la que subdirectores separados dirigen cada grupo de músicos. Por lo general, un director principal dirige a los subdirectores, dando forma así a la interpretación general. En Los guerreros de Percy Grainger , que incluye tres directores: el director principal de la orquesta, un director secundario que dirige un conjunto de metales fuera del escenario y un director terciario que dirige la percusión y el arpa. Un ejemplo en la música orquestal de finales de siglo es Gruppen de Karlheinz Stockhausen , para tres orquestas, que se colocan alrededor del público. De esta manera, las "masas sonoras" podrían ser espacializadas, como en una obra electroacústica . Gruppen se estrenó en Colonia, en 1958, dirigida por Stockhausen, Bruno Maderna y Pierre Boulez . Fue interpretada en 1996 por Simon Rattle , John Carewe y Daniel Harding . [49]
Un tratado sobre el estilo en la ejecución de música clásica.
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