En Japón , la música incluye una amplia gama de géneros distintos, tanto tradicionales como modernos. La palabra para "música" en japonés es 音楽 ( ongaku ), que combina el kanji音on (sonido) con el kanji 楽gaku (música, consuelo). [1] Japón es el mercado más grande del mundo para música en soporte físico [ cita requerida ] y el segundo mercado musical más grande en general , con un valor minorista de US$2.7 mil millones en 2017. [2]
Las formas más antiguas de música tradicional japonesa son:
ambos datan de los períodos Nara (710–794) y Heian (794–1185). [3] La música clásica gagaku se ha interpretado en la corte imperial desde el período Heian . [4] Kagura-uta (神楽歌), Azuma-asobi (東遊) y Yamato-uta (大和歌) son repertorios indígenas . Tōgaku (唐楽) supuestamente se parece al estilo chino de la dinastía Tang (618–907); El komagaku pudo haber venido de la península de Corea . [5] Además, gagaku se subdivide en kangen (管弦) (música instrumental) y bugaku (舞楽) (danza acompañada de gagaku).
Los samuráis escuchaban y realizaban estas actividades musicales como parte de sus prácticas para enriquecer sus vidas y su comprensión. [6]
El biwa (琵琶 - chino: pipa ), un tipo de laúd de mástil corto , era tocado por un grupo de intérpretes itinerantes ( biwa hōshi ). La raíz de la música biwa fue El cuento de Heike . [7] Los biwa hōshi se organizaron en una asociación similar a un gremio. El biwa es el instrumento tradicional de Japón. [ cita requerida ]
Lafcadio Hearn relató en su libro Kwaidan: Stories and Studies of Strange Things (1903) "Mimi-nashi Hoichi" (Hoichi el Sin Orejas), una historia de fantasmas japonesa sobre un biwa hōshi ciego que realiza "El Cuento del Heike". [7]
Las mujeres ciegas, conocidas como goze (瞽女), empezaron a viajar en la época medieval, cantando y tocando música de acompañamiento en un tambor de regazo. [ cita requerida ] A partir del siglo XVII, solían tocar el koto o el shamisen . Las organizaciones de goze surgieron en muchos lugares y existieron hasta el siglo XXI en la prefectura de Niigata . [ cita requerida ]
El wadaiko , un tambor japonés, viene en varios tamaños y se utiliza en una variedad de géneros musicales. Se ha vuelto particularmente popular en los últimos años como el instrumento central de los conjuntos de percusión cuyo repertorio se basa en una variedad de música folclórica y de festivales del pasado. Esta música taiko es interpretada por grandes conjuntos de tambores llamados kumi-daiko . Sus orígenes siguen siendo inciertos, pero se pueden rastrear hasta el siglo VII, cuando una figura de arcilla de un baterista documentó su existencia. Siguieron las influencias chinas , pero el instrumento y su música siguieron siendo exclusivamente japoneses. [8] Los tambores taiko durante este período se usaban durante la batalla para intimidar al enemigo y comunicar órdenes. El taiko continúa utilizándose en la música religiosa del budismo y el sintoísmo . En el pasado, los intérpretes eran hombres santos que tocaban solo en ocasiones especiales y en pequeños grupos, pero con el tiempo los hombres seculares (raramente mujeres) también tocaban el taiko en festivales semirreligiosos como la danza bon .
El taiko de conjunto moderno fue inventado por Daihachi Oguchi en 1951. [9] Oguchi, baterista de jazz , incorporó su experiencia musical en grandes conjuntos de su diseño. Su estilo enérgico hizo que su grupo fuera popular en todo Japón y convirtió a la región de Hokuriku en un centro de música taiko. Los grupos musicales que surgieron de esta ola de popularidad incluyeron Oedo Sukeroku Taiko , fundado por Seido Kobayashi . En 1969, surgió un grupo llamado Za Ondekoza ; Za Ondekoza reunió a jóvenes intérpretes que innovaron un nuevo resurgimiento de las raíces del taiko, que se utilizó como forma de vida en los estilos de vida comunitarios . Durante la década de 1970, el gobierno japonés asignó fondos para preservar la cultura japonesa y se formaron muchos grupos comunitarios de taiko. Más tarde en el siglo, los grupos de taiko se extendieron por todo el mundo, especialmente a los Estados Unidos . El videojuego Taiko no Tatsujin se basa en el taiko.
Las canciones populares japonesas ( min'yō ) se pueden agrupar y clasificar de muchas maneras, pero a menudo es conveniente pensar en cinco categorías principales:
En el min'yō , un laúd de tres cuerdas conocido como shamisen , tambores taiko y una flauta de bambú llamada shakuhachi suelen acompañar a los cantantes. [10] Otros instrumentos que podrían acompañar incluyen una flauta transversal conocida como shinobue , una campana conocida como kane , un tambor de mano llamado tsuzumi y/o una cítara de 13 cuerdas conocida como koto . En Okinawa, el instrumento principal es el sanshin . Estos son instrumentos tradicionales japoneses, pero la instrumentación moderna, como guitarras eléctricas y sintetizadores , también se utiliza en la actualidad, cuando los cantantes de enka interpretan canciones tradicionales del min'yō ( el enka es un género musical japonés en sí mismo). [11]
Un ondo generalmente describe cualquier canción folclórica con un swing distintivo que puede escucharse como un ritmo de 2/4 (aunque los intérpretes generalmente no agrupan los ritmos). La canción folclórica típica que se escucha en los bailes del festival Obon es típicamente un ondo. Un bushi ("melodía" o "ritmo") es una canción con una melodía distintiva. La palabra rara vez se usa sola, pero generalmente está prefijada por un término que hace referencia a la ocupación, la ubicación, el nombre personal o similar. Bon uta son canciones para Obon , el festival de las linternas de los muertos. Komori uta son canciones de cuna . Los nombres de las canciones min'yo a menudo incluyen un término descriptivo, generalmente al final. Por ejemplo: Tokyo Ondo, Kushimoto Bushi, Hokkai Bon Uta e Itsuki no Komoriuta.
Muchas de estas canciones incluyen un énfasis extra en ciertas sílabas, así como gritos agudos ( kakegoe ). Los kakegoe son generalmente gritos de alegría, pero en el min'yō , a menudo se incluyen como parte de los coros. Hay muchos kakegoe , aunque varían de una región a otra. En el min'yō de Okinawa, por ejemplo, aparece el común "ha iya sasa!". Sin embargo, en el Japón continental, son más comunes "a yoisho!", "sate!" o "a sore!". Otros incluyen "a donto koi!" y "dokoisho!".
Recientemente, en algunas formas de min'yō se ha puesto en práctica un sistema gremial conocido como sistema iemoto . Este sistema se desarrolló originalmente para transmitir géneros clásicos como nagauta , shakuhachi o música koto, pero desde entonces resultó rentable para los profesores y contó con el apoyo de los estudiantes que deseaban obtener certificados de competencia. Continúa extendiéndose a géneros como min'yō, tsugaru-jamisen y otras formas de música que tradicionalmente se transmitían de manera más informal. Hoy en día, algunos min'yō se transmiten en este tipo de organizaciones pseudofamiliares y los aprendizajes prolongados son comunes.
En la isla eran populares los umui, las canciones religiosas, los shima uta , las canciones bailables y, especialmente, los kachāshī , música festiva y animada. La música folclórica de Okinawa difiere de la música folclórica del Japón continental en varios aspectos.
La música folclórica de Okinawa suele ir acompañada del sanshin , mientras que en el Japón continental se acompaña con el shamisen . Otros instrumentos de Okinawa son el sanba (que produce un sonido de chasquido similar al de las castañuelas ), el taiko y un silbato de dedo agudo llamado yubi-bue (指笛) .
En las principales islas de Japón, se suele utilizar una escala pentatónica en el min'yō . En esta escala pentatónica se omiten la subdominante y la dominante (grados 4 y 7 de la escala mayor occidental), lo que da como resultado una escala musical sin semitonos entre cada nota (Do, Re, Mi, Sol, La en solfeo , o grados 1, 2, 3, 5 y 6). Sin embargo, el min'yō okinawense utiliza escalas que incluyen los semitonos omitidos en la escala pentatónica antes mencionada, cuando se analiza en la disciplina occidental de la música. De hecho, la escala más común utilizada en el min'yō okinawense incluye los grados 1, 2, 3, 4, 5, 6 y 7.
Después de que la Restauración Meiji introdujera la instrucción musical occidental, Shuji Isawa compiló canciones como " Auld Lang Syne " para su uso en la educación pública. [12] Dos formas principales de música que se desarrollaron durante este período fueron el shōka , que se compuso para llevar la música occidental a las escuelas, y el gunka . [13]
A finales del siglo XIX, cuando Japón se encaminaba hacia la democracia representativa, los dirigentes contrataban a cantantes para vender copias de canciones que transmitían sus mensajes, ya que a los propios dirigentes se les prohibía hablar en público. Surgió una forma de tango distintivamente japonesa llamada "dodompa". El kayōkyoku se asoció con estructuras tradicionales japonesas influenciadas por el enka . Entre los cantantes famosos de enka se incluyen Hibari Misora , Saburo Kitajima , Ikuzo Yoshi y Haruo Minami.
Shuji Isawa (1851-1917) estudió música en la Escuela Normal de Bridgewater y en la Universidad de Harvard y fue una figura importante en el desarrollo de la música japonesa de influencia occidental en la Era Meiji (1868-1912). Al regresar a Japón en 1879, Isawa formó la Ongaku-Torishirabe-Gakari (Agencia de Investigación Musical), un centro nacional de investigación de música occidental; más tarde pasó a llamarse Escuela de Música de Tokio (Tôkyô ongaku gakkô). En 1880, el amigo y maestro estadounidense de Isawa, Luther Whiting Mason , aceptó un nombramiento de dos años. Kosaku Yamada , Yoshinao Nakada y Toru Takemitsu son compositores japoneses que han desarrollado sucesivamente lo que hoy se conoce como música clásica japonesa. [14]
La música clásica occidental estableció una fuerte presencia en Japón, convirtiendo al país en uno de los mercados más importantes para esta tradición musical. [15] Toru Takemitsu compuso música de vanguardia, música clásica contemporánea y bandas sonoras para películas. [16]
Además de las orquestas sinfónicas tradicionales , Japón es destacado a nivel internacional en el campo de las bandas de viento . [17] La Asociación de Bandas de Japón es el organismo rector de las competiciones de bandas de viento en el país.
A partir de la década de 1930 (excepto durante la Segunda Guerra Mundial , cuando fue reprimido por considerarse música del enemigo), [18] [19] el jazz mantuvo una fuerte presencia en Japón. [20] El país es un mercado importante para esta música, y es habitual que allí se consigan grabaciones que no están disponibles en Estados Unidos o Europa. Varios músicos de jazz japoneses, como June (nacida en Japón) y Sadao Watanabe, tienen una gran base de seguidores fuera de su país natal. [ cita requerida ]
El J-pop, abreviatura de pop japonés , es un género musical vagamente definido que entró en la corriente principal musical de Japón en la década de 1990. El J-pop tiene sus raíces en la música pop y rock de la década de 1960 , como los Beatles , cuyas bandas de rock de los años 70 fusionaron el rock con la música japonesa. [21] El J-pop fue definido aún más por bandas de new wave japonesas como Southern All Stars a fines de la década de 1970. [22] Finalmente, el J-pop reemplazó al kayōkyoku ("Música cantada lírica", un término para la música pop japonesa de la década de 1920 a la de 1980) en la escena musical japonesa. [23] El término fue acuñado por los medios japoneses para distinguir la música japonesa de la música extranjera.
Los artistas musicales ídolos japoneses son una parte importante del mercado, con grupos de chicas y bandas de chicos que regularmente encabezan la lista de sencillos . Estos incluyen la banda de chicos Arashi , que tuvo los sencillos más vendidos de 2008 y 2009, y el grupo de chicas AKB48 , que ha tenido los sencillos más vendidos cada año de la década de 2010. [ cita requerida ] Desde finales de la década de 2010, han surgido cada vez más grupos de ídolos . Su éxito a veces se denomina "Idol sengoku jidai" (アイドル戦国時代; lit. Era de la guerra de ídolos). [24] En 2014, alrededor de 486.000 personas asistieron a los conciertos en vivo de Momoiro Clover Z , que fue el récord más alto para músicas femeninas en Japón para este año. [25] Desde la pandemia de Covid-19, muchos grupos de ídolos han visto caer sus ventas. Por ejemplo, las ventas físicas de AKB48 han caído de más de un millón de copias vendidas por sencillo a alrededor de 300.000, mientras que grupos como Nogizaka46 , Sakurazaka46 o Hinatazaka46 han visto una caída menor, con ventas promedio de 500.000 a 700.000 copias para sus sencillos recientes, lo que los convierte en los grupos ídolos japoneses más populares de la década de 2020.
En 1984, el álbum Thriller del músico estadounidense Michael Jackson se convirtió en el primer álbum de un artista occidental en vender más de un millón de copias en la historia de las listas japonesas de Oricon . [26] Su estilo es citado como uno de los modelos de la música de baile japonesa , liderando la popularidad de los músicos y bailarines de Avex Group . [ cita requerida ]
En 1990, Avex Trax comenzó a lanzar la serie Super Eurobeat en Japón. Eurobeat en Japón lideró la popularidad de la forma de baile grupal Para Para . Mientras que los artistas de Avex como Every Little Thing y Ayumi Hamasaki se hicieron populares en la década de 1990, a fines de la década de 1990 surgieron Hikaru Utada y Morning Musume . El álbum debut de Hikaru Utada, First Love , se convirtió en el álbum más vendido en Japón vendiendo más de 7 millones de copias, mientras que Ayumi Hamasaki se convirtió en la artista femenina y solista más vendida de Japón, y Morning Musume sigue siendo uno de los grupos de chicas más conocidos en la industria de la música pop japonesa.
En la década de 1960, muchas bandas de rock japonesas fueron influenciadas por el rock occidental, junto con la música folclórica de los Apalaches , el rock psicodélico , el mod y géneros similares: un fenómeno llamado Group Sounds (GS). John Lennon se convirtió en uno de los músicos occidentales más populares en Japón. [27] A finales de la década de 1960, las bandas de Group Sounds como The Tempters, The Tigers, The Golden Cups, The Spiders, The Jaguars, The Ox, The Village Singers, The Carnabeats, The Wild Ones, The Mops [28] eran populares. [29] Después del auge de Group Sounds vinieron los cantautores de folk. The Tigers fue la banda de Group Sounds más popular de la época. Más tarde, algunos de los miembros de The Tigers, The Tempters y The Spiders formaron el primer supergrupo japonés Pyg .
Kenji Sawada y Kenichi Hagiwara comenzaron su carrera en solitario a principios de la década de 1970 junto con bandas de rock como Power House, Blues Creation y bandas de hard rock de finales de los 70 como Murasaki, Condition Green, Bow Wow. Carol (liderada por Eikichi Yazawa ), RC Succession y Funny Company ayudaron a definir el sonido del rock. A finales de los 70, Creation y Char interpretaron rock al estilo de Jeff Beck . A partir de finales de los sesenta, pero sobre todo en los setenta, los músicos mezclaron el rock con elementos de folk y pop de estilo americano, generalmente etiquetados como folk rock debido a su uso regular de la guitarra acústica . Esto incluye bandas como Tulip, Banban y Garo . Los artistas de rock incluyen a los primeros Southern All Stars .
Los músicos japoneses comenzaron a experimentar con el rock electrónico en la década de 1970. El más notable fue Isao Tomita , cuyo álbum de 1972 Electric Samurai: Switched on Rock presentó interpretaciones de sintetizadores electrónicos de canciones de rock contemporáneo y pop . [30] Otros ejemplos tempranos de discos de rock electrónico incluyen el álbum de folk rock y pop rock de Inoue Yousui Ice World (1973) y el álbum de rock psicodélico progresivo de Osamu Kitajima Benzaiten (1974), ambos con contribuciones de Haruomi Hosono, [31] [32] quien más tarde comenzó el grupo de música electrónica "Yellow Magic Band" (más tarde conocido como Yellow Magic Orchestra ) en 1977. [33]
En la década de 1980, Yutaka Ozaki era popular entre los jóvenes fanáticos del rock. Grupos de pop rock como CCB, Tokyo JAP y Red Warriors obtuvieron canciones exitosas. Boøwy inspiró bandas de rock alternativo como Shonen Knife , Pillows y Tama & Little Creatures, así como bandas más experimentales como Boredoms y bandas mainstream como Glay . En 1980, Huruoma y Ry Cooder , un músico estadounidense, colaboraron en un álbum de rock con Shoukichi Kina , fuerza impulsora detrás de la banda okinawense antes mencionada Champloose. Les siguieron Sandii & the Sunsetz , quienes mezclaron aún más influencias japonesas y okinawenses. También durante la década de 1980, las bandas de metal y rock japonesas dieron origen al movimiento conocido como visual kei , representado durante su historia por bandas como X Japan , Buck-Tick , Luna Sea , Malice Mizer y muchas otras, algunas de las cuales experimentaron éxito nacional e internacional en los últimos años.
En la década de 1990, músicos de rock japoneses como B'z , Mr. Children , L'Arc-en-Ciel , Glay , Southern All Stars , Judy and Mary , Tube , Spitz , Wands , T-Bolan , Field of View , Deen , Lindberg , Sharam Q , the Yellow Monkey , the Brilliant Green y Dragon Ash lograron un gran éxito comercial. [ cita requerida ] B'z es el acto número uno en ventas en la música japonesa desde que Oricon comenzó a contar, [ cita requerida ] seguido por Mr. Children. [ cita requerida ] En la década de 1990, las canciones pop se usaron a menudo en películas , anime , anuncios de televisión y programación dramática , convirtiéndose en algunos de los más vendidos de Japón. [ cita requerida ] El auge del pop desechable se ha relacionado con la popularidad del karaoke , lo que ha llevado a críticas de que es consumista : Kazufumi Miyazawa de Boom dijo: "Odio esa mentalidad de comprar, escuchar, tirar y cantar en un bar de karaoke". De las bandas visual kei, Luna Sea , cuyos miembros suavizaron su atuendo en el escenario con un éxito continuo, tuvo mucho éxito, mientras que Malice Mizer , La'cryma Christi , Shazna , Janne Da Arc y Fanatic Crisis también lograron un éxito comercial a fines de la década de 1990. [ cita requerida ]
La banda de rock Supercar , que se caracterizó por tener "una importancia casi fundacional para el indie rock japonés del siglo XXI", [34] lanzó su influyente primer álbum en 1998. [35] Se mantuvieron activos hasta 2005, y sus álbumes posteriores contenían más rock electrónico. [35]
El primer Fuji Rock Festival abrió en 1997. El Rising Sun Rock Festival abrió en 1999. El Summer Sonic Festival y el Rock in Japan Festival abrieron en 2000. Aunque la escena del rock en la década de 2000 no era tan fuerte, bandas como Bump of Chicken , Asian Kung–Fu Generation , One Ok Rock , Flow , Orange Range , Radwimps , Sambomaster , Remioromen , Uverworld y Aqua Timez lograron el éxito. Orange Range también se aventuró en el hip hop . Bandas establecidas como B'z, Mr. Children, Glay y L'Arc-en-Ciel continuaron en lo más alto de las listas, aunque B'z y Mr. Children son las únicas bandas que mantuvieron altas ventas a través de los años.
El rock japonés tiene una vibrante escena underground, [ cita requerida ] más conocida internacionalmente por bandas de noise rock como Boredoms y Melt Banana , así como bandas de stoner rock como Boris , bandas de rock psicodélico como Acid Mothers Temple y actos alternativos como Shonen Knife (que fueron defendidos en Occidente por Kurt Cobain ), Pizzicato Five y los Pillows (que ganaron atención internacional en 1999 por la banda sonora de FLCL ). Artistas de indie rock más convencionales como Eastern Youth , Band Apart y Number Girl encontraron cierto éxito en Japón [ cita requerida ] , pero poco reconocimiento fuera de su país de origen. Otros actos notables de indie rock de gira internacional son Mono y Nisennenmondai .
Los primeros ejemplos de punk rock incluyen SS , Star Club , Stalin , INU , Gaseneta , Bomb Factory , Lizard (que fueron producidos por los Stranglers ) y Friction (cuyo guitarrista Reck tocó con Teenage Jesus and the Jerks antes de regresar a Tokio) y los Blue Hearts . La escena punk temprana fue filmada por Sogo Ishii , quien dirigió la película de 1982 Burst City con un elenco de bandas/músicos punk y también filmó videos para The Stalin. En la década de 1980, comenzaron a aparecer bandas de hardcore como GISM , Gauze , Confuse, Lip Cream y Systematic Death, algunas incorporando elementos crossover . [ cita requerida ] La escena independiente también incluyó un número diverso de artistas alternativos/post-punk/new wave como Aburadako , P-Model , Uchoten , Auto-Mod, Buck-Tick , Guernica y Yapoos (ambos con Jun Togawa ), G-Schmitt, Totsuzen Danball y Jagatara , junto con bandas noise/industriales como Hijokaidan y Hanatarashi .
Las bandas de ska-punk de finales de los noventa que se extendieron hasta los años 2000 incluyen Shakalabbits y 175R (pronunciado "inago rider").
Japón es un mercado exitoso para las bandas de metal . Algunos ejemplos notables son Unleashed in the East de Judas Priest , Made in Japan de Deep Purple , Maiden Japan de Iron Maiden , One Night at Budokan de Michael Schenker Group y Live at Budokan de Dream Theater .
El metal japonés surgió a finales de la década de 1970, con pioneros como bandas como Bow Wow , formada en 1975 por el guitarrista Kyoji Yamamoto , y Loudness , formada en 1981 por el guitarrista Akira Takasaki . Bandas contemporáneas como Earthshaker , Anthem y 44 Magnum lanzaron sus álbumes debut recién a mediados de los años ochenta. Las primeras presentaciones en vivo en el extranjero fueron las de Bow Wow en 1978 en Hong Kong , el Festival de Jazz de Montreux y el Festival de Reading en Inglaterra en 1982. [36] En 1983, Loudness realizó una gira por Estados Unidos y Europa. En 1985, el primer grupo de metal japonés firmó con un importante sello estadounidense. Sus álbumes Thunder in the East y Lightning Strikes , lanzados en 1985 y 1986, alcanzaron el puesto número 74 (mientras que el número 4 en la lista Oricon de su país natal ) y el número 64 en las listas Billboard 200 respectivamente. [37] [38] Hasta finales de los años ochenta, solo otras dos bandas, Ezo y Dead End , lanzaron álbumes en los Estados Unidos. En los años ochenta, pocas bandas tenían un miembro femenino, como la banda exclusivamente femenina Show-Ya liderada por Keiko Terada y Terra Rosa con Kazue Akao en la voz. En septiembre de 1989, se lanzó el álbum Outerlimits de Show-Ya , que alcanzó el puesto número 3 en la lista de álbumes de Oricon. [39] Las bandas de heavy metal alcanzaron su apogeo a fines de la década de 1980 y luego muchas se disolvieron hasta mediados de la década de 1990.
En 1982, se formaron algunas de las primeras bandas japonesas de glam metal , como Seikima-II con maquillaje inspirado en Kabuki , y X Japan, que fue pionera en el movimiento japonés conocido como visual kei , y se convirtió en la banda de metal más vendida. [40] En 1985, se lanzó el álbum de Seikima-II Seikima-II - Akuma ga Kitarite Heavy Metal y, aunque alcanzó el puesto número 48 en la lista de álbumes de Oricon, superó las 100 000 en ventas, la primera vez para una banda de metal japonesa. Sus álbumes figuraron regularmente en el top ten hasta mediados de la década de 1990. En abril de 1989, se lanzó el segundo álbum de X Japan, Blue Blood , y llegó al número 6, y después de 108 semanas en las listas vendió 712 000 copias. [41] Su tercer y más vendido álbum Jealousy fue lanzado en julio de 1991; Encabezó las listas y vendió 1,11 millones de copias. [41] Dos álbumes de estudio número uno, Art of Life y Dahlia , una compilación de sencillos X Singles , vendieron más de medio millón, [42] terminando con trece sencillos entre los cinco primeros antes de disolverse en 1997. [43]
El metal japonés llegó a la atención mundial en 2014 con el éxito de la banda de " metal kawaii " Babymetal . Grabaron éxitos virales en YouTube como " Gimme Chocolate!! ", así como actuaciones internacionales, incluyendo en el Sonisphere Festival 2014 del Reino Unido y el Heavy Montréal de Canadá junto a artistas como Metallica y Slayer . Babymetal fue el acto de apertura de cinco de los conciertos de Lady Gaga en su gira ArtRave: The Artpop Ball 2014. [44] [45] Babymetal ganó numerosos premios, incluyendo el premio The Spirit of Independence de Kerrang! y el premio a la banda revelación de Metal Hammer . [46]
Las bandas japonesas de metal extremo se formaron a raíz de la ola estadounidense y europea, pero no obtuvieron mayor exposición hasta la década de 1990, y el género tomó forma underground en Japón. [ cita requerida ] Las primeras bandas de thrash metal se formaron a principios de la década de 1980, como United , cuya música incorpora elementos de death metal , y Outrage . United actuó en Los Ángeles en el festival de metal "Foundations Forum" en septiembre de 1995 y lanzó algunos álbumes en América del Norte. Formado a mediados de la década de 1980, Doom tocó en los Estados Unidos en octubre de 1988 en CBGB , y estuvo activo hasta 2000 cuando se disolvió.
Las primeras bandas en tocar música black metal fueron Sabbat , que todavía está activa, y Bellzlleb , que estuvo activa hasta principios de la década de 1990. Otros actos notables son Sigh , Abigail y Gallhammer .
El doom metal también ganó audiencia en Japón. Los dos grupos de doom metal japoneses más conocidos son Church of Misery y Boris : ambos ganaron considerable popularidad fuera del país.
En la década de 2000, se formaron bandas de metalcore japonesas como Crystal Lake de Tokio , Coldrain y Deathgaze de Nagoya, Fear y Loathing in Las Vegas de Kobe y Crossfaith de Osaka .
El hip-hop surgió a finales de los años 1980 y sigue prosperando, principalmente debido a la creencia en el mundo de la música de que "las frases japonesas no eran capaces de formar el efecto de rima que contenían las canciones de los raperos estadounidenses". [47]
En un genba o club nocturno se presentan en escena distintas "familias" de raperos . Una familia es esencialmente una colección de grupos de rap que suelen estar encabezados por uno de los grupos más famosos de Tokio, que también incluyen protegidos. [48] Son importantes porque son "la clave para entender las diferencias estilísticas entre los grupos". [48] Los fans del hip-hop que se encuentran entre el público tienen el control del club. Son ellos quienes juzgan quién es el ganador en los concursos de rap que se realizan en el escenario. Un ejemplo de esto se puede ver en la batalla entre los artistas de rap Dabo (un artista de una importante discográfica) y Kan (un artista independiente). Kan desafió a Dabo mientras Dabo estaba en medio de una actuación. El evento puso de relieve "la apertura de la escena y la fluidez de los límites en los clubes". [49]
El grime es un género electrónico británico [50] [51] que surgió a principios de la década de 2000 derivado del garage y el jungle del Reino Unido , [52] y se inspira en el dancehall , el ragga y el hip hop . [53] El estilo se caracteriza por breakbeats rápidos y sincopados , generalmente alrededor de 140 bpm , [52] [54] y a menudo presenta un sonido electrónico agresivo o irregular. [55] El rap es un elemento significativo y las letras a menudo giran en torno a representaciones crudas de la vida urbana. [56]
En 2004, los DJ japoneses comenzaron a tocar grime. [57] En 2008 , comenzaron a surgir MC, principalmente de Osaka . Los MC se inspiraron en el grupo de grime británico Roll Deep y su mixtape Rules And Regulations. Los MC de Osaka estaban formados por los pioneros MC Dekishi, MC Duff y MC Tacquilacci. [58] [59] MC Dekishi lanzó el primer mixtape de grime japonés en 2009, titulado "Grime City Volume 1". [57] Los MC de Osaka son conocidos por rapear extremadamente rápido. [60] Otra escena surgió en la región de Shibuya de Tokio liderada por Carpainter, Double Clapperz, MC ONJUICY, PAKIN y Sakana Lavenda. [58]
El synth-pop en Japón fue influenciado por artistas alemanes de electrónica y techno como Kraftwerk . Las bandas de new wave y synth-pop como Hikasyuu, P-Model y The Plastics fueron populares. Muchos músicos de los años 70 y 80 que eran conocidos por la música pop recurrieron a la producción techno como CCB y Akiko Yano . En los años 90, se formó Denki Groove y se convirtió en uno de los pilares de la escena electrónica japonesa . Artistas como Polysics rinden homenaje explícito a esta era. Yasutaka Nakata de Capsule ha estado involucrado detrás de escena de los populares actos de electropop Perfume y Kyary Pamyu Pamyu , ambos de éxito nacional e internacional; Kyary en particular fue apodado el "Embajador de Kawaii Harajuku".
Kawaii Future Bass es un subgénero de Future Bass , con un sonido generalmente alegre y muy inspirado en la cultura japonesa, y a menudo incluye letras japonesas o referencias al anime o manga. Comenzó a tener éxito alrededor de 2015, principalmente impulsado por Snail's House . Debido a la creciente influencia de Japón en países extranjeros, Kawaii Future Bass se hizo popular en todo el mundo.
A finales de los años 1980, bandas de raíces como Shang Shang Typhoon y The Boom se hicieron populares. Las bandas de raíces de Okinawa como Nenes y Kina también tuvieron éxito comercial y crítico. Esto condujo a una segunda ola de música de Okinawa, liderada por el éxito repentino de Rinken Band . Siguieron bandas, incluidos los regresos de Champluse y Kina, liderados por Kawachiya Kikusuimaru; muy similar a Kawachi Ondo es Goshu Ondo de Tadamaru Sakuragawa .
El J-country es una forma de J-pop que se originó en la década de 1960, durante la popularidad internacional de los westerns . [61] Grandes empresas como Nintendo y Sony continúan produciendo música country y western en Japón. [62] [63]
Se asimiló música de Indonesia , Jamaica y otros lugares. El soukous africano y la música latina, como la Orquesta de la Luz (オルケスタ・デ・ラ・ルス) , eran populares, al igual que el reggae y el ska jamaicanos , ejemplificados por Mice Teeth, Mute Beat , La-ppisch, Home Grown y Ska Flames, Determinations, y la Orquesta Tokyo Ska Paradise .
Otra forma musical reconocida de Japón es la música noise , también conocida como Japanoise cuando se hace referencia a la música noise hecha por artistas japoneses. Algunos de los representantes más destacados de esta forma incluyen Merzbow , Masonna , Hanatarash y The Gerogerigegege . Como corresponde a la naturaleza desafiante de la música, algunos intérpretes de música noise se han vuelto famosos por sus payasadas extremas en el escenario que incluyen (pero no se limitan a) lesionarse físicamente, destruir su equipo musical o dañar el lugar en el que están tocando.
La música temática para películas, anime , tokusatsu (tokuson (特ソン) ) y dorama se considera un género musical separado. Si bien músicos y bandas de todos los géneros han grabado para la televisión y el cine japoneses, varios artistas y grupos han pasado la mayor parte de sus carreras interpretando canciones temáticas y componiendo bandas sonoras para medios visuales. Dichos artistas incluyen a Masato Shimon (actual poseedor del récord mundial al sencillo más exitoso en Japón por " Oyoge! Taiyaki-kun "), [64] Ichirou Mizuki , todos los miembros de JAM Project (es decir, Hironobu Kageyama , quien cantó las aperturas de Dengeki Sentai Changeman y Dragon Ball Z ), Akira Kushida , miembros de Project.R , Isao Sasaki y Mitsuko Horie . Entre los compositores notables de temas musicales japoneses se incluyen Joe Hisaishi , Michiru Oshima , Yoko Kanno , Toshihiko Sahashi , Yuki Kajiura , Kōtarō Nakagawa , Shunsuke Kikuchi y Yuki Hayashi .
Cuando se vendieron los primeros juegos electrónicos , estos contaban con chips de sonido rudimentarios con los que producir música. A medida que la tecnología avanzaba, la calidad aumentaba drásticamente. El primer juego en atribuirse el mérito de su música fue Xevious , también destacable (en aquella época) por sus historias profundamente construidas. Uno de los juegos más importantes en la historia de la música de los videojuegos es Dragon Quest . Koichi Sugiyama , que compuso para varios animes y programas de televisión, incluidos Cyborg 009 y un largometraje de Godzilla vs. Biollante , se involucró en el proyecto por curiosidad y demostró que los juegos pueden tener bandas sonoras serias. Hasta su participación, la música y los sonidos a menudo se descuidaban en el desarrollo de los videojuegos y los programadores con pocos conocimientos musicales se veían obligados a escribir también las bandas sonoras. Sin dejarse intimidar por los límites tecnológicos, Sugiyama trabajó solo con polifonía de 8 partes para crear una banda sonora que no cansara al jugador a pesar de las horas de juego.
Un conocido autor de música para videojuegos es Nobuo Uematsu . Las composiciones anteriores de Uematsu para la serie de juegos, Final Fantasy , en Famicom (Nintendo Entertainment System en Estados Unidos), fueron arregladas para una banda sonora orquestal completa. En 2003, tomó sus melodías basadas en el rock de su formato MIDI original y creó Black Mages . Yasunori Mitsuda es el compositor de música para juegos como Xenogears , Xenosaga Episode I , Chrono Cross y Chrono Trigger . Koji Kondo , el gerente de sonido de Nintendo , escribió temas para Zelda y Mario . Jun Senoue compuso para Sonic the Hedgehog . También es el guitarrista principal de Crush 40 , que es conocido por crear los temas musicales de Sonic Adventure , Sonic Adventure 2 , Sonic Heroes , Shadow the Hedgehog y Sonic and the Black Knight , así como otros juegos de Sonic . Motoi Sakuraba compuso los juegos Tales , Dark Souls , Eternal Sonata , Star Ocean , Valkyrie Profile , Golden Sun y Baten Kaitos , así como numerosos juegos de deportes de Mario . Yuzo Koshiro compuso bandas sonoras con influencias de música electrónica para juegos como Revenge of Shinobi y la serie Streets of Rage .
Cantantes pop como Hikaru Utada , Nana Mizuki y BoA a veces cantan para los juegos.
'Gagaku' se compone de tres cuerpos de piezas musicales: 'togaku', que se dice que es del estilo de la dinastía china Tang (618-907); 'komagaku', que se dice que fue transmitido desde la península de Corea; y música de composición nativa asociada con rituales de la religión sintoísta.
[...] era común que los samuráis disfrutaran de la caligrafía, la ceremonia del té, la poesía y la música, y estudiaran.
Casi al mismo tiempo que las transmisiones de FEN, el jazz experimentó un resurgimiento en popularidad en Japón. Se hizo popular por primera vez aquí a fines de la década de 1920 y durante la de 1930, pero fue prohibido durante la Segunda Guerra Mundial, junto con otra música no alemana de Occidente.
El jazz estadounidense fue prohibido durante la guerra, pero después Japón se lanzó al jazz con entusiasmo.