La escultura gótica fue un estilo escultórico que floreció en Europa durante la Edad Media , desde aproximadamente mediados del siglo XII hasta el siglo XVI, [Nota 1] evolucionando a partir de la escultura románica y disolviéndose en la escultura renacentista y el manierismo . [1] [2]
Cuando en el Renacimiento se empezaron a apreciar nuevamente los valores clásicos , la escultura de los siglos anteriores fue vista como informe y tosca y se le dio el nombre de gótica, ya que se creía que provenía de la cultura de los godos , pueblo considerado bárbaro y supuestamente responsable de la desaparición del Imperio Romano . [1] [2]
Pero los pueblos del periodo gótico nunca se dieron ese nombre ni se consideraron bárbaros. Al contrario, en su surgimiento el arte gótico fue visto como innovador y se le denominó opus modernum ("obra moderna"), siendo la escultura una de sus expresiones más importantes y sofisticadas. Sin embargo, la apreciación negativa perduró hasta mediados del siglo XIX cuando apareció un movimiento revivalista , llamado neogótico , que recuperó sus valores. En realidad, se sabe que el arte gótico no tiene nada que ver con los godos, pero la denominación permaneció, consagrada por el uso. [1] [2]
La escultura gótica nació muy ligada a la arquitectura —a raíz de la decoración de las grandes catedrales y otros edificios religiosos—, pero con el tiempo fue ganando independencia y empezó a ser trabajada como arte autónomo. Se inició en París , Francia , y tuvo su primera expresión importante en la reforma de la Basílica de Saint-Denis entre 1137 y 1144. Su primera fase desarrolló un estilo austero, esbelto, de proporciones alargadas y aspecto general hierático, queriendo transmitir una impresión de espiritualidad, bastante alejada de la anatomía real de un cuerpo. [3] [1]
A partir del siglo XIII, el estilo comenzó a evolucionar hacia un mayor naturalismo y realismo, con la absorción progresiva de influencias clásicas y una mayor observación de la naturaleza. Los cambios en la doctrina religiosa, que llevaron a un acercamiento de Dios hacia el hombre y a una suavización de su carácter hasta entonces inaccesible e inflexible, también contribuyeron a influir en la evolución de las formas y temas preferidos. Para el siglo XIV, el estilo gótico se había extendido mucho más allá de las fronteras de Francia, se formaron importantes escuelas regionales y para el siglo XV dominó la mayor parte de Europa, para luego comenzar un declive que siguió diferentes patrones en diferentes regiones. La escultura gótica en sus últimas etapas continuó siendo ampliamente utilizada en la decoración arquitectónica, pero para esta época, los escultores ya habían experimentado con los materiales más diversos y explorado los usos más variados para relieves y estatuas, formando una colección de extraordinaria riqueza y variedad. [3] [1]
La historia de la escultura gótica aún presenta muchas incertidumbres y zonas grises, y su estudio dista mucho de estar completo. En diversos momentos de la historia, hubo destrucción masiva de monumentos y obras de arte medievales (por ejemplo, en la cuestión iconoclasta a lo largo de la Reforma y durante la Revolución Francesa ) y, por lo tanto, la determinación de la cronología, la genealogía y la distribución geográfica del estilo presenta muchas lagunas imposibles de llenar. A esto se suma el hecho de que cuando finalmente se reevaluara el estilo gótico en la segunda mitad del siglo XIX, se realizaron muchas restauraciones inadecuadas en los monumentos supervivientes por falta de un conocimiento más profundo. Incluso frente a tantas dificultades, el legado de la escultura gótica sigue siendo vasto y sigue vivo en edificios, colecciones, museos, libros de texto de amplia circulación y otras formas. [4]
El estilo gótico fue en gran medida el resultado de la definición de un nuevo vocabulario visual para la representación de imágenes, acompañando al debate que se estaba dando sobre ciertos conceptos de la religión cristiana. Uno de los puntos más importantes de este debate era sobre la validez de la representación de imágenes sagradas, un problema que se remontaba al origen mismo del cristianismo y que aún no estaba suficientemente esclarecido. El cristianismo primitivo albergaba una aversión a la representación de imágenes sagradas, una reserva que había sido heredada del judaísmo , que prohibía la creación de imágenes para el culto, por temor a la idolatría . [5] [6] Un mandato explícito contra la representación de imágenes sagradas fue emitido en los Diez Mandamientos , donde el tercero establece:
"No te harás imagen alguna."
Por otra parte, la antigua tradición pagana clásica , que proporcionó elementos esenciales para la formulación de la nueva fe, era plenamente partidaria de la representación de los dioses, y ambas corrientes se mantuvieron en constante fricción a lo largo de la Edad Media. [5] [6]
Una de las primeras declaraciones cristianas consistentes a favor de la representación de imágenes sagradas vino del papa Gregorio I , quien en cartas al obispo de Marsella escritas alrededor del año 600 sentó las bases de la controversia que siguió. En ellas, el papa decía que las imágenes, como otras cosas materiales, no debían ser adoradas, pero tampoco destruidas porque la representación de escenas de la historia sagrada y de personajes bíblicos eran útiles para la enseñanza de la doctrina a las masas analfabetas, que « podían leer en ellas lo que no podían leer en los libros », y su contemplación podía llevar a los devotos a la contemplación de Dios . [5] [6]
Gregorio I había recurrido para ello a la opinión de Basilio el Grande , quien había afirmado siglos antes que « el honor dado a la imagen asciende a su prototipo ». La afirmación gregoriana, viniendo de un papa considerado sabio —elevado posteriormente al rango de Doctor de la Iglesia , como Basilio—, junto con la aportación de Juan Damasceno , fueron argumentos poderosos en la cuestión iconoclasta que agitó a los cristianos desde el principio y que hizo estragos con fuerza en el Imperio bizantino . [5] [6]
Aunque la cuestión se zanjó oficialmente en el año 787 en el Segundo Concilio de Nicea , que legalizó la veneración de imágenes, el debate continuó y durante los siglos siguientes varios otros prelados escribieron textos defendiendo el arte sacro , y tanto los textos de la iglesia primitiva como los de los filósofos antiguos continuaron siendo citados como autoridades. [5] [6]
Especialmente vinculados al auge del gótico estuvieron los textos de Pseudo-Dionisio el Areopagita , autor que había bebido de la fuente platónica a través de Plotino y que fue tenido en gran estima en Francia a partir de los siglos IX-X, siendo una influencia para Suger , el creador de la primera iglesia gótica que se erigió. Para entonces, el problema iconoclasta había sido finalmente superado por una serie de otras aportaciones teóricas, y el arte sacro se había consolidado definitivamente, aunque todavía se oían aquí y allá protestas, y se había convertido no sólo en biblia pauperum ("libros para incultos"), sino que también se ofrecían como versiones autorizadas, supervisadas por la jerarquía eclesiástica constituida, para la rectificación de las tradiciones orales que tergiversaban o embellecían indebidamente la historia sagrada. [6] [5]
La prueba de este éxito está en la gran proliferación de representaciones sacras que tuvo lugar durante la fase final del románico , entre los siglos XI y XII, estableciéndose un cuerpo de motivos temáticos y formas adecuadas para transmitir la doctrina religiosa. [7]
En cuanto a la escultura, la principal iconografía románica quedó en la decoración de los tímpanos de las entradas principales de iglesias y catedrales, concebidos como una introducción visual y una preparación espiritual para el culto que debía tener lugar en su interior, lo que coincide con la aparición de los primeros ejemplos góticos en el siglo XII. [7]
De hecho, los programas iconográficos románicos ejercieron una gran influencia sobre el gótico, siendo este último una evolución natural del primero. Así, la distinción estilística entre la escultura románica y la del gótico temprano se hace a menudo sutil. Las innovaciones más evidentes del gótico temprano fueron la aplicación de esculturas a las arquivoltas y columnas laterales de los portales y una tendencia creciente hacia una organización menos compacta, más abierta y racional de las escenas, y un alargamiento de las proporciones de las figuras, que acompañaba al mayor verticalismo de los edificios. [8]
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En términos generales, la distribución de las imágenes, derivadas del patrimonio románico consolidado, se produjo según el siguiente esquema: [9]
Lejos de ser elecciones arbitrarias, las imágenes de la iconografía de la fachada gótica fueron cuidadosamente seleccionadas para formar un programa didáctico coherente para el observador, ilustrando la evolución de la fe desde su fundación por los patriarcas hebreos hasta el advenimiento de Cristo encarnado con su doctrina de redención, y presentando finalmente su corolario teleológico en la condena apocalíptica de los malvados y la apoteosis de los buenos en el Reino de Dios . [9]
Al mismo tiempo, también comenzó a cambiar el tratamiento de los motivos presentes en la tradición iconográfica románica. Hasta entonces, la escena más habitual en los portales de las iglesias era la del Juicio Final , con énfasis en los tormentos que aguardaban a los infieles en el Infierno . [10] [2]
Desde mediados del siglo XI, París se había convertido en el mayor centro teológico y cultural de Europa, con la presencia de grandes filósofos y pedagogos como Pedro Abelardo y Hugo de San Víctor , y la acción de varias escuelas, que se fusionarían para formar hacia 1170 la Universidad de París . En este ambiente académico más liberal, relativamente independiente de la Iglesia, ganó terreno una filosofía humanista, y se estructuró la doctrina del Purgatorio , que ofrecía una vía de escape del Infierno a través de una etapa purificadora previa a la ascensión al Cielo . [10] [2]
Al mismo tiempo, María, madre de Jesús, así como otros santos, comenzaron a ser considerados los grandes defensores de la humanidad ante la justicia de Cristo. En este proceso, la antigua tendencia de la fe cristiana a corregir al pecador mediante el miedo y la amenaza de la condenación eterna fue atenuada por visiones que enfatizaban la misericordia más que la ira divina y que tenían más en cuenta la falibilidad inherente de la naturaleza humana. [10] [2]
Así, las escenas del Juicio Final siguieron siendo un motivo frecuente, pero ahora se concibieron para enfatizar el orden, la esperanza y la justicia, mostrando los caminos de salvación a través del arrepentimiento y la intercesión compasiva de los santos. La verticalidad muy pronunciada de las catedrales góticas y su abundancia de grandes ventanales que permitían una gran penetración de la luz en el interior, en contraste con las formas "cuadradas" mucho más pesadas y los entornos oscuros de la arquitectura románica, se han interpretado como un rasgo formal que reflejaba este nuevo impulso espiritual optimista. [10] [2]
El gótico temprano siguió siendo un fenómeno esencialmente francés, concentrado en la región de París , y el primer monumento importante que incluyó esculturas fue la basílica de Saint-Denis , cuyo abad , Suger, hizo remodelar un edificio románico preexistente entre los años 1137 y 1144 y lo adornó con grandes riquezas. La especial importancia de Saint-Denis residía en que allí se había consagrado Carlomagno , y era la tumba de Carlos Martel , Carlos el Calvo y otros fundadores del reino. Por tanto, era un monumento conmemorativo a la dinastía carolingia que al mismo tiempo se convirtió en un símbolo de la consolidación de la monarquía francesa —un proceso en el que Suger jugó un papel destacado en su calidad de consejero del rey y regente de Francia durante la Segunda Cruzada . [11] [12]
Además, la basílica era el relicario monumental de San Dionisio de París , mártir y apóstol de Francia, patrón de París y protector del reino, y Suger quería convertirla en el centro más importante de peregrinación francesa. Se le confirió así un significado espiritual y político. [11] [12]
Para Suger, que había sido influenciado por los escritos de Pseudo-Dionisio, la ornamentación de la iglesia con objetos de oro y piedras preciosas, vidrieras, pinturas y esculturas era una valiosa herramienta educativa, siendo una manera de presentar visualmente la doctrina al pueblo y hacerla más fácilmente comprensible. La clara organización de la escena del tímpano difería de las disposiciones compactas de los conjuntos románicos, y sus estatuas columnares también fueron una innovación. [11] [12]
Las novedades propuestas por Suger para la arquitectura y la decoración de las fachadas, apoyadas en el gran prestigio de París como centro cultural, artístico y universitario, comenzaron inmediatamente a irradiarse, apareciendo a continuación en la catedral de Chartres , iniciada en 1145, cuyo portal oeste constituye el conjunto escultórico en buen estado más importante de la primera fase del gótico. Sus esculturas columnares tienen un diseño muy alargado y funcionan como un eco al énfasis vertical del edificio, y sus formas evidencian todavía la herencia románica en el tratamiento lineal de los trajes y en sus actitudes rígidas. Los rostros, sin embargo, muestran un tratamiento muy naturalista que contrasta con la esquematización románica. [11] [8]
Tanto las esculturas de Saint-Denis como las de las demás fachadas de Chartres fueron en gran parte destruidas, mutiladas, sustituidas o mal restauradas en épocas posteriores, lo que impidió una comprensión integral de sus programas iconográficos, pero la catedral de Laon , que ha sobrevivido sin muchos daños, proporciona una visión completa del gótico temprano. Otros buenos ejemplos, posteriores en el tiempo, son las catedrales de Bourges , Le Mans y Angers , con distintos grados de conservación. [11] La producción de escultura durante el período gótico fue tan vasta y variada —solo en Chartres la fachada cuenta con más de dos mil piezas— que su estudio detallado está fuera de cuestión aquí, y solo es posible rastrear sus principales líneas evolutivas y sus características más genéricas. [9]
Hacia 1200, su lenguaje primitivo ya estaba siendo modificado por el progresivo interés por el naturalismo , dando lugar a la segunda etapa de su evolución, llamada Alto Gótico. [13]
Los artistas del valle del Mosa fueron importantes en esta transición, en particular Nicolás de Verdún y Renier de Huy , los primeros grandes maestros que dejaron su huella en la historia de la escultura gótica, dedicándose a trabajos de orfebrería y bronce . [12] En las catedrales de Reims , Amiens y Notre-Dame de París , el estilo gótico ya está libre de la influencia románica, y sus estatuas son de un naturalismo muy avanzado. [11]
Las estatuas ya son independientes de las columnas y, posiblemente por primera vez en la Edad Media, se utiliza el contrapposto para dar a las imágenes más gracia y movimiento, complementado con actitudes más dinámicas en los miembros y un tratamiento de los volúmenes anatómicos que en muchos casos ya no quedan ocultos por las vestimentas. Sin embargo, el contrapposto gótico se diferencia del clásico en que parece más impuesto externamente que fruto de una correcta comprensión de la anatomía, y es más ornamental que orgánico. [11]
Si bien el humanismo enseñado en las escuelas de filosofía redefinió principios fundamentales de la fe, también posibilitó la absorción de elementos de la antigüedad clásica en el arte, aflojó la ética estricta que había guiado el pensamiento moral en siglos anteriores y dirigió el ambiente cultural hacia una mayor secularización , favoreciendo el desplazamiento del interés de lo sobrenatural a lo mundano y lo humano. [3] También rescató el valor de la belleza pura de las formas que se había perdido desde la Antigüedad, considerando, como lo hizo Tomás de Aquino , que la Belleza estaba estrechamente asociada a la Virtud y derivaba de la coordinación de las partes de un objeto entre sí en proporciones correctas y de la expresión plena de su naturaleza esencial. [14]
Si bien a lo largo del siglo XIII la tendencia general de la escultura, en términos técnicos, fue la de liberarse de la arquitectura y ganar autonomía, aún conservaba una relación íntima con su contexto, de modo que los conjuntos tendían a conservar un notable sentido de unidad y armonía. En cuanto a la forma, se desplazó hacia un estudio más detallado de la naturaleza, buscando reproducir los efectos de luz y sombra, las texturas de los tejidos, los matices sutiles de la expresión, la frescura de la juventud y las huellas de la vejez. Parecía que todos los objetos se convertían en vehículos de belleza y dignos de representación. [15]
Según Hauser :
“[...] se ha cumplido aquí la gran transición del espíritu europeo, del reino de Dios a la naturaleza, de las cosas eternas al medio ambiente inmediato, de los tremendos misterios escatológicos a los secretos más inofensivos del mundo creado. (...) La vida orgánica, que después del fin de la Antigüedad había perdido todo valor y significado, vuelve a ser venerada, y las cosas individuales de la realidad sensible son presentadas en adelante como objetos de un arte que ya no requiere justificaciones sobrenaturales. No hay mejor ilustración de este desarrollo que las palabras de Santo Tomás de Aquino: “Dios se regocija en todas las cosas, en cada una según su esencia”. Son el epítome de la justificación teológica del naturalismo. Todas las cosas, por pequeñas y efímeras que sean, tienen una relación inmediata con Dios; cada cosa expresa la naturaleza divina a su manera y, por lo tanto, adquiere valor y significado también para el arte.” [15]
En este proceso de valorización de lo natural, el cuerpo humano se vio especialmente beneficiado, ya que hasta entonces era visto más como «una masa de podredumbre, polvo y cenizas», como decía Pedro Damián en el siglo XI. Esta aversión al cuerpo había sido una nota omnipresente en la cultura religiosa anterior, y la representación del hombre se caracterizaba por una estilización que minimizaba su carnalidad. Pero ahora se abandonaba definitivamente el esquematismo simbólico del románico y del gótico primitivo para alcanzar en poco tiempo un naturalismo no visto desde el arte grecorromano . La figura del propio Cristo, antes representado principalmente como Juez, Rey y Dios, se humanizaba, y la adoración de su humanidad pasaba a considerarse el primer paso para conocer el verdadero amor divino. La consecución del naturalismo fue una de las más fundamentales de todo el periodo gótico, y posibilitó siglos después los avances aún más notables del Renacimiento en lo que respecta a la mímesis artística y a la dignificación del hombre en su belleza ideal. [16] [17] Como dijo Ladner,
[...] a finales del siglo XI, la espiritualización había alcanzado un clímax más allá del cual era imposible avanzar; y por lo tanto, la primera mitad del siglo XII fue un punto de inflexión en la historia de la imagen del hombre en el arte cristiano, así como en el desarrollo de la doctrina de la semejanza entre la imagen del hombre y la de Dios. [18]
Pero sería engañoso suponer que en esta época el naturalismo representaba una liberación de los dictados de la Iglesia y una abolición radical del interés por el espíritu, y la escultura, como las otras artes, manifestaba un dualismo constante, buscando una fórmula de compromiso entre ambos extremos. [19] [15]
Si bien la atención a la naturaleza obligó a un enorme avance en la técnica escultórica, permitiéndole imitar formas naturales con gran semejanza, hubo una tendencia a fragmentar la obra como un todo, recibiendo las partes más atención que el todo, y solo se lograría nuevamente un sentido de unidad al final de esta fase. [19] [15]
En primer lugar, el dato fundamental de este cambio de enfoque fue que se disolvió una parte del conservadurismo cultural y se desarrolló un interés genuino por todo lo nuevo. Los cronistas de la época expresaron su entusiasmo por el surgimiento de un nuevo orden de valores que permitiera construir una sociedad más equilibrada, donde el bienestar material se convirtiera en una meta válida aunque se supusiera que preparaba para la salvación del espíritu. Y como se reforzó la idea de que la humanidad había sido renovada en Cristo, las personas ya no tenían que vivir tan oprimidas por el peso de la mortalidad y del pecado , y podían expresar su belleza, vitalidad y alegría sin culpa. [20] [21]
En segundo lugar, se rompió el viejo unilateralismo espiritual, que rechazaba la imitación de la realidad en el arte y buscaba en ella sólo la confirmación de la doctrina religiosa, dando paso a una visión que exigía la validación de los principios abstractos a través de la experiencia sensible, entrando la fe en diálogo con la razón . [9] [15]
Con ello, la antigua concepción del arte cambió. Si bien se mantuvo el deseo de crear figuras que pudieran ilustrar adecuadamente los principios espirituales, el empirismo de la época exigía que las imágenes fueran también formalmente correctas según la naturaleza. Estas tendencias naturalistas no se manifestaron de golpe y en todos los lugares, y hay que tener en cuenta, por supuesto, la permanencia de tradiciones locales muy arraigadas que dieron a la producción un tono diferente, a veces más arcaico o exótico. Además, la presencia de algún maestro importante con una personalidad artística más definida pudo inclinar el estilo hacia uno u otro aspecto, aunque la escultura gótica principal, al menos hasta la siguiente fase, fue esencialmente anónima y colectiva. [9] [15]
Sin embargo, hay que decir una palabra sobre la representación —especialmente en la decoración de las iglesias— de animales reales o fantásticos, ya que ocupaban un lugar importante en el pensamiento medieval. [22]
Junto a la decoración puramente ornamental de motivos vegetales, son frecuentes las imágenes del cordero y del pez, sustitutos de Cristo, la paloma que representaba al Espíritu Santo , los animales asociados a los evangelistas —águila , toro y león— , así como las de bestias míticas como el grifo , el dragón y el basilisco , todas ellas portadoras de significados simbólicos que se asociaban a alguna lección moral. [22]
La forma de gárgola se utilizaba a menudo en la arquitectura catedralicia como desagüe de agua. Según algunas tradiciones, tenía el poder de alejar a los malos espíritus, pero su interpretación es aún incierta. Además, la representación de animales fantásticos ofrecía un campo libre de censura eclesiástica , y en él, los escultores podían dar rienda suelta a su fantasía y humor elaborando una gran variedad de formas extravagantes de gran efecto plástico. [23]
Hacia 1250, la escultura arquitectónica ya mostraba signos de decadencia, siendo sustituida por la ornamentación abstracta o floral, cobrando importancia la estatuaria independiente, los relicarios y, sobre todo, los monumentos funerarios y las tumbas de la élite. Dos rasgos innovadores de este particular género fueron la creación de pequeñas figuras instaladas en nichos , habitualmente en actitud de duelo, y el otro fue el énfasis en las efigies , buscando una aproximación a la fisonomía real del muerto. [8]
Antes de finales del siglo XIII, el estilo gótico ya se había extendido a Alemania , España , Inglaterra , Italia y Escandinavia , allanando el camino para la siguiente fase: el gótico internacional. [8]
El gótico internacional comprende el periodo que va desde mediados del siglo XIV hasta mediados del siglo XV, con su apogeo alrededor del año 1400. Fue entonces cuando el estilo se convirtió en la lengua franca del arte europeo, con una gran circulación de artistas e intercambios entre escuelas regionales. Pero cuando hablamos de internacionalización, esto no significa que el estilo se volviera homogéneo. Por el contrario, la aparición de grandes centros urbanos en varios países, todos con sus propias tradiciones, creó un panorama de gran diversidad, y la existencia de mecenas adinerados en muchos lugares hizo posible el cultivo de una amplia gama de nuevas posibilidades artísticas. [24]
La escultura de este periodo ya no es monumental, salvo casos esporádicos, y se concentra en piezas portátiles, retablos y altares . [25] [26]
El siglo XIII, como hemos visto, se caracterizó por el surgimiento de una retórica naturalista derivada de la apreciación de las apariencias superficiales de los objetos del mundo, aunque su fundamento fuera metafísico . Si la escultura gótica internacional llevó adelante esta tendencia por un lado, por otro le dio un nuevo enfoque, que sirvió a la atmósfera distintiva de la devotio moderna , un movimiento de revivalismo religioso que comenzó entre las órdenes mendicantes y pronto se extendió entre los laicos . [25] [26]
Esta «devoción moderna» era más introspectiva e íntima pero podía desbordarse fácilmente en estallidos colectivos de fervor místico . No es de extrañar, frente a esta fe más inclinada a lo emotivo, la multiplicación de obras de temática dramática como las escenas de la Pasión de Jesús y la Piedad —que tenían un atractivo afectivo más inmediato y un carácter confesional y penitencial no explorado hasta entonces, y que se vinculaban a la popularización de las doctrinas sobre las indulgencias y el Purgatorio, y a la comprensión de la Salvación como un problema esencialmente individual y subjetivo, en contraste con las ideas sobre una escatología colectiva que habían predominado con anterioridad—. [25] [26]
La nueva iconografía que se formó, donde las imágenes de muerte y sufrimiento se hicieron comunes, fue también espejo de una situación social inestable y llena de paradojas, cuando las guerras eran frecuentes, la vida cotidiana del pueblo estaba marcada por la violencia gratuita, el hambre era una sombra constante, las frecuentes revueltas populares contra los impuestos abusivos eran rigurosamente reprimidas y las epidemias diezmaban a la población. [Nota 2] La misma multitud que seguía una procesión con lágrimas de dolor en los ojos podía reunirse en la plaza del pueblo y disfrutar de una ejecución pública sin escasez de crueldad. [27]
Pero otros factores contribuyeron a dar diversidad al gótico internacional, período que marcó, como decía Huizinga , “el principio del fin del mundo medieval”. [24]
La clase media fue creciendo y organizándose y empezó a gestionar amplios sectores de los asuntos públicos. El sistema feudal fue decayendo y fue reemplazado paulatinamente por un modelo económico protocapitalista dominado por los valores de la burguesía , que se convirtió en la vanguardia cultural de la época y asumió un papel destacado en el mecenazgo de las artes. [19]
Más aún, el individualismo que caracterizó a esta nueva economía, junto con el nacimiento de una nueva cultura urbana —que se alejó de los valores tradicionales formulando otros más dinámicos, favoreciendo un gran tránsito entre clases sociales— se reflejaron en las artes de manera que privilegiaron aspectos realistas, intereses profanos y preferencias privadas, donde la proliferación de retratos es ejemplar en este sentido, adentrándose muchas veces en caracterizaciones psicológicas inéditas. [19]
Al mismo tiempo, la persistencia de una cultura cortesana sofisticada, tipificada en las cortes de la Casa de Valois de Francia —quienes estaban entre los mayores mecenas del período y que se inspiraban en las tradiciones de la caballería y los ideales del amor cortés— dio a gran parte de la producción de esta fase un marcado carácter ornamental, enfatizando lo decorativo de los trajes, la riqueza de las texturas y la elegancia de los gestos, aunque la prevalencia de este código también cristalizó el arte consumido en las cortes en fórmulas convencionalizadas. [27] [24]
En este sentido, resulta ilustrativa la creación de la tipología de la Virgen Bella, una de las más estimadas en el gótico internacional. Su función exacta y su origen son motivo de debate, pero parece haber derivado en la órbita tanto de la cultura cortesana como popular, encarnando un ideal atemporal de belleza y fusionando la gracia erudita de las cortes con la piedad sentimental del pueblo. [28]
Otro aspecto de las prácticas artístico-religiosas que conviene mencionar se refiere a la resurrección de fórmulas de épocas anteriores. Como ya se ha dicho, en la gran oleada devocional que se produjo durante el periodo gótico internacional, la producción de relicarios y estatuaria de culto se intensificó enormemente, y muchas de las imágenes sagradas producidas entonces eran derivaciones o copias directas de un prototipo famoso cuya veneración era antigua. Esto hacía evidente su relación con la imagen original y otorgaba a la nueva un carácter arcaico, y, lo que es más importante, le otorgaba una sacralidad más auténtica, más aún cuando estaba reforzada por alguna sugerente leyenda popular , como las que corrían por la época diciendo que ciertas estatuas e iconos famosos se habían multiplicado milagrosamente y obrado prodigios también a través de sus copias. Aunque las copias no estuvieran vinculadas a ningún folclore específico, se esperaba que gozaran de los mismos privilegios y tuvieran los mismos poderes que el original. Este historicismo se hizo aún más marcado en la transición al gótico tardío. [28]
El gótico tardío es la fase final del estilo, pero no fue una fase de decadencia. Por el contrario, fue entonces cuando el período gótico produjo algunas de sus obras más imponentes, ricas y complejas. [29]
Esta fase se sitúa aproximadamente entre mediados del siglo XV y mediados del siglo XVI y representa el corolario de lo que se había logrado en la fase anterior en lo que respecta al naturalismo y al internacionalismo. Pero existen diferencias significativas en la sociedad europea de esa época que pueden ayudar a explicar la transformación artística. [29]
En el ámbito económico, la apertura de nuevas rutas comerciales en vista de la Era de las Exploraciones desplazó el eje del comercio internacional hacia las naciones de Europa Occidental. Portugal y España estaban surgiendo como potencias navales, acompañadas por Francia, Inglaterra y los Países Bajos . El oro y otras riquezas de las colonias americanas , africanas y asiáticas fluían hacia ellas en cantidades sin precedentes, lo que mantenía su ascendencia política y hacía posible un verdadero auge de la promoción de las artes. [29]
En política, las invasiones de Italia por parte de Francia, Alemania y España provocaron un cambio radical en el equilibrio de poder en el continente, que culminó con el Saqueo de Roma en 1527 , que provocó la huida a otros lugares de numerosos artistas e intelectuales italianos. Este fenómeno supuso la difusión a gran escala de la tradición clásica - renacentista italiana , ya que en Italia el periodo gótico había quedado superado hacía tiempo, coronando la intensa circulación de obras de arte y textos clásicos italianos que ya venía produciéndose desde hacía tiempo. [29]
Asimismo, la imprenta de tipos móviles , recién inventada por Gutenberg , permitió difundir de forma mucho más eficaz, amplia y rápida la cultura en general y los textos humanísticos en particular entre todos los países. Así, diversos elementos estéticos italianos se hicieron presentes en el arte de la mayoría de los lugares donde el estilo gótico seguía siendo fuerte, dando lugar a una multiplicidad de corrientes eclécticas que a menudo se describen ya como parte del manierismo internacional . [29]
Otra tendencia evidente de la época fue el desarrollo de un gusto por lo complejo y lo ultrasofisticado, que se evidencia de forma llamativa en los grandes retablos con varias escenas yuxtapuestas que reemplazaron los antiguos portales de la fachada como una forma de ilustración didáctica de la doctrina en un gran panel narrativo. La propia estructura de los retablos, que enmarcaban las escenas en elaboradas estructuras arquitectónicas, a menudo recordaba la fachada de una iglesia. [30]
Al igual que los portales, estas grandes estructuras tenían un programa iconográfico claramente organizado, que ilustraba las jerarquías divinas que se reflejaban en la Tierra en la forma de la Iglesia establecida, con el Vicario de Cristo como su líder, más su cuerpo de ministros y su rebaño de fieles. Estos retablos eran generalmente ofrecidos por la comunidad y por lo tanto tenían un significado, además del doctrinal y social, ya que servían como símbolos de identidad de esa comunidad. Cuanto más ricos y complejos eran, más prestigio aportaban al pueblo o congregación. [30]
La mayoría de los retablos tenían paneles laterales abatibles y, en las grandes fiestas, se abrían las solapas y se dejaba libre el gran conjunto para su contemplación. El efecto teatral de la inauguración de la obra adquirió un carácter de epifanía sagrada y, al mismo tiempo, de celebración profana colectiva, ya que junto a Cristo, los ángeles y los santos se representaban a menudo figuras del pueblo y de la jerarquía civil. [30]
El período gótico cerró su ciclo con una nota sombría: la crisis iconoclasta desencadenada por la Reforma . [4]
Los reformadores, además de acabar con la unidad de la cristiandad –que hasta entonces había sido uno de los elementos de cohesión cultural más fuertes de Europa– propusieron nuevos conceptos religiosos que afectaron a los modos de representación, llegando incluso a la condena sumaria de la representación sagrada y desencadenando varios episodios de destrucción masiva de imágenes sagradas que despojaron a innumerables templos convertidos al protestantismo de inestimables tesoros artísticos. Un testigo que escribió en Gante , en 1566, afirma que los incendios que consumieron las imágenes allí se podían ver a más de 15 km de distancia. [4]
Los países católicos no tuvieron este problema, pues el Concilio de Trento reafirmó la importancia del arte sacro , pero no pudieron eludir el debate internacional que se formó en torno al papel de las imágenes de culto, logrando alcanzar un compromiso entre su función devocional y sustitutiva de la imagen divina, y su carácter de obras de arte por derecho propio. Aunque Lutero intentó mantener una posición conciliadora, admitiendo la posibilidad de preservar ciertas imágenes como testimonios de la historia sagrada, otros líderes reformados se mostraron intransigentes. [30]
Esta destrucción a gran escala del arte religioso es uno de los factores que hacen particularmente difícil el estudio de este período; pero, por otro lado, condujo a la formulación de una nueva teoría estética que fue uno de los fundamentos del concepto moderno de arte . [30]
Según Belting :
"Lutero, que se limitaba a defender la base de la religión en la vida, fue sin duda más testigo que causa de lo que se ha llamado 'el nacimiento de la era moderna a partir del espíritu de la religión'. La religión, por combativamente que se reafirmara, ya no era la misma. Luchó por el espacio que había ocupado hasta entonces, pero finalmente se le concedió el lugar segregado en la sociedad al que ahora estamos acostumbrados. El arte fue admitido a veces en este lugar, a veces excluido de él, pero dejó de ser un fenómeno religioso en sí mismo. Dentro del ámbito del arte, las imágenes simbolizaron las nuevas exigencias secularizadas de la cultura y la experiencia estética. En este sentido, se descartó un concepto unificado de la imagen, pero la pérdida quedó enmascarada por la etiqueta de 'arte' que generalmente se le aplica hoy en día". [30]
El estilo gótico de los dos primeros períodos fue una expresión artística esencialmente francesa. A partir de mediados del siglo XIV, siguiendo la tendencia europea general, la escultura monumental decayó, pero floreció la escultura de menor tamaño. Asimismo, la tendencia hacia el naturalismo fue la nota predominante. [31]
Las estatuas devocionales proliferaron dentro del tema, mostrando líneas de gran delicadeza y gracia y un carácter ornamental. Las tumbas permanecieron más o menos similares a las del siglo XIII, excepto que ahora lucían retratos más precisos de los muertos, notablemente los de Carlos V de Francia y sus dos sucesores inmediatos, realizados por André Beauneveu . Carlos V fue incluso uno de los mayores mecenas de su tiempo, convirtiendo a París en uno de los centros escultóricos más importantes y atrayendo a artistas flamencos como Jean de Liége —apoyado en esto por su hermano Juan, duque de Berry , cuya corte se instaló alternativamente en Poitiers y Bourges , recurriendo a los escultores Jean de Cambrai y al mencionado Beauneveu, entre otros. [31]
Bajo Felipe II , el ducado de Borgoña —que en su época incluía a Flandes— ocupó un lugar destacado como centro cultural, contando con varios escultores flamencos notables como Claus Sluter y Jean de Marville . Tras la muerte del duque, el prestigio de la escuela borgoñona comenzó a declinar, pero a finales del siglo XV vale la pena recordar a Antoine le Moiturier , considerado tradicionalmente como el autor de la famosa Tumba de Philippe Pot . [31]
En el mismo periodo, los francoflamencos fueron responsables de un cierto resurgimiento de la decoración arquitectónica, tendencia que continuó hasta el siglo XVI y dejó importantes testimonios en la catedral de Ruan y la catedral de Amiens , incluyendo piezas de fachada y relieves en los interiores. También en el siglo XV surgió en el valle del Loira un prolífico movimiento conocido como Détente , rescatando el antiguo idealismo del siglo XIII atemperado con algunos elementos del Renacimiento italiano que empezaba a darse a conocer. Sus temas eran de tipos populares, por lo que tuvo un gran éxito entre las clases bajas , pero también cultivó lo sagrado, especialmente las vírgenes y los grupos del Santo Sepulcro. [31]
A finales del siglo XV, el movimiento influyó en toda la producción escultórica de Francia, y entre sus exponentes estaban Michel Colombe y Jacques Bachot . [31]
En Alemania, el estilo gótico apareció alrededor de 1220 y fue recibido por escultores formados en Francia, y aunque la escultura se emplea bastante en fachadas, son en general menos ricas que sus modelos franceses, pero la influencia francesa siempre se mantuvo fuerte. Por otra parte, el naturalismo pronto cobró mayor importancia, posiblemente por la permanencia de elementos más clásicos en su tradición, preservados por el Renacimiento carolingio del siglo VIII y por los contactos con el Imperio bizantino . [11]
Los manuscritos iluminados conservados desde la Antigüedad tardía en monasterios y colecciones eclesiásticas también pudieron haber sido una influencia en la presentación de modelos clasicistas para los escultores. En la catedral de Bamberg del siglo XIII había estatuas que ya pueden considerarse verdaderos retratos —como el famoso Jinete de Bamberg— y lo mismo ocurrió en la catedral de Naumburgo , con varias figuras muy vivaces. También, a partir de finales de siglo, hay una tendencia más clara hacia la intensificación dramática y la humanización de los temas sagrados, como se puede ver en la proliferación de escenas como la Danza de la Muerte , Nuestra Señora de los Dolores y Cristo como Varón de Dolores. También allí se formula una tipología de la Piedad , destinada a la devoción privada. Los mejores ejemplos monumentales alemanes se encuentran en las catedrales de Estrasburgo (franco-alemana), Friburgo , Bamberg , Magdeburgo y Naumburgo . [11] [13] [8]
A lo largo del gótico internacional, las diferencias regionales se disolvieron y el estilo tendió a homogeneizarse, pero el nivel general de calidad sufrió una nivelación media. También se puede ver una estandarización en la caracterización de los personajes, con estereotipos convencionales que ya no tienen la individualidad de la fase anterior. En esta fase, el gótico alemán solo se diferencia del francés en la elección de rasgos étnicos locales en el diseño de los personajes. [32]
Sin embargo, esta misma elección, que al principio fue sólo circunstancial, superficial, dio lugar más tarde a un arte con inconfundibles características nacionales. Pero a diferencia de Francia, que empezaba a abandonar la escultura monumental, este género siguió practicándose ampliamente y hay muchas iglesias en varias ciudades que tienen buenos ejemplos: Xanten , Colonia , Erfurt , Worms , Ulm , Augsburgo , Vurtzburg y Núremberg . Pero de todos los géneros, lo más importante en esta fase fueron las pequeñas piezas de devoción privada, especialmente las vírgenes y los sepulcros, cuyas efigies todavía muestran rasgos bastante individuales. [32]
En el gótico tardío, las influencias del clasicismo-manierismo italiano y del flamenco se hicieron más prominentes, pero las tendencias típicamente germánicas se impusieron poderosamente, formulando un realismo a menudo brutal y dramático que no se basa en una descripción anatómica exacta, sino en el movimiento extravagante de los cuerpos, en la acumulación de personajes que a menudo se comprimen en un espacio minúsculo, en el plegado enrevesado de las prendas que adquieren valor por sí mismas sin tener en cuenta los volúmenes corporales subyacentes, y en la decoración auxiliar superabundante, que a veces se vuelve exhaustiva en sus detalles. La escuela suaba en particular fue celebrada por lograr una intensidad patética en sus piezas devocionales. [32]
Sin embargo, el carácter general de esta producción, a pesar de su evidente virtuosismo, es burgués, pues los tipos humanos son populares, sin idealismo, y el gusto por lo exagerado, lo pintoresco y lo expresivo a veces acerca las obras a la caricatura . Pero en muchos casos, el abandono de lo emocional logró resultados verdaderamente grandilocuentes, y los grandes retablos que se crearon en esta fase final son obras de gran impacto visual y de exquisita artesanía. [32]
Entre los muchos maestros que se hicieron famosos en este período y trabajaron en varias regiones alemanas, podemos destacar a Tilman Riemenschneider , Michael Pacher , Bernt Notke , Veit Stoss y Adam Kraft . [32]
La escuela gótica alemana fue, después de la francesa, la más importante para la difusión del estilo al resto de Europa. Muchos de sus artistas viajaron extensamente por todo el continente, dejando obras en Polonia , la República Checa , Inglaterra , Suecia , Dinamarca y otros lugares. [32]
En Inglaterra, el estilo gótico surgió un poco más tarde que en Francia, pero el concepto de «gran portal» nunca arraigó como norma allí, y solo aparece en unas pocas ocasiones —como en la catedral de Rochester— , aunque incluso allí está más simplificado. Más bien, la escultura gótica inglesa se concentró en otras áreas del edificio, como se ejemplifica en la catedral de Wells , donde aparece en nichos de la fachada y en partes del interior —como en el coro y las salas capitulares— y su calidad se compara con los modelos franceses. [8] [12]
Entre los siglos XIV y XV, la estatuaria de fachada desapareció casi por completo, y en su lugar se prefirió la decoración abstracta o con motivos vegetales. Varios artistas alemanes y flamencos ya estaban activos allí, y el interés se desplazó hacia otras tipologías como las tumbas, de las que destaca la tumba de Eduardo II , y varias otras en la Abadía de Westminster . También se nota en las etapas finales una reintegración de la escultura con la arquitectura, de nuevo en los interiores, capillas y paneles del coro, donde las estatuas están enmarcadas por una rica ornamentación de formas arquitectónicas. La capilla de Enrique VII en Westminster es el ejemplo más importante de este género. [8] [33]
Sin embargo, los logros más originales de la escultura gótica inglesa son las tumbas. Algunas de las más antiguas no muestran a los muertos en reposo, sino como héroes caídos en batalla, en posiciones contorsionadas exhalando su último aliento. Otras, de la transición entre el gótico internacional y el gótico tardío, los muestran como cadáveres devorados por gusanos, con enfermizos refinamientos de realismo, que recuerdan la fugacidad de las cosas mundanas. Parece cierto que también se produjo mucha estatuaria devocional en toda Inglaterra, con rasgos bastante singulares y gran riqueza plástica, pero la destrucción masiva que tuvo lugar cuando Enrique VIII rompió con Roma y fundó la Iglesia de Inglaterra dificulta el estudio de su cronología y evolución. Sin embargo, unas pocas piezas supervivientes exportadas a Escandinavia sugieren que la influencia francesa siempre se mantuvo fuerte. [8] [12] [33]
En el caso de Escandinavia, el estilo gótico impregnó el país a partir del siglo XIII en varios frentes —Francia, Inglaterra y Alemania— y la escultura producida allí mostró una gran variedad y vitalidad en diversas escuelas regionales. Hay hermosas obras en marfil de elefante y morsa , y la madera fue el material donde quedaron las piezas más interesantes, como los crucifijos monumentales encontrados en Gotland y otras ciudades. De todos modos, se construyeron varias catedrales con importante decoración estatuaria, como las de Uppsala , Skara y Trondheim . Entre los siglos XIV y XV, se intensificó el comercio con los miembros de la Liga Hanseática , y en esta etapa la escultura escandinava estuvo dominada por la influencia de la escuela de Lübeck. [8] [34]
Parece que en las primeras etapas del período gótico había poca importancia en la escultura en los Países Bajos , y lo que había debe haber sido de derivación francesa y renana . [35]
La Reforma causó allí daños masivos y durante la Primera Guerra Mundial también desaparecieron muchos monumentos, por lo que se sabe poco. Sin embargo, es seguro que hacia el siglo XIV se había establecido una escuela importante en Tournai y el impacto de los maestros flamencos se sintió en la escultura de Inglaterra, Francia y Alemania, lo que hace que este período sea algo menos oscuro. [35]
La escuela de Tournai dejó su mejor representación en las tumbas, con una estética austera y naturalista a la vez. En el siglo XV, los flamencos se convirtieron finalmente en una influencia importante en todo el arte europeo, con artistas como Claus Sluter , Jean de Liège , Jacques de Baerze y muchos otros, que difundieron su arte a otras regiones. Este gran grupo de creadores trabajó un poco la piedra pero dejó sus obras más importantes en el género del retablo de madera policromada, y con una figuración que tendía hacia lo dramático y lo dinámico. [35]
En España , la transición del románico al gótico se manifiesta en el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela , que resulta especialmente interesante porque aún conserva restos de su policromía . A lo largo de la evolución temprana del gótico español, la influencia francesa siguió siendo predominante y, aunque en general menos rica que en Francia, adquirió un carácter muy original, visible en la asimilación de influencias moriscas , en una tendencia recurrente al arcaísmo y en el gusto por la ornamentación floral exuberante. [9] [32]
Ejemplos significativos de un estilo gótico pleno se encuentran en la Catedral de León y la Catedral de Burgos , que estaban en las rutas de peregrinación de la época y estaban decoradas con importantes estatuas. A lo largo del siglo XIII, el resto de las regiones españolas permanecieron más o menos ajenas al estilo gótico, y se siguieron construyendo iglesias al estilo románico. Mientras tanto, la importación de pequeñas piezas góticas francesas para la devoción privada fue grande, y varios artistas franceses trabajaron en este género en muchos lugares. [9] [32] [8]
Finalmente, en el siglo XIV, el estilo francés triunfó en la mayoría de las regiones, con excepción de Galicia y Extremadura , y los principales centros de escultura monumental pasaron a ser Navarra , Cataluña y Aragón . Buenos ejemplos de esta fase son la Catedral de Barcelona y la Basílica Catedral de Nuestra Señora del Pilar , y al mismo tiempo, la escultura pasó a aplicarse en una variedad de otros espacios, como tumbas, salas capitulares y coros. [9] [32] [8]
A partir del siglo XV, la influencia francesa dio paso a la flamenca y alemana, que predominaría hasta la infusión del clasicismo renacentista en el reinado de Carlos V en el siglo XVI. En esta etapa, el interés por la decoración monumental declinó, como en el resto de Europa, y se desplazó hacia las obras portátiles y los retablos. Los últimos grandes ejemplos de estatuaria de fachada en un estilo gótico puro se encuentran en la Catedral de Oviedo , la Catedral de Sevilla y partes de la aún incompleta Catedral de Toledo . [32]
En la transición hacia el siglo XVI, los elementos clásicos italianos ya estaban muy extendidos, dando origen a una escuela manierista ecléctica llamada plateresco , que desarrolló un estilo de decoración de fachadas con estatuaria enmarcada por una enorme complejidad de motivos geométricos y vegetales. El mismo plateresco se aplicó a los retablos , cuya sofisticación y riqueza superan a las del norte de Europa de la misma fase pero cuyo aspecto es claramente distintivo. Uno de los más notables realizadores de retablos fue Gil de Siloé , y un gran representante de la estatuaria independiente fue Juan de Juni . [32]
Portugal tuvo su ciclo de inicio en torno al año 1250, pero la escultura nunca fue especialmente favorecida. Sus principales ejemplos son algunas tumbas de la nobleza, destacando las sofisticadas tumbas de Pedro I e Inés de Castro en el Monasterio de Alcobaça . Los mayores centros de producción fueron Coímbra , Lisboa , Santarém y Évora . [32] [36]
Entre finales del siglo XV y principios del XVI floreció el estilo manuelino , una derivación manierista del gótico que incorporaba elementos clásicos. Su principal monumento es el Monasterio de los Jerónimos en Lisboa, con un portal diseñado por João de Castilho , ricamente decorado con estatuas y diversos ornamentos. [36] [32]
El desarrollo del gótico italiano es posiblemente el más atípico de todos. La tradición clásica siempre se había mantenido relativamente viva allí, a través de las numerosas ruinas con relieves, sarcófagos y lápidas que se habían conservado del antiguo Imperio Romano , y sus principios son visibles desde el comienzo de la tradición gótica. También representaron su manifestación más breve. [8] [12]
En Italia, la tradición de los grandes portales no se desarrolló significativamente, existiendo un mayor número de trabajos en nichos, tumbas y monumentos funerarios, púlpitos y relieves. El estilo apareció por primera vez en la región central, a principios del siglo XIII, con la obra de Nicola Pisano y su hijo Giovanni Pisano , quienes dejaron obras de gran calidad en Pisa y Siena que posiblemente se inspiraron en las figuras de los sarcófagos romanos que existían en el Camposanto de Pisa . Su tratamiento de la figura humana es bastante clasicista, pero los trajes están confeccionados más según el patrón francés y el énfasis está en el dramatismo de las escenas. [8] [12]
El estilo de ambos ejerció una gran influencia sobre las generaciones siguientes, especialmente sobre Arnolfo di Cambio , Andrea Orcagna , Bonino da Campione , Tino di Camaino , Lorenzo Maitani y Giovanni di Balduccio , quienes lo llevaron a otros ámbitos como Milán y Nápoles e introdujeron interpretaciones individualizadas. Otro maestro importante fue Andrea Pisano , autor de famosos relieves para el Baptisterio de San Juan Bautista de Florencia . [12]
A principios del siglo XIV, los elementos clásicos ya eran predominantes y comenzaba el ciclo renacentista, pero aún se pueden detectar influencias góticas en esculturas de Lorenzo Ghiberti y Donatello , y también en varios artistas menores activos en las periferias entre los siglos XIV y XV. [8] [12]
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Durante el período gótico, ninguna de las diversas técnicas escultóricas experimentó innovaciones esenciales, aunque en muchas de ellas hubo un gran y progresivo refinamiento, pero la concentración del trabajo en piedra y madera es una característica de este período ya que las piezas de gran tamaño en bronce —por su coste y dificultad técnica— llegaron a resultar prohibitivas. [37]
La técnica de la fundición indirecta a la cera perdida , que permite obtener esculturas huecas y que abarata enormemente la producción y permite crear obras de gran tamaño, no fue redescubierta hasta mediados del siglo XV. [37] Así pues, los aspectos prácticos más importantes de esta técnica en la historia de la escultura gótica son su carácter colectivo y el papel de los gremios y talleres de producción. [15]
Cuando en el siglo XII surge el estilo gótico, el principal género escultórico era la fachada, que se encontraba en estrecha dependencia de la arquitectura. Para la construcción de una gran catedral —que podía tardar siglos en completarse y muchas nunca lo fueron— se formaba una especie de empresa, el opus, con una jerarquía organizada bajo la dirección general de la Iglesia y un ejército de artesanos al mando de un magister operis , el maestro de obras (que se encargaba de gestionar el suministro de materiales y el equipo) y de un magister lapidum ( que equivalía a la función de arquitecto jefe y sus actividades pueden compararse a las del productor y director de una película ). Los obreros y artesanos no tenían un papel importante ni decisivo, su subordinación a los maestros era prácticamente absoluta, y estos a su vez, trabajaban directamente bajo la guía eclesiástica. [15] [38]
Aunque se conocen los nombres de varios arquitectos góticos, la personalidad artística independiente y el ascenso del artesano al nivel de artista tal como ahora concebimos el término no se produjo hasta el siglo XIV, cuando la urbanización estaba lo suficientemente avanzada como para atraer a los mejores creadores para establecer talleres privados en las grandes ciudades. [38] [15]
Así, hasta mediados del siglo XIV, prácticamente toda la escultura gótica era anónima y fruto de la intervención de muchas manos. Pero incluso cuando estos talleres privados empezaron a multiplicarse, la norma era que el maestro emplease una serie de ayudantes que colaborasen en la ejecución de las piezas —un sistema que reproducía las grandes empresas de las catedrales, aunque a menor escala— y, aunque ahora la personalidad creativa del maestro estaba más clara y podía controlar mejor los resultados, el producto final seguía siendo en gran medida colectivo. [38] [15]
Por otra parte, la existencia de un número cada vez mayor de artistas autónomos exigía su organización en asociaciones de clase, los gremios , que ejercían un poder considerable en la distribución de los contratos, en los métodos de enseñanza de los aprendices y, a veces, incluso en la definición de los parámetros estéticos. Aunque las prescripciones gremiales solían tener mucha menos influencia en este último tema y el maestro individual conservaba una considerable libertad de elección y acción, ya que las obras siempre se hacían por encargo —no había producción espontánea—, el gusto de los mecenas era decisivo. [38] [15]
Con la intensa revalorización del clasicismo durante el Renacimiento, la escultura gótica cayó en el olvido y permaneció así hasta mediados del siglo XVIII, cuando surgió un nuevo interés por los temas medievales en general. [39]
Los eruditos ingleses, alemanes y franceses desempeñaron un papel importante en este redescubrimiento, como Walpole , Goethe y Chateaubriand , [39] pero este interés, todavía restringido a las élites intelectuales, no impidió que innumerables otras reliquias y monumentos del arte gótico perecieran en la Revolución Francesa , vandalizados por las personas que habían sido alentadas a hacerlo por decretos del gobierno revolucionario, como el emitido por la Comuna de París que ordenaba la remoción y decapitación de todas las estatuas de reyes de la fachada de la Catedral de Notre Dame, como símbolo de la monarquía depuesta. [40] [41]
Los primeros estudios sobre el periodo gótico se centraron en la arquitectura, prestando poca atención a la escultura, que entonces se consideraba un mero complemento ornamental de los edificios y tenía que competir con el inmenso prestigio del que gozaba la escultura clásica grecorromana. En 1822, Lepsius fue el primero en realizar un estudio detallado de las esculturas de la catedral de Naumburgo, pero él mismo estaba sesgado por el clasicismo y, por ello, analizó la producción gótica de forma comparativa, en detrimento de ésta. [39]
Nevertheless, Lepsius drew attention to the subject and valued it as an important historical and cultural resource. Subsequently, more studies began to appear, with more frequent mentions of sculpture but still within general analyses of medieval history. Historiography began to consolidate itself as a modern science, making use of a methodology based on documentation and more objective approaches, and a milestone in this process was the influential study Handbuch der Kunstgeschichte (1842), by Franz Kluger, where for the first time entire sections were devoted to sculpture—although he recognized that the ground was still to be covered.[39]
Another important contribution was made by Carl Schnaase in his Geschichte der bildenden Künste (1842-1864), with five volumes dedicated to the Middle Ages and concerned with studying the monuments within a social, intellectual and historical context. The major importance of this study was to question the general tendency to analyze medieval artistic production based on criteria used to judge classical art.[39]
At the same time, the development of Christian archaeology came to define the Gothic as the style of Christianism par excellence, and several specialized journals appeared from the mid-19th century with articles dealing with individual works or groups of Gothic sculpture—but typically they tended to divorce the works from their context and dealt more with iconographic aspects and theological interpretations, without a synthetic view.[39]
By then, interest in the Middle Ages in general and the Gothic period in particular had grown so much that a veritable neo-Gothic revivalist wave was formed, which had repercussions mainly in architecture, literature and painting.[42]
Some studies suggest that during the Neo-Gothic period—which lasted until the mid-20th century and spread throughout the West—more "Gothic" buildings were erected than during the entire period when the original style flourished. Meanwhile, Neo-Gothic proved to be eclectic, incorporating elements of the Neoclassical and Romantic schools and of several distinct phases of historical Gothic into a single work, and thus, rather than an archaeological resurrection, it acquired the force of a new and autonomous style. This interest has also contributed to the formation of collections of Gothic art and the initiation of many projects for the restoration of ancient monuments, although not always respecting strict historical authenticity.[42]
A more thorough and scientific treatment of Gothic sculpture did not come until the end of the 19th century, with Wilhelm Lübcke's Geschichte der Plastik von den ältesten Zeiten bis auf die Gegenwart (1863-1871). In it, Lübcke first constructed a "total" overview of the history of sculpture from the ancient Near Eastern civilizations to modern times, plus many illustrations, and recognized that medieval sculpture was being unduly neglected. At the same time, works by Wilhelm Boden, Franz von Reber and especially Wilhelm Vöge finally established Gothic sculpture as a defined field of study, while Giovanni Morelli, Émile Mâle, Louis Courajod and others devoted themselves to questions of regionalisms, iconography, specific periods, genealogy and interpretation of the style.[42]
The new use of photography as a means of scientific documentation also provided fundamental assistance to scholars and made the Gothic monuments known to the general public. Another factor that contributed to a re-evaluation of Gothic sculpture was the fact that since the end of the 18th century, several religious orders were dissolved in various countries and many medieval buildings were dismantled or renovated, whose decorative statuary ended up in museum collections. With this, detached from its function, they could be appreciated as "works of art", independent of the cult and its mystical aspect.[43][44]
In the 20th century weren made important—and often controversial—contributions on various aspects of the style:
But despite the significant progress made recently in medieval studies and the considerable bibliography already published on cathedral architecture, Gothic sculpture as an independent entity is still a subject relatively unaddressed by modern researchers.[43][44][24][39]
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