Gabriel Urbain Fauré ( 12 de mayo de 1845 - 4 de noviembre de 1924) fue un compositor, organista, pianista y profesor francés. Fue uno de los principales compositores franceses de su generación y su estilo musical influyó en muchos compositores del siglo XX. Entre sus obras más conocidas se encuentran su Pavana , Réquiem , Sicilienne , Nocturnos para piano y las canciones « Après un rêve » y « Clair de lune ». Aunque sus composiciones más conocidas y accesibles son generalmente las más tempranas, Fauré compuso muchas de sus obras más valoradas en sus últimos años, en un estilo más complejo desde el punto de vista armónico y melódico .
Fauré nació en una familia culta, pero no especialmente musical. Su talento se hizo evidente cuando era un niño. A la edad de nueve años, fue enviado a la escuela de música École Niedermeyer en París, donde se formó como organista de iglesia y director de coro. Entre sus profesores estaba Camille Saint-Saëns , que se convirtió en un amigo de toda la vida. Después de graduarse de la escuela en 1865, Fauré se ganó la vida modestamente como organista y profesor, lo que le dejó poco tiempo para la composición. Cuando alcanzó el éxito en su mediana edad, ocupando los importantes puestos de organista de la Église de la Madeleine y director del Conservatorio de París , todavía le faltaba tiempo para componer; se retiraba al campo en las vacaciones de verano para concentrarse en la composición. En sus últimos años, fue reconocido en Francia como el compositor francés más importante de su época. Un homenaje musical nacional sin precedentes se celebró en París en 1922, encabezado por el presidente de la República Francesa . Fuera de Francia, la música de Fauré tardó décadas en ser ampliamente aceptada, excepto en Gran Bretaña, donde tuvo muchos admiradores durante su vida.
La música de Fauré ha sido descrita como un vínculo entre el fin del Romanticismo y el modernismo del segundo cuarto del siglo XX. Cuando nació, Chopin todavía componía, y en el momento de la muerte de Fauré, se escuchaban el jazz y la música atonal de la Segunda Escuela Vienesa . El Grove Dictionary of Music and Musicians , que lo describe como el compositor más avanzado de su generación en Francia, señala que sus innovaciones armónicas y melódicas influyeron en la enseñanza de la armonía para las generaciones posteriores. Durante los últimos veinte años de su vida, sufrió una sordera cada vez mayor. En contraste con el encanto de su música anterior, sus obras de este período son a veces elusivas y retraídas en su carácter, y en otras ocasiones turbulentas y apasionadas.
Fauré nació en Pamiers , Ariège , en el sur de Francia, el quinto hijo y el más joven de seis hijos de Toussaint-Honoré Fauré (1810-1885) y Marie-Antoinette-Hélène Lalène-Laprade (1809-1887). [4] Según el biógrafo Jean-Michel Nectoux , la familia Fauré data del siglo XIII en esa parte de Francia. [5] La familia había sido en un tiempo terratenientes importantes, pero en el siglo XIX sus medios se habían reducido. El abuelo paterno del compositor, Gabriel, era carnicero cuyo hijo se convirtió en maestro de escuela. [6] En 1829 los padres de Fauré se casaron. Su madre era hija de un miembro menor de la nobleza. Fue el único de los seis hijos que mostró talento musical; Sus cuatro hermanos siguieron carreras en el periodismo, la política, el ejército y el servicio civil, y su hermana llevó una vida tradicional como esposa de un funcionario público. [4]
El joven Fauré fue enviado a vivir con una madre adoptiva hasta que cumplió cuatro años. [7] Cuando su padre fue nombrado director de la Escuela Normal de Instituyentes, una escuela de formación de maestros, en Montgauzy, cerca de Foix , en 1849, Fauré regresó a vivir con su familia. [8] Había una capilla adjunta a la escuela, que Fauré recordó en el último año de su vida:
Crecí siendo un niño tranquilo y educado en una zona de gran belleza... Pero lo único que recuerdo con claridad es el armonio de aquella pequeña capilla. Cada vez que podía escaparme, corría allí y me regalaba... Tocaba de forma atroz... sin ningún método, sin técnica, pero recuerdo que era feliz; y si eso es lo que significa tener una vocación, entonces es algo muy agradable. [9]
Una anciana ciega, que vino a escuchar y dar consejos al niño, le contó a su padre el don de Fauré para la música. [7] En 1853, Simon-Lucien Dufaur de Saubiac, de la Asamblea Nacional , [n.º 3] escuchó tocar a Fauré y le aconsejó a Toussaint-Honoré que lo enviara a la École de Musique Classique et Religieuse (Escuela de Música Clásica y Religiosa), más conocida como la École Niedermeyer de Paris, que Louis Niedermeyer estaba estableciendo en París. [14] Después de reflexionar durante un año, el padre de Fauré estuvo de acuerdo y llevó al niño de nueve años a París en octubre de 1854. [15]
Fauré, que recibió una beca del obispo de su diócesis natal, se alojó en la escuela durante once años. [16] El régimen era austero, las habitaciones lúgubres, la comida mediocre y el uniforme obligatorio, elaborado. [10] [n.° 4] Sin embargo, la enseñanza musical era excelente. [10] Niedermeyer, cuyo objetivo era formar organistas y directores de coro cualificados, se centró en la música sacra. Los tutores de Fauré fueron Clément Loret para órgano, Louis Dietsch para armonía, Xavier Wackenthaler para contrapunto y fuga , y Niedermeyer para piano, canto llano y composición. [15]
Cuando Niedermeyer murió en marzo de 1861, Camille Saint-Saëns se hizo cargo de los estudios de piano e introdujo la música contemporánea, incluida la de Schumann , Liszt y Wagner . [18] Fauré recordaba en su vejez: "Después de dejar que las lecciones se prolongaran, se acercaba al piano y nos revelaba aquellas obras de los maestros de los que la rigurosa naturaleza clásica de nuestro programa de estudio nos mantenía a distancia y que, además, en aquellos años lejanos, eran apenas conocidos... En ese momento yo tenía 15 o 16 años, y de esta época data el apego casi filial... la inmensa admiración, la incesante gratitud que [he] tenido por él, durante toda mi vida". [19]
Saint-Saëns disfrutaba mucho del progreso de su alumno, al que ayudaba siempre que podía; Nectoux comenta que en cada paso de la carrera de Fauré "la sombra de Saint-Saëns puede darse por sentada". [20] La estrecha amistad entre ellos duró hasta que Saint-Saëns murió sesenta años después. [2]
Fauré ganó muchos premios mientras estuvo en la escuela, incluido un primer premio en composición por la Cantique de Jean Racine , Op. 11, la primera de sus obras corales en ingresar al repertorio regular. [15] Dejó la escuela en julio de 1865, como Laureat en órgano, piano, armonía y composición, con un diploma de Maître de chapelle . [21]
Al salir de la École Niedermeyer, Fauré fue nombrado organista de la iglesia de Saint-Sauveur, en Rennes , Bretaña . Asumió el puesto en enero de 1866. [22] Durante sus cuatro años en Rennes, complementó sus ingresos tomando alumnos privados, dando "innumerables lecciones de piano". [23] Por insistencia de Saint-Saëns, continuó componiendo, pero ninguna de sus obras de este período sobrevive. [24] Se aburría en Rennes y tenía una relación incómoda con el párroco, quien dudaba correctamente de la convicción religiosa de Fauré. [25] A menudo se veía a Fauré escabullirse durante el sermón para fumar un cigarrillo, y a principios de 1870, cuando apareció para tocar en la misa un domingo todavía con su traje de noche, después de haber estado fuera toda la noche en un baile, se le pidió que dimitiera. [25] Casi inmediatamente, con la discreta ayuda de Saint-Saëns, consiguió el puesto de organista asistente en la iglesia de Notre-Dame de Clignancourt , en el norte de París. [26] Permaneció allí sólo unos meses. Al estallar la guerra franco-prusiana en 1870, se presentó voluntario al servicio militar. Tomó parte en la acción para levantar el sitio de París y combatió en Le Bourget , Champigny y Créteil . [27] Fue galardonado con la Croix de Guerre . [28]
Tras la derrota de Francia ante Prusia , se produjo un breve y sangriento conflicto en París de marzo a mayo de 1871 durante la Comuna . [28] Fauré escapó a Rambouillet , donde vivía uno de sus hermanos, y luego viajó a Suiza, donde aceptó un puesto de profesor en la École Niedermeyer, que se había trasladado allí temporalmente para evitar la violencia en París. [28] Su primer alumno en la escuela fue André Messager , que se convirtió en su amigo de toda la vida y colaborador ocasional. [29] Las composiciones de Fauré de este período no reflejaron abiertamente la agitación y el derramamiento de sangre. Algunos de sus colegas, incluidos Saint-Saëns, Gounod y Franck , produjeron elegías y odas patrióticas. Fauré no lo hizo, pero según su biógrafa Jessica Duchen , su música adquirió "una nueva sombría, un sentido de tragedia de tonos oscuros... evidente principalmente en sus canciones de este período, incluyendo L'Absent , Seule! y La Chanson du pêcheur ". [30]
Cuando Fauré regresó a París en octubre de 1871, fue nombrado director del coro de la iglesia de Saint-Sulpice bajo la dirección del compositor y organista Charles-Marie Widor . [29] En el curso de sus funciones, escribió varios cánticos y motetes , pocos de los cuales han sobrevivido. [31] Durante algunos servicios, Widor y Fauré improvisaron simultáneamente en los dos órganos de la iglesia, tratando de sorprenderse mutuamente con cambios repentinos de tono. [30] Fauré asistía regularmente a los salones musicales de Saint-Saëns y a los de Pauline Viardot , a quien Saint-Saëns lo presentó. [15]
Fauré fue miembro fundador de la Société Nationale de Musique , formada en febrero de 1871 bajo la presidencia conjunta de Romain Bussine y Saint-Saëns, para promover la nueva música francesa. [32] Otros miembros incluyeron a Georges Bizet , Emmanuel Chabrier , Vincent d'Indy , Henri Duparc , César Franck, Édouard Lalo y Jules Massenet . [33] Fauré se convirtió en secretario de la sociedad en 1874. [34] Muchas de sus obras fueron presentadas por primera vez en los conciertos de la sociedad. [34]
En 1874 Fauré se trasladó de Saint-Sulpice a la Église de la Madeleine , actuando como suplente del organista principal, Saint-Saëns, durante las numerosas ausencias de este último en gira. [35] Algunos admiradores de la música de Fauré han expresado su pesar por el hecho de que, aunque tocó el órgano profesionalmente durante cuatro décadas, no dejó ninguna composición solista para el instrumento. [36] Era famoso por sus improvisaciones, [37] y Saint-Saëns dijo de él que era "un organista de primera clase cuando quería serlo". [38] Fauré prefería el piano al órgano, que tocaba sólo porque le proporcionaba un ingreso regular. [38] Duchen especula que no le gustaba el órgano, posiblemente porque "para un compositor con tanta delicadeza de matices y tanta sensualidad, el órgano simplemente no era lo suficientemente sutil". [39]
El año 1877 fue significativo para Fauré, tanto profesional como personalmente. [40] En enero, su primera sonata para violín se interpretó en un concierto de la Société Nationale con gran éxito, marcando un punto de inflexión en su carrera como compositor a la edad de 31 años. [40] Nectoux considera la obra como la primera gran obra maestra del compositor. [41] En marzo, Saint-Saëns se retiró de la Madeleine, sucedido como organista por Théodore Dubois , su director de coro; Fauré fue designado para reemplazar a Dubois. [40] En julio, Fauré se comprometió con la hija de Pauline Viardot, Marianne, de quien estaba profundamente enamorado. [40] Para su gran pesar, ella rompió el compromiso en noviembre de 1877, por razones que no están claras. [42] Para distraer a Fauré, Saint-Saëns lo llevó a Weimar y le presentó a Franz Liszt . Esta visita le dio a Fauré el gusto por los viajes al extranjero, algo que hizo durante el resto de su vida. [42] A partir de 1878, él y Messager hicieron viajes al extranjero para ver óperas de Wagner. Vieron El oro del Rin y La valquiria en la Ópera de Colonia ; el ciclo completo de El anillo del anillo en la Hofoper de Múnich y en el Teatro de Su Majestad en Londres; y Los maestros cantores en Múnich y en Bayreuth , donde también vieron Parsifal . [43] Con frecuencia interpretaron como pieza de fiesta su composición conjunta, la irreverente Souvenirs de Bayreuth . Esta obra corta y de ritmo rápido para piano a cuatro manos evoca temas de El anillo del anillo . [44] Fauré admiraba a Wagner y tenía un conocimiento detallado de su música, [45] pero fue uno de los pocos compositores de su generación que no cayó bajo la influencia musical de Wagner. [n 5]
En 1883 Fauré se casó con Marie Fremiet, hija de un destacado escultor, Emmanuel Fremiet . [47] [n 6] Nectoux comenta que Marie "no tenía belleza, ingenio ni fortuna... era estrecha y fría", [48] pero registra que "a pesar de todo [Fauré] todavía sentía ternura por ella". El matrimonio fue afectuoso, pero Marie era, en palabras de Nectoux, "una ama de casa", y no compartía el deseo de su marido de salir por las noches, [49] y se resintió por sus frecuentes ausencias, su aversión por la vida doméstica - "horreur du domicile" - y sus amoríos, mientras ella permanecía en casa. [47] Aunque Fauré valoraba a Marie como amiga y confidente, escribiéndole a menudo -a veces a diario- cuando estaba lejos de casa, ella no compartía su naturaleza apasionada, que encontraba satisfacción en otra parte. [50] Fauré y su esposa tuvieron dos hijos. El primero, nacido en 1883, Emmanuel Fauré-Fremiet (Marie insistió en combinar su apellido con el de Fauré), [49] se convirtió en un biólogo de reputación internacional. [51] El segundo hijo, Philippe, nacido en 1889, se convirtió en escritor; sus obras incluyeron historias, obras de teatro y biografías de su padre y su abuelo. [52]
Los relatos contemporáneos coinciden en que Fauré era extremadamente atractivo para las mujeres; [n 7] en la frase de Duchen, "sus conquistas fueron legión en los salones de París". [54] Después de una relación romántica con la cantante Emma Bardac alrededor de 1892, [55] seguida por otra con la compositora Adela Maddison , [56] en 1900 Fauré conoció a la pianista Marguerite Hasselmans, la hija de Alphonse Hasselmans . Esto llevó a una relación que duró el resto de la vida de Fauré. La mantuvo en un apartamento de París y ella actuó abiertamente como su compañera. [57]
Para mantener a su familia, Fauré pasó la mayor parte de su tiempo dirigiendo los servicios diarios en la Madeleine y dando lecciones de piano y armonía. [58] Sus composiciones le reportaron una cantidad insignificante, porque su editor las compró directamente, pagándole un promedio de 60 francos por canción, y Fauré no recibió regalías. [59] Durante este período, escribió varias obras a gran escala, además de muchas piezas para piano y canciones, pero destruyó la mayoría de ellas después de unas pocas interpretaciones, conservando solo algunos movimientos para reutilizar motivos. [15] Entre las obras que sobreviven de este período se encuentra el Réquiem , comenzado en 1887 y revisado y ampliado, a lo largo de los años, hasta su versión final que data de 1901. [60] Después de su primera interpretación, en 1888, el sacerdote a cargo le dijo al compositor: "No necesitamos estas novedades: el repertorio de la Madeleine es bastante rico". [61]
De joven, Fauré había sido muy alegre; un amigo escribió sobre su "alegría juvenil, incluso algo infantil". [62] A partir de los treinta años sufrió episodios de depresión, que describió como " mal humor ", posiblemente causados en primer lugar por la ruptura de su compromiso y su falta de éxito como compositor. [15] En 1890, un prestigioso y remunerativo encargo para escribir una ópera con letras de Paul Verlaine fue abortado por la incapacidad del poeta, debido a la borrachera, para interpretar un libreto. Fauré se sumió en una depresión tan profunda que sus amigos estaban seriamente preocupados por su salud. [63] Winnaretta de Scey-Montbéliard , [n 8] siempre buena amiga de Fauré, lo invitó a Venecia , donde tenía un palacio en el Gran Canal . [64] Recuperó el ánimo y comenzó a componer de nuevo, escribiendo la primera de sus cinco Mélodies de Venise , con textos de Verlaine, cuya poesía continuó admirando a pesar de la debacle operística. [65]
En esa época, o poco después, comenzó la relación de Fauré con Emma Bardac; en palabras de Duchen, «por primera vez, a finales de sus cuarenta, experimentó una relación apasionada y satisfactoria que se prolongó durante varios años». [66] Sus principales biógrafos coinciden en que este romance inspiró un estallido de creatividad y una nueva originalidad en su música, ejemplificada en el ciclo de canciones La bonne chanson . [67] Fauré escribió la Suite Dolly para dúo de piano entre 1894 y 1897 y se la dedicó a la hija de Bardac, Hélène, conocida como «Dolly». [15] [n 9] Algunas personas sospecharon que Fauré era el padre de Dolly, pero biógrafos como Nectoux y Duchen lo consideran poco probable. Se cree que el romance de Fauré con Emma Bardac comenzó después del nacimiento de Dolly, aunque no hay pruebas concluyentes de ningún tipo. [68]
Durante la década de 1890, la suerte de Fauré mejoró. Cuando Ernest Guiraud , profesor de composición en el Conservatorio de París , murió en 1892, Saint-Saëns animó a Fauré a postularse para el puesto vacante. El cuerpo docente del Conservatorio consideró a Fauré peligrosamente moderno y su director, Ambroise Thomas , bloqueó el nombramiento, declarando: "¿Fauré? ¡Jamás! Si lo nombran, renuncio". [69] Sin embargo, Fauré fue designado para otro de los puestos de Guiraud, inspector de los conservatorios de música en las provincias francesas. [70] No le gustaban los viajes prolongados por el país que implicaba el trabajo, pero el puesto le proporcionó un ingreso estable y le permitió dejar de enseñar a alumnos aficionados. [71]
En 1896, Ambroise Thomas murió y Théodore Dubois asumió la dirección del Conservatorio. Fauré sucedió a Dubois como organista jefe de la Madeleine. La decisión de Dubois tuvo más repercusiones: Massenet , profesor de composición en el Conservatorio, esperaba suceder a Thomas, pero se excedió al insistir en ser nombrado de por vida. [72] Fue rechazado y, cuando se nombró a Dubois en su lugar, Massenet renunció a su cátedra furioso. [73] Fauré fue nombrado en su lugar. [74] Enseñó a muchos compositores jóvenes, entre ellos Maurice Ravel , Florent Schmitt , Charles Koechlin , Louis Aubert , Jean Roger-Ducasse , George Enescu , Paul Ladmirault , Alfredo Casella y Nadia Boulanger . [15] En opinión de Fauré, sus alumnos necesitaban una base sólida en las habilidades básicas, que estaba feliz de delegar en su competente asistente André Gedalge . [75] Su propio papel consistía en ayudarlos a hacer uso de estas habilidades de la manera que se adaptara a los talentos de cada estudiante. Roger-Ducasse escribió más tarde: "Tomando lo que los alumnos estuvieran trabajando, evocaba las reglas de la forma en cuestión ... y se refería a ejemplos, siempre extraídos de los maestros". [76] Ravel siempre recordó la mentalidad abierta de Fauré como profesor. Habiendo recibido el Cuarteto de cuerdas de Ravel con menos entusiasmo que su habitual, Fauré pidió ver el manuscrito nuevamente unos días después, diciendo: "Podría haberme equivocado". [77] El musicólogo Henry Prunières escribió: "Lo que Fauré desarrolló entre sus alumnos fue el gusto, la sensibilidad armónica, el amor por las líneas puras, por las modulaciones inesperadas y coloridas; pero nunca les dio [recetas] para componer según su estilo y es por eso que todos buscaron y encontraron sus propios caminos en muchas direcciones diferentes y a menudo opuestas". [78]
Las obras de Fauré de los últimos años del siglo incluyen música incidental para el estreno en Inglaterra de Pelléas et Mélisande (1898) de Maurice Maeterlinck y Prométhée , una tragedia lírica compuesta para el anfiteatro de Béziers . Escrita para ser interpretada al aire libre, la obra está orquestada para un gran número de intérpretes instrumentales y vocales. Su estreno en agosto de 1900 fue un gran éxito y fue reestrenada en Béziers al año siguiente y en París en 1907. Una versión con orquestación para un número de intérpretes de tamaño normal se presentó en la Ópera de París en mayo de 1917 y recibió más de cuarenta representaciones en París a partir de entonces. [n 10]
Entre 1903 y 1921, Fauré escribió regularmente críticas musicales para Le Figaro , un papel en el que no se sentía cómodo. Nectoux escribe que la amabilidad natural de Fauré y su amplitud de miras lo predisponían a enfatizar los aspectos positivos de una obra. [15]
En 1905 estalló un escándalo en los círculos musicales franceses a causa del máximo galardón musical del país, el Prix de Rome . Ravel, alumno de Fauré , había sido eliminado prematuramente en su sexto intento por este premio, y muchos creían que elementos reaccionarios dentro del Conservatorio habían jugado un papel en ello. [80] Dubois, que se convirtió en objeto de mucha censura, adelantó su jubilación y dimitió de inmediato. [81] Designado en su lugar, y con el apoyo del gobierno francés, Fauré cambió radicalmente la administración y el plan de estudios. Designó jueces externos independientes para decidir sobre admisiones, exámenes y concursos, una medida que enfureció a los miembros de la facultad que habían dado un trato preferencial a sus alumnos privados; sintiéndose privados de un considerable ingreso extra, muchos de ellos dimitieron. [82] Fauré fue apodado " Robespierre " por los miembros descontentos de la vieja guardia mientras modernizaba y ampliaba la gama de música que se enseñaba en el Conservatorio. Como dice Nectoux, "donde Auber , Halévy y especialmente Meyerbeer habían reinado supremos... ahora era posible cantar un aria de Rameau o incluso algo de Wagner, hasta entonces un nombre prohibido dentro de los muros del Conservatorio". [83] El plan de estudios se amplió para abarcar desde la polifonía renacentista hasta las obras de Debussy . [83]
La nueva posición de Fauré le permitió mejorar su situación económica. Sin embargo, aunque también se hizo mucho más conocido como compositor, dirigir el Conservatorio no le dejó más tiempo para la composición que cuando luchaba por ganarse la vida como organista y profesor de piano. [84] Tan pronto como terminaba el año laboral, en los últimos días de julio, abandonaba París y pasaba los dos meses hasta principios de octubre en un hotel, normalmente junto a uno de los lagos suizos, para concentrarse en la composición. [85] Entre sus obras de este período se incluyen su ópera lírica, Pénélope (1913), y algunas de sus canciones posteriores más características (por ejemplo, el ciclo La chanson d'Ève , Op. 95, completado en 1910) y piezas para piano (Nocturnos núms. 9-11; Barcarolas núms. 7-11, escritas entre 1906 y 1914). [15]
Fauré fue elegido miembro del Institut de France en 1909, después de que su suegro y Saint-Saëns, ambos miembros de larga data, hicieran campaña enérgicamente en su nombre. Ganó la votación por un estrecho margen, con 18 votos contra 16 del otro candidato, Widor . [86] [n 11] En el mismo año, un grupo de jóvenes compositores liderados por Ravel y Koechlin rompieron con la Société Nationale de Musique, que bajo la presidencia de Vincent d'Indy se había convertido en una organización reaccionaria, y formaron un nuevo grupo, la Société musicale indépendante . Si bien Fauré aceptó la presidencia de esta sociedad, también siguió siendo miembro de la antigua y continuó en los mejores términos con d'Indy; su única preocupación era el fomento de la nueva música. [86] En 1911 supervisó el traslado del Conservatorio a nuevas instalaciones en la rue de Madrid. [85]
Durante esta época, Fauré desarrolló graves problemas de audición. No sólo empezó a quedarse sordo, sino que los sonidos se distorsionaron, de modo que las notas agudas y graves le sonaban dolorosamente desafinadas. [88]
El cambio de siglo XX vio un aumento en la popularidad de la música de Fauré en Gran Bretaña, y en menor medida en Alemania, España y Rusia. [89] Visitó Inglaterra con frecuencia, y una invitación para tocar en el Palacio de Buckingham en 1908 le abrió muchas otras puertas en Londres y más allá. [90] Estuvo en Londres para el estreno de la Primera Sinfonía de Elgar en 1908 y cenó con el compositor. [91] Elgar más tarde le escribió a su amigo en común Frank Schuster que Fauré "era un verdadero caballero, el tipo más alto de francés y lo admiraba mucho". [92] Elgar intentó que se representara el Réquiem de Fauré en el Festival de los Tres Coros , pero finalmente no tuvo su estreno en Inglaterra hasta 1937, casi cincuenta años después de su primera interpretación en Francia. [92] Los compositores de otros países también amaban y admiraban a Fauré. En la década de 1880, Chaikovski lo había considerado "adorable"; [93] Albéniz y Fauré fueron amigos y corresponsales hasta la temprana muerte del primero en 1909; [94] Richard Strauss buscó su consejo; [95] y en los últimos años de Fauré, el joven estadounidense Aaron Copland fue un devoto admirador. [2]
El estallido de la Primera Guerra Mundial casi dejó a Fauré varado en Alemania, donde había ido para su retiro anual de composición. Consiguió llegar desde Alemania a Suiza, y de allí a París. [96] Permaneció en Francia durante toda la guerra. Cuando un grupo de músicos franceses liderados por Saint-Saëns intentó organizar un boicot a la música alemana, Fauré y Messager se desvincularon de la idea, aunque el desacuerdo no afectó su amistad con Saint-Saëns. [n 12] Fauré no reconocía el nacionalismo en la música, veía en su arte "un lenguaje que pertenece a un país tan por encima de todos los demás que se ve arrastrado cuando tiene que expresar sentimientos o rasgos individuales que pertenecen a una nación en particular". [99] No obstante, era consciente de que su propia música era respetada más que amada en Alemania. En enero de 1905, cuando visitó Frankfurt y Colonia para ofrecer conciertos de su música, escribió: «Las críticas a mi música han sido que es un poco fría y demasiado educada. No hay duda al respecto, el francés y el alemán son dos cosas diferentes». [100]
En 1920, a la edad de 75 años, Fauré se retiró del Conservatorio debido a su creciente sordera y fragilidad. [15] Ese año recibió la Gran Cruz de la Legión de Honor , un honor poco común para un músico. En 1922, el presidente de la República, Alexandre Millerand , dirigió un homenaje público a Fauré, un homenaje nacional , descrito en The Musical Times como "una espléndida celebración en la Sorbona , en la que participaron los artistas franceses más ilustres, [lo que] le trajo una gran alegría. Fue un espectáculo conmovedor, de hecho: el de un hombre presente en un concierto de sus propias obras y capaz de no escuchar una sola nota. Se sentó mirando hacia adelante pensativamente y, a pesar de todo, agradecido y contento". [88]
Fauré sufrió de mala salud en sus últimos años, en parte debido a su hábito de fumar mucho. A pesar de ello, siguió estando disponible para los jóvenes compositores, incluidos los miembros de Les Six , la mayoría de los cuales eran devotos suyos. [88] [n 13] Nectoux escribe: "En la vejez alcanzó una especie de serenidad, sin perder nada de su notable vitalidad espiritual, pero más bien alejado del sensualismo y la pasión de las obras que escribió entre 1875 y 1895". [15]
En sus últimos meses, Fauré luchó por completar su Cuarteto de cuerdas . Veinte años antes había sido el dedicatario del Cuarteto de cuerdas de Ravel. Ravel y otros instaron a Fauré a componer uno propio. Se negó durante muchos años, con el argumento de que era demasiado difícil. Cuando finalmente decidió escribirlo, lo hizo con temor, diciéndole a su esposa: "He comenzado un Cuarteto para cuerdas, sin piano. Este es un género que Beethoven en particular hizo famoso, y hace que todos los que no son Beethoven se sientan aterrorizados por él". [102] Trabajó en la pieza durante un año, terminándola el 11 de septiembre de 1924, menos de dos meses antes de morir, trabajando largas horas hacia el final para completarla. [103] El cuarteto se estrenó después de su muerte; [104] rechazó una oferta para que se lo interpretaran en privado en sus últimos días, ya que su audición se había deteriorado hasta el punto en que los sonidos musicales se distorsionaban horriblemente en su oído. [105]
Fauré murió en París de neumonía el 4 de noviembre de 1924 a la edad de 79 años. Recibió un funeral de estado en la Église de la Madeleine y está enterrado en el cementerio de Passy en París. [106]
Tras la muerte de Fauré, el Conservatorio abandonó su radicalismo y se volvió resistente a las nuevas tendencias en la música, con la propia práctica armónica de Fauré siendo considerada como el límite más lejano de la modernidad, más allá del cual los estudiantes no debían ir. [107] Su sucesor, Henri Rabaud , director del Conservatorio de 1922 a 1941, declaró que "el modernismo es el enemigo". [108] La generación de estudiantes nacidos entre las guerras rechazó esta premisa obsoleta, recurriendo en busca de inspiración a Bartók , la Segunda Escuela de Viena y las últimas obras de Stravinski . [107]
En un homenaje al centenario en 1945, el musicólogo Leslie Orrey escribió en The Musical Times : "'Más profundo que Saint-Saëns, más variado que Lalo, más espontáneo que d'Indy, más clásico que Debussy, Gabriel Fauré es el maestro por excelencia de la música francesa, el espejo perfecto de nuestro genio musical'. Tal vez, cuando los músicos ingleses conozcan mejor su obra, estas palabras de Roger-Ducasse no parezcan un elogio excesivo, sino más que lo que le corresponde". [109]
Aaron Copland escribió que, aunque las obras de Fauré pueden dividirse en los períodos habituales "temprano", "medio" y "tardío", no hay una diferencia tan radical entre sus primeras y últimas formas como es evidente en muchos otros compositores. Copland encontró premoniciones del Fauré tardío incluso en las primeras obras, y rastros del Fauré temprano en las obras de su vejez: "Los temas, las armonías, la forma, han permanecido esencialmente iguales, pero con cada nueva obra se han vuelto todos más frescos, más personales, más profundos". [2] Cuando Fauré nació, Berlioz y Chopin todavía estaban componiendo; este último fue una de las primeras influencias de Fauré. [110] En sus últimos años, Fauré desarrolló técnicas de composición que prefiguraron la música atonal de Schoenberg , [111] y, más tarde aún, se inspiró discretamente en las técnicas del jazz. [112] Duchen escribe que obras tempranas como la Cantique de Jean Racine están en la tradición del romanticismo francés del siglo XIX, aunque sus obras tardías son tan modernas como cualquiera de las obras de sus alumnos. [113]
Las influencias sobre Fauré, particularmente en sus primeros trabajos, incluyeron no solo a Chopin sino también a Mozart y Schumann. Los autores de The Record Guide (1955), Sackville-West y Shawe-Taylor , escribieron que Fauré aprendió la moderación y la belleza de la superficie de Mozart, la libertad tonal y las largas líneas melódicas de Chopin, "y de Schumann, las repentinas felicidades en las que abundan sus secciones de desarrollo, y esas codas en las que movimientos completos son breve pero mágicamente iluminados". [114] Su trabajo se basó en la sólida comprensión de las estructuras armónicas que adquirió en la École Niedermeyer del sucesor de Niedermeyer , Gustave Lefèvre . [15] Lefèvre escribió el libro Traité d'harmonie (París, 1889), en el que establece una teoría armónica que difiere significativamente de la teoría clásica de Rameau , ya que ya no proscribe ciertos acordes como " disonantes ". [n 14] Al utilizar disonancias suaves no resueltas y efectos coloristas, Fauré anticipó las técnicas de los compositores impresionistas . [115]
En contraste con su estilo armónico y melódico, que traspasó los límites de su tiempo, los motivos rítmicos de Fauré tendían a ser sutiles y repetitivos, con poco que rompiera el flujo de la línea, aunque utilizó síncopas discretas, similares a las que se encuentran en las obras de Brahms . [15] Copland se refirió a él como "el Brahms de Francia". [2] El crítico musical Jerry Dubins sugiere que Fauré "representa el vínculo entre el Romanticismo alemán tardío de Brahms ... y el impresionismo francés de Debussy". [116]
Para Sackville-West y Shawe-Taylor, las obras posteriores de Fauré no muestran el encanto sencillo de su música anterior: "la deliciosa armonía romántica que siempre había estado firmemente sostenida por una única tonalidad , más tarde dio paso a un estilo severamente monocromático, lleno de cambios enarmónicos y que creaba la impresión de varios centros tonales empleados simultáneamente". [117]
Fauré es considerado uno de los maestros de la canción francesa, o mélodie . [15] Ravel escribió en 1922 que Fauré había salvado la música francesa del dominio del Lied alemán . [118] Dos años más tarde, el crítico Samuel Langford escribió sobre Fauré: "Casi más seguramente que cualquier otro escritor en el mundo, él poseía la facultad de crear una canción completa de una pieza, y con una intensidad sostenida de ánimo que la hacía como un solo pensamiento". [119] En un artículo de 2011, el pianista y escritor Roy Howat y la musicóloga Emily Kilpatrick escribieron:
Su devoción por la melodía se extiende a lo largo de toda su carrera, desde el siempre fresco "Le papillon et la fleur" de 1861 hasta el magistral ciclo L'horizon chimérique , compuesto sesenta años y más de cien canciones después. Las canciones de Fauré son ahora parte fundamental del repertorio para estudiantes y profesionales, cantadas en conservatorios y salas de recitales en todo el mundo. [120]
En opinión de Copland, las primeras canciones, escritas en las décadas de 1860 y 1870 bajo la influencia de Gounod , a excepción de canciones aisladas como " Après un rêve " o "Au bord de l'eau", muestran pocas señales del artista que vendría después. Con el segundo volumen de las sesenta canciones recopiladas escritas durante las dos décadas siguientes, opinó Copland, llegaron los primeros ejemplos maduros del "verdadero Fauré". Señaló "Les berceaux", "Les roses d'Ispahan" y especialmente " Clair de lune " como "tan hermosas, tan perfectas, que incluso han penetrado en América", y llamó la atención sobre melodías menos conocidas como "Le secret", "Nocturne" y "Les présents". [2] Fauré también compuso varios ciclos de canciones . Cinq mélodies "de Venise" , Op. Fauré describió La bonne chanson Op. 58 (1891) como un tipo novedoso de suite de canciones , en su uso de temas musicales recurrentes a lo largo del ciclo. Para el ciclo posterior La bonne chanson , Op. 61 (1894), hubo cinco temas de este tipo, según Fauré. [121] También escribió que La bonne chanson era su composición más espontánea, con Emma Bardac cantándole cada día el material recién escrito. [70] Entre las obras posteriores se encuentran ciclos extraídos de los poemas de Charles van Lerberghe , La chanson d'Ève (1910) y Le jardin clos (1914). [122]
El Réquiem , Op. 48, interpretado por primera vez en 1888, no fue compuesto en memoria de una persona específica sino, en palabras de Fauré, "por el placer de hacerlo". Se lo ha descrito como "una canción de cuna de la muerte" debido a su tono predominantemente suave. [123] Fauré omitió el Dies irae , aunque aparece una referencia al día del juicio en el Libera me , que, como Verdi , añadió al texto litúrgico normal. [124] Fauré revisó el Réquiem a lo largo de los años, y ahora se utilizan varias versiones interpretativas diferentes, desde la primera, para pequeños grupos, hasta la revisión final con orquesta completa. [125]
Las óperas de Fauré no han encontrado un lugar en el repertorio regular. Prométhée es la más olvidada de las dos, con solo un puñado de representaciones en más de un siglo. [126] Copland consideró a Pénélope (1913) una obra fascinante y una de las mejores óperas escritas desde Wagner; sin embargo, señaló que la música es, en su conjunto, "claramente no teatral". [2] La obra utiliza leitmotivs y los dos papeles principales requieren voces de calidad heroica, pero estas son las únicas formas en que la obra es wagneriana. En el estilo tardío de Fauré, "la tonalidad se estira con fuerza, sin romperse". [127] En las raras ocasiones en que la pieza se ha representado, la opinión crítica generalmente ha elogiado la calidad musical de la partitura, pero ha variado en cuanto a la efectividad dramática de la obra. Cuando la ópera se presentó por primera vez en Londres en 1970, en una producción estudiantil de la Royal Academy of Music , Peter Heyworth escribió: "Una partitura que ofrece ricas recompensas a un oído atento puede, no obstante, dejar de tener mucho impacto en el teatro... La mayor parte de la música es demasiado recesiva para ser teatralmente efectiva". [128] Sin embargo, después de una producción de 2006 en el Festival de Wexford , Ian Fox escribió: " La Pénélope de Fauré es una verdadera rareza y, aunque se esperaba una música encantadora, fue una sorpresa lo seguro que era el toque teatral del compositor". [129]
Los conjuntos de obras para piano más importantes de Fauré son trece nocturnos , trece barcarolas , seis impromptus y cuatro valses caprichosos. Estos conjuntos fueron compuestos a lo largo de las décadas de su carrera y muestran el cambio en su estilo desde un encanto juvenil sin complicaciones hasta una introspección final enigmática, pero a veces ardiente, a través de un período turbulento en sus años intermedios. [2] Otras de sus piezas notables para piano, incluidas obras más breves o colecciones compuestas o publicadas como un conjunto, son Romances sin palabras , Balada en fa bemol mayor, Mazurca en si bemol mayor, Tema y variaciones en do bemol menor y Huit pièces brèves . Para dúo de piano , Fauré compuso la Suite Dolly y, junto con su amigo y ex alumno André Messager , una parodia exuberante de Wagner en la suite corta Souvenirs de Bayreuth . [130]
Las obras para piano suelen utilizar figuras arpegiadas , con la melodía intercalada entre las dos manos, e incluyen sustituciones de dedos naturales para los organistas. Estos aspectos las hacen desalentadoras para algunos pianistas. Incluso un virtuoso como Liszt dijo que le resultaba difícil tocar la música de Fauré. [43] [n 15] Las primeras obras para piano están claramente influenciadas por Chopin. [133] Una influencia aún mayor fue Schumann , cuya música para piano Fauré amaba más que ninguna otra. [134] En opinión de Copland, fue con el sexto Nocturno cuando Fauré emergió completamente de la sombra de cualquier predecesor. [2] El pianista Alfred Cortot dijo: "Hay pocas páginas en toda la música comparables a estas". [2] El crítico Bryce Morrison ha señalado que los pianistas a menudo prefieren tocar las encantadoras obras para piano anteriores, como el Impromptu No. 2, en lugar de las obras para piano posteriores, que expresan "tal pasión privada y aislamiento, tal ira y resignación alternadas" que los oyentes se sienten incómodos. [135] En su música para piano, como en la mayoría de sus obras, Fauré evitó el virtuosismo en favor de la lucidez clásica a menudo asociada con los franceses. [115] No se impresionaba por los pianistas puramente virtuosos, y decía: "Cuanto mejores son, peor me tocan". [136]
Fauré no estaba muy interesado en la orquestación, y en ocasiones pidió a sus antiguos alumnos, como Jean Roger-Ducasse y Charles Koechlin, que orquestaran sus obras de concierto y teatro. En palabras de Nectoux, el estilo orquestal generalmente sobrio de Fauré refleja "una actitud estética definida... La idea del timbre no era determinante en el pensamiento musical de Fauré". [137] No se sentía atraído por las combinaciones extravagantes de colores tonales, que consideraba autoindulgentes o un disfraz de la falta de invención musical real. [15] Les dijo a sus alumnos que debería ser posible producir una orquestación sin recurrir a glockenspiels , celestas , xilófonos , campanas o instrumentos eléctricos. [138] Debussy admiraba la sobriedad de la orquestación de Fauré, encontrando en ella la transparencia que buscaba en su propio ballet Jeux de 1913 ; Poulenc , por el contrario, describió la orquestación de Fauré como "un abrigo plomizo... barro instrumental". [139] Las obras orquestales más conocidas de Fauré son las suites Masques et bergamasques (basadas en música para un entretenimiento dramático o divertissement comique ), que él mismo orquestó, [140] Dolly , orquestada por Henri Rabaud , [141] y Pelléas et Mélisande , que se basa en música incidental para la obra de Maeterlinck ; la versión teatral fue orquestada por Koechlin, pero el propio Fauré reelaboró la orquestación para la suite publicada. [138]
En el repertorio de cámara , sus dos cuartetos para piano, en do menor y sol menor , particularmente el primero, se encuentran entre las obras más conocidas de Fauré. [142] Su otra música de cámara incluye dos quintetos para piano , dos sonatas para violonchelo , dos sonatas para violín , un trío para piano y un cuarteto de cuerdas . Copland (escribiendo en 1924 antes de que el cuarteto de cuerdas estuviera terminado) sostuvo que el segundo quinteto (en do menor, Opus 115) era la obra maestra de Fauré: "... un pozo puro de espiritualidad... extremadamente clásico, lo más alejado posible del temperamento romántico". [2] Otros críticos han diferido un poco: The Record Guide comentó: "El flujo incesante y el esquema de color restringido del último estilo de Fauré, como se ejemplifica en este Quinteto, necesitan una gestión muy cuidadosa, si no se quiere que se vuelvan tediosos". [142] La última obra de Fauré, el Cuarteto de cuerdas , ha sido descrita por los críticos de la revista Gramophone como una meditación íntima sobre las últimas cosas, [143] y "una obra extraordinaria para cualquier estándar, etérea y de otro mundo con temas que parecen constantemente ser arrastrados hacia el cielo". [144]
Fauré hizo rollos de piano de su música para varias compañías entre 1905 y 1913. [n 16] Se hicieron más de cien grabaciones de la música de Fauré entre 1898 y 1905, principalmente de canciones, con algunas obras de cámara cortas, por intérpretes que incluían a los cantantes Jean Noté y Pol Plançon e intérpretes como Jacques Thibaud y Alfred Cortot . [146] En la década de 1920, una serie de las canciones más populares de Fauré estaban grabadas, incluyendo "Après un rêve" cantada por Olga Haley, [147] y "Automne" y "Clair de lune" cantadas por Ninon Vallin . [148] En la década de 1930, artistas más conocidos grabaron piezas de Fauré, entre ellos Georges Thill ("En prière"), [149] y Jacques Thibaud y Alfred Cortot (Sonata para violín n.° 1 y Berceuse). [150] La siciliana de Pelléas et Mélisande se registró en 1938. [151]
En la década de 1940, había algunas obras más de Fauré en los catálogos. Una encuesta realizada por John Culshaw en diciembre de 1945 destacó grabaciones de obras para piano interpretadas por Kathleen Long (incluido el Nocturno n.º 6, la Barcarola n.º 2, el Tema y variaciones, Op. 73, y la Balada Op. 19 en su versión orquestal dirigida por Boyd Neel ), el Réquiem dirigido por Ernest Bourmauck y siete canciones cantadas por Maggie Teyte . [152] La música de Fauré comenzó a aparecer con más frecuencia en los lanzamientos de las compañías discográficas en la década de 1950. La Record Guide de 1955 enumeraba el Cuarteto para piano n.º 1, el Quinteto para piano n.º 2, el Cuarteto de cuerdas, ambas sonatas para violín, la Sonata para violonchelo n.º 2, dos nuevas grabaciones del Réquiem y los ciclos de canciones completos La bonne chanson y La chanson d'Ève . [153]
En la era del LP y particularmente en la del CD, las compañías discográficas han creado un catálogo sustancial de la música de Fauré, interpretada por músicos franceses y no franceses. Varias grabaciones modernas de la música de Fauré han llegado a la atención del público como ganadoras de premios en premios anuales organizados por Gramophone y la BBC . [n 17] Se han grabado conjuntos de sus principales obras orquestales bajo la dirección de Michel Plasson (1981) [154] y Yan Pascal Tortelier (1996). [155] Las principales obras de cámara de Fauré han sido grabadas, con intérpretes como el Cuarteto Ysaÿe , Domus , Paul Tortelier , Arthur Grumiaux y Joshua Bell . [156] Las obras completas para piano solo han sido grabadas por Kathryn Stott (1995), [157] Paul Crossley (1984-1985) [158] y Lucas Debargue (2021-2022) [159] con conjuntos sustanciales de las principales obras para piano de Germaine Thyssens-Valentin , [160] Jean-Philippe Collard (1982-1984), [161] Pascal Rogé (1990), [162] y Kun-Woo Paik (2002). [163] Todas las canciones de Fauré han sido grabadas en CD, incluido un conjunto completo (2005), anclado por el acompañante Graham Johnson , con los solistas Jean-Paul Fouchécourt , Felicity Lott , John Mark Ainsley y Jennifer Smith , entre otros. [164] El Réquiem y las obras corales más breves también están bien representadas en el disco. [165] Pénélope ha sido grabada dos veces, con elencos encabezados por Régine Crespin en 1956 y Jessye Norman en 1981, dirigidos respectivamente por Désiré-Émile Inghelbrecht y Charles Dutoit . [166] Prométhée no ha sido grabada en su totalidad, pero se grabaron extensos extractos bajo la dirección de Roger Norrington (1980). [167]
Un artículo de 2001 sobre Fauré en el Diccionario biográfico de músicos de Baker concluye así:
La estatura de Fauré como compositor no ha disminuido con el paso del tiempo. Desarrolló un idioma musical propio; mediante la aplicación sutil de viejos modos, evocó el aura de un arte eternamente fresco; al utilizar suaves disonancias no resueltas y efectos colorísticos especiales, anticipó los procedimientos del impresionismo; en sus obras para piano, rehuyó el virtuosismo en favor de la lucidez clásica de los maestros franceses del clavecín ; la línea melódica articulada con precisión de sus canciones se encuentra en la mejor tradición de la música vocal francesa. Su gran Réquiem y su Élégie para violonchelo y piano han entrado en el repertorio general. [115]
El biógrafo de Fauré, Nectoux, escribe en el Grove Dictionary of Music and Musicians que Fauré es ampliamente considerado como el mayor maestro de la canción francesa, y que junto con las mélodies , las obras de cámara se ubican como "la contribución más importante de Fauré a la música". [15] El crítico Robert Orledge escribe: "Su genio era de síntesis: reconcilió elementos tan opuestos como la modalidad y la tonalidad, la angustia y la serenidad, la seducción y la fuerza dentro de un único estilo no ecléctico, como en la suite Pelléas et Mélisande , su obra maestra sinfónica. La cualidad de renovación constante dentro de un rango aparentemente limitado... es una faceta notable de su genio, y el estilo sobrio y elíptico de su único Cuarteto de cuerdas sugiere que su estilo intensamente autodisciplinado todavía estaba desarrollándose en el momento de su muerte". [168]
