Hair: The American Tribal Love-Rock Musical es un musical de rock con libreto y letra de Gerome Ragni y James Rado y música de Galt MacDermot . La obra refleja las observaciones de los creadores sobre la contracultura hippie y la revolución sexual de finales de los años 1960, y varias de sus canciones se convirtieron en himnos del movimiento por la paz contra la guerra de Vietnam . La blasfemia del musical, su representación del uso de drogas ilegales, su tratamiento de la sexualidad , su irreverencia hacia la bandera estadounidense y su escena de desnudos provocaron muchos comentarios y controversias. [1] La obra abrió nuevos caminos en el teatro musical al definir el género de "musical de rock", utilizando un elenco racialmente integrado e invitando a la audiencia al escenario para un final de " Be-In ". [2]
Hair cuenta la historia de la "tribu", un grupo de hippies de pelo largo y políticamente activos de la " Era de Acuario " que viven una vida bohemia en la ciudad de Nueva York y luchan contra el reclutamiento para la Guerra de Vietnam . Claude, su buen amigo Berger, su compañera de habitación Sheila y sus amigos luchan por equilibrar sus vidas jóvenes, sus amores y la revolución sexual, con su rebelión contra la guerra y sus padres conservadores y la sociedad. En última instancia, Claude debe decidir si se resiste al reclutamiento como lo han hecho sus amigos, o sirve en Vietnam, comprometiendo sus principios pacifistas y arriesgando su vida.
Después de un debut off-Broadway el 17 de octubre de 1967, en el Joseph Papp 's Public Theater y una temporada en el club nocturno Cheetah desde diciembre de 1967 hasta enero de 1968, el espectáculo se estrenó en Broadway en abril de 1968 y tuvo 1.750 funciones. Poco después le siguieron producciones simultáneas en ciudades de Estados Unidos y Europa, incluida una exitosa producción en Londres que tuvo 1.997 funciones. Desde entonces, se han realizado numerosas producciones en todo el mundo, lo que generó docenas de grabaciones del musical, incluida la grabación del elenco original de Broadway que vendió 3 millones de copias. Algunas de las canciones de su banda sonora se convirtieron en éxitos Top 10 , y se estrenó una adaptación cinematográfica en 1979. Una reposición en Broadway se estrenó en 2009, obteniendo excelentes críticas y ganando el premio Tony y el premio Drama Desk a la mejor reposición de un musical. En 2008, Richard Zoglin escribió en Time que “hoy el cabello parece, en todo caso, más atrevido que nunca”. [3]
Hair fue concebido por los actores James Rado y Gerome Ragni . Los dos se conocieron en 1964 cuando actuaron juntos en el fracaso de Off-Broadway Hang Down Your Head and Die , [4] y comenzaron a escribir Hair juntos a fines de 1964. [5] [6] Los personajes principales eran autobiográficos, con Claude (Rado) siendo un romántico pensativo y Berger (Ragni) un extrovertido. Su relación cercana, incluida su volatilidad, se reflejó en el musical. Rado explicó: "Éramos grandes amigos. Era una relación apasionada que dirigimos hacia la creatividad, hacia la escritura, hacia la creación de esta pieza. Pusimos el drama entre nosotros en el escenario". [7]
Rado describió la inspiración para Hair como "una combinación de algunos personajes que conocimos en las calles, gente que conocíamos y nuestra propia imaginación. Conocíamos a este grupo de chicos del East Village que estaban abandonando la escuela y esquivando el reclutamiento , y también había muchos artículos en la prensa sobre cómo los niños estaban siendo expulsados de la escuela por dejarse crecer el pelo". [2] Recordó: "Había tanta emoción en las calles, los parques y las zonas hippies, y pensamos que si podíamos transmitir esta emoción al escenario sería maravilloso. ... Salimos con ellos y fuimos a sus Be-Ins [y] nos dejamos crecer el pelo". [8] Muchos miembros del reparto ( Shelley Plimpton en particular) fueron reclutados directamente de la calle. [2] Rado dijo: "Fue muy importante históricamente, y si no lo hubiéramos escrito, no habría ningún ejemplo. Podrías leer sobre ello y ver fragmentos de películas, pero nunca lo experimentarías . Pensamos: 'Esto está pasando en las calles', y queríamos llevarlo al escenario". [4] Según el obituario de Rado en The New York Times , el título se inspiró en "un paseo por un museo a mediados de 1965, [cuando él y Ragni vieron] una pintura de un mechón de pelo del artista pop Jim Dine . Su título era 'Cabello'". [9]
Rado y Ragni provenían de diferentes trasfondos artísticos. En la universidad, Rado escribió revistas musicales y aspiraba a ser un compositor de Broadway en la tradición de Rodgers y Hammerstein . Luego estudió interpretación con Lee Strasberg . Ragni, por otro lado, fue un miembro activo de The Open Theater , uno de varios grupos, en su mayoría Off-off Broadway , que estaban desarrollando técnicas de teatro experimental . [10] Introdujo a Rado a los estilos y métodos teatrales modernos que se estaban desarrollando en The Open Theater. [11] En 1966, mientras los dos estaban desarrollando Hair , Ragni actuó en la producción de The Open Theater de la obra de Megan Terry Viet Rock , una historia sobre hombres jóvenes que se despliegan en la guerra de Vietnam. [12] Además del tema de la guerra, Viet Rock empleó los ejercicios de improvisación que se usaban en la escena del teatro experimental y que luego se usaron en el desarrollo de Hair . [6] [13]
Rado y Ragni llevaron sus borradores del espectáculo al productor Eric Blau , quien, a través de su amigo en común Nat Shapiro , conectó a los dos con el compositor canadiense Galt MacDermot. [14] MacDermot ganó un premio Grammy en 1961 por su composición "African Waltz" (grabada por Cannonball Adderley ). [15] El estilo de vida del compositor contrastaba marcadamente con el de sus cocreadores: "Tenía el pelo corto, una esposa y, en ese momento, cuatro hijos, y vivía en Staten Island ". [8] "Nunca había oído hablar de un hippie cuando conocí a Rado y Ragni". [4] Pero él compartía su entusiasmo por hacer un espectáculo de rock and roll. [4] "Trabajamos de forma independiente", explicó MacDermot en mayo de 1968. "Lo prefiero así. Me pasan el material. Yo le pongo música". [16] MacDermot escribió la primera banda sonora en tres semanas, [7] comenzando con las canciones «I Got Life», «Ain't Got No», «Where Do I Go» y la canción principal. [2] Primero escribió «Aquarius» como una pieza de arte poco convencional, pero luego la reescribió como un himno edificante. [7]
Los creadores presentaron el espectáculo a productores de Broadway y recibieron muchos rechazos. Finalmente, Joe Papp , que dirigía el Festival de Shakespeare de Nueva York , decidió que quería que Hair abriera el nuevo Public Theater (aún en construcción) en el East Village de la ciudad de Nueva York . El musical fue la primera obra de autores vivos que Papp produjo. [17] El director, Gerald Freedman , director artístico asociado del teatro, decidió que Rado, a sus 35 años, era demasiado mayor para interpretar a Claude, aunque aceptó elegir a Ragni, de 32 años, para interpretar a Berger. [9] La producción no fue del todo fluida: "El proceso de ensayo y casting fue confuso, el material en sí mismo era incomprensible para muchos miembros del personal del teatro. [Freedman] se retiró frustrado durante la última semana de ensayos y presentó su dimisión. Papp la aceptó y la coreógrafa Anna Sokolow se hizo cargo del espectáculo... Después de un desastroso ensayo general final, Papp envió un telegrama al Sr. Freedman a Washington, adonde había huido: 'Por favor, vuelva'. El Sr. Freedman lo hizo". [18]
Hair se estrenó en el Off-Broadway en el Public el 17 de octubre de 1967 y estuvo en cartel durante un tiempo limitado de seis semanas. Los papeles principales fueron interpretados por Walker Daniels como Claude, Ragni como Berger, Jill O'Hara como Sheila, Steve Dean como Woof, Arnold Wilkerson como Hud, Sally Eaton como Jeanie y Shelley Plimpton como Crissy. [19] El diseño de la escenografía estuvo a cargo de Ming Cho Lee , el diseño de vestuario estuvo a cargo de Theoni Aldredge y, aunque Anna Sokolow comenzó los ensayos como coreógrafa, Freedman recibió el crédito de coreógrafa. [20] Aunque la producción tuvo una "recepción crítica tibia", fue popular entre el público. [18] Se lanzó un álbum del elenco en 1967. [21]
El empresario de Chicago Michael Butler planeaba postularse para el Senado de los Estados Unidos con una plataforma contra la guerra. Después de ver un anuncio de Hair en The New York Times que lo llevó a creer que el programa trataba sobre los nativos americanos , vio la producción de Public Theater varias veces [8] y unió fuerzas con Joe Papp para reproducir el espectáculo en otro lugar de Nueva York después del cierre de su presentación en Public Theater. Papp y Butler primero trasladaron el espectáculo a The Cheetah , una discoteca en la calle 53 y Broadway. Se inauguró allí el 22 de diciembre de 1967, [22] y tuvo 45 funciones. [2] No hubo desnudez ni en la producción de Public Theater ni en Cheetah. [1]
Hair sufrió una profunda revisión entre su cierre en el Cheetah en enero de 1968 y su estreno en Broadway tres meses después. El libreto off-Broadway, que ya tenía una trama ligera, se relajó aún más [23] y se hizo más realista. [24] Se añadieron trece canciones nuevas , [23] incluida "Let the Sun Shine In", para hacer que el final fuera más alentador. [7]
Antes de mudarse a Broadway, el equipo creativo contrató al director Tom O'Horgan , quien se había ganado una reputación dirigiendo teatro experimental en el La MaMa Experimental Theatre Club . Había sido la primera opción de los autores para dirigir la producción del Public Theater, pero estaba en Europa en ese momento. [25] Newsweek describió el estilo de dirección de O'Horgan como "sensual, salvaje y completamente musical... [él] desintegra la estructura verbal y a menudo divide y distribuye la narrativa e incluso el personaje entre diferentes actores... Disfruta del bombardeo sensorial". [26] En los ensayos, O'Horgan utilizó técnicas transmitidas por Viola Spolin y Paul Sills que involucraban juegos de rol e improvisación. Muchas de las improvisaciones que se intentaron durante este proceso se incorporaron al guion de Broadway. [27] O'Horgan y la nueva coreógrafa Julie Arenal alentaron la libertad y la espontaneidad en sus actores, introduciendo "un estilo orgánico y expansivo de puesta en escena" que nunca se había visto antes en Broadway. [4] La inspiración para incluir desnudez surgió cuando los autores vieron una manifestación contra la guerra en Central Park donde dos hombres se desnudaron como expresión de desafío y libertad, y decidieron incorporar la idea al espectáculo. [4] O'Horgan había utilizado la desnudez en muchas de las obras que dirigió y ayudó a integrar la idea en la estructura del espectáculo. [2]
Papp se negó a realizar una producción en Broadway, por lo que Butler produjo el espectáculo él mismo. Durante un tiempo pareció que Butler no podría conseguir un teatro en Broadway, ya que los Shubert , los Nederlanders y otros propietarios de teatros consideraban que el material era demasiado controvertido. Sin embargo, Butler tenía conexiones familiares y conocía a gente importante; convenció al propietario del Teatro Biltmore, David Cogan, para que pusiera su local a disposición. [28]
Claude se sienta en el centro del escenario mientras la "tribu" se mezcla con el público. Los miembros de la tribu, Sheila, una estudiante de la Universidad de Nueva York que es una activista política decidida , y Berger, un espíritu libre irreverente, cortan un mechón de cabello de Claude y lo queman en un receptáculo. Después de que la tribu converge en cámara lenta hacia el escenario, a través del público, comienzan su celebración como hijos de la Era de Acuario ("Acuario"). Berger se quita los pantalones para revelar un taparrabos. Interactuando con el público, se presenta como un "oso de peluche psicodélico" y revela que está "buscando a mi Donna" ("Donna").
La tribu recita una lista de fármacos, legales e ilegales ("Hashish"). Woof, un alma gentil, ensalza varias prácticas sexuales ("Sodomía") y dice: "Cultivo cosas". Ama las plantas, a su familia y al público, y le dice al público: "Todos somos uno". Hud, un afroamericano militante, es llevado boca abajo en un palo. Se declara "presidente de los Estados Unidos del Amor" ("Colored Spade"). Con un falso acento inglés, Claude dice que es "la bestia más hermosa del bosque" de " Manchester , Inglaterra". Un miembro de la tribu le recuerda que en realidad es de Flushing , Nueva York ("Manchester, Inglaterra"). Hud, Woof y Berger declaran de qué color son ("Soy negro"), mientras que Claude dice que es "invisible". La tribu recita una lista de cosas de las que carecen ("Ain't Got No"). Cuatro miembros de la tribu afroamericana recitan señales de tráfico en secuencia simbólica ("Dead End").
Sheila es llevada al escenario ("I Believe in Love") y lidera a la tribu en un canto de protesta. Jeanie, una joven excéntrica, aparece con una máscara de gas, satirizando la contaminación ("Air"). Está embarazada y enamorada de Claude. Aunque desearía que fuera el bebé de Claude, fue "embarazada por un loco adicto a las anfetaminas". La tribu une a LBJ (Presidente Lyndon B. Johnson ), el FBI (la Oficina Federal de Investigaciones ), la CIA (la Agencia Central de Inteligencia ) y el LSD ("Initials"). Seis miembros de la tribu aparecen vestidos como los padres de Claude, reprendiéndolo por sus diversas transgresiones: no tiene trabajo y colecciona "montañas de recortes de papel" y notas. Dicen que no le darán más dinero y que "el ejército hará de ti un hombre", presentándole su notificación de reclutamiento. En desafío, Claude lidera a la tribu en la celebración de su vitalidad ("I Got Life").
Después de repartir pastillas imaginarias a los miembros de la tribu, diciendo que las pastillas son para personas de alto perfil como Richard Nixon , el Papa y " Alabama Wallace ", Berger relata cómo fue expulsado de la escuela secundaria. Tres miembros de la tribu se disfrazan de directores con bigotes de Hitler y brazaletes con esvásticas, burlándose del sistema educativo estadounidense. Berger y la tribu los desafían, cantando "Going Down". Claude regresa de su examen físico para el reclutamiento , que aprobó. Finge quemar su tarjeta de reclutamiento de la Guerra de Vietnam, que Berger revela que es una tarjeta de biblioteca. Claude agoniza sobre qué hacer al ser reclutado.
Dos miembros de la tribu vestidos de turistas pasan por el pasillo para preguntar a la tribu por qué tienen el pelo tan largo . En respuesta, Claude y Berger guían a la tribu para explicar el significado de sus mechones ("Hair"). La mujer afirma que los niños deben "ser libres, no sentirse culpables" y deben "hacer lo que quieran, siempre y cuando no lastimen a nadie". Observa que el pelo largo es natural, como el "elegante plumaje" de los pájaros machos ("My Conviction"). Se abre el abrigo para revelar que es un hombre vestido de mujer . Cuando la pareja se va, la tribu la llama Margaret Mead .
Sheila le da a Berger una camisa amarilla. Él hace el tonto y termina rompiéndola en dos. Sheila expresa su angustia porque a Berger parece importarle más la "multitud sangrante" que ella (" Easy to Be Hard "). Jeanie resume los enredos románticos de todos: "Estoy colgada de Claude, Sheila está colgada de Berger, Berger está colgado en todas partes. Claude está colgado en una cruz sobre Sheila y Berger". Berger, Woof y otro miembro de la tribu rinden un tributo satírico a la bandera estadounidense mientras la doblan ("Don't Put it Down"). La tribu corre hacia la audiencia, invitándolos a un " Be-In" . Después de que la joven e inocente Crissy describe a "Frank Mills", un chico que está buscando, la tribu participa en el "Be-In". Los hombres de la tribu queman sus tarjetas de reclutamiento . Claude pone su tarjeta en el fuego, luego cambia de opinión y la saca. Pregunta: "¿Dónde está ese algo, ese alguien que me dice por qué vivo y muero?" ("¿Adónde voy?"). La tribu emerge desnuda, entonando "cuentas, flores, libertad, felicidad".
Cuatro miembros de la tribu tienen el "Blues eléctrico". Después de un apagón, la tribu entra a adorar en un intento de convocar a Claude ("Oh, gran dios del poder"). Claude regresa del centro de inducción y los miembros de la tribu actúan una conversación imaginaria de la entrevista de reclutamiento de Claude, con Hud diciendo "el reclutamiento es gente blanca enviando gente negra para hacer la guerra contra la gente amarilla para defender la tierra que le robaron a la gente roja". Claude le da a Woof un póster de Mick Jagger , y Woof está emocionado por el regalo, ya que ha dicho que está colgado de Jagger. Tres mujeres blancas de la tribu cuentan por qué les gustan los "chicos negros" ("los chicos negros son deliciosos..."), y tres mujeres negras de la tribu, vestidas como The Supremes , explican por qué les gustan los "chicos blancos" ("los chicos blancos son tan bonitos...").
Berger le da a Claude un porro mezclado con un alucinógeno . Claude comienza a viajar mientras la tribu actúa sus visiones ("Walking in Space"). Alucina que está saltando en paracaídas desde un avión hacia las selvas de Vietnam. Berger aparece como el general George Washington y se le ordena que se retire debido a un ataque indio. Los indios disparan a todos los hombres de Washington. El general Ulysses S. Grant aparece y comienza a pasar lista: Abraham Lincoln (interpretado por una mujer negra miembro de la tribu), John Wilkes Booth , Calvin Coolidge , Clark Gable , Scarlett O'Hara , Aretha Franklin , el coronel George Custer . Llaman a Claude Bukowski a pasar lista, pero Clark Gable dice "no pudo venir". Todos bailan un minueto hasta que tres brujos africanos los matan, a todos excepto Abraham Lincoln, que dice: "Soy uno de ustedes". Lincoln, después de que los tres africanos lo elogien, recita una versión alternativa del Discurso de Gettysburg ("Abie Baby"). Booth le dispara a Lincoln, pero éste le dice: "¡Mierda! No voy a morir por ningún hombre blanco".
Mientras las visiones continúan, entran cuatro monjes budistas . Un monje vierte una lata de gasolina sobre otro monje, que es incendiado (recordando la autoinmolación de Thích Quảng Đức ) y sale corriendo gritando. Tres monjas católicas estrangulan a los tres monjes budistas restantes. Tres astronautas disparan a las monjas con pistolas de rayos . Tres chinos apuñalan a los astronautas con cuchillos. Tres nativos americanos matan a los chinos con arcos y hachas de guerra. Tres boinas verdes matan a los nativos americanos con ametralladoras y luego se matan entre ellos. Un sargento y dos padres aparecen sosteniendo un traje en una percha. Los padres hablan con el traje como si fuera su hijo y están muy orgullosos de él. Los cuerpos se levantan y juegan como niños. La obra se intensifica hasta la violencia hasta que todos vuelven a estar muertos. Se levantan de nuevo y comentan sobre las bajas en Vietnam: "Es una pequeña guerra sucia" (" Tres-Cinco-Cero-Cero "). Al final de la secuencia del viaje, dos miembros de la tribu cantan, sobre los cadáveres, un discurso de Shakespeare sobre la nobleza del hombre ("What A Piece of Work Is Man"), musicalizado.
Después del viaje, Claude dice: "No puedo soportar este momento de vivir en la calle... Sé lo que quiero ser... invisible". Mientras "miran la Luna", Sheila y los demás disfrutan de un momento de luz (" Good Morning Starshine "). La tribu rinde homenaje a un viejo colchón ("The Bed"). Claude se queda solo con sus dudas. Se va mientras la tribu entra envuelta en mantas en medio de una tormenta de nieve. Comienzan un canto de protesta y luego se preguntan dónde ha ido Claude. Berger grita "¡Claude! ¡Claude!". Claude entra vestido con un uniforme militar, con el pelo corto, pero no lo ven porque es un espíritu invisible. Claude dice: "Le guste o no, me tienen".
Claude y todos cantan "Flesh Failures". La tribu se coloca frente a Claude mientras Sheila y Dionne toman la letra. Toda la tribu comienza a cantar "Let the Sun Shine In" y, cuando salen, descubren a Claude acostado en el centro del escenario sobre una tela negra. Durante el final del espectáculo, la tribu repite "Let the Sun Shine In" y hace que los miembros de la audiencia suban al escenario para bailar.
(Nota: Este resumen de la trama se basa en el guión original de Broadway. El guión ha variado en producciones posteriores ) .
Hair se estrenó en Broadway en el Teatro Biltmore el 29 de abril de 1968. La producción fue dirigida por Tom O'Horgan y coreografiada por Julie Arenal, con escenografía de Robin Wagner , diseño de vestuario de Nancy Potts y diseño de iluminación de Jules Fisher . La "tribu" original de Broadway (es decir, elenco) incluía a los autores Rado y Ragni, quienes interpretaron los papeles principales de Claude y Berger, respectivamente, Kellogg como Sheila, Washington como Hud, Eaton y Plimpton repitiendo sus papeles fuera de Broadway como Jeanie y Crissy, Melba Moore como Dionne, Curry como Woof, Ronnie Dyson (que cantó "Aquarius" y "What a Piece of Work is Man"), Paul Jabara y Diane Keaton (tanto Moore como Keaton interpretaron más tarde a Sheila). [29] Entre los artistas que aparecieron en Hair durante su presentación original en Broadway estaban Ben Vereen , Keith Carradine , Barry McGuire , Ted Lange , Meat Loaf , La La Brooks , Mary Seymour (de Musique ), Joe Butler , Peppy Castro (de los Blues Magoos ), Robin McNamara , Heather MacRae (hija de Gordon MacRae y Sheila MacRae ), Eddie Rambeau , Vicki Sue Robinson , Beverly Bremers , Bert Sommer , Dale Soules y Kim Milford . [29] Fue el primer espectáculo de Broadway en tener un precio de entrada regular de $50, con 12 de los asientos a este precio para la venta a grandes corporaciones a partir de julio de 1968. El precio máximo cuando se inauguró fue de $11. [31]
El equipo de Hair pronto se vio envuelto en una demanda con los organizadores de los Premios Tony . Después de asegurarle al productor Michael Butler que comenzar los preestrenos el 3 de abril de 1968 aseguraría la elegibilidad para ser considerado para los Tonys de 1968, la Liga de Teatro de Nueva York dictaminó que Hair no era elegible, moviendo la fecha límite al 19 de marzo. Los productores presentaron una demanda [32] pero no pudieron obligar a la Liga a reconsiderar. [33] En los Tonys de 1969, Hair fue nominado a Mejor musical y Mejor director , pero perdió ante 1776 en ambas categorías. [34] La producción duró cuatro años y tuvo 1750 funciones, y cerró el 1 de julio de 1972. [29]
La versión de la Costa Oeste se presentó en el Teatro Aquarius de Los Ángeles aproximadamente seis meses después del estreno en Broadway y duró dos años, algo sin precedentes. La tribu de Los Ángeles incluía a Rado, Ragni, Ben Vereen (que comenzó como Hud y luego reemplazó a Ragni), Willie Weatherly (que interpretó a Berger y Claude), Ted Neeley (que reemplazó a Rado), Meat Loaf , Gloria Jones , Táta Vega , Jobriath , Jennifer Warnes y Dobie Gray . [5]
Pronto hubo nueve producciones simultáneas en ciudades de Estados Unidos, seguidas de giras nacionales. [5] [35] Entre los intérpretes de estas se encontraban Joe Mantegna , André DeShields , Charlotte Crossley y Alaina Reed (Chicago), [36] David Lasley , David Patrick Kelly , Meat Loaf y Shaun Murphy (Detroit), [37] Kenny Ortega y Arnold McCuller (gira), [38] Bob Bingham (Seattle) [39] y Philip Michael Thomas (San Francisco). [40] El equipo creativo de Broadway trabajó en Hair en Los Ángeles, Chicago y San Francisco, ya que la puesta en escena de Broadway sirvió como plantilla aproximada para estas y otras producciones regionales tempranas. Una notable incorporación al equipo en Los Ángeles fue Tom Smothers , quien se desempeñó como coproductor. [41] Los elencos regionales consistieron principalmente en actores locales, aunque algunos miembros del elenco de Broadway repitieron sus papeles en otras ciudades. [42] O'Horgan o los autores a veces tomaban nuevas ideas e improvisaciones de un espectáculo regional y las traían a Nueva York, como cuando se arrojaban pollos vivos al escenario en Los Ángeles. [42]
Era raro que se presentaran tantas producciones simultáneamente durante una primera presentación en Broadway. El productor Michael Butler, que había declarado que Hair es "la declaración contra la guerra más fuerte jamás escrita", dijo que la razón por la que estrenó tantas producciones fue para influir en la opinión pública contra la guerra de Vietnam y ponerle fin lo antes posible. [43]
Hair se estrenó en el Teatro Shaftesbury de Londres el 27 de septiembre de 1968, dirigido por el mismo equipo creativo que la producción de Broadway. La noche de estreno se retrasó hasta la abolición de la censura teatral en Inglaterra según la Ley de Teatros de 1968 para que el espectáculo pudiera incluir desnudos y blasfemias. [44] Al igual que con otras producciones tempranas, el espectáculo de Londres agregó una pizca de alusiones locales y otras desviaciones menores de la versión de Broadway. [45]
La tribu original de Londres incluía a Sonja Kristina , Peter Straker , Paul Nicholas , Melba Moore, Annabel Leventon , Elaine Paige , Paul Korda , Marsha Hunt , Floella Benjamin , Alex Harvey , Oliver Tobias , Richard O'Brien y Tim Curry . Este fue el primer papel de actuación teatral a tiempo completo de Curry, donde conoció a O'Brien, futuro colaborador de The Rocky Horror Show . [46] El compromiso de Hair en Londres superó la producción de Broadway, con 1997 funciones [45] hasta que su cierre se vio obligado por el derrumbe del techo del teatro en julio de 1973. [47]
El trabajo de dirigir las producciones en idioma extranjero de Hair fue dado a Bertrand Castelli , socio de Butler y productor ejecutivo del espectáculo de Broadway. [48] Castelli era un escritor/productor que viajó en los círculos artísticos de París y se codeó con Pablo Picasso y Jean Cocteau . Butler lo describió como un "showman loco... el tipo con el traje de negocios y cuentas". [49] Castelli decidió hacer el espectáculo en el idioma local de cada país en una época en la que los espectáculos de Broadway siempre se hacían en inglés. [48] Las traducciones siguieron de cerca el guion original y se utilizaron las puestas en escena de Broadway. Cada guion contenía referencias locales, como nombres de calles y los nombres o representaciones de políticos y celebridades locales. Castelli produjo compañías en Francia, Alemania, México y otros países, a veces también dirigiendo las producciones. [48] La primera producción europea se inauguró en Estocolmo , Suecia, el 20 de septiembre de 1968, con un elenco que incluía a Ulf Brunnberg y Bill Öhrström , [50] producida y dirigida por Pierre Fränckel [51] y coreografiada por Julie Arenal, [52] y tuvo 134 funciones hasta marzo de 1969. [53]
Una producción alemana, dirigida por Castelli, [48] se estrenó un mes después en Múnich ; [54] la tribu incluía a Donna Summer , Liz Mitchell y Donna Wyant . Una exitosa producción parisina de Hair se estrenó el 1 de junio de 1969. [55] La producción australiana original se estrenó en Sídney el 6 de junio de 1969, producida por Harry M. Miller y dirigida por Jim Sharman , quien también diseñó la producción. La tribu incluía a Keith Glass y luego a Reg Livermore como Berger, John Waters como Claude y Sharon Redd como El Mago. Redd fue una de los seis afroamericanos traídos a Australia para proporcionar una tribu racialmente integrada. [56] [57] La producción rompió récords de taquilla locales y duró dos años, pero debido a parte del lenguaje del programa, el álbum del elenco fue prohibido en Queensland y Nueva Zelanda. La producción se trasladó a Melbourne en 1971 y luego tuvo una gira nacional. Marcó el debut en el escenario de la vocalista australiana nacida en Boston Marcia Hines . [57] En México la producción fue prohibida por el gobierno después de una noche en Acapulco. [58] Sônia Braga, de 18 años , apareció en la producción brasileña de 1969. [59]
Otra producción notable fue en Belgrado , Yugoslavia , en 1969. Fue la primera Hair en ser producida en un país comunista. [60] El espectáculo, traducido al serbio, fue dirigido por la productora y directora Mira Trailović en el teatro Atelje 212. [61] [62] Contó con la participación de Dragan Nikolić , Branko Milićević , Seka Sablić y Dušan Prelević . [63] Durante cuatro años, la producción recibió 250 representaciones y contó con la presencia del presidente Tito . [61] Las referencias locales en el guion incluían púas dirigidas a Mao Zedong , así como a Albania , el rival tradicional de Yugoslavia. [48]
En 1970, Hair fue un gran éxito financiero y se habían presentado diecinueve producciones fuera de América del Norte. Además de las mencionadas anteriormente, se incluyeron producciones en Escandinavia, América del Sur, Italia, Israel, Japón, Canadá, los Países Bajos, Suiza y Austria. [35] Según Billboard , las diversas producciones del espectáculo recaudaban casi un millón de dólares cada diez días y se recaudaban regalías por 300 grabaciones diferentes de las canciones del espectáculo, lo que lo convertía en "la banda sonora más exitosa de la historia, así como la banda sonora más interpretada jamás escrita para el escenario de Broadway". [64]
Hair explora muchos de los temas del movimiento hippie de la década de 1960. El escritor de teatro Scott Miller los describió de la siguiente manera:
[Las protestas de los jóvenes en los años 60 se centraban en]: el racismo, la destrucción del medio ambiente, la pobreza, el sexismo y la represión sexual, la violencia en el hogar y la guerra de Vietnam, la despersonalización de las nuevas tecnologías y la corrupción en la política. ... [L]os hippies tenían un gran respeto por Estados Unidos y creían que eran los verdaderos patriotas. ... El pelo [largo] era la bandera de los hippies, su ... símbolo no sólo de rebelión sino también de nuevas posibilidades, un símbolo del rechazo a la discriminación y a los roles de género restrictivos (una filosofía celebrada en la canción "My Conviction"). ... La ropa de trabajo monótona (vaqueros, camisas de trabajo, abrigos marineros) era un rechazo al materialismo. La ropa del ... Tercer Mundo y de los nativos americanos representaba su conciencia de la comunidad global y su rechazo al imperialismo y egoísmo estadounidenses. ... Los tejidos naturales eran un rechazo a los sintéticos, un regreso a las cosas naturales y a tiempos más simples. ... Las viejas chaquetas de la Segunda Guerra Mundial o de la Guerra Civil [cooptaron] los símbolos de la guerra en su nueva filosofía de la no violencia. [65]
Extendiendo los precedentes establecidos por Show Boat (1927) y Porgy and Bess (1935), Hair abrió el musical de Broadway a la integración racial; un tercio del elenco era afroamericano. [66] Salvo en parodias satíricas, los papeles para los miembros negros de la tribu los retrataban como iguales, rompiendo con los roles tradicionales para los negros en el entretenimiento como esclavos o sirvientes. [67] Un artículo de la revista Ebony declaró que el espectáculo era la mayor salida para los actores negros en la historia del escenario estadounidense. [66]
Varias canciones y escenas del programa abordan cuestiones raciales. [65] "Colored Spade", que presenta al personaje Hud, un hombre negro militante, es una larga lista de insultos raciales ("conejito de la jungla ... pequeño sambo negro") rematado con la declaración de que Hud es el "presidente de los Estados Unidos del amor". [68] Al final de su canción, le dice a la tribu que el "hombre del saco" los atrapará, mientras la tribu finge estar asustada. [67] "Dead End", cantada por miembros de la tribu negra, es una lista de señales de calle que simbolizan la frustración y la alienación de los negros. Uno de los cánticos de protesta de la tribu es "¿Qué creemos que es realmente genial? ¡Bombardear, linchar y segregar!". [67] "Black Boys/White Boys" es un reconocimiento exuberante de la atracción sexual interracial; [69] La Corte Suprema de Estados Unidos había derogado leyes que prohibían el matrimonio interracial en 1967. [70] Otro de los cánticos de protesta de la tribu es "Negro, blanco, amarillo, rojo. Copular en una cama tamaño king". [67]
"Abie Baby" es parte de la secuencia del "viaje" del Acto 2: cuatro brujos africanos, que acaban de matar a varios personajes históricos, culturales y ficticios estadounidenses, cantan alabanzas a Abraham Lincoln, interpretado por una mujer negra miembro de la tribu, a quien deciden no matar. [71] La primera parte de la canción contiene lenguaje estereotipado que los personajes negros usaban en películas antiguas, como "Terminé... desplumando a todos ustedes" y "Ahora soy libre gracias a todos ustedes, Maestro Lincoln". El personaje de Lincoln luego recita una versión modernizada del Discurso de Gettysburg , mientras una mujer blanca miembro de la tribu lustra los zapatos de Lincoln con su cabello rubio. [67]
Las numerosas referencias a los nativos americanos a lo largo del guion son parte del enfoque anticonsumista y naturalista del movimiento hippie y de Hair . A los personajes del programa se los conoce como la "tribu", tomando prestado el término para las comunidades nativas americanas. [65] El elenco de cada producción elige un nombre tribal: "La práctica no es solo cosmética... todo el elenco debe trabajar junto, debe agradarse y, a menudo, dentro del espectáculo, debe trabajar como un solo organismo. Todo el sentido de familia, de pertenencia, de responsabilidad y lealtad inherente a la palabra 'tribu' tiene que ser sentido por el elenco". [65] Para mejorar este sentimiento, O'Horgan sometió al elenco a ejercicios de sensibilidad basados en la confianza, el tacto, la escucha y el examen intensivo que rompieron las barreras entre el elenco y el equipo y alentaron la unión. Estos ejercicios se basaron en técnicas desarrolladas en el Instituto Esalen y el Teatro Laboratorio Polaco. [27] La idea de que Claude, Berger y Sheila vivan juntos es otra faceta del concepto de tribu de la década de 1960. [72]
La breve escena de desnudo al final del primer acto fue objeto de controversia y notoriedad. [1] [73] Miller escribe que "la desnudez era una parte importante de la cultura hippie, tanto como un rechazo a la represión sexual de sus padres como una declaración sobre el naturalismo, la espiritualidad, la honestidad, la apertura y la libertad. El cuerpo desnudo era hermoso, algo que debía celebrarse y apreciarse, no despreciarse ni ocultarse. Veían sus cuerpos y su sexualidad como regalos, no como cosas 'sucias'". [65]
El cabello glorifica la libertad sexual de diversas maneras. Además de la aceptación de la atracción interracial, el estilo de vida de los personajes actúa como una actualización cargada de sexualidad y política de La bohème ; como explicó Rado, "el elemento amoroso del movimiento por la paz era palpable". [4] En la canción "Sodomy", Woof exhorta a todos a "unirse a la sagrada orgía del Kama Sutra ". [74] Hacia el final del segundo acto, los miembros de la tribu revelan sus tendencias de amor libre cuando bromean de ida y vuelta sobre quién se acostará con quién esa noche. [75] Woof está enamorado de Mick Jagger, y un abrazo a tres bandas entre Claude, Berger y Sheila se convierte en un beso Claude-Berger. [67]
Las drogas ilegales que consumen los personajes incluyen un alucinógeno durante la secuencia del viaje. [65] La canción "Walking in Space" comienza la secuencia, declarando "cómo se atreven a intentar acabar con esta belleza... en esta inmersión redescubrimos la sensación... nuestros ojos están abiertos, muy, muy, muy abiertos". De manera similar, en la canción "Donna", Berger canta: "Estoy evolucionando a través de las drogas que te metes". [76] En otro momento, Jeanie fuma marihuana y rechaza las críticas a la "hierba". [67] En general, la tribu favorece las drogas alucinógenas o "que expanden la mente", como el LSD y la marihuana, [77] mientras que desaprueba otras drogas como la speed y los depresores. Por ejemplo, Jeanie, después de revelar que está embarazada de un " fanático de la speed ", dice que " la metedrina es una mala escena". [67] La canción "Hashish" proporciona una lista de productos farmacéuticos, tanto ilegales como legales, entre los que se incluyen la cocaína, el alcohol, el LSD, el opio y el antipsicótico Thorazine . [77]
El tema de la oposición a la guerra que impregna el programa está unificado por el hilo argumental que avanza a lo largo del libro: el dilema moral de Claude sobre si quemar su cartilla de reclutamiento . [65] El pacifismo se explora a lo largo de la secuencia de viaje extendida en el Acto 2. La letra de " Three-Five-Zero-Zero ", que se canta durante esa secuencia, evoca los horrores de la guerra ("desgarrado por una explosión de metal"). [78] La canción está basada en el poema de Allen Ginsberg de 1966, " Wichita Vortex Sutra ". En el poema, el general Maxwell Taylor informa con orgullo a la prensa el número de soldados enemigos muertos en un mes, repitiéndolo dígito por dígito, para lograr el efecto: "Three-Five-Zero-Zero". La canción comienza con imágenes de muerte y agonía y se convierte en un número de baile maníaco, haciendo eco del júbilo de Maxwell al informar sobre las bajas enemigas, mientras la tribu canta "Tomen las armas y comiencen a matar". [65] La canción también incluye la frase repetida "Prisioneros en la ciudad de los negros/ Es una pequeña guerra sucia". [67]
"Don't Put It Down" satiriza el patriotismo no examinado de las personas que están "locas por la bandera estadounidense". [79] "Be In (Hare Krishna)" elogia el movimiento por la paz y eventos como los Be-Ins de San Francisco y Central Park . [80] A lo largo del espectáculo, la tribu canta consignas de protesta populares como "¿Qué queremos? ¡Paz! - ¿Cuándo la queremos? ¡Ahora!" y "No entres al centro de inducción". [67] La alegre canción, "Let the Sun Shine In", es un llamado a la acción, para rechazar la oscuridad de la guerra y cambiar el mundo para mejor. [65]
Hair también dirige su sátira a la contaminación causada por la civilización. [65] Jeanie aparece desde una trampilla en el escenario con una máscara de gas y luego canta la canción "Air": "Bienvenido, dióxido de azufre. Hola monóxido de carbono. El aire ... está en todas partes". [81] Ella sugiere que la contaminación eventualmente la matará, "vapor y humo en la piedra de mi tumba, respirando como un perfume hosco". [67] En una vena cómica y pro-ecológica, cuando Woof se presenta, explica que "cultiva cosas" como "remolachas, maíz ... y guisantes dulces" y que "ama las flores, la pelusa y los árboles". [67]
La religión, particularmente el catolicismo, aparece tanto abierta como simbólicamente a lo largo de la pieza, y a menudo se convierte en el blanco de una broma. [65] Berger canta sobre la búsqueda de "mi Donna", dándole el doble significado de la mujer que está buscando y la Madonna . [82] Durante "Sodomía", un himno similar a un canto a todo lo que es "sucio" sobre el sexo, el elenco adopta posiciones religiosas evocadoras: la Piedad y Cristo en la cruz. [82] Antes de la canción, Woof recita un rosario modificado . En el Acto II, cuando Berger da pastillas imaginarias a varias figuras famosas, ofrece "una pastilla para el Papa ". [67] En "Going Down", después de ser expulsado de la escuela, Berger se compara con Lucifer : "Al igual que el ángel que cayó / Desterrado para siempre al infierno / Hoy he sido expulsado / Del cielo de la escuela secundaria". [83] Claude se convierte en una figura clásica de Cristo en varios puntos del guión. [84] En el primer acto, Claude entra diciendo: "Soy el Hijo de Dios. Desapareceré y seré olvidado", y luego da la bendición a la tribu y al público. Claude sufre de indecisión y, en su Getsemaní al final del primer acto, pregunta "¿Adónde voy?". Hay alusiones textuales a que Claude está en una cruz y, al final, es elegido para dar su vida por los demás. [84] Berger ha sido visto como una figura de Juan el Bautista , preparando el camino para Claude. [65]
Canciones como "Good Morning, Starshine" y "Aquarius" reflejan el interés cultural de los años 1960 en los conceptos astrológicos y cósmicos. [85] "Aquarius" fue el resultado de la investigación de Rado sobre su propio signo astrológico . [86] La astróloga de la compañía, Maria Crummere, fue consultada sobre el casting: [87] Sheila era interpretada generalmente por un Libra o Capricornio y Berger por un Leo , [86] Crummere también fue consultada al decidir cuándo se estrenaría el espectáculo en Broadway y en otras ciudades. [58] El Broadway Playbill de 1971 informó que eligió el 29 de abril de 1968 para el estreno en Broadway. "El día 29 fue propicio... porque la luna estaba alta, lo que indicaba que la gente asistiría en masa. La posición de los 'hacedores de historia' ( Plutón , Urano , Júpiter ) en la casa 10 hizo que el espectáculo fuera único, poderoso y rentable. Y el hecho de que Neptuno estuviera en ascenso predijo que Hair desarrollaría una reputación relacionada con el sexo". [88]
En México, donde Crummere no eligió la fecha de apertura, el gobierno cerró el espectáculo después de una noche. [58] No estaba contenta con la fecha de apertura en Boston (donde los productores fueron demandados por el contenido del espectáculo) [89] [90] diciendo: "Júpiter estará en oposición al travieso Saturno , y el espectáculo se estrena el mismo día del eclipse solar . Terrible". Pero no había un momento astrológicamente seguro en el futuro cercano. [91]
Hair hace muchas referencias a las obras de Shakespeare y, a veces, toma material lírico directamente de Shakespeare. [65] Por ejemplo, la letra de la canción "What a Piece of Work Is Man" es de Hamlet (II: escena 2) y partes de "Flesh Failures" ("the rest is silence") son de las líneas finales de Hamlet. En "Flesh Failures/Let The Sun Shine In", la letra "Eyes, look your last!/ Arms, take your last embrace! And lips, O you/ The doors of breath, seal with a righteous kiss" es de Romeo y Julieta (V: iii, 111-14). [92] Según Miller, la imaginería del suicidio de Romeo señala que, con nuestra complicidad en la guerra, nos estamos matando a nosotros mismos. [65]
La indecisión de Claude, especialmente su resistencia a quemar su cartilla de reclutamiento, que finalmente causa su desaparición, ha sido vista como un paralelo a Hamlet , "el hippie melancólico". [93] Este simbolismo se traslada a la última escena, donde Claude aparece como un espíritu fantasmal entre sus amigos vistiendo un uniforme militar en un eco irónico de una escena anterior, donde dice: "Sé lo que quiero ser... invisible". El director artístico del Public Theater, Oskar Eustis , dijo: "Ambos [ Hair y Hamlet ] se centran en hombres brillantes idealistas que luchan por encontrar su lugar en un mundo estropeado por la guerra, la violencia y la política venal. Ven tanto las posibilidades luminosas como las realidades más duras del ser humano. Al final, incapaces de combatir eficazmente el mal que los rodea, sucumben trágicamente". [94]
Otras referencias literarias incluyen la canción "Three-Five-Zero-Zero", basada en el poema de Ginsberg "Wichita Vortex Sutra", [95] y, en la secuencia del viaje de drogas psicodélicas, la representación de Scarlett O'Hara , de Lo que el viento se llevó , y el poeta activista afroamericano LeRoi Jones . [67]
En su introducción al guion publicado de Viet Rock , Richard Schechner dice: "actuación, acción y acontecimiento son los términos clave de nuestro teatro, y estos términos no son literarios". [96] En la década de 1950, los teatros Off-off Broadway comenzaron a experimentar con papeles teatrales no tradicionales, difuminando las líneas entre dramaturgo, director y actor. El trabajo del dramaturgo no era solo poner palabras en una página, sino crear una experiencia teatral basada en una idea central. En 1967, teatros como The Living Theatre , La MaMa ETC y The Open Theatre ideaban activamente obras a partir de escenas improvisadas elaboradas en el espacio de ensayo, en lugar de seguir un guion tradicional. [97]
Viet Rock de Megan Terry fue creada usando este proceso de improvisación. [97] Las escenas en Viet Rock estaban conectadas de "maneras prelógicas": una escena podía construirse a partir de una tangente de la escena anterior, podía estar conectada psicológicamente o podía estar en contrapunto con la escena anterior. [97] A los actores se les pedía que cambiaran de roles en medio de un espectáculo, y frecuentemente en mitad de una escena. En sus instrucciones de escena para una escena de audiencia del Senado en Viet Rock , Terry escribió: "Los actores deberían turnarse para ser senadores y testigos; las transformaciones deberían ser abruptas y totales. Cuando el actor termina con un personaje, se convierte en otro, o simplemente en un actor". [97]
Hair fue diseñado de una manera muy similar. Tom O'Horgan, el director de Broadway del espectáculo, estuvo íntimamente involucrado en el movimiento de teatro experimental. [65] En la transición a Broadway, O'Horgan y los escritores reorganizaron las escenas para aumentar los aspectos experimentales del espectáculo. [97] Hair pide a sus actores que asuman varios personajes diferentes a lo largo de la pieza y, como en el viaje psicodélico de Claude en el Acto 2, a veces durante la misma escena. Tanto Hair como Viet Rock incluyen música rock, tomada en gran medida de los medios de comunicación, y con frecuencia rompen la " cuarta pared " invisible para interactuar con el público. Por ejemplo, en el número de apertura, la tribu se mezcla con los miembros del público y, al final del espectáculo, se invita al público a subir al escenario. [97]
En la producción original de Broadway, el escenario estaba completamente abierto, sin telón y la zona de la mosca y la rejilla expuestas al público. El arco del proscenio estaba delineado con un andamio listo para trepar. El decorado de repuesto de Wagner estaba pintado en tonos de gris con grafitis callejeros estampados en el escenario. El escenario estaba rastrillado y una torre de andamios abstractos en la parte trasera del escenario fusionaba un tótem nativo americano y una escultura moderna de un árbol con forma de crucifijo . Este andamio estaba decorado con objetos encontrados que el elenco había reunido en las calles de Nueva York. Estos incluían un conductor de autobús de papel maché de tamaño natural , la cabeza de Jesús y una marquesina de neón del cine Waverly en Greenwich Village. [98] El vestuario de Potts se basaba en la ropa de calle hippie, hecha más teatral con colores y texturas mejorados. Algunos de estos incluían partes mixtas de uniformes militares, jeans acampanados con bordados ucranianos, camisetas teñidas y un abrigo con flecos rojo, blanco y azul. [98] Las primeras producciones fueron principalmente reproducciones de este diseño básico.
"Se ha escrito mucho sobre esa escena... la mayor parte es una tontería", escribió Gene Lees en High Fidelity . [99] La escena se inspiró en dos hombres que se quitaron la ropa para antagonizar a la policía durante una reunión informal contra la guerra. [7] Durante "Where Do I Go?", el escenario estaba cubierto con una gasa gigante , debajo de la cual los que elegían participar en la escena se quitaban la ropa. A la señal musical, "ellos [se quedaron] desnudos e inmóviles, sus cuerpos bañados por la proyección de luz de patrones florales de Fisher. Cantaban sobre 'cuentas, flores, libertad y felicidad ' " . [100] Duró solo veinte segundos. [101] De hecho, la escena sucedió tan rápido y estaba tan poco iluminada que provocó que Jack Benny , durante el intervalo en una vista previa en Londres, bromeara: "¿Notaste si alguno de ellos era judío?" [102] Sin embargo, la escena provocó amenazas de censura e incluso reacciones violentas en algunos lugares. [8] También se convirtió en el tema de chistes sobre la cultura pop. Groucho Marx bromeó diciendo: "Iba a verla y llamé al cine... Dijeron que las entradas costaban 11 dólares cada una. Les dije que volvería a llamar, fui al baño, me quité toda la ropa y me miré en el espejo de cuerpo entero. Luego llamé al cine y dije: 'Olvídenlo ' " . [103]
La desnudez era opcional para los intérpretes. El elenco francés era "el más desnudo" de los grupos extranjeros, mientras que el elenco de Londres "encontró que la desnudez era la más difícil de lograr". [62] El elenco sueco se mostró reacio a desvestirse, pero en Copenhague , la tribu pensó que la desnudez era demasiado insulsa y decidió caminar desnudo de un lado a otro del pasillo durante el preludio del espectáculo. [48] En algunas de las primeras actuaciones, los alemanes representaban su escena detrás de una gran sábana con la etiqueta "CENSURADO". [48] [62] Natalie Mosco, miembro del elenco original de Broadway, dijo: "Al principio estaba totalmente en contra de la escena del desnudo, pero recordé que mi profesor de interpretación había dicho que parte de la actuación es ser privado en público. Así que lo hice". [104] Según Melba Moore, "No significa nada más que lo que quieres que signifique. Damos mucho valor a la ropa... Es como muchas otras cosas por las que la gente se pone tensa". [105] Donna Summer, que participó en la producción alemana, dijo que "no se pretendía que fuera sexual... Estábamos desnudos para comentar el hecho de que la sociedad da más importancia a la desnudez que al asesinato". [7] Rado dijo que "al estar desnudo frente a un público, estás desnudando tu alma. No solo el alma, sino todo el cuerpo estaban expuestos. Fue muy apropiado, muy honesto y casi necesario". [7]
Después de estudiar la música bantú en la Universidad de Ciudad del Cabo , [65] MacDermot incorporó ritmos africanos a la partitura de Hair . [10] Escuchó "lo que [los bantúes] llamaban quaylas... [que tienen] un ritmo muy característico, muy similar al rock. Aunque mucho más profundo... Hair es muy africano: muchos de [los] ritmos, no tanto las melodías". [10] Los quaylas acentúan los ritmos en sílabas inesperadas, y esta influencia se puede escuchar en canciones como "What a Piece of Work Is Man" y "Ain't Got No Grass". [106] MacDermot dijo: "Mi idea era hacer un espectáculo de funk total. Dijeron que querían rock & roll, pero para mí eso se tradujo en 'funk'". [107] Ese funk es evidente en toda la partitura, especialmente en canciones como "Colored Spade" y "Walking in Space". [107]
MacDermot ha afirmado que las canciones "no pueden ser todas iguales. Tienes que conseguir diferentes estilos... Me gusta pensar que todas son un poco diferentes". [4] Como tal, la música en Hair recorre toda la gama del rock: desde las sensibilidades rockabilly de "Don't Put it Down" hasta los ritmos de folk rock de "Frank Mills" y "What a Piece of Work is Man". " Easy to Be Hard " es puro rhythm and blues , y abundan los himnos del rock de protesta : "Ain't Got No" y "The Flesh Failures". El rock ácido de "Walking in Space" y "Aquarius" se equilibra con el pop mainstream de "Good Morning Starshine". [108] Scott Miller vincula la música de Hair con los temas políticos de los hippies: "Los hippies... estaban decididos a crear arte del pueblo y la forma de arte que eligieron, la música rock/folk, era por definición populista... [L]a música de los hippies era a menudo muy enojada, su enojo estaba dirigido a aquellos que prostituirían la Constitución, que venderían a Estados Unidos, que traicionarían lo que Estados Unidos representaba; en otras palabras, estaba dirigido a sus padres y al gobierno". [65] El historiador de teatro John Kenrick explica la aplicación de la música rock al medio del escenario:
El mismo sonido de hard rock que había conquistado el mundo de la música popular se abrió paso en el escenario musical con dos éxitos simultáneos: Your Own Thing [y] Hair ... Esta explosión de proclamas revolucionarias, blasfemias y hard rock sacudió el teatro musical hasta sus raíces... La mayoría de las personas en el negocio del teatro [y] los votantes de los Tony intentaron ignorar la importancia de Hair , eliminándolo de cualquier honor. Sin embargo, algunos ahora insistían en que era hora de un cambio. El crítico del New York Times Clive Barnes dijo efusivamente que Hair era "el primer musical de Broadway en mucho tiempo que tiene la voz auténtica de hoy en lugar de anteayer". [109]
La música no resonó con todo el mundo. Leonard Bernstein comentó que "las canciones son simplemente listas de cosas que hacer" [110] y abandonó la producción. [111] Richard Rodgers sólo podía oír el ritmo y lo llamó "música de un tercio". [110] John Fogerty dijo: " Hair es una versión tan diluida de lo que realmente está pasando que no puedo apoyarla en absoluto". [112] Gene Lees, escribiendo para High Fidelity , afirmó que John Lennon lo encontró "aburrido", y escribió: "No conozco a ningún músico que piense que es bueno". [99]
La partitura tenía muchas más canciones que los espectáculos típicos de Broadway de la época. [5] La mayoría tenía entre seis y diez canciones por acto; el total de Hair está en las treinta. [113] Esta lista refleja las canciones incluidas con mayor frecuencia durante la presentación original en Broadway. [114]
El espectáculo estuvo en constante reescritura. Se añadieron trece canciones entre la producción en el Public Theater y la de Broadway. [114] Otras fueron eliminadas; el discurso shakespeariano « ¡Qué obra de arte es un hombre !» y «Hashish» fueron originalmente hablados, pero musicalizados para Broadway. [114] Producciones posteriores han incluido o eliminado otras. [114] [115] [116]
La primera grabación de Hair se realizó en 1967 con el elenco off-Broadway. La grabación original del elenco de Broadway recibió un premio Grammy en 1969 a la Mejor Banda Sonora de un Álbum de Espectáculo del Elenco Original [117] y vendió casi 3 millones de copias en los EE. UU. en diciembre de 1969. [58] Se ubicó en el n.º 1 en el Billboard 200 , el último álbum del elenco de Broadway en hacerlo (a partir de 2016). Se mantuvo en el n.º 1 durante 13 semanas en 1969. [118] El álbum también alcanzó el número 2 en Australia en 1970. [119] El New York Times señaló en 2007 que "El álbum del elenco de Hair era ... una herramienta imprescindible para las clases medias. Su exótica portada naranja y verde se imprimió instantánea e indeleblemente en la psique. ... [Se] convirtió en un clásico del pop-rock que, como todo buen pop, tiene un atractivo que trasciende los gustos particulares por género o período". [18] En 2019, la Biblioteca del Congreso agregó el álbum del elenco original de Broadway al Registro Nacional de Grabaciones . [120]
El álbum de 1993 del elenco de la reedición londinense contiene nueva música que se incorporó a la versión estándar de alquiler. [65] Un álbum de estudio de 1969, DisinHAIRited ( RCA Victor LSO-1163), contiene 19 canciones que se habían escrito para el espectáculo pero que tuvieron diferentes cantidades de tiempo en el escenario. Algunas de las canciones se cortaron entre las producciones de Public y Broadway, algunas se habían omitido del álbum del elenco original debido al espacio y algunas nunca se interpretaron en el escenario. [114]
Las canciones de Hair han sido grabadas por numerosos artistas, [121] incluyendo a Nina Simone , Shirley Bassey , Barbra Streisand y Diana Ross . [122] "Good Morning Starshine" fue cantada en un episodio de 1969 de Barrio Sésamo por el miembro del elenco Bob McGrath , [123] y se han grabado versiones de artistas como Sarah Brightman , Petula Clark y Strawberry Alarm Clock . [124] Artistas tan variados como Liza Minnelli y The Lemonheads han grabado "Frank Mills", [125] y Andrea McArdle , Jennifer Warnes y Sérgio Mendes han contribuido cada uno con versiones de "Easy to Be Hard". [126] Hair también ayudó a lanzar las carreras discográficas de los artistas Meat Loaf, Dobie Gray, Jennifer Warnes, Jobriath , Bert Sommer , Ronnie Dyson, Donna Summer y Melba Moore, entre otros. [64 ]
La banda sonora de Hair también tuvo éxitos en las listas. The 5th Dimension lanzó " Aquarius/Let the Sunshine In " en 1969, que ganó el premio a la grabación del año en 1970 [127] y encabezó las listas durante seis semanas. La grabación de The Cowsills de la canción principal "Hair" subió al número 2 en el Billboard Hot 100. [ 128] mientras que la interpretación de Oliver de "Good Morning Starshine" alcanzó el número 3. [129] La versión de Three Dog Night de "Easy to Be Hard" llegó al número 4. [130] El popurrí de Nina Simone de 1968 de " Ain't Got No, I Got Life " alcanzó el top 5 en las listas británicas. [131] En 1970, ASCAP anunció que "Aquarius" se tocó con más frecuencia en la radio y la televisión de Estados Unidos que cualquier otra canción ese año. [132]
Producciones en Inglaterra, Alemania, Francia, Suecia, Japón, Israel, Países Bajos, Australia y otros lugares lanzaron álbumes de elenco, [133] y se han grabado más de 1000 interpretaciones vocales y/o instrumentales de canciones individuales de Hair . [35] Se prestó tanta atención a las grabaciones de Hair que, después de una guerra de ofertas sin precedentes, ABC Records estuvo dispuesta a pagar una cantidad récord por la próxima adaptación de Broadway de MacDermot, Two Gentlemen of Verona . [134] La grabación de resurgimiento de 2009, lanzada el 23 de junio, debutó en el n.° 1 en la lista "Top Cast Album" de Billboard y en el n.° 63 en el Top 200 , calificándolo como el álbum debut más alto en la historia de Ghostlight Records . [135]
La recepción de Hair en su estreno en Broadway fue, con excepciones, abrumadoramente positiva. Clive Barnes escribió en el New York Times : "¿Qué tiene Hair de agradable ...? Creo que es simplemente que es tan agradable. Tan nuevo, tan fresco y tan modesto, incluso en sus pretensiones". [75] John J. O'Connor del Wall Street Journal dijo que el espectáculo era "exuberantemente desafiante y la producción explota en cada rincón y grieta del Teatro Biltmore". [136] Richard Watts Jr. del New York Post escribió que "tiene un encanto sorprendente aunque quizás involuntario, su buen humor es contagioso y su entusiasmo juvenil hace que sea difícil de resistir". [137]
Las críticas de televisión fueron aún más entusiastas. Allan Jeffreys de ABC dijo que los actores eran "los hippies más talentosos que jamás hayas visto... dirigidos de una manera maravillosamente salvaje por Tom O'Horgan". [138] Leonard Probst de NBC dijo que " Hair es el único concepto nuevo en musicales de Broadway en años y es más divertido que cualquier otro esta temporada". [139] John Wingate de WOR TV elogió la "banda sonora dinámica" de MacDermot que "explota y se eleva", [140] y Len Harris de CBS dijo "Finalmente encontré el mejor musical de la temporada de Broadway... es ese musical tribal de rock amoroso, vulgar y descuidado, Hair ". [141]
Por otra parte, un crítico de Variety calificó el espectáculo de "loco" y "sin historia, forma, música, baile, belleza o arte... Es imposible decir si [el elenco tiene] talento. Tal vez el talento sea irrelevante en este nuevo tipo de negocio del espectáculo". [142] Las críticas en los semanarios de noticias fueron mixtas; Jack Kroll en Newsweek escribió: "No se puede negar el puro impulso cinético de este nuevo Hair ... hay algo duro, atrapante, ligeramente corrupto en el virtuosismo de O'Horgan, como Busby Berkeley enloquecido". [143] Pero un crítico de Time escribió que aunque el espectáculo "vibra de vitalidad [está] paralizado por ser un musical sin libro y, como un pez sin espinas, se deja llevar cuando debería nadar". [144]
Las críticas fueron variadas cuando Hair se estrenó en Londres. Irving Wardle escribió en The Times : "Su honestidad y pasión le dan la calidad de una verdadera celebración teatral: el sonido alegre de un grupo de personas que le dicen al mundo exactamente lo que sienten". En el Financial Times , BA Young estuvo de acuerdo en que Hair fue "no solo una velada increíblemente agradable, sino también una velada completamente moral". Sin embargo, en su última reseña antes de retirarse después de 48 años, WA Darlington, de 78 años, del Daily Telegraph escribió que se había "esforzado mucho", pero que la velada le pareció "un completo aburrimiento: ruidosa, fea y desesperadamente divertida". [145]
En 2001, Scott Miller, en reconocimiento a las críticas que recibió el espectáculo, escribió que "algunas personas no pueden ver más allá de la apariencia de caos y aleatoriedad la brillante construcción y las sofisticadas imágenes que subyacen". [65] Miller señala: "No sólo muchas de las letras no rimaban, sino que muchas de las canciones no tenían realmente un final, sólo una ralentización y una parada, por lo que el público no sabía cuándo aplaudir... El espectáculo rechazaba todas las convenciones de Broadway, del teatro tradicional en general y del musical estadounidense en particular. Y era brillante". [65]
El pelo desafió muchas de las normas de la sociedad occidental en 1968. El nombre en sí, inspirado en el nombre de una pintura de Jim Dine que representaba un peine y algunos mechones de pelo, [5] [146] fue una reacción a las restricciones de la civilización y el consumismo y una preferencia por el naturalismo. [147] Rado recuerda que el pelo largo "era una forma visible de conciencia en la expansión de la conciencia. Cuanto más largo era el pelo, más expansiva era la mente. El pelo largo era chocante, y fue un acto revolucionario dejarse crecer el pelo largo. Era una especie de bandera, en realidad". [146]
El musical causó controversia cuando se representó por primera vez. El final del acto I fue la primera vez que un espectáculo de Broadway había visto actores y actrices totalmente desnudos, [1] y el espectáculo fue acusado de profanación de la bandera estadounidense y uso de lenguaje obsceno . [8] [148] Estas controversias, además del tema contra la guerra de Vietnam, atrajeron amenazas ocasionales y actos de violencia durante los primeros años del espectáculo y se convirtieron en la base de acciones legales tanto cuando el espectáculo se estrenó en otras ciudades como durante la gira. Dos casos finalmente llegaron a la Corte Suprema de los Estados Unidos . [149]
La compañía de gira de Hair se encontró con resistencia en todo Estados Unidos. En South Bend , Indiana, el Morris Civic Auditorium se negó a reservar entradas, [150] y en Evansville, Indiana , la producción fue objeto de piquetes por parte de varios grupos religiosos. [151] En Indianápolis, Indiana , los productores tuvieron dificultades para conseguir un teatro, y las autoridades de la ciudad sugirieron que el elenco usara medias de cuerpo entero como un compromiso con la ordenanza de la ciudad que prohibía la desnudez exhibida públicamente. [150] Las producciones se enfrentaron con frecuencia al cierre de teatros por parte del jefe de bomberos , como en Gladewater , Texas. [152] La negativa de Chattanooga en 1972 a permitir que la obra se exhibiera en el Memorial Auditorium, propiedad de la ciudad [153] [154] fue considerada posteriormente por la Corte Suprema de los EE. UU. como una restricción previa ilegal . [155]
Los recursos legales contra la producción de Boston fueron apelados ante la Corte Suprema de los Estados Unidos. El jefe de la Oficina de Licencias se opuso a la representación de la bandera estadounidense en la pieza, [156] diciendo que "cualquiera que profane la bandera debería ser azotado en Boston Common ". [89] Aunque la escena fue eliminada antes del estreno, la oficina del fiscal de distrito comenzó a hacer planes para detener el espectáculo, alegando que se estaban produciendo acciones "lascivas y obscenas" en el escenario. El equipo legal de Hair obtuvo una orden judicial contra el procesamiento penal del Tribunal Superior, [157] y el fiscal de distrito apeló ante el Tribunal Supremo Judicial de Massachusetts . A petición de ambas partes, varios de los jueces vieron la producción y dictaron una sentencia de que "cada miembro del elenco [debe] estar vestido en una medida razonable". El elenco representó la escena desnudo de manera desafiante más tarde esa noche, afirmando que la sentencia era vaga en cuanto a cuándo entraría en vigor. [89] Al día siguiente, el 10 de abril de 1970, la producción cerró y las salas de cine, temiendo la decisión sobre la desnudez, comenzaron a suprimir escenas de las películas en su exhibición. Después de que el tribunal de apelaciones federal revocara la decisión del tribunal de Massachusetts, el fiscal del distrito apeló el caso ante la Corte Suprema de los Estados Unidos. En una decisión de 4 a 4, la Corte confirmó la decisión del tribunal inferior, lo que permitió que Hair reabriera el 22 de mayo. [90]
En abril de 1971, una bomba fue arrojada al exterior de un teatro en Cleveland , Ohio, que había estado albergando una producción, rebotando en la marquesina y rompiendo las ventanas del edificio y de las tiendas cercanas. [158] Ese mismo mes, las familias del miembro del elenco Jonathon Johnson y el director de escena Rusty Carlson murieron en un incendio en el hotel de Cleveland donde se habían alojado 33 miembros de la compañía del espectáculo. [159] [160] La noche de apertura de la producción de Sydney, Australia, fue interrumpida por una amenaza de bomba en junio de 1969. [161]
Las reacciones locales al polémico material variaron enormemente. La gran población hippie de San Francisco consideró el espectáculo como una extensión de las actividades callejeras que allí se llevaban a cabo, a menudo difuminando la barrera entre el arte y la vida meditando con el elenco y encontrándose frecuentemente en el escenario durante el espectáculo. [42] Una princesa Ana de 18 años fue vista bailando en el escenario en Londres, [162] y en Washington DC, Henry Kissinger asistió. En St. Paul , Minnesota, un clérigo que protestaba soltó 18 ratones blancos en el vestíbulo con la esperanza de asustar a la audiencia. [42] Jim Lovell y Jack Swigert , después de bautizar el módulo lunar del Apolo 13 como "Aquarius" en honor a la canción, abandonaron la producción en el Biltmore en protesta por el antiamericanismo percibido y la falta de respeto a la bandera. [163]
En 1969, una producción de Hair dirigida por Castelli en Acapulco , México , [48] se representó durante una noche. Después de la función, el teatro, ubicado al otro lado de la calle de un popular burdel local, fue cerrado con candado por el gobierno, que dijo que la producción era "perjudicial para la moral de la juventud". [88] El elenco fue arrestado poco después de la función y llevado a Inmigración, donde aceptaron abandonar el país, pero debido a complicaciones legales se vieron obligados a esconderse. [164] Fueron expulsados de México días después. [165] [166]
Hair marcó efectivamente el fin de la censura escénica en el Reino Unido . [145] El censor escénico de Londres, Lord Chamberlain , originalmente se negó a otorgar la licencia para el musical, y el estreno se retrasó hasta que el Parlamento aprobó un proyecto de ley que lo despojaba de su poder de licencia. [145] En Múnich, las autoridades amenazaron con cerrar la producción si la escena de desnudo permanecía; sin embargo, después de que un portavoz local de Hair declarara que sus familiares habían sido llevados desnudos a Auschwitz , las autoridades cedieron. [48] En Bergen , Noruega, los ciudadanos locales formaron una barricada humana para tratar de evitar la actuación. [48]
La producción parisina generó poca controversia y el elenco se desnudó para la escena del desnudo "casi religiosamente", según Castelli, ya que la desnudez es algo común en el escenario de París. [167] Sin embargo, incluso en París hubo oposición ocasional, como cuando un miembro del Ejército de Salvación local utilizó un altavoz portátil para exhortar a la audiencia a detener la presentación. [48] [168]
La primera producción universitaria tuvo lugar en 1970 en la Universidad Estatal de Memphis (ahora la Universidad de Memphis ) en Tennessee, dirigida por el director del departamento de teatro Keith Kennedy. [169] [170] El elenco también participó en el Festival Internacional de Pop de Atlanta en 1970. [171] WMC-TV produjo un documental de 1971 que narra la producción. [172]
En 1977 se estrenó una nueva versión de Hair en Broadway , que duró 43 funciones. Fue producida por Butler, dirigida por O'Horgan y se representó en el Teatro Biltmore, donde se había presentado la producción original de Broadway. El elenco incluía a Ellen Foley , Annie Golden , Loretta Devine , Cleavant Derricks y Kristen Vigard . [173] El recién llegado Peter Gallagher dejó el elenco durante los preestrenos para asumir el papel de Danny Zuko en una gira de Grease . [174] Las críticas fueron generalmente negativas y los críticos acusaron a la producción de "mostrar sus canas". [175]
En 1985, una producción de Hair montada en Montreal fue, según se informa, la 70.ª producción profesional del musical. [35] En noviembre de 1988, Michael Butler produjo Hair en el Teatro Vic de Chicago para celebrar el 20.º aniversario del espectáculo. La producción fue bien recibida y se mantuvo hasta febrero de 1989. [176] En mayo de 1988 se celebró un concierto por el 20.º aniversario en la Asamblea General de las Naciones Unidas en beneficio de los niños con SIDA. [177] El evento fue patrocinado por la Primera Dama Nancy Reagan y Barbara Walters dio la introducción de apertura de la noche. [176] Rado, Ragni y MacDermot se reunieron para escribir nueve canciones nuevas para el concierto. El elenco de 163 actores incluía ex estrellas de varias producciones de todo el mundo: Moore, Vereen, Williams y Summer, así como artistas invitados como Bea Arthur , Frank Stallone y la Dra. Ruth Westheimer . Los precios de las entradas oscilaban entre 250 y 5.000 dólares y las ganancias se destinaron al Comité de los Estados Unidos para UNICEF y al Fondo para Niños con SIDA de la Sociedad Creo. [176]
De 1990 a 1991, Pink Lace Productions realizó una gira nacional de Hair en Estados Unidos que incluyó paradas en Carolina del Sur , Georgia , Tennessee y Kentucky . [176] Una pequeña producción de "autobús y camión" de Hair en 1990 realizó una gira por Europa durante más de 3 años, [178] Después de que Ragni muriera en 1991, MacDermot y Rado continuaron escribiendo nuevas canciones para reestrenos durante la década de 1990. Hair Sarajevo, AD 1992 se representó durante el asedio de Sarajevo como un llamado a la paz. [35] Rado dirigió una gira nacional de 1 millón de dólares por 11 ciudades de Estados Unidos en 1994 que contó con la participación del actor Luther Creek . Con MacDermot regresando para supervisar la música, la gira de Rado celebró el 25 aniversario del programa. [178] Luego, Rado dirigió varias producciones europeas de 1995 a 1999. [115]
En 1992 se estrenó una producción en Australia [179] y en 1993 se estrenó en el Old Vic de Londres una reposición de corta duración protagonizada por John Barrowman y Paul Hipp, dirigida por Michael Bogdanov . [180] [181] Aunque la producción de Londres fue fiel al original, un miembro del personal de producción dijo que la razón por la que "fracasó" fue porque la tribu estaba formada por " los hijos de Thatcher que realmente no lo entendían". [182] Se montaron otras producciones en todo el mundo, incluida Sudáfrica, donde el espectáculo había estado prohibido hasta la erradicación del apartheid . [183] En 1996, Butler llevó una producción de un mes a Chicago, empleando al Pacific Musical Theater, una compañía profesional residente en la Universidad Estatal de California, Fullerton . Butler dirigió el espectáculo simultáneamente con la Convención Nacional Demócrata de 1996 , haciéndose eco de la última vez que el DNC estuvo en Chicago: 1968 . [184] En Third Eye Repertory se llevó a cabo una producción Off-Off Broadway para celebrar el 30.° aniversario . Fue dirigida por Shawn Rozsa. [185]
En 2001, la compañía de teatro Reprise! de Los Ángeles presentó Hair en el Teatro Wadsworth, protagonizada por Steven Weber como Berger, Sam Harris como Claude y Jennifer Leigh Warren como Sheila. [186] Ese mismo año, Encores! Great American Musicals in Concert terminó su temporada 2001 en City Center con una producción de Hair protagonizada por Luther Creek, Idina Menzel y Tom Plotkin , y con el compositor de Hair Galt MacDermot en el escenario tocando los teclados. [187] En 2004 , se realizó un beneficio del espectáculo para el Actors' Fund durante una noche en el New Amsterdam Theater de la ciudad de Nueva York. The Tribe incluía a Shoshana Bean , Raúl Esparza , Jim J. Bullock , Liz Callaway , Gavin Creel , Eden Espinosa , Harvey Fierstein , Ana Gasteyer , Annie Golden, Jennifer Hudson , Julia Murney , Jai Rodriguez , RuPaul , Michael McKean , Laura Benanti y Adam Pascal . [188]
En 2005, se estrenó una producción en Londres en el Gate Theatre, dirigida por Daniel Kramer. James Rado aprobó una actualización del guion del musical para ubicarlo en el contexto de la guerra de Irak en lugar de la guerra de Vietnam. [189] La interpretación modernizada de Kramer incluyó "Aquarius" cantada con un megáfono en Times Square y desnudez que recordaba imágenes de Abu Ghraib . [190] En marzo de 2006, Rado colaboró con el director Robert Prior para una producción de CanStage de Hair en Toronto, [191] y una reposición producida por Pieter Toerien realizó una gira por Sudáfrica en 2007. Dirigido por Paul Warwick Griffin, con coreografía de Timothy Le Roux, el espectáculo se presentó en el Teatro Montecasino en Johannesburgo y en el Theatre on the Bay en Ciudad del Cabo. [192] Una presentación de dos semanas se presentó en el Teatro Tapia en el Viejo San Juan , Puerto Rico , en marzo de 2010, dirigida por Yinoelle Colón. [193]
Michael Butler produjo Hair en el Teatro MET de Los Ángeles del 14 de septiembre al 30 de diciembre de 2007. El espectáculo fue dirigido y coreografiado por Bo Crowell, con dirección musical de Christian Nesmith . [194] [195] La producción de Butler de Hair ganó el premio LA Weekly Theater Award al musical del año. [196]
Era un programa sobre la actualidad cuando lo hicimos. Ahora es un programa sobre aquella época, pero sigue siendo sobre la actualidad.
James Rado , 2008 [146]
Durante tres noches en septiembre de 2007, Joe's Pub y el Public Theater presentaron una producción del 40.º aniversario de Hair en el Teatro Delacorte en Central Park. Esta versión de concierto, dirigida por Diane Paulus , contó con Jonathan Groff como Claude y Galt MacDermot en el escenario en los teclados. El elenco también incluyó a Karen Olivo como Sheila y Will Swenson como Berger. [197] Los actores de la producción original de Broadway se unieron al elenco en el escenario durante el bis de "Let the Sun Shine In". La demanda del espectáculo fue abrumadora, ya que las largas colas y las esperas nocturnas para obtener entradas superaron con creces las de otras producciones de Delacorte como Mother Courage and Her Children protagonizada por Meryl Streep y Kevin Kline . [198]
Nueve meses después, The Public Theater presentó una producción completamente escenificada de Hair en el Delacorte en una presentación limitada del 22 de julio de 2008 al 14 de septiembre de 2008. [199] Paulus dirigió nuevamente, con coreografía de Karole Armitage . Groff y Swenson regresaron como Claude y Berger, junto con otros del elenco del concierto. [200] Caren Lyn Manuel interpretó a Sheila, y Christopher J. Hanke reemplazó a Groff como Claude el 17 de agosto. [201] Las críticas fueron generalmente positivas, y Ben Brantley de The New York Times escribió que "esta producción establece el espectáculo como algo más que una pieza de época vivaz. Hair, al parecer, tiene raíces más profundas de lo que nadie recordaba". [202] La revista Time escribió: " Hair ... ha sido revitalizado y recuperado como uno de los grandes hitos en la historia del teatro musical ... Hoy Hair parece, en todo caso, más atrevido que nunca". [3]
La producción del Public Theater se trasladó a Broadway en el Al Hirschfeld Theatre , comenzando las preestrenos el 6 de marzo de 2009, con una inauguración oficial el 31 de marzo de 2009. Paulus y Armitage dirigieron y coreografiaron nuevamente, y la mayoría del elenco regresó de la producción en el parque. Se realizó una lotería de boletos antes de la función todas las noches para boletos de palco de $ 25. [203] El elenco de apertura incluyó a Gavin Creel como Claude, Will Swenson como Berger, Caissie Levy como Sheila, Megan Lawrence como Madre y Sasha Allen como Dionne. [204] Los diseñadores incluyeron a Scott Pask (decorados), Michael McDonald (vestuario), Kevin Adams (iluminación) y Acme Sound Partners (sonido) [205]
La respuesta crítica fue casi uniformemente positiva. [206] El titular del New York Daily News proclamó " La gran diversión del resurgimiento de Hair ". La reseña elogió la dirección audaz, la coreografía "colorida y cinética" y los logros técnicos del espectáculo, especialmente la iluminación, comentando que "como una celebración de la vida y la libertad que induce a sonreír, [ Hair es] altamente comunicable"; pero advirtió: "Si estás sentado en el pasillo, cuenta con que [el elenco] estará en tu cara o en tu regazo o ... trenzándote los cabellos". [207] El New York Post escribió que la producción "ha emergido triunfante. ... En estos días, la nación está menos obsesionada con la guerra y más con la economía. Como resultado, las escenas que resuenan más son aquellas en las que los niños rechazan exultantemente la carrera de ratas". [208] Variety se entusiasmó diciendo que "la directora Diane Paulus y su elenco prodigiosamente talentoso se conectan con el material de maneras que llegan directamente al corazón del musical de rock de 1967, generando una energía tremenda que irradia hasta las vigas... Lo que podría haber sido mera nostalgia se convierte en un acontecimiento de inmersión total... Si esta producción explosiva no despierta algo en ti, puede que sea hora de que te tomes el pulso". [209] El Boston Globe discrepó, diciendo que la producción "se sentía enlatada" y "exagerada" y que el resurgimiento "se siente insoportablemente ingenuo e imperdonablemente simplista". [210] Ben Brantley, escribiendo para The New York Times , reflejó la opinión de la mayoría, sin embargo, brindando una crítica entusiasta:
Este renacimiento emocionalmente rico... ofrece lo que Broadway no ha sentido de otro modo esta temporada: la alegría intensa y pura y la angustia de ese estado bipolar llamado juventud. ... La alegre coreografía hippie de Karole Armitage, con sus manoseos grupales y contorsiones en masa, parece como si estuviera siendo inventada en el momento. Pero hay una forma inteligente dentro de la aparente falta de forma. ... [Paulus encuentra] profundidades de carácter y sentimiento en [el espectáculo de 1968 sobre niños] asustados de cómo el futuro los va a cambiar. ... Cada miembro del conjunto emerge como un individuo. ... Después del espectáculo no podía dejar de pensar en lo que les sucedería [a los personajes]. La música del Sr. MacDermot, que siempre tenía más pop que ácido, se mantiene hermosamente, con una vida contagiosa gracias a la banda en el escenario y las voces sabrosamente mezcladas del elenco. [211]
El Public Theater tuvo dificultades para reunir los 5,5 millones de dólares presupuestados para la transferencia a Broadway, debido a la gravedad de la recesión económica a finales de 2008 , pero alcanzó su objetivo añadiendo nuevos socios productores. La directora Diane Paulus ayudó a mantener bajos los costes utilizando un decorado económico. El espectáculo recaudó unos saludables 822.889 dólares en su segunda semana. [212] [213] El 30 de abril de 2009, en el Late Show with David Letterman , el reparto recreó una actuación en el mismo escenario del Ed Sullivan Theater de la tribu original. [214] La producción ganó el premio Tony a la mejor reposición de un musical , [215] el premio Drama Desk a la mejor reposición de un musical [216] y el premio Drama League a la distinguida reposición de un musical. [217] Para agosto de 2009, la reposición había recuperado la totalidad de su inversión de $5,760,000, convirtiéndose en uno de los musicales de recuperación más rápida en la historia de Broadway. [218] Su álbum de elenco fue nominado al premio Grammy 2010 al Mejor Álbum de Espectáculo Musical. [219]
Cuando el elenco de Broadway se trasladó a Londres para la reposición en el West End de 2010, una tribu mayoritariamente nueva tomó el control en Broadway el 9 de marzo de 2010, incluidos los ex finalistas de American Idol Ace Young como Berger y Diana DeGarmo como Sheila. Kyle Riabko asumió el papel de Claude, Annaleigh Ashford interpretó a Jeanie y Vanessa Ray fue Chrissie. Rachel Bay Jones interpretó más tarde a Mother y otros papeles. [220] Las ventas disminuyeron después de que el elenco original se trasladara a Londres, y la reposición cerró el 27 de junio de 2010, después de 29 preestrenos y 519 funciones regulares. [221] [222]
El 21 de octubre de 2010 comenzó una gira nacional de la producción en Estados Unidos. Los actores principales incluyeron a Steel Burkhardt como Berger, Paris Remillard como Claude y Caren Lyn Tackett como Sheila. [223] La gira recibió críticas en su mayoría positivas. [219] El espectáculo regresó a Broadway para una presentación en el St. James Theatre del 5 de julio al 10 de septiembre de 2011. Después de esa parada, la gira se reanudó. [224] La gira terminó el 29 de enero de 2012. [225]
La producción de Broadway de 2009 se duplicó en el Teatro Gielgud en el West End de Londres . Los preestrenos comenzaron el 1 de abril de 2010, con una inauguración oficial el 14 de abril. Los productores fueron el Public Theater, junto con Cameron Mackintosh y Broadway Across America . Casi todo el elenco de Nueva York se mudó a Londres, pero Luther Creek interpretó a Woof. [226] [227] La reposición en Londres cerró el 4 de septiembre de 2010. [228]
La producción recibió críticas en su mayoría entusiastas. Michael Billington de The Guardian la describió como "una pieza vibrante y alegre de teatro viviente", escribiendo: "celebra un período en el que la alegría de vivir se enfrentó a las fuerzas de la intolerancia y el poder mortífero del complejo militar-industrial . Como dijo una vez Shakespeare: 'Todavía no hay savia'". [229] Charles Spencer en The Daily Telegraph estuvo de acuerdo: "Este es un renacimiento oportuno e irresistiblemente vital del más grande de todos los musicales de rock. ... El entusiasmo y la energía de la compañía ... son irresistibles". [230] Michael Coveney de The Independent escribió que Hair es "uno de los grandes musicales de todos los tiempos y un fenómeno que, me alivia descubrir, se mantiene como una pieza de época". [231] En The Times , Benedict Nightingale comentó que "es estimulante, así como extrañamente conmovedor, cuando un elenco multicolor vestido con todo tipo de ropa, desde caftanes vaporosos hasta chaquetas militares de Ruritania, corre por el escenario mientras ofrece ese saludo melodioso a una era de Acuario que todavía se niega a amanecer". [232]
En agosto de 2014, la versión de Broadway de 2009 regresó para un compromiso de tres noches en el Hollywood Bowl . Dirigida por Adam Shankman , el elenco incluyó a Kristen Bell como Sheila, Hunter Parrish como Claude, Benjamin Walker como Berger, Amber Riley como Dionne, Jenna Ushkowitz como Jeanie, Sarah Hyland como Crissy, Mario como Hud y Beverly D'Angelo y Kevin Chamberlin como los padres de Claude. [233]
Una producción de 2016 en Manchester, Inglaterra, en el Hope Mill Theatre , dirigida por Jonathan O'Boyle y coreografiada por William Whelton, protagonizada por Robert Metson como Claude, Laura Johnson como Sheila y Ryan Anderson como Berger, obtuvo críticas positivas. [234] En 2017, el 50 aniversario del musical, la puesta en escena se repitió Off West-End en el teatro The Vaults en Londres, con Metson y Johnson repitiendo sus papeles y Andy Coxon como Berger. [235] La producción ganó el premio WhatsOnStage a la mejor producción Off-West End. [236] Una gira nacional del Reino Unido de la producción comenzó en marzo de 2019, protagonizada por Jake Quickenden como Berger, Daisy Wood-Davis como Sheila, Paul Wilkins como Claude y Marcus Collins como Hud. [237]
Hair se ha representado en la mayoría de los países del mundo. [183] Después de la caída del Muro de Berlín , el espectáculo viajó por primera vez a Polonia, Líbano, República Checa y Sarajevo (apareció en Nightline de ABC con Ted Koppel , cuando Phil Alden Robinson visitó esa ciudad en 1996 y descubrió una producción de Hair allí en medio de la guerra). [183] En 1999, Michael Butler y el director Bo Crowell ayudaron a producir Hair en Rusia en el Teatro Stas Namin ubicado en el Parque Gorky de Moscú . La producción de Moscú provocó una reacción similar a la original 30 años antes porque los soldados rusos estaban luchando en Chechenia en ese momento. [238] [239]
Rado escribió en 2003 que los únicos lugares donde no se había presentado el espectáculo eran "China, India, Vietnam, los continentes Ártico y Antártico, así como la mayoría de los países africanos". [183] Desde entonces, se ha montado una producción india. [240]
En 1979 se estrenó una adaptación cinematográfica musical del mismo nombre. Dirigida por Miloš Forman con coreografía de Twyla Tharp y guion de Michael Weller , la película está protagonizada por John Savage , Treat Williams y Beverly D'Angelo , con Golden, Moore, Dyson, Foley, Dorsey Wright , Don Dacus , Nell Carter y Cheryl Barnes . Fue nominada a dos Globos de Oro : Mejor Película - Musical o Comedia , y Nueva Estrella del Año en una Película (para Williams), y Forman fue nominado a un Premio César . [241]
Varias canciones fueron eliminadas y la historia de la película se aleja significativamente del musical. El personaje de Claude es reescrito como un recluta inocente de Oklahoma , recién llegado a Nueva York para unirse al ejército, y Sheila es una debutante de la alta sociedad que llama su atención. En quizás la mayor diversión, un error lleva a Berger a ir a Vietnam en lugar de Claude, donde es asesinado. [242] Si bien la película recibió críticas generalmente positivas, Ragni y Rado dijeron que no logró capturar la esencia de Hair al retratar a los hippies como "bichos raros" sin ninguna conexión con el movimiento por la paz. [241]
El New York Times señaló, en 2007, que " Hair fue uno de los últimos musicales de Broadway en saturar la cultura como lo hacían regularmente los espectáculos de la época dorada". [18] Las canciones del espectáculo siguen siendo grabadas por artistas importantes. [243] En la década de 1990, el grupo de Evan Dando, The Lemonheads, grabó "Frank Mills" para su álbum de 1992 It's a Shame About Ray , y Run DMC sampleó "Where Do I Go" para su sencillo de 1993 "Down With the King", que llegó al número 1 en las listas de rap de Billboard y alcanzó el top 25 en la lista Billboard Hot 100. [244] [245] En 2004, "Aquarius", de la versión cinematográfica de 1979 , fue honrado en el número 33 en los 100 años... 100 canciones de AFI . [246]
Las canciones del musical han aparecido en películas y episodios de televisión. Por ejemplo, en la película de 2005 Charlie y la fábrica de chocolate , el personaje Willy Wonka dio la bienvenida a los niños con la letra de "Good Morning Starshine". [247] "Aquarius" se interpretó en el episodio final de Laverne y Shirley en 1983, donde el personaje Carmine se muda a la ciudad de Nueva York y hace una audición para Hair . [248] "Aquarius/Let the Sunshine In" también se interpretó en la escena final de la película The 40-Year-Old Virgin , [243] y la grabación de "Easy to Be Hard" de Three Dog Night alcanzó el puesto número 4 en el Billboard Hot 100 [249] y apareció en la primera parte de la película Zodiac de David Fincher . [250] En el episodio de Los Simpson " The Springfield Files ", la gente del pueblo canta "Good Morning Starshine". [251] El episodio " Hairography " del programa Glee incluye un mash-up de las canciones "Hair" y " Crazy in Love " de Beyoncé . [252] Head of the Class presentó un episodio de dos partes en 1990, titulado "Hair to Eternity", en el que el director del departamento de inglés está decidido a interrumpir la actuación de Hair en la escuela . [253]
Debido a la universalidad de su tema pacifista, Hair sigue siendo una opción popular para producciones de secundaria y universidad. [35] Las producciones amateur de Hair también son populares en todo el mundo. [254] En 2002, Peter Jennings presentó una producción de Hair en la escuela secundaria de Boulder, Colorado , para su serie documental de ABC In Search of America . [255] Una producción de teatro comunitario de 2006 en el Count Basie Theater de 2000 asientos en Red Bank, Nueva Jersey , fue señalada por el productor original Michael Butler como "una de las mejores películas de Hair que he visto en mucho tiempo". [256] Una producción de Mountain Play se presentó en el Cushing Memorial Amphitheatre de 4000 asientos en Mount Tamalpais State Park en Mill Valley, California , en 2007. [257]
Hair fue el primer musical conceptual "plenamente realizado" de Broadway , una forma que dominó el teatro musical de los años setenta, [258] incluyendo espectáculos como Company , Follies , Pacific Overtures y A Chorus Line . [258] Si bien el desarrollo del musical conceptual fue una consecuencia inesperada de la permanencia de Hair en Broadway, la esperada revolución de la música rock en Broadway resultó estar lejos de estar completa. [258]
MacDermot siguió a Hair con tres bandas sonoras de rock sucesivas: Two Gentlemen of Verona (1971); Dude (1972), una segunda colaboración con Ragni; y Via Galactica (1972). Mientras que Two Gentlemen of Verona encontró audiencias receptivas y un Tony al Mejor Musical, Dude fracasó después de solo dieciséis funciones, y Via Galactica fracasó después de un mes. [259] Según Horn, estos y otros "fracasos similares pueden haber sido el resultado de productores simplemente confiando en la etiqueta 'musical de rock' para atraer audiencias sin tener en cuenta la calidad del material presentado". [259] Jesus Christ Superstar (1970) y Godspell (1971) fueron dos éxitos de temática religiosa del género. Grease (1971) volvió a los sonidos del rock de la década de 1950, y los musicales de temática negra como The Wiz (1975) estuvieron fuertemente influenciados por la música gospel, R&B y soul . A finales de los años 1970, el género ya se había agotado. [259] A excepción de unos pocos puestos de avanzada del rock, como Dreamgirls (1981) y Little Shop of Horrors (1982), los gustos del público en los años 1980 se orientaron hacia los megamusicales con partituras pop, como Los miserables (1985) y El fantasma de la ópera (1986). [260] Algunos musicales de rock posteriores, como Rent (1996) y Spring Awakening (2006), así como musicales de jukebox con música rock, como We Will Rock You (2002) y Rock of Ages (2009), han tenido éxito. Pero el musical de rock no llegó a dominar rápidamente el escenario del teatro musical después de Hair . El crítico Clive Barnes comentó: "En realidad no hubo ningún musical de rock. Ningún músico de rock importante hizo nunca una banda sonora de rock para Broadway... Se podría pensar en el musical Tommy , pero nunca fue concebido como un espectáculo de Broadway... Y se puede entender por qué. Hay mucho más dinero en los discos y en los conciertos de rock. Quiero decir, ¿por qué molestarse en pasar por el dolor de un musical que puede cerrar en Filadelfia?". [259] [261] La continua popularidad de Hair en el siglo XXI se ve en su puesto número diez en una encuesta de oyentes de BBC Radio 2 de 2006 de los "Musicales esenciales número uno [del Reino Unido]". [262]
Por otra parte, Hair tuvo un efecto profundo no solo en lo que era aceptable en Broadway, sino como parte de los mismos movimientos sociales que celebraba. Por ejemplo, en 1970, Butler, Castelli y los diversos elencos de Hair contribuyeron a la recaudación de fondos para la Asamblea Mundial de la Juventud , una organización patrocinada por las Naciones Unidas formada en relación con la celebración del 25º aniversario de las Naciones Unidas. [263] La Asamblea permitió que 750 jóvenes representantes de todo el mundo se reunieran en Nueva York en julio de 1970 para discutir cuestiones sociales. [264] [265] Durante aproximadamente una semana, los miembros del elenco de todo el mundo recolectaron donaciones en cada espectáculo para el fondo. Hair recaudó alrededor de $250,000 y terminó siendo el principal financista de la Asamblea. [266] Los miembros del elenco y el equipo también contribuyeron con el salario de un día, y Butler contribuyó con las ganancias de un día de estas producciones. [263] [264] Además, como señaló Ellen Stewart , fundadora de La MaMa ETC:
Hair llegó con los jeans azules, la ropa cómoda, los colores, los colores hermosos, los sonidos, el movimiento... Y [ahora todo el mundo] lleva jeans azules... Puedes ir a cualquier lugar que quieras, y lo que hizo Hair ... Una especie de emancipación, una emancipación espiritual que surgió de la puesta en escena [de O'Horgan].... Hasta la fecha, Hair ha influido en cada cosa que ves... en cualquier parte del mundo, verás elementos de las técnicas experimentales que Hair trajo no solo a Broadway, sino al mundo entero. [267]
Notas
Bibliografía