Sorcerer es una película de acción y suspenso estadounidense de 1977 producida y dirigida por William Friedkin y protagonizada por Roy Scheider , Bruno Cremer , Francisco Rabal y Amidou . La segunda adaptación dela novela francesa de 1950 de Georges Arnaud Le Salaire de la peur , ha sido ampliamente considerada como una nueva versión de la película de 1953 El salario del miedo , [12] aunque Friedkin no estuvo de acuerdo con esta evaluación. [13] La trama muestra a cuatro marginados de diversos orígenes que se reúnen en un pueblo sudamericano , donde se les asigna el transporte de cargamentos de dinamita vieja y mal conservada que es tan inestable que está "sudando" su peligroso ingrediente básico, la nitroglicerina . [9]
Sorcerer fue concebida originalmente como un proyecto paralelo a la siguiente gran película de Friedkin, The Devil's Triangle , con un modesto presupuesto de 2,5 millones de dólares. [14] El director optó más tarde por una producción más grande, que pensó que se convertiría en su legado. [13] El coste de Sorcerer se había fijado en 15 millones de dólares, aumentando a 22 millones de dólares tras una producción problemática con varios lugares de rodaje (principalmente en la República Dominicana ) y conflictos entre Friedkin y su equipo. [15] Los crecientes gastos requirieron la participación de dos importantes estudios cinematográficos , Universal Pictures y Paramount Pictures , [15] con ambos estudios compartiendo la distribución en Estados Unidos y Cinema International Corporation siendo responsable del estreno internacional. [16]
La película recibió críticas generalmente negativas tras su estreno. Su recaudación nacional (incluyendo alquileres) y mundial de 5,9 millones de dólares [4] y 9 millones de dólares respectivamente [17] no recuperó sus costos. Un número considerable de críticos, así como el propio Friedkin, atribuyeron el fracaso comercial de la película a su estreno aproximadamente al mismo tiempo que La guerra de las galaxias , que instantáneamente se convirtió en un fenómeno de la cultura pop. [3] [13] [18] [19]
La película ha disfrutado de una reevaluación crítica y algunos críticos la han elogiado como una obra maestra pasada por alto, [2] [3] [15] [20] quizás "la última no declarada [una] de los años 70 estadounidenses". [21] Friedkin consideró a Sorcerer entre sus obras favoritas, [22] [23] y la película más personal y difícil que jamás hizo. [24] La banda sonora de música electrónica de Tangerine Dream también fue aclamada, lo que llevó a la banda a convertirse en compositores de bandas sonoras populares en la década de 1980. [25] Después de una larga demanda presentada contra Universal Studios y Paramount, Friedkin supervisó una restauración digital de Sorcerer , y la nueva copia se estrenó en el 70.º Festival Internacional de Cine de Venecia el 29 de agosto de 2013. [26] Warner Home Video lanzó la película remasterizada en Blu-ray el 22 de abril de 2014. [27]
La película se abre con un prólogo que consta de cuatro segmentos descritos por los críticos como "viñetas". [28] [29] [30] Muestran a los personajes principales en diferentes partes del mundo y proporcionan sus historias de fondo.
Nilo, un hombre elegantemente vestido, entra en un apartamento en Veracruz . Inmediatamente, Nilo ejecuta al desprevenido inquilino con un revólver con silenciador y procede a salir tranquilamente del edificio hacia la plaza.
Un grupo de combatientes de la resistencia palestina disfrazados de judíos provoca una explosión cerca de la Puerta de Damasco en Jerusalén , tras lo cual se refugian en su escondite, donde reúnen armamento y planean su escape. Después de ser rodeados por las Fuerzas de Defensa de Israel , se separan; dos mueren y uno es detenido. El único que logra escapar es Kassem. El segmento termina con él mirando impotente desde una multitud a su compañero capturado.
Mientras habla de un libro que su esposa está editando, Victor Manzon descubre un regalo de aniversario de ella: un reloj con una dedicatoria especial. Después de reunirse con el presidente de la Bolsa de París , donde se le acusa de fraude, Victor recibe 24 horas para proporcionar una garantía para que los cargos puedan ser retirados. Victor se encuentra con su socio comercial y cuñado, Pascal, y discuten; Victor insiste en que Pascal se comunique con su padre para obtener ayuda financiera. Victor cena con su esposa y su amiga en un restaurante glamoroso; más tarde recibe un mensaje de un mayordomo que dice que Pascal está esperando afuera. Cuando se entera de que el padre de Pascal se ha negado a ayudar, Victor se muestra firme en que lo intenten de nuevo. Acompaña a su socio hasta un auto, pero Pascal se suicida. Ante la inminente fatalidad, Victor abandona a su esposa y al país.
En Elizabeth , una banda irlandesa roba una iglesia católica que está conectada con una banda rival de la mafia italiana y organiza juegos de bingo en efectivo . Durante el robo, uno de los gánsteres irlandeses-estadounidenses dispara y hiere a uno de los sacerdotes que cuentan las ganancias del bingo. De vuelta en su auto, los miembros de la banda irlandesa se involucran en una acalorada discusión que hace que Jackie Scanlon, el conductor, pierda la concentración y choque contra un camión. Todos mueren excepto Jackie, quien escapa con heridas graves. El sacerdote herido resulta ser el hermano de Carlo Ricci, un capo de la mafia italiana que también controlaba el flujo de dinero en la iglesia y está decidido a matar a Jackie a toda costa. Jackie se encuentra con su amigo Vinnie, quien le revela su destino y le encuentra un lugar adecuado para escapar. La única opción que tiene Jackie es aceptar.
Kassem, Victor y Jackie asumen identidades falsas y terminan en Porvenir, un pueblo remoto en algún lugar de América del Sur. Sus condiciones contrastan marcadamente con sus vidas anteriores. La economía del pueblo depende en gran medida de una compañía petrolera estadounidense . Kassem se hace amigo de un hombre llamado "Márquez", presumiblemente un criminal de guerra nazi . Todos viven en extrema pobreza y ganan salarios magros. Todos quieren salir, pero sus ahorros son insuficientes para la emigración . Después de un tiempo, Nilo llega al pueblo, levantando sospechas. Mientras tanto, explota un pozo de petróleo y la única forma de extinguir el fuego es usar dinamita . Dado que la única dinamita disponible se ha almacenado incorrectamente en un depósito remoto, la nitroglicerina contenida en el interior se ha vuelto muy inestable; la más mínima vibración podría causar una explosión. Con todos los demás medios descartados, la única forma de transportarla a lo largo de 218 millas (351 km) es utilizar camiones. La empresa busca cuatro conductores para manejar dos vehículos. A Kassem, Victor, Jackie y 'Márquez' les ofrecen el trabajo, pero tienen que ensamblar los camiones con piezas de desecho. Poco antes de su partida, Nilo mata y reemplaza a 'Márquez', lo que enfurece a Kassem.
Los cuatro conductores se embarcan en un peligroso viaje de más de 351 kilómetros, enfrentándose a muchos peligros y conflictos internos. A pesar de sus diferencias, se ven obligados a cooperar. Atraviesan un puente podrido durante una violenta tormenta eléctrica, y Kassem y Victor casi pierden su camión en el proceso. El equipo se ve obligado a utilizar una de las cajas de dinamita para destruir un enorme árbol caído que bloquea su camino. El terreno accidentado en una carretera al lado del acantilado hace que el camión de Kassem y Victor reviente un neumático, lo que hace que el camión se caiga por el acantilado; explota y mata a la pareja. Cuando Nilo y Jackie se detienen en la escena de la destrucción, los bandidos los rodean en un intento de robo. Matan a los bandidos, pero Nilo resulta mortalmente herido y pronto muere a causa de sus heridas. Ahora solo, Jackie lucha por mantenerse cuerdo, abrumado por alucinaciones y flashbacks. Cuando el motor de su camión se apaga a solo dos millas del destino, se ve obligado a llevar la dinamita restante a pie. Cuando finalmente llega a su destino, se derrumba por agotamiento.
En el bar de Porvenir, Jackie recibe un pasaporte colombiano y el pago por el trabajo de la compañía petrolera, así como una oferta de otro trabajo. Antes de irse, le pide a una asistenta que baile con él. Mientras los dos bailan, los secuaces de Carlo Ricci, junto con el viejo amigo de Jackie, Vinnie, salen de un taxi y entran al bar armados. Desde afuera, se escucha el débil sonido de un disparo o de un neumático reventado , lo que deja en el aire el destino de Jackie.
Otros miembros del reparto incluyen a Peter Capell como Lartigue, el superior de Corlette; Anne-Marie Deschodt como Blanche, la esposa de Victor Manzon, quien le da un reloj especialmente grabado como regalo de aniversario de bodas, que más tarde Victor intenta en vano vender a cambio de una salida de Porvenir; [31] Friedrich von Ledebur como Carlos, dueño del bar El Corsario y supuestamente ex " mariscal del Tercer Reich "; Chico Martínez como Bobby Del Ríos, un especialista en explosivos [28] [31] y asesor de Corlette que evalúa la situación en el pozo de petróleo; Joe Spinell como "Spider", un conocido de Scanlon en Porvenir que participa en la prueba de conducción de camiones pero falla; Rosario Almontes como Agrippa, una camarera en El Corsario que parece estar encariñada con Manzon ya que le da un crucifijo antes de su partida; Richard Holley como Billy White, un piloto de helicóptero que descarta enviar la dinamita por aire; Jean-Luc Bideau como Pascal, el cuñado de Manzon [13] que no recibe ayuda de su padre para salvar su empresa de la ejecución por fraude; Jacques François como Lefevre, el presidente de la Bolsa de París, que acusa a Manzon de fraude monetario; Gerard Murphy como Donnelly, un jefe de la banda irlandesa de la que Jackie Scanlon es miembro; Randy Jurgensen como Vinnie, un amigo de Scanlon que lo dirige a los muelles de Baltimore [31] desde donde tiene que huir a un lugar aún no revelado para evadir la ejecución de la mafia; y Cosmo Allegretti como Carlo Ricci, un vengativo líder de la mafia y hermano de un sacerdote que recibió un disparo en Nueva Jersey durante el robo y que pone precio a la cabeza de Jackie Scanlon. [31]
El título de la película hace referencia a uno de los camiones, que tiene el nombre Sorcerer pintado en el capó (el otro se llama Lázaro ); la narrativa no presenta ningún personaje o evento sobrenatural o mágico. Cuando el director William Friedkin fue a buscar locaciones en Ecuador e investigó los adornos peculiares en los camiones de carga que había visto allí, notó que había nombres pintados en ellos, que iban desde familiares hasta referencias mitológicas. [38] Primero se le ocurrió el nombre Lázaro en honor a Lázaro ; luego, después de un tiempo luchando por encontrar otro apodo, una escucha del álbum Sorcerer de Miles Davis sirvió como inspiración para nombrar al otro camión, aunque la palabra estaba pintada en francés: "Sorcier". Friedkin luego decidió cambiar su título provisional Ballbreaker por Sorcerer , que describió como "una referencia intencional pero desacertada a El exorcista ". [39]
Friedkin pensó que el título encajaba con el tema general de la película:
El hechicero es un mago malvado y en este caso el mago malvado es el destino. El hecho de que alguien pueda salir de su casa y que un huracán se lo lleve, un terremoto o que algo caiga a través del techo. Y la idea de que en realidad no tenemos control sobre nuestro propio destino, ni sobre nuestros nacimientos ni sobre nuestras muertes, es algo que me ha perseguido desde que fui lo suficientemente inteligente como para contemplar algo así. [40]
Friedkin profundizó sobre este tema en una entrevista con Thomas D. Clagett:
No estaba preparada para mi éxito o mi fracaso. Me sentí... golpeada por el destino sin ningún control sobre [mi] destino. Ese es uno de los temas de Sorcerer . No importa cuánto luches, explotas. [...] Se trata de venganza, venganza, traición; así es como me siento respecto a la vida... la vida está llena de traiciones... falsas promesas... el destino te espera a la vuelta de la esquina para patearte el trasero. [22]
En opinión del director, la premisa de El salario del miedo (tanto la novela como la primera adaptación cinematográfica) le parecía una metáfora de que "el mundo [está] lleno de extraños que se odian entre sí, pero que si no cooperan, si no trabajan juntos de alguna manera, estallarán". [41] Walon Green, el guionista, dijo que él y Friedkin "querían una película cínica en la que el destino cambia las tornas para la gente antes de que ellos mismos cambien". Además, su intención era "escribir una película real sobre lo que pensábamos que era la realidad de América Latina y la presencia de extranjeros allí hoy". [42]
Durante una escena en París en la que Victor y su esposa conversan, ella le lee las memorias de un oficial retirado de la Legión Extranjera francesa que debe tomar la decisión de matar a un civil o no. El oficial finalmente lo hace, lo que para Victor significa que él era "un soldado más". Su esposa contraataca con el argumento de que "nadie es cualquier cosa". Para Friedkin, esta frase representa "el tema de la película". [13] La crítica de cine Gloria Heifetz ha añadido que la dirección de Friedkin evita que esta línea se vuelva sentimental y se vincula con el final de la película. [28]
Friedkin originalmente concibió Sorcerer como una "pequeña película intermedia de 2,5 millones", un trampolín para realizar su próximo gran proyecto, The Devil's Triangle , la continuación planificada de El exorcista . Sin embargo, Steven Spielberg en ese momento ya había hecho Encuentros cercanos del tercer tipo , lo que presumiblemente anuló el proyecto. Peter Biskind teorizó que Friedkin siempre había visto a Francis Ford Coppola como su competidor, por lo que cuando Coppola se dirigió a Filipinas para dirigir Apocalipsis ahora , Friedkin fue a América Latina para rodar Sorcerer . [43]
La intención de Friedkin no era crear una nueva versión, sino dirigir una película utilizando únicamente el mismo esquema básico con protagonistas completamente originales. También quería que la película fuera "más cruda que la [versión] de Clouzot, con el 'toque documental' por el que [él] se había hecho conocido". [13] Friedkin inicialmente también quería que El salario del miedo de Clouzot se reestrenara en los cines estadounidenses, pero no pudo convencer a ningún estudio importante para que lo hiciera. Sentía que el público estadounidense tenía una exposición muy limitada a la película de Clouzot [41] y que el mundo angloparlante en general no estaba muy familiarizado con ella. [24]
Friedkin nombró a Walon Green como guionista de la película. El director conoció a Green en la década de 1960 y desde entonces quedó muy impresionado con su trabajo en el western de Sam Peckinpah The Wild Bunch . Friedkin describió a Green como una persona políglota, que hablaba con fluidez francés, español, italiano y alemán, además de tener "un conocimiento enciclopédico de la música y la literatura clásicas". Antes de escribir el guion, Green expresó su entusiasmo por el proyecto y sugirió a Friedkin que leyera la novela Cien años de soledad de Gabriel García Márquez . Friedkin lo describió como "otro trabajo que cambia la vida" que sirvió como base para su adaptación de Wages of Fear . El esquema de la historia fue creado tanto por Friedkin como por Green, y el guion se terminó en cuatro meses. [13] Gerard Murphy, que interpretó al jefe de la banda irlandesa durante el robo a la iglesia de Elizabeth, fue un criminal de la vida real involucrado en un atraco similar. Friedkin utilizó detalles de las historias de Murphy y los usó como inspiración. Los miembros restantes de la pandilla eran "no actores pero parte del mundo de Gerry", incluido un miembro del IRA. [13]
Algunos críticos compararon ciertos elementos de la película con la película de Werner Herzog de 1972 Aguirre, la ira de Dios , como Alex Peterson, quien pensó que ambas películas son notables por su "capacidad de crear una atmósfera verdaderamente amenazante a partir de una exuberante ubicación selvática, y por plantear la pregunta dudosamente pertinente de qué pueden traer la avaricia y la determinación loca a los hombres". [44] Esta conexión se exploró más a fondo en las memorias de Friedkin de 2013, The Friedkin Connection , cuando el director se comparó con un personaje de otra película de Herzog; en el proceso de realización de la película, "se había convertido en Fitzcarraldo , el hombre que construyó una casa de ópera en la jungla brasileña". [13]
Varios críticos compararon la película con El tesoro de Sierra Madre de John Huston . Phil Mucci indicó una similitud en términos de la premisa como una "historia de hombres desesperados en tiempos desesperados, unidos por el destino y las circunstancias", [45] y Thomas D. Clagett comparó las características y la apariencia de Jackie Scanlon con Fred C. Dobbs (interpretado por Humphrey Bogart ) de la película de Huston. Según Clagett, que cita a Friedkin, esto fue intencional. [33] Phil Mucci señala la influencia visual de la Nouvelle Vague francesa , así como de La batalla de Argel de Gillo Pontecorvo , [45] este último comentario también reflejado por Shaun Crawford, [15] Tom Stempel en su libro Framework: A History of Screenwriting in the American Film , [10] y Ken Dancyger en The Technique of Film and Video Editing: History, Theory, and Practice , donde afirma que al emplear técnicas similares a Pontecorvo, en los prólogos "establece credibilidad" y hace que "[estas] historias sean lo más realistas posible". [46] Stempel también aludió a la estructura episódica de la película al trabajo de Robert Altman . [10] Crawford también observa que la película posee " sensibilidades de cine vérité ", que en su opinión permiten al director capturar "su realismo sucio". [15] Dancynger también aborda este tema y evalúa la secuencia del prólogo de Jerusalén como filmada íntegramente en "estilo cinematográfico". [46]
Antes de que se pudiera producir la obra, William Friedkin tuvo que resolver el problema de la licencia, ya que Henri-Georges Clouzot no poseía los derechos de propiedad intelectual, sino el novelista Georges Arnaud:
"Primero tuvimos que adquirir los derechos, y esto resultó ser complicado. La película de Clouzot es de talla icónica, pero Clouzot no poseía los derechos. El novelista Georges Arnaud, que escribió el material original, Le Salaire de la peur , los controlaba, y tenía una disputa de larga data con Clouzot. Estaba feliz de vendernos los derechos, pero sentí que tenía que reunirme con Clouzot en París y obtener su bendición primero". [13]
Cuando Friedkin le reveló sus intenciones a Clouzot, Clouzot se sorprendió de que Friedkin quisiera reimaginar El salario del miedo debido a los enormes elogios que había recibido en ese momento por sus dos películas recientes. Friedkin le ofreció a Clouzot un porcentaje de las acciones de la película, por lo que el director francés se mostró agradecido. [13] En 2013, después de una proyección de Sorcerer en la Academia de Música de Brooklyn , Friedkin mencionó que "fue a la casa de Georges Arnaud a través de su abogado, y estaba muy contento de haberlo hecho porque no le gustó la película de Clouzot, si puedes creerlo". [41]
Y fue sólo una semana después que me di cuenta de que un primer plano de Steve McQueen valía el mejor paisaje que pudieras encontrar.
— Las reflexiones de William Friedkin sobre la pérdida de Steve McQueen como actor principal [41]
Friedkin originalmente imaginó un elenco estelar compuesto por Steve McQueen , Marcello Mastroianni y Lino Ventura .
McQueen fue la primera opción del director para Jackie Scanlon, una delincuente de poca monta que acaba prófuga de la ley y la mafia tras un robo en una iglesia de Nueva Jersey . El papel de Scanlon fue escrito específicamente para McQueen después de que Friedkin lo conociera en persona y resultó que estaba muy entusiasmado con la idea. A McQueen le encantó el guion, e incluso llegó a decir "Este es el mejor guion que he leído", pero no quería dejar el país ni a su esposa Ali MacGraw en ese momento. En cambio, propuso que MacGraw se convirtiera en productora asociada o que se escribiera un papel para ella en la película; sin embargo, Friedkin declinó ambos deseos, afirmando que "no hay casi ningún papel importante para una mujer... y no tenemos productores asociados que no hagan nada, no vamos a convertirla en AP". Finalmente, McQueen rechazó la oferta, lo que molestó mucho al director y le hizo arrepentirse más tarde de esta decisión. [41]
Después del desacuerdo con McQueen, Friedkin se acercó a Robert Mitchum quien, a pesar de apreciar el guion, se negó rotundamente, preguntándole a Friedkin "¿Por qué querría ir a Ecuador durante dos o tres meses para caerme de un camión? Puedo hacer eso afuera de mi casa". [13] El papel fue entonces ofrecido a Clint Eastwood y Jack Nicholson , ninguno de los cuales estaba dispuesto a viajar a la República Dominicana. Otro candidato para el papel de Scanlon fue Warren Oates , pero una vez que el presupuesto de la película aumentó más allá de los $10 millones, el estudio decidió que "[su] nombre no era lo suficientemente grande para llevar una imagen tan grande". [47] Finalmente trabajaron juntos en la secuela de Friedkin de Sorcerer , titulada The Brink's Job .
A Marcello Mastroianni se le ofreció el papel de Nilo, que inicialmente aceptó, pero debido a problemas relacionados con la custodia de su hija después de su separación de Catherine Deneuve , finalmente rechazó la oferta del director. [13] Fue reemplazado por el actor español Francisco Rabal , a quien Friedkin había querido para el papel de "Frog One" en The French Connection porque le encantó su actuación en Belle de Jour de Luis Buñuel , pero el director de casting eligió por error a Fernando Rey . [48]
El papel de Manzón estaba destinado a uno de los actores europeos más destacados, Lino Ventura . A pesar de las preocupaciones de Ventura sobre su inglés, inicialmente aceptó la propuesta de Friedkin. Sin embargo, después de que McQueen se echara atrás, Ventura dudó en participar en la película. [13]
No fue hasta que el ejecutivo de Universal, Sidney Sheinberg, sugirió a Roy Scheider que Friedkin logró elegir al actor para el papel principal de Jackie Scanlon. Anteriormente habían trabajado juntos en The French Connection , pero habían perdido el contacto después de que Friedkin, por insistencia de William Peter Blatty , se negara a elegir a Scheider como el padre Karras en El exorcista . [49] Como Universal no estaba entusiasmada con el proyecto, la adquisición de Scheider, que recientemente había disfrutado de un enorme éxito en Tiburón de Steven Spielberg , aumentó la confianza del estudio. [13] Las notas de producción sobre el lanzamiento del DVD de Universal en 1998 cuentan una historia diferente, señalando que la elección de Scheider como Scanlon/Domínguez era una "conclusión inevitable" y "la opción ideal (quizás la única) para el papel", ya que Friedkin lo había dirigido anteriormente en The French Connection . [36]
Después de elegir a Scheider para el papel principal, Lino Ventura se negó a aceptar un segundo papel. [41] El actor fue reemplazado por Bruno Cremer , quien, entre otras películas anteriores a Sorcerer , había trabajado en Section spéciale de Costa-Gavras [50] y a quien Friedkin describió como un "buen actor". [13]
El único actor que Friedkin eligió originalmente fue el franco-marroquí Amidou, que interpretó al terrorista palestino Kassem. Friedkin quedó tan impresionado con su actuación en La vida, el amor y la muerte (estrenada en 1968) de Claude Lelouch que anotó su nombre inmediatamente después de ver la película, con la esperanza de colaborar con él algún día. [50]
Friedkin en general se sintió insatisfecho con el proceso de casting. Creía que Sorcerer "necesitaba estrellas" y afirmó que los actores contratados para los papeles de Scanlon y Manzon eran su quinta, sexta o séptima opción preferida. Rabal, sin embargo, era su "segunda o tercera opción". [51] A pesar de que le gustaba Cremer, Friedkin sintió que este papel se beneficiaría de la presencia de Jean-Paul Belmondo o Lino Ventura. [51] La abundancia de actores extranjeros en la lista del reparto impulsó a Sidney Sheinberg [41] a preguntarle al director si le gustaría que tuvieran seudónimos anglicanizados. [32]
Uno de mis temas es que en todos hay bondad y maldad. No pretendía convertir a estos personajes en héroes. En realidad, no creo en los héroes. Las mejores personas tienen un lado oscuro y es una lucha constante para que el lado bueno sobreviva y prospere.
— La actitud de William Friedkin hacia la caracterización [52]
Según Friedkin citado por Kachmar, su intención artística era rodar toda la película sin "sentimiento" o "melodrama", dejándola completamente desprovista de "momentos emotivos". [53] La obra de Friedkin ha sido frecuentemente señalada por los críticos por su falta de "héroes o villanos claramente definidos", [5] y el propio director admitió que no cree en ninguno de los dos. [54] Por lo tanto, imaginó a los cuatro personajes principales como antihéroes y "difíciles de 'apoyar'". [13] Friedkin se sentía muy seguro de sí mismo en ese momento, pensando que era "a prueba de balas [y] nada iba a detenerlo", y sintió que "podía llevar a una audiencia a través de esto sin las personas más agradables de la Tierra". [41] El director también afirmó que la línea "la acción es el personaje" de la novela de F. Scott Fitzgerald El gran Gatsby le sirvió de inspiración en todas las películas que hizo, incluida Sorcerer . [41]
Serdar Yegulalp destaca las características y rasgos distintivos de cada uno de los protagonistas y elogia la ejecución de Friedkin diciendo que la película "nunca cae en la trampa de hacer que cada personaje brille en el momento justo: solo hacen lo suyo cuando están contra el abismo, tal como todos lo hacemos en el mundo real" y agrega que "su desesperación no es una pose". [32]
Antes del proceso de postproducción, la película contenía una cantidad significativamente mayor de diálogo, [41] y un análisis detallado de los cortes europeos y estadounidenses revela que se eliminaron ciertas escenas que involucraban la relación entre Scanlon y Nilo, así como que presentaban algunos de los motivos de Nilo. [55]
A diferencia de The Wages of Fear , en la que los personajes principales recibieron dos camiones en perfecto estado por parte de la compañía petrolera, sus contrapartes representadas en Sorcerer tuvieron que ser ensambladas por los propios protagonistas, utilizando piezas rescatadas de restos de naufragios. [28] La producción obtuvo dos GMC 2+Camiones militares M211 con capacidad de 1 ⁄ 2 tonelada, desplegados por primera vez en 1952 durante la Guerra de Corea como camiones de transporte. [56] [57] Utilizando el conocimiento adquirido en las visitas a Ecuador, Friedkin empleó a un artesano dominicano para embellecer los vehículos con símbolos y pinturas basadas en los nombres Lázaro y Hechicero . [58]
Friedkin eligió a Dick Bush como su director de fotografía después de ver la versión cinematográfica de la ópera rock Tommy , dirigida por Ken Russell , y después de descubrir que Bush había filmado la biografía de Gustav Mahler y había colaborado con Lindsay Anderson , a quien Friedkin apreciaba mucho. [13] La entonces esposa de Scheider, Cynthia Scheider, era asistente de montaje de cine que había trabajado anteriormente con Bud Smith en El exorcista . [59] Dado que filmar la película requería una estadía prolongada en Sudamérica, Scheider le preguntó a Friedkin si podía quedarse con él y tener un trabajo como editora. El director cumplió su deseo y, según se informa, estaba "encantado". [60] Sorcerer se filmó durante un cronograma de producción de diez meses, utilizando aproximadamente 1200 configuraciones de cámara. [50] El director intentó completar la película "sin depender del diálogo" y, en cambio, "contar la historia a través de imágenes". En el dossier de prensa de la película, Friedkin afirma que para él crear una película es una experiencia multifacética: "Cada película es en realidad tres películas. Está la película que concibes y planificas. Está la película que realmente filmas. Y está la película que surge contigo en la sala de montaje". [58]
La fotografía principal comenzó en París y retrató la historia de fondo de Victor Manzon. [13] La secuencia filmada en Jerusalén se realizó con la cooperación de las fuerzas de seguridad israelíes que se retrataron a sí mismas en las escenas de persecución. [13] La explosión simulada que ocurrió durante las escenas de Jerusalén tuvo tal poder que rompió una ventana de la casa del alcalde de la ciudad, que se encontraba a 6 metros (20 pies) de distancia. [50] La detonación fue controlada por Nick Dimitri, un especialista que interpretaba a un soldado israelí, que se posicionó demasiado cerca de los explosivos, lo que resultó en lesiones. Sin embargo, después de una hora, el director ordenó una segunda toma, siendo inflexible sobre el accidente anterior. Dimitri elogió la artesanía de Friedkin diciendo que "cuando ves la película y todo se borra, ni siquiera puedes decir si es la primera o la segunda toma". [61] Además, durante la realización de la secuencia, tuvo lugar un bombardeo real en las cercanías, lo que impulsó a Friedkin a capturar imágenes adicionales que, en su opinión, agregaron "una realidad documental". [13] La cuarta viñeta del prólogo, que tiene lugar en Elizabeth, Nueva Jersey , contiene una escena que involucra un accidente automovilístico. Se necesitaron doce tomas [58] y aproximadamente diez días para lograr lo que Friedkin pretendía. El director recuerda la secuencia como aparentemente "imposible de filmar", habiendo involucrado a varios especialistas de Nueva York, el equipo destrozó siete vehículos en el transcurso de una semana, sin satisfacer las intenciones del director. [13] Friedkin luego se puso en el asiento del pasajero para evaluar los aspectos negativos de la ejecución de la escena. [58] El director se hartó de la situación y decidió escuchar a David Salven, el productor de línea, quien sugirió que contrataran a un conocido especialista, Joie Chitwood Jr. , a quien Friedkin describió como "bajito, fornido, en parte indio, seguro de sí mismo y valiente". Después de que Friedkin le proporcionara toda la información necesaria sobre la infraestructura del set, Chitwood analizó meticulosamente el entorno y ordenó a los técnicos de efectos especiales que construyeran una rampa inclinada de cuarenta pies de largo que le permitiera "conducir el auto a toda velocidad sobre dos ruedas, volcarlo en el aire y estrellarlo contra una boca de incendios". La construcción llevó tres días y la acrobacia fue un éxito desde la primera toma. [13]
Friedkin dijo que la escena más importante de la película fue "la secuencia del cruce del puente, en la que los dos camiones tienen que cruzar por separado un viejo puente colgante de madera que parece completamente inestable". También la consideró la escena más ardua que ha filmado. [13] El puente fue diseñado por John Box utilizando componentes hidráulicos cuidadosamente ocultos que permitían controlar los movimientos del puente y de los camiones por igual. Su primera iteración se construyó en la República Dominicana durante un período de tres meses y se necesitó un millón de dólares para completarla. Sin embargo, tan pronto como se terminó, el equipo de Friedkin se enfrentó a un problema de lluvias anormalmente bajas. Durante el proceso de construcción, el nivel del agua del río disminuyó drásticamente y, cuando se montó el puente, el río se había secado completamente, a pesar de la garantía de los ingenieros locales de que no se habían registrado fluctuaciones en el nivel del agua durante la estación seca. Los ejecutivos del estudio sugirieron a Friedkin que ideara una escena menos sofisticada, pero en cambio continuó haciendo realidad su visión en diferentes lugares. Por lo tanto, John Box fue a explorar ubicaciones en México y descubrió que el río Papaloapan poseía características similares. El puente construido anteriormente tuvo que ser desmontado y anclado de nuevo. La llegada del equipo de Friedkin provocó un gran alboroto en los alrededores entre los lugareños debido a su reputación como director de El exorcista . Sin embargo, una parte de la población ofreció ayuda para terminar la estructura. Finalmente, este río también se vio afectado por la sequía, lo que obligó a aplicar algunos efectos prácticos para completar la escena. Para crear lluvia artificial, Friedkin empleó bombas de aguas residuales que drenaban el agua del río y la desviaban hacia un sistema de riego. Esta escena por sí sola, que dura 12 minutos, tardó varios meses en completarse y costó aproximadamente tres millones de dólares. [13] El director ha afirmado que durante esta secuencia, el camión que se tambaleaba contra las cuerdas en realidad se volcó en el río varias veces, lo que provocó numerosas repeticiones de tomas. [62]
El coordinador de especialistas de la película fue Bud Ekins, quien fue el doble de Steve McQueen en The Great Escape . Era amigo del editor de la película, Bud Smith, quien recuerda que Ekins era "tan fresco como una lechuga". [63] En algunos casos, se emplearon especialistas durante la realización de la película, pero en general, los actores principales actuaron como sus propios dobles y eran verdaderos conductores de camiones. Por ejemplo, dado que el personaje de Roy Scheider, Jackie Scanlon, estaba destinado a ser el conductor de un mafioso, tuvo que realizar una preparación especial para maniobrar un camión antiguo con el propósito de adquirir las habilidades de conducción necesarias. Resumió la experiencia como "ensayo para mantenerse con vida". Scheider ha enfatizado que no se utilizó ninguna proyección en la pantalla trasera ni ningún otro tipo de "fotografía trucada", debido a la distancia entre las cámaras, los vehículos y el terreno circundante. [58] En una entrevista de 1977 para The New York Times , Scheider dijo que filmar Sorcerer "hizo que Tiburón pareciera un picnic". Mencionó que los especialistas no estaban contentos porque los actores principales habían realizado sus propias acrobacias y agregó que la escena en la que se cruza un puente colgante de cuerdas es "lo que realmente sucedió". Scheider la llamó la secuencia más peligrosa en la que ha participado. [64] Amidou, en una entrevista para Morocco Times en 2005, afirmó que de todas las películas de su obra, Sorcerer fue la que le dejó una impresión más duradera, ya que "se negó a tener un sustituto y pagó por ello físicamente". [65]
Friedkin se enemistó con Paramount, utilizando una foto corporativa de Gulf and Western para una escena que mostraba a la malvada junta directiva de la compañía ficticia que contrató a los hombres para entregar dinamita. [66] Walon Green recordó la experiencia de la siguiente manera:
[Friedkin] puso la foto de Bluhdorn en la pared de la oficina en la escena en la que [el capataz de la compañía petrolera] descubre que el pozo ha sido volado por terroristas y no pueden hacer nada al respecto. Cuando Bluhdorn vio su foto en la pared como presidente de la compañía petrolera, ¡tuvo una hemorragia de mierda! [67]
Para crear cuatro prólogos para las respectivas historias de fondo de los personajes, Friedkin filmó cada una de las viñetas en locaciones, respectivamente en París para Victor Manzon, Jerusalén para Kassem, Elizabeth, Nueva Jersey , para Jackie Scanlon, y Veracruz , México, para Nilo. La parte principal de la película, por otro lado, originalmente estaba destinada a ser filmada en Ecuador , lo que impresionó enormemente a Friedkin. Sin embargo, tal diversidad de locaciones causó serias preocupaciones sobre el presupuesto. [13] Después de la fuerte oposición de Lew Wasserman , quien era el dueño de Universal Studios en ese momento, Friedkin tuvo que optar por no filmar allí. El director finalmente se decidió por República Dominicana , después de recibir luz verde de los ejecutivos del estudio. En una autobiografía, Infamous Players: A Tale of Movies, the Mob (And Sex) , el productor de cine Peter Bart teorizó que el propietario de Gulf and Western, Charlie Bluhdorn , apoyaba financieramente a República Dominicana y tenía la intención de crear un centro de realización de películas allí. Paul Rowlands, un crítico, afirmó que "es probable que la decisión de filmar en República Dominicana haya sido del agrado de Bluhdorn". [66]
Después de explorar las locaciones con Walon Green y John Box, el diseñador de producción, eligieron Villa Altagracia como la locación principal. [13] Friedkin describió el lugar como "una prisión sin muros" con una "sensación de pobreza y persecución atemporal". [50]
Aunque la mayor parte de la película se filmó en República Dominicana, Friedkin no dudó en buscar otros lugares para lograr el efecto deseado. Uno de los más notables se representa en el clímax de la película. Presenta un paisaje surrealista en tierras de la Nación Navajo en el desierto Bisti/De-Na-Zin , Nuevo México : [16]
La única secuencia que faltaba por filmar era la última etapa del viaje del camión superviviente, el Lázaro, y quería que fuera diferente de las otras localizaciones… y John Box la encontró en un lugar llamado Bisti Badlands en el noroeste de Nuevo México, 35 millas al sur del pueblo llamado Farmington … Fue el paisaje que elegimos para el final del viaje, en el que Scanlon abraza la locura, abandona su camión y lleva la dinamita dos millas hasta el yacimiento petrolífero en llamas. [13]
Durante una secuencia que involucra la detonación de un enorme árbol kaoba, Friedkin se enfrentó a un problema de potencia explosiva inadecuada. Inicialmente, Marcel Vercoutere, un especialista en efectos especiales que anteriormente trabajó con el director en El exorcista , iba a ser responsable de la explosión. Sin embargo, no logró el efecto requerido y apenas dañó el árbol. Esto impulsó a Friedkin a buscar los servicios de un pirómano oriundo de Queens , Nueva York , con el seudónimo de "Marvin the Torch", que llegó a la República Dominicana tres días después de la llamada y, utilizando materiales inflamables, destruyó el árbol en una toma a la mañana siguiente. [13] Una semana después del rodaje en la República Dominicana, Friedkin y su equipo fueron a Los Ángeles para revelar la película y ver los diarios. El director describió los prólogos como "bellamente filmados", pero no estaba satisfecho con las escenas de la jungla que consideró "subexpuestas" y "oscuras". Le dijo a Dick Bush que sería necesario volver a filmar. Bush, por su parte, argumentó que el rodaje debería haberse realizado en un escenario donde hubiera podido ajustar adecuadamente la iluminación. La respuesta le recordó a Friedkin sus problemas anteriores en el set de The Boys in the Band y lo ofendió, ya que desde el principio había querido rodar toda la película en exteriores. Al ver las escenas subexpuestas, Bush supuestamente "perdió la confianza" [13] y fue posteriormente despedido, lo que obligó a Friedkin a contratar un nuevo equipo de cámaras. [68] Reemplazó a Bush por John M. Stephens, con quien había trabajado bajo las órdenes de David L. Wolper. Stephens aplicó los cambios necesarios, incluido el empleo de reflectores para equilibrar "las sombras profundas de los árboles altos", así como el reemplazo de lentes y película. Esto dio como resultado un salto de calidad cinematográfica que encantó al director, quien dijo que "las ubicaciones se veían hermosas a la vista". [13]
Aparte de Bush, Friedkin tuvo una disputa con el principal representante de los Teamsters a quien despidió en algún momento y que impulsó al director a buscar otra tripulación de camioneros. El director también despidió a cinco gerentes de producción, lo que molestó a Scheider, quien dijo que estaba "cansado de ir al aeropuerto y despedirse de ellos", además de agregar que él era la única persona a la que Friedkin no podía dejar de lado, ya que era el actor principal. [69] David Salven, inicialmente elegido como productor de línea, tuvo que renunciar por razones personales, ya que enfrentaba la posibilidad de un divorcio. Friedkin lamentó esta situación, ya que elogió mucho a Salven por sus contribuciones anteriores a sus películas. Fue reemplazado por Ian Smith, a quien el director describió como "experimentado y eficiente". [13] En Tuxtepec , México, donde se filmó la escena del puente colgante, un agente federal encubierto informó a Friedkin que varios de los miembros de su tripulación, incluidos los hombres del equipo de agarre, los especialistas en acrobacias y un maquillador, estaban en posesión de drogas y se les instó a abandonar el país o enfrentar sentencias de prisión. Según se informa, se necesitaron dos semanas para reemplazar a los trabajadores del equipo. [13] Además de los conflictos internos en el set, Friedkin, citado por Mucci, dijo que aproximadamente cincuenta personas "tuvieron que abandonar la película por lesiones o gangrena ", [45] así como por intoxicación alimentaria y malaria . En The Friedkin Connection agregó que "casi la mitad del equipo fue al hospital o tuvo que ser enviado a casa". El propio Friedkin perdió cincuenta libras (23 kg) [70] y se vio afectado por malaria, que fue diagnosticada después del estreno de la película. [13] Tim Applegate concluyó un relato de la problemática realización cinematográfica de Sorcerer comparando a Friedkin con Francis Ford Coppola durante la producción de Apocalypse Now: "Friedkin llevó a su equipo de cámaras a la jungla y nunca regresó". [29]
Durante el rodaje de la película en Villa Altagracia, empresarios dominicanos presentaron una demanda contra Cinema Dominica (filial de Gulf and Western) por supuestos daños y perjuicios. El diario El Caribe indicó que la demanda contra Cinema Dominica alegaba que la empresa había “incumplido el contrato de alquiler que había firmado para el uso de los locales comerciales de la localidad”. [71]
Friedkin recuerda que trabajar con Scheider fue difícil, afirmando que el actor tenía frecuentes cambios de humor que no ocurrieron durante el rodaje de The French Connection y teorizó que después de alcanzar el estrellato con Tiburón se volvió "difícil", lo que contrastaba con su actitud de The French Connection , donde "se habría acostado [ sic ] frente a un tren elevado" para Friedkin. El director afirmó que a veces era "imposible hablar con Scheider" y completamente indiferente ante cualquiera de sus sugerencias. Resumió la experiencia diciendo que el arduo cronograma de producción y las difíciles condiciones en la República Dominicana fueron probablemente las razones detrás de su difícil relación. [49] Del mismo modo, Scheider también tenía sus reservas sobre el trabajo con Friedkin, por un lado elogiándolo como "cineasta extraordinariamente talentoso, que contaba historias con imágenes y filmaba maravillosamente", pero a pesar de su erudición, estaba empañado por una actitud desconfiada que hacía que todos a su alrededor estuvieran muy tensos. Según Diane Kachmar, Friedkin creía que inspiraba a otros a lograr grandes resultados, pero Scheider no estaba a favor de esas condiciones de trabajo. [72] Sin embargo, Scheider también admitió que solo un director de la estatura de Friedkin podría haberlo persuadido de realizar todas las escenas que amenazaban su vida y agregó que al ver las escenas diarias "supo que valía la pena". [58] A pesar de las tensiones mutuas, el director valoró mucho a Scheider, no le guardó rencor y lamentó que no recibiera más reconocimiento por su trabajo. Sin embargo, su relación finalmente "se distanció". [49]
El equipo de diseño de sonido incluía a Jean-Louis Ducarme, con quien Friedkin había trabajado en El exorcista y de quien tenía una muy buena opinión. [13] A él se unieron Robert Knudson, quien también fue supervisor de efectos de sonido en la película anterior de Friedkin, así como Robert Glass y Richard Tyler. El equipo de sonido empleó muestras distorsionadas de rugidos de tigres y pumas para el sonido de los motores de los camiones. CJ Schexnayder señaló que un ejercicio técnico de este tipo era "relativamente único para la época"; pero, con el paso de los años, técnicas como estas se convirtieron en un elemento básico de la realización cinematográfica. [73] El diseño de sonido finalmente obtuvo la única nominación al Oscar de la película , que perdió ante La guerra de las galaxias . [74]
En el silencio sin fondo. Sin previo aviso,
una cortina asciende lentamente y revela
un amanecer de medianoche. Un susurro de viento frío
y un sol blanco eclipsado por una luna pálida y amarilla.
El rumor de un trueno distante tiembla a lo largo del
borde de una galaxia
que cae en cascada por pasillos infinitos de
espejos ardientes que reflejan y vuelven a reflejar
océanos trascendentales de
caballos salvajes en estampida.El cristal se hace añicos, chilla y gira,
Sin fin. Sin previo aviso.
convirtiéndose en cúmulos de estrellas que se dispersan
desde lugares ocultos. Pulsantes. Implacables
como una pesadilla recurrente.
Los centauros palpitan dentro de las
arterias que cruzan la sangre de las caballerías que asaltan y que
se estrellan contra la parte superior de tu cabeza.
Se reciclan y recurren
una y otra vez .
Recordando a soles blancos que eclipsan océanos de
estrellas que chillan a través del amanecer de medianoche.
Contraportada de la banda sonora de Sorcerer [75]
Sorcerer marcó la primera banda sonora de una película de Hollywood para la banda alemana de krautrock y electrónica Tangerine Dream . William Friedkin, durante su visita a Alemania, asistió a su concierto en una iglesia abandonada en la Selva Negra . La banda le pareció "a la vanguardia del sonido de sintetizador electrónico" que pronto se convertiría en un elemento básico de la cultura dominante. Evaluó su música como una mezcla de música clásica tocada en sintetizadores y "el nuevo sonido pop", y describió la experiencia como "fascinante". [13] En una entrevista para Evolution Garden Music Award, Edgar Froese , entonces líder de la banda, recordó cómo inicialmente rechazó el encargo, pensando que Friedkin musicalizaría El exorcista II , sobre lo que Froese no estaba entusiasmado. Sin embargo, al enterarse de que Friedkin tenía la intención de reimaginar El salario del miedo , Froese volvió a llamar a Friedkin y le pidió material de video para trabajar, [76] pero Friedkin sugirió que la banda creara la banda basándose únicamente en sus impresiones del guion, sin ver un solo minuto de metraje de video. [13] Después de reunirse inicialmente en París, Froese informa que Friedkin estaba encantado con su trabajo; Froese agregó que "nunca tuvieron que cambiar nada en ese sentido" y resumió su participación como "el trabajo más sencillo que hicimos para Hollywood". [76] Al recibir el material de audio encargado, Friedkin se inspiró para editar la película de acuerdo con la música, que recibió en una forma cruda y sin abreviar. [13]
Friedkin, un admirador de la banda, declaró en las notas del álbum de la banda sonora que «si los hubiera escuchado antes, les habría pedido que musicalizaran [ El exorcista ]», y que considera que la película y la banda sonora son «inseparables». [75] Además de la banda sonora de Tangerine Dream, se emplearon algunos extractos de Hymns/Spheres de Keith Jarrett . [77] Friedkin también incluyó una canción autorizada, « I'll Remember April », del saxofonista de jazz Charlie Parker , [78] y una versión de « So What » de Miles Davis . [79] Para la proyección de la película, Paramount y William Friedkin prepararon instrucciones específicas con respecto a la música: exigieron que se tocara una obertura musical de tres minutos y medio antes de cada proyección y prohibieron cualquier alteración de la misma. [80]
En 2019, Waxwork Records lanzó la banda sonora en vinilo verde . Incluía la banda sonora completa de Tangerine Dream y notas de William Friedkin. [81]
Cuando el tráiler de Sorcerer se oscureció, las cortinas se cerraron y se abrieron de nuevo, y siguieron abriéndose y abriéndose, y empezaste a sentir una cosa enorme que venía por encima de tu hombro y te abrumaba, y escuchaste un ruido, y saliste volando al espacio. Hizo que nuestra película pareciera una pequeña pieza de mierda amateur. Le dije a Billy [Friedkin]: "Estamos volando fuera de la pantalla. Tienes que ir a ver esto".
— El editor de cine Bud Smith, sobre su reacción al ver Star Wars [5]
Paramount Pictures y Universal Pictures llegaron a un acuerdo en el que Paramount distribuiría la película en el este de los Estados Unidos, mientras que Universal la distribuiría en el oeste de los Estados Unidos . [16] Sorcerer se estrenó en cines en los Estados Unidos el 24 de junio de 1977, [82] y terminó siendo un fracaso de taquilla , recaudando 5,9 millones de dólares a nivel nacional [4] y 9 millones de dólares a nivel mundial. [5] Roger Ebert estimó que en ese momento, la película habría necesitado una recaudación de alrededor de 45-50 millones de dólares para simplemente "salir a mano". [83] Se estrenó un mes después del gran éxito de taquilla de George Lucas de 1977, Star Wars ; [84] Mann Theatres quería mantener Star Wars en el Teatro Chino de Mann , pero Paramount insistió en que la compañía cumpliera su contrato para Sorcerer . [85] Prevenidos por el editor de la película Sorcerer , Bud Smith, Friedkin y su esposa Jeanne Moreau vieron la epopeya de ciencia ficción en el Teatro Chino de Mann y vieron nerviosos a las multitudes gigantescas que asistieron, sabiendo que su película pronto la reemplazaría. Los temores de Friedkin eran correctos; cuando Sorcerer debutó en el cine, fue tan poco exitoso en comparación que Star Wars regresó rápidamente. [5] Friedkin estuvo de acuerdo con esta evaluación durante una entrevista en el DVD Bug . [86]
Varios críticos teorizaron que otro factor probable en el fracaso de taquilla de la película fue la confusión relacionada con su título. Cyriaque Lamar de Cracked.com señala que "el público que esperaba rarezas místicas al estilo de El exorcista abandonó los cines [, lo que provocó] anuncios que decían que Sorcerer 'NO ERA UNA PELÍCULA SOBRE LO SOBRENATURAL'". [87] [ Se necesita una mejor fuente ] El crítico de cine Gene Siskel pensó que Sorcerer era un "título muy malo". Para él, el título podría haber indicado cierta similitud con El exorcista y pensó que el público de la época estaba aburrido de otra película sobre exorcismos o que eso era precisamente lo que querían y, al ver la película, se confundieron y se preguntaron "¿dónde está el diablo?". Siskel también pensó que cada una de las compañías de producción pensaría que la otra se encargaría de la promoción, y nadie lo percibió como un "proyecto exclusivo de ellos, se dejó en medio de ellos". Por otra parte, Roger Ebert expresó su decepción por el desempeño de taquilla de la película al decir que "se podría ganar más que eso con solo estrenarla en la primera semana, y la gente se tropieza con un cine equivocado buscando a Bruce Lee", y culpó a Universal y Paramount por la falta de apoyo. [83] Friedkin afirmó que su actitud durante la realización de la película "alienó a la alta dirección de dos estudios" y, como consecuencia, no se sintieron obligados a apoyarla. [13]
ATENCIÓN, POR FAVOR. Para dramatizar los diversos orígenes de los personajes principales de 'Sorcerer', dos de las secuencias iniciales se filmaron en los idiomas extranjeros correspondientes, con subtítulos en inglés. Aparte de estas escenas iniciales, 'Sorcerer' es una película en idioma inglés.
— Aviso legal colocado en los carteles del vestíbulo de Sorcerer . [87]
Además, los primeros dieciséis minutos no contienen ninguna palabra en inglés, lo que hizo que el público pensara que se trataba de una película extranjera subtitulada, [88] y provocó que se marcharan. [87] En consecuencia, esto llevó a los cines a poner una exención de responsabilidad en las tarjetas del vestíbulo afirmando que, en su mayor parte, era una película en inglés. [10]
Después de la mala recepción de la película, su desastre financiero llevó a los ejecutivos de Universal a rescindir su contrato con Friedkin inmediatamente. [13] Friedkin se mudó a Francia con Moreau [72] donde se recuperó de una infección de malaria contraída durante el rodaje y quería cortar lazos con la industria cinematográfica estadounidense. [13] A pesar del fracaso de Sorcerer , en una entrevista de 2013 para The National , Friedkin declaró que en retrospectiva nunca dejó de creer en la película: "Mido el éxito o el fracaso de una película en una cosa: qué tan cerca estuve de mi visión de ella". [52]
Sorcerer no fue tan bien recibida por el público ni por los críticos de cine como las dos películas anteriores de Friedkin. El crítico de cine estadounidense DK Holm insinuó que todas las críticas podrían haber surgido del hecho mismo de que Friedkin se atreviera a reimaginar un clásico francés. [30]
En el libro de calificaciones anual "Movie Guide" de Leonard Maltin , la película recibe solo dos estrellas y media de cuatro, con la crítica: "El costoso remake de El salario del miedo nunca logra cautivar a pesar de algunas escenas asombrosas". [7] En Halliwell's Film Guide de Leslie Halliwell , la evaluación es aún más dura, y el autor encontró la película "verdaderamente insultante", [89] llegando a decir: "Por qué alguien querría gastar 20 millones de dólares en un remake de El salario del miedo, hacerlo mal y darle un título engañoso es una incógnita. El resultado es terrible". [9] Andrew Sarris, en su reseña del 18 de julio de 1977 para The Village Voice , resumió la película como "un libro de texto visual y auditivo sobre todo lo que está mal en las películas actuales", y afirmó que la película restableció el estatus de Friedkin al comienzo de su carrera, y lo comparó desfavorablemente con Clouzot, John Huston y David Lean , declarando que "no se ha acercado a igualar su artesanía". [90] Robert C. Cumbow, en la edición de septiembre de 1977 de Movietone News, también criticó la película, criticando la colocación de la cámara como "defectuosa", lo que en su opinión condujo a una exposición deficiente. Además, también consideró que la edición de la película era "ridícula" y pensó que Sorcerer carecía de participación de los personajes. [91] John Marlowe de The Miami News evaluó los diálogos de la película desfavorablemente, afirmando que " el diálogo de Sorcerer se mantiene al mínimo que no solo no sientes pena por estos cuatro perdedores, sino que nunca llegas a conocerlos realmente". También consideró la mezcla de momentos realistas y surrealistas de la película como "dolor en la mente". [92] Peter Biskind describió la película como "autoconscientemente artística y pretenciosa [...] fatalmente atrapada entre Estados Unidos y Europa, el comercio y el arte", afirmando que el resultado representaba "lo peor de ambos mundos", además de señalar que la audiencia de la época era sorprendentemente diferente de la que adoraba The French Connection . [6] Films Illustrated resumió a Sorcerer como "por debajo del par habitual", a pesar de la participación del reputado actor principal Scheider y un "director de primera", Friedkin. [93] En la edición de agosto de 1997 de The Progressive , Kenneth Turan Elogió la estructura narrativa de la película; sin embargo, pensó que a pesar de ello, era imposible conectarse con los personajes. Concluyó la reseña diciendo que con "películas como esta, el sentimiento lo es todo". [94] Una queja fue que algunos de los cortes de escena eran demasiado abruptos. Gene Siskel afirmó que los personajes "parecen ser un poco fríos", además de expresar la opinión de que los efectos especiales dominaban a los protagonistas. [83]
John Simon escribió sobre cómo Friedkin "gastó veintiún millones de dólares para realizar una película que podría ser estudiada de manera útil en cursos sobre cómo no hacer películas". [95]
James Monaco elogió la cinematografía y la técnica, y afirmó que "Friedkin tiene un compromiso con esta historia", pero concluyó que "de alguna manera la técnica abruma el significado y la emoción". Además, describió la película como "más sobria" que el trabajo anterior de Friedkin, y la calificó como "un gesto grandiosamente ingenuo de autocomplacencia", y trivializó su esfuerzo a un mero intento de rehacer "su héroe Clouzot". [96]
David Badder, en Monthly Film Bulletin , opinó que incluso si la película hubiera sido truncada, no mejoraría su calidad. Describió a Sorcerer como "notablemente mediocre" y no apreció el tono inestable de la película, que calificó de "impenetrablemente oscura". Además, consideró que el papel de Scheider estaba severamente subdesarrollado y "consistía en miradas significativas fuera de cámara y muecas tristes". [97]
Por otra parte, Sorcerer recibió elogios de varios críticos importantes, entre ellos Roger Ebert del Chicago Sun-Times , el crítico de cine jefe del New York Times, Vincent Canby , y Jack Kroll de Newsweek .
Ebert, en un episodio de noviembre de 1979 de Sneak Previews with Gene Siskel , calificó la película como un "clásico pasado por alto" y se sorprendió de que la película "fuera tan completamente pasada por alto" a pesar de estar protagonizada por el nominado al Oscar Roy Scheider y estar dirigida por William Friedkin, un ganador del Oscar. Además, afirmó que la película era "muy divertida" y elogió la escena del puente colgante en particular, diciendo que "es quizás la escena más asombrosa de toda la película. Es una combinación de desesperación, suspenso y grandes efectos especiales mientras Roy Scheider y sus compañeros intentan maniobrar un camión gigante lleno de nitroglicerina a través del corazón de esta jungla a través de un puente colgante". Además, enfatizó que Sorcerer estaba "en un nivel muy por encima de la mayoría de las películas de acción", y la llamó "un trabajo de amor para el director William Friedkin", e incluso llegó a decir que "las escenas de la jungla, la lluvia y la inundación, la catástrofe del fuego están entre las escenas más emocionantes que he visto". En cuanto a los temas, su impresión sobre las intenciones de Friedkin fue que "quería mostrar el comportamiento humano en sus extremos; hombres atormentados para completar una misión de vida o muerte contra todo pronóstico y descubriendo sus propios límites al mismo tiempo". [83] Ebert consideró a Sorcerer una de las 10 mejores películas de 1977. [ 98]
Canby calificó a Sorcerer como "un buen melodrama rodeado de pulpa", [99] y elogió las actuaciones de Scheider y Cremer, que pensó que eran "extremadamente buenas"; [100] Scheider trajo "la nota dominante de desesperación temeraria". [99] Por otro lado, pensó que la película "debería haber sido mucho, mucho más ajustada y menos cinematográficamente grandiosa". [100] Además, pensó que la película se beneficiaría de un título diferente para diferenciarse de El exorcista . [100] Kroll, en su reseña de Newsweek , llamó a la película "la película estadounidense más dura e implacable en mucho tiempo". [101]
La película es recibida hoy de forma más positiva por los críticos de cine profesionales. En el sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes, Sorcerer tiene una calificación del 83%, con una puntuación media de 7,6 sobre 10, basada en 52 reseñas. El consenso crítico del sitio web dice: " Sorcerer , que avanza obstinadamente a su velocidad impredecible, presenta secuencias ambiciosas de tensión insana que te pone los pelos de punta". [82] En Metacritic, la película tiene una puntuación de 68/100 basada en reseñas de 13 críticos. [102] Numerosos medios señalaron que Sorcerer es ahora un tema de revalorización crítica y un interés rejuvenecido, a diferencia de otras películas menos conocidas de su época. [103] [104] Algunos críticos y artistas contemporáneos también declararon que la adaptación de Friedkin de la novela Wages of Fear supera a la de HG Clouzot. [21] [30] [105] [106] Esta tendencia también condujo a un revisionismo de El salario del miedo de Clouzot , que ahora es criticado desfavorablemente en ciertos aspectos en comparación con la versión de Friedkin. [21] [32]
El crítico de cine Robert C. Cumbow, que criticó duramente la película en Movietone News (septiembre de 1977) en el momento de su estreno, ha reconsiderado desde entonces sus pensamientos iniciales y ha añadido un epílogo en 2010 en el que admite que ahora "la lee con vergüenza" y ahora reconoce elementos que antes identificaba como "no concluyentes" como aspectos de "la economía narrativa de Friedkin, el impacto visceral y la evitación del cliché visual"; cerró sus comentarios diciendo que su visión era un proceso gradual y largo. [107]
El 16 de marzo de 2001, el guionista y director Peter Hanson resumió que Sorcerer contrasta con la frecuente autocomplacencia de la década de 1970 y afirmó que la película es tremendamente emocionante con una gran dosis de tensión que atribuyó a la construcción de la trama como "un descenso indagatorio en la psique de un personaje arquetípico enloquecido por las circunstancias". También elogió la escena del cruce del puente y la elogió como "una de las secuencias de suspenso filmadas más elaboradamente en la historia del cine", destacando una abrumadora cantidad de configuraciones de cámara que, en su opinión, equivalían a crear "un nivel de tensión extenuante" y tal dedicación es palpable a lo largo de toda la película. [104]
El crítico de cine estadounidense DK Holm , en su libro de 2005 Film Soleil , describió la película como "superior tanto a su modelo como a la novela de la que ambos están tomados libremente", y consideró las viñetas iniciales como una "innovación". Según Holm, uno de los hilos conductores más destacados de Sorcerer es que "lidiar con la frustración es el 'viaje' de la vida", lo que en su opinión "prepara excelentemente" el final de suspenso. [108]
El nominado al Oscar, guionista y director Josh Olson , más famoso por su guion para A History of Violence , hizo una reseña en video de Sorcerer para la serie web Trailers from Hell en 2007. Elogió altamente la película, afirmando que es el mejor esfuerzo de Friedkin (" Sorcerer es Friedkin en la cima de su juego") y era "al menos igual a la original". También aplaudió la atmósfera, que dijo que tenía "un tono maravilloso y una verdadera sensación de pavor y desesperación [...] es tensa y llena de suspenso, cada escena te agarra del cuello y está hermosamente filmada. Puedes sentir la humedad allí en Sudamérica. Puedes sentir el sudor en los cartuchos de dinamita". Concluyó la reseña diciendo que el único aspecto en el que la película falló fue el hecho de que salió casi al mismo tiempo que Star Wars . Olson sintió que "la película merecía una gran audiencia", además de fantasear con que "en algún lugar hay un universo alternativo donde Sorcerer es un éxito masivo que cambia las reglas del juego en Hollywood y yo estoy haciendo comentarios en Trailers from Hell sobre un clásico de culto desconocido llamado Star Wars . En ese mundo, Hollywood ha pasado los siguientes 30 años haciendo películas inteligentes y atrevidas para adultos, la tasa de alfabetización es del 100%, no hemos estado en una guerra desde Vietnam y el hambre en el mundo es solo un recuerdo". [18]
El 21 de agosto de 2009, el autor Stephen King publicó un artículo en Entertainment Weekly titulado "Los alquileres confiables de Stephen King". En su lista de "20 [películas] que nunca decepcionan", King colocó a la original Wages of Fear en el puesto número 2 y a Sorcerer de Friedkin en el número 1, afirmando que aunque Wages of Fear "se considera una de las mejores películas de la era moderna", él prefería Sorcerer , y afirmó que el papel de Scheider como Jackie Scanlon era uno de los dos mejores papeles en toda su carrera, además de decir que la película "genera suspenso a través de una hermosa simplicidad". [105]
Un destacado crítico de cine inglés, Mark Kermode , también expresó su aprecio por la película, diciendo que "le había cogido cariño a la versión de William Friedkin de Wages of Fear ", añadiendo, sin embargo, que "sólo un idiota diría que Sorcerer es una película mejor que Wages of Fear ". [109]
Quentin Tarantino ha dicho: " Para mí, Sorcerer es una de las mejores películas jamás hechas... La escena del puente es uno de los grandes momentos de suspenso del cine. Es una de las mejores secuencias de filmación. La propia imaginería, la edición". [110] Sin embargo, Tarantino también dijo que la elección de Roy Scheider para el papel principal fue un defecto: "No está mal en la película. No es el actor que la película necesita. Y se debe más al hecho de que la película necesitaba hombros más grandes para colocar este tipo de epopeya en... Steve McQueen o Robert Blake , habrían sido perfectos. [110]
Los miembros del equipo Robert Knudson , Robert Glass , Richard Tyler y Jean-Louis Ducarme fueron nominados al Premio de la Academia al Mejor Sonido en la 50.ª edición de los Premios de la Academia en 1978 por su trabajo en esta película. [74]
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El estreno de la película en los cines europeos y australianos [112] le cortó 28 minutos al original (pero no en Francia, donde la película se distribuyó en su versión completa). En la mayoría de las regiones del mundo también se retituló como Wages of Fear y fue distribuida por Cinema International Corporation (más tarde rebautizada como United International Pictures ), [59] una empresa conjunta entre Universal y Paramount establecida específicamente para la distribución en el extranjero. [26] Esta versión comienza en el pueblo con los conductores ya presentes y termina con la entrega de explosivos. Los cortes fueron realizados por la distribuidora internacional Cinema International Corporation, sin el consentimiento de Friedkin [29] para obtener más proyecciones. [70] Friedkin se refirió a este corte como una versión "mutilada" de su trabajo. [16] Las viñetas de apertura se conservan en cierta medida, aunque muy acortadas e insertadas como flashbacks. [59] Aunque el corte europeo es más corto, hay casi dieciséis minutos de metraje único que no se muestra en la versión cinematográfica estadounidense original. [55]
Los cambios antes mencionados fueron aprobados por Verna Fields y encargados a Jim Clark, quien aceptó a regañadientes, y a Cynthia Scheider. Fields era un ejecutivo de Universal Studios que pensaba que acortar y reestructurar la película aumentaría el potencial comercial de la misma. Scheider también estaba interesado en aplicar esos cambios y ofreció su cooperación. Jim Clark recibió la garantía de Fields de que Friedkin permitía los cambios, pero desconfiaba mucho de la autenticidad de esta afirmación. Por lo tanto, Clark escribió una indemnización que impedía a Friedkin cualquier tipo de interferencia. Más tarde se doblaron algunos diálogos adicionales escritos por Clark y Ken Levinson. El estudio no poseía la copia original, por lo que se vio obligado a trabajar en la copia combinada. Jim Clark dijo que el corte era "en el mejor de los casos, pasable" y opinaba que si "hubiera dejado la versión de Friedkin intacta, habría tenido exactamente el mismo destino". [59]
El lanzamiento de la película en video se retrasó durante muchos años; los ejecutivos de Paramount y Universal argumentaron que eran problemas de propiedad los que impedían un lanzamiento, aunque un portavoz de Universal sugirió que la falta de interés público podría ser otra razón. [113] Una versión VHS de Sorcerer fue lanzada el 4 de octubre de 1990. [114] Un lanzamiento en laserdisc le siguió el 15 de diciembre de 1990. [115] El DVD fue lanzado en los EE. UU. y Canadá el 17 de noviembre de 1998, [82] y utilizó la transferencia de laserdisc [116] presentada en una versión no panorámica de 1.33:1 [117] , que no es su relación de aspecto teatral original; se mostró en los cines en una relación de aspecto de 1.85:1. [45] Sin embargo, desde que los televisores de pantalla ancha se han vuelto populares, Friedkin ha permitido que muchas de sus otras películas se lancen en DVD en sus formatos originales de pantalla ancha ( The French Connection , Cruising , To Live and Die in LA ).
En septiembre de 2013, Friedkin anunció que se suponía que los nuevos lanzamientos de videos caseros remasterizados en Blu-ray y DVD [118] se lanzarían el 14 de abril de 2014, [119] sin embargo, ambos terminaron siendo pospuestos al 22 de abril. [27] Si bien el lanzamiento en Blu-ray de 2014 contiene una nueva versión remasterizada digitalmente de la película, su contraparte en DVD es simplemente una versión reeditada del lanzamiento en DVD anterior, y no ha sido autorizada por Friedkin, quien lo repudió y aconsejó evitar comprarlo. [120] Además, el director anunció que supervisaría el proceso de remasterización para su relanzamiento en DVD, [121] que llegó a las tiendas estadounidenses en agosto. [122] En los EE. UU., el Blu-ray no tenía características adicionales, pero estaba acompañado de un folleto con imágenes de producción y un extracto de las memorias de Friedkin , The Friedkin Connection , [123] y fue bien recibido en su lanzamiento, con buenas críticas que elogiaban la calidad de la transferencia y alcanzando el puesto número 1 en Drama y el número 2 en Acción/Aventura en Amazon.com . [122] Sin embargo, en el Reino Unido, el Blu-ray se lanzó el 6 de noviembre de 2017 e incluyó una película de 74 minutos "En conversación" con el director, dirigida por el director Nicolas Winding Refn.
El fracaso de taquilla de Sorcerer condujo a comparaciones con otros fracasos financieros de la época, en particular Heaven's Gate de Michael Cimino , One from the Heart de Francis Ford Coppola y New York, New York de Martin Scorsese . Los críticos argumentaron que el fiasco de estas películas, entre otras, contribuyó a poner fin a un período de enfoque de autor en el cine estadounidense que fue prominente en la década de 1970. [124]
En opinión de varios críticos, el estreno de Star Wars marcó un cambio demográfico distintivo entre las audiencias, además de alterar drásticamente las tendencias en la industria cinematográfica, lo que al mismo tiempo contribuyó al fiasco financiero y crítico de Sorcerer . Sean Macaulay señala que Star Wars cambió la demografía cinematográfica, "restableciendo considerablemente el cine estadounidense a la fantasía reconfortante". [125] Según la crítica Pauline Kael , Star Wars contribuyó a "infantilizar a la audiencia", así como a "borrar la ironía, la autoconciencia y la reflexión crítica", [126] y para Tom Shone, que se basó en Kael, era imposible competir con Friedkin y Sorcerer . [127] Biskind también pensó que la demografía cinematográfica estadounidense había cambiado considerablemente desde The French Connection , y Sorcerer era "demasiado episódica, oscura y desafiada por las estrellas" para lograr la apreciación general. [128] RH Greene sostiene que Star Wars , que en su opinión era "puro escapismo", hizo que películas intelectualmente exigentes como Sorcerer quedaran obsoletas. [129]
Bill Gibron marca la desaparición del control creativo desenfrenado del escritor-director en favor de la realización cinematográfica gobernada por el estudio con La puerta del cielo , y agrega que Sorcerer también contribuyó significativamente a esta tendencia. [130] Sheldon Hall teoriza que el éxito de películas como Tiburón y La guerra de las galaxias marcó las tendencias en el cine de Hollywood para las décadas siguientes. Esto fue, en contraste con la "actitud subversiva" que los periodistas de entonces anunciaron como el pináculo de la realización cinematográfica. Hall observa que películas como M*A*S*H , Deliverance , Atrapado sin salida , Tarde de perros y Todos los hombres del presidente "tienen pocos equivalentes en Hollywood después de la década de 1970". Además, afirma que el último año favorable para el Nuevo Hollywood fue 1976, y el "cine socialmente crítico, estilísticamente aventurero" pronto sería sustituido por "trabajo ideológica y formalmente conservador" de directores como Steven Spielberg y George Lucas. El crítico sostiene la opinión de que varios fiascos financieros, entre ellos Sorcerer , New York, New York , One From the Heart y Heaven's Gate , fueron películas de autor que aspiraban a alcanzar el éxito comercial pero que fueron criticadas tanto por los espectadores como por los críticos. [131] Esta creencia también la comparte J. Hoberman, para quien el período inmediatamente posterior a One Flew Over the Cuckoo's Nest de 1975 marcó el punto en el que "las películas experimentales se volvieron cada vez menos capaces de recuperar sus costos". [132]
Justin Wyatt concluye que la caída del "período experimental" fue seguida por un retroceso hacia el "gran cine a gran escala", un elemento básico de Hollywood desde principios hasta mediados de la década de 1960 y agrega que cineastas como Peter Bogdanovich , Friedkin y Arthur Penn aún continuaron su participación cinematográfica, pero su trabajo más ambicioso se había producido durante el apogeo de la era del Nuevo Hollywood , que se caracterizó por la "experimentación financiera". [124] : 77 Nat Segaloff observa que las tendencias cinematográficas presentadas en Sorcerer fueron abandonadas posteriormente por el sistema de estudios, [20] una opinión reflejada por Phil Mucci, quien sostiene que Sorcerer representa un estilo cinematográfico que es poco probable que se vuelva a ver". [45] William Friedkin afirma en el documental de 2003 A Decade Under the Influence que el cinismo era una actitud omnipresente en el país durante la década de 1970, por lo que los estudios fueron receptivos a él, lo que hizo que "los cineastas y los jefes de los estudios estuvieran en sintonía" y agregó que el contenido artístico nunca fue cuestionado, solo los costos. Por otro lado, el director piensa que esta tendencia es imposible de volver, porque siente que hoy en día "una película tiene que servir al bien mayor de la corporación para poder hacerse y no puede ser de naturaleza subversiva. Además, tiene que tener el atractivo más amplio posible, para que ayude a otras divisiones de la corporación". [133]
Friedkin concedió una entrevista al director danés Nicolas Winding Refn en febrero de 2015, en la que hablaron extensamente sobre la película, producida por la distribuidora francesa La Rabbia. [134]
La película fue seleccionada para su proyección como parte de la sección Clásicos de Cannes en el Festival de Cine de Cannes de 2016. [ 135]
En 2017, Friedkin describió a Sorcerer como "la única película que he hecho que todavía puedo ver". [23]
En abril de 2012, se informó que Friedkin estaba demandando a Universal y Paramount por los derechos domésticos de Sorcerer para una parte de las ganancias de la película. En una entrevista de julio de 2012, Friedkin dijo que el caso de la película estaba pendiente en el Tribunal de Apelaciones del Noveno Distrito en California y que se anunciaría un acuerdo antes del 26 de noviembre. Si no se hubiera llegado a un acuerdo para ese momento, el jurado tendría que fijar una fecha de juicio para marzo de 2013. El director enfatizó que su intención no estaba dictada por las ganancias, sino por el deseo de lanzarla en DVD y Blu-ray , y tener una copia de la película para varios puntos de venta, como sociedades cinematográficas y universidades. También señaló que si el caso se convirtiera en un precedente, esperaba que ayudara a otras películas en una situación similar. [136]
En una entrevista de julio de 2012, Friedkin dijo que tanto Universal como Paramount afirmaron que no eran dueños de la película y no sabían quién lo era, como consecuencia de la quiebra de Cinema International Corporation , una empresa a la que Universal Studios y Paramount Pictures le otorgaron la propiedad y que se encargó de estrenar películas en los mercados internacionales. Friedkin dijo que creía que cualquier problema relacionado con el asunto era de naturaleza contable. [136]
En diciembre de 2012, Friedkin reveló que los derechos cinematográficos eran de hecho propiedad de Universal, ya que el contrato de arrendamiento de Paramount había expirado después de 25 años. También agregó que se reuniría con Warner Bros. , que quería un subarrendamiento, y también anunció que se reuniría con el director de Universal Studios ; si el resultado era negativo, tendría que recurrir a un caso legal. Friedkin también indicó que la restauración de Sorcerer requeriría una cantidad considerable de trabajo, afirmando que, en ese momento, no poseía ninguna copia de buena calidad. Agregó que Paramount había hecho una copia a principios de 2012, que se mostró en el Aero Theatre de la American Cinematheque , y que estaba tratando de localizarla, señalando dificultades relacionadas con la obtención de la copia ya que el estudio ya no poseía una capacidad adecuada para lidiar con el asunto, y las empresas extranjeras involucradas en los asuntos legales ahora tenían un personal muy reducido. Dijo que esa era la razón por la que adquirir la copia de la película requería mucho tiempo. [137]
El 11 de febrero de 2013, Friedkin anunció que se había presupuestado dinero para crear una nueva copia maestra digital de Sorcerer . También afirmó que el negativo original estaba en buen estado. [138] Continuó con una declaración de que The Criterion Collection no sería el editor de la película. [139]
En marzo de 2013, Friedkin reveló que había retirado su demanda contra Universal y Paramount, y que él y un "estudio importante" estaban involucrados en la creación de una nueva copia digital recoloreada de Sorcerer , que se proyectaría tentativamente en el Festival de Cine de Venecia y recibiría un lanzamiento en Blu-ray :
Estamos trabajando con el negativo original, que está en bastante buen estado, pero sin cambiar el concepto original tenemos que recuperarlo en términos de saturación de color, nitidez y todo eso... La película ha estado en un torbellino legal durante 30 o 35 años. Y mucha gente ha ido y venido de los estudios durante ese tiempo, así que lleva un tiempo desentrañar todo, pero estamos muy cerca de anunciar una fecha de estreno. [3]
El 14 de abril de 2013, la citada copia en 35 mm de Sorcerer, procedente de los archivos de Paramount, se proyectó en el primer festival anual de cine de la Asociación de Críticos de Cine de Chicago , al que asistió Friedkin. Señaló que la película "no ha envejecido... está ambientada en una especie de limbo y ni los cortes de pelo ni el vestuario ni los decorados han envejecido mal". [3]
El 2 de mayo de 2013, el director anunció el relanzamiento pendiente, una nueva copia digital y un estreno en el Festival de Cine de Venecia el 29 de agosto . [140] donde también recibiría un premio a la trayectoria. [26]
La restauración de la copia está supervisada por el propio Friedkin, junto con Ned Price [118] y un colorista , Bryan McMahan, colaborador de Friedkin desde 1994. [26] Además, Friedkin también confirmó que habrá lanzamientos en DVD y discos Blu-ray. [118] [141] Friedkin también declaró que Warner Bros. financió la restauración y que los derechos de distribución se dividirían entre Paramount para salas de cine, Warner Bros. para medios domésticos y de transmisión, y Universal para televisión. [142] Según Friedkin, la realización de la nueva copia comenzaría en junio de 2013. [143] El director describió sus esfuerzos por restaurar y reestrenar Sorcerer como "un verdadero momento de Lázaro" y dijo que estaba satisfecho de que "va a tener una nueva vida en el cine". [26]
El 4 de junio de 2013, el director declaró que la gradación de color comenzaría el 10 de junio de 2013, [144] que dijo que se completó el 25 de junio. No hubo distorsión de los colores originales, dijo, y se planeó una transferencia de sonido envolvente 5.1 para el 28 de junio de 2013. [145] Además, también reveló que un comentario de audio y características adicionales serían parte del lanzamiento en Blu-ray. [146] El 17 de julio de 2013, Friedkin anunció que la banda sonora de la película había sido remasterizada. [147] Dos días antes de la proyección en Venecia, Friedkin anunció que se había reservado una proyección en cines en Cinefamily de Los Ángeles para la primavera de 2014. [142] El 12 de septiembre de 2013, Friedkin reveló que el 14 de abril de 2014 sería la fecha de lanzamiento de la versión en video casero Blu-ray de la película. [119]
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