Édouard Manet ( Reino Unido : / ˈmæneɪ / , Estados Unidos : / mæˈneɪ , məˈ- / ; [ 1 ] [2] Francés : [edwaʁmanɛ ] ; 23 de enero de 1832 - 30 de abril de 1883) fue un pintor modernista francés . Fue uno de los primeros artistas del siglo XIX en pintar la vida moderna, así como una figura fundamental en la transición del realismo al impresionismo .
Nacido en una familia de clase alta con fuertes conexiones políticas, Manet rechazó la carrera naval que originalmente se había previsto para él y se sumergió en el mundo de la pintura. Sus primeras obras maestras, El almuerzo sobre la hierba ( Le déjeuner sur l'herbe ) u Olimpia , "estrenadas" en 1863 y 1865, respectivamente, causaron una gran controversia tanto con los críticos como con la Academia de Bellas Artes, pero pronto fueron elogiadas por los artistas progresistas como actos revolucionarios hacia el nuevo estilo, el impresionismo. También hoy, estas obras, junto con otras, se consideran pinturas decisivas que marcan el inicio del arte moderno . Los últimos 20 años de la vida de Manet lo vieron formar vínculos con otros grandes artistas de la época; desarrolló su propio estilo simple y directo que sería anunciado como innovador y serviría como una gran influencia para futuros pintores.
Édouard Manet nació en París el 23 de enero de 1832, en el ancestral hôtel particulier (mansión) de la Rue des Petits Augustins (actualmente Rue Bonaparte ), en el seno de una familia adinerada y bien relacionada. [3] Su madre, Eugénie-Desirée Fournier, era hija de un diplomático y ahijada del príncipe heredero sueco Charles Bernadotte , de quien descienden los monarcas suecos. Su padre, Auguste Manet, era un juez francés que esperaba que Édouard siguiera la carrera de derecho. [4] Su tío, Edmond Fournier, lo animó a dedicarse a la pintura y llevó al joven Manet al Louvre . [5] En 1844, se matriculó en la escuela secundaria, el Collège Rollin , donde estuvo interno hasta 1848. [4] Mostró poco talento académico y, en general, no estaba contento en la escuela. [6] En 1845, por consejo de su tío, Manet se inscribió en un curso especial de dibujo donde conoció a Antonin Proust , futuro Ministro de Bellas Artes y su amigo de toda la vida. [7]
Por sugerencia de su padre, en 1848 se embarcó en un buque escuela rumbo a Río de Janeiro . Después de suspender dos veces el examen para unirse a la Marina , [8] su padre cedió a sus deseos de seguir una educación artística. De 1850 a 1856, Manet estudió con el pintor académico Thomas Couture . [4] Couture alentó a sus estudiantes a pintar la vida contemporánea, aunque finalmente se horrorizaría por la elección de Manet de temas de clase baja y "degenerados" como El bebedor de absenta . [9] En su tiempo libre, Manet copió a viejos maestros como Diego Velázquez y Tiziano en el Louvre. [4]
De 1853 a 1856, Manet realizó breves visitas a Alemania, Italia y los Países Bajos, tiempo durante el cual recibió la influencia del pintor holandés Frans Hals [10] y de los artistas españoles Velázquez y Francisco José de Goya . [11]
En 1856, Manet abrió un estudio. Su estilo en este período se caracterizó por pinceladas sueltas, simplificación de detalles y la supresión de tonos de transición. Adoptando el estilo actual del realismo iniciado por Gustave Courbet , pintó El bebedor de absenta (1858-59) y otros temas contemporáneos como mendigos, cantantes, gitanos, gente en cafés y corridas de toros. Después de su carrera temprana, rara vez pintó temas religiosos, mitológicos o históricos; las pinturas religiosas de 1864 incluyen su Jesús burlado por los soldados [12] y El Cristo muerto con ángeles . [13]
Manet tuvo dos lienzos aceptados en el Salón en 1861. Un retrato de su madre y su padre ( Retrato de Monsieur y Madame Manet ), el último de los cuales en ese momento estaba paralizado por un derrame cerebral o una sífilis avanzada, fue mal recibido por los críticos. [14] El otro, El cantor español , fue admirado por Théophile Gautier y colocado en un lugar más visible como resultado de su popularidad entre los asistentes al Salón. [15] La obra de Manet, que parecía "ligeramente descuidada" en comparación con el estilo meticuloso de tantas otras pinturas del Salón, intrigó a algunos artistas jóvenes y trajo nuevos negocios a su estudio. [15] Según una fuente contemporánea, El cantor español , pintado en una "extraña nueva manera [,] hizo que muchos pintores abrieran los ojos y se quedaran boquiabiertos". [a]
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En 1862, Manet expuso Música en las Tullerías (probablemente pintada en 1860), [5] [17] una de sus primeras obras maestras. Con su representación de una multitud de sujetos en el Jardín de las Tullerías , la pintura muestra el ocio al aire libre del París contemporáneo, que sería un tema de toda la vida de Manet. [18] Entre las figuras de los jardines se encuentran el poeta Charles Baudelaire , el músico Jacques Offenbach y otros miembros de la familia y amigos de Manet, incluido un autorretrato del artista. [17]
La música en las Tullerías recibió una considerable atención de la crítica y del público, la mayor parte de ella negativa. [5] En palabras de un biógrafo de Manet, "nos resulta difícil imaginar el tipo de furia que provocó La música en las Tullerías cuando se exhibió". [19] Al retratar el círculo social de Manet en lugar de héroes clásicos, iconos históricos o dioses, la pintura podría interpretarse como un desafío al valor de esos temas o como un intento de elevar a sus contemporáneos al mismo nivel. [20] El público, acostumbrado a las pinceladas finamente detalladas de pintores históricos como Ernest Meissonier , pensó que las pinceladas gruesas de Manet parecían toscas e inacabadas. Enfadados por el tema y la técnica, varios visitantes incluso amenazaron con destruir la pintura. [5] [21] Uno de los ídolos de Manet, Eugène Delacroix , fue uno de los pocos defensores de la pintura. [5] A pesar de la reacción en gran parte negativa, la controversia convirtió a Manet en un nombre conocido en París. [21]
Otra obra temprana importante es El almuerzo sobre la hierba (Le Déjeuner sur l'herbe) , originalmente Le Bain . El Salón de París la rechazó para su exhibición en 1863, pero Manet aceptó exhibirla en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados). [21] Este salón paralelo fue iniciado por el emperador Napoleón III como una solución a la protesta pública después de que el Comité de Selección del salón oficial solo aceptara 2217 pinturas de más de 5000 presentaciones. Dio a los artistas rechazados la oportunidad de exhibir sus pinturas si así lo deseaban. [5]
La yuxtaposición de hombres completamente vestidos y una mujer desnuda en la pintura fue controvertida, al igual que su manejo abreviado, similar a un boceto, una innovación que distinguió a Manet de Courbet. Un crítico afirmó que la pincelada parecía haber sido hecha con una "fregona de suelo". [5] Sin embargo, otros, como su amigo Antonin Proust, celebraron la pintura, y el novelista Émile Zola quedó tan afectado por la experiencia de verla que más tarde basó la pintura que da título a su novela L'Œuvre ("La obra de arte") en Le Déjeuner sur l'herbe . [22]
Al mismo tiempo, la composición de Manet revela su estudio de los antiguos maestros, ya que la disposición de las figuras principales se deriva del grabado de Marcantonio Raimondi del Juicio de Paris ( c. 1515 ) basado en un dibujo de Rafael . [5] Dos obras adicionales citadas por los estudiosos como precedentes importantes de Le Déjeuner sur l'herbe son Concierto pastoral ( c. 1510 ) y La tempestad , ambas atribuidas de diversas formas a los maestros del renacimiento italiano Giorgione o Tiziano . [23]
El Déjeuner y la Sinfonía en blanco n.º 1: La muchacha blanca de James McNeill Whistler fueron las dos obras más comentadas del Salón de los Rechazados, que se convertiría en una de las exposiciones de arte más famosas de todos los tiempos. [22] Después del Salón, Manet se volvió aún más notorio y ampliamente discutido. [24] Sin embargo, El Déjeuner sobre la hierba y otras pinturas de Manet todavía no se vendieron, y Manet continuó viviendo de la herencia de su padre recientemente fallecido. [5]
Al igual que en El almuerzo sobre la hierba , Manet volvió a parafrasear una obra respetada de un artista renacentista en el cuadro Olympia (1863), un desnudo retratado en un estilo que recuerda a las primeras fotografías de estudio, pero cuya pose se basaba en la Venus de Urbino de Tiziano (1538). La pintura también recuerda a la pintura La maja desnuda (1800) de Francisco Goya .
Manet se embarcó en el lienzo después de ser desafiado a dar al Salón un cuadro desnudo para exhibir. Su representación única y franca de una prostituta segura de sí misma fue aceptada por el Salón de París en 1865, donde creó un escándalo. Según Antonin Proust , "solo las precauciones tomadas por la administración evitaron que el cuadro fuera perforado y rasgado" por espectadores ofendidos. [25] La pintura fue controvertida en parte porque la desnuda lleva algunas prendas pequeñas como una orquídea en el pelo, una pulsera, una cinta alrededor del cuello y zapatillas de mula, todo lo cual acentuaba su desnudez, sexualidad y cómodo estilo de vida cortesano. La orquídea, el cabello recogido, el gato negro y el ramo de flores eran símbolos reconocidos de la sexualidad en ese momento. El cuerpo de esta Venus moderna es delgado, en contra de los estándares predominantes; la falta de idealismo de la pintura irritó a los espectadores. La planitud de la pintura, inspirada en el arte japonés de bloques de madera , sirve para hacer que el desnudo sea más humano y menos voluptuoso. Se muestra a una sirvienta negra completamente vestida, lo que explota la teoría entonces vigente de que los negros eran hipersexualizados. [5] El hecho de que aquí use la ropa de una sirvienta de una cortesana aumenta la tensión sexual de la pieza.
El cuerpo de Olimpia, así como su mirada, son abiertamente confrontativos. Mira desafiante mientras su sirviente le ofrece flores de parte de uno de sus pretendientes masculinos. Aunque su mano descansa sobre su pierna, ocultando su zona púbica, la referencia a la virtud femenina tradicional es irónica; la noción de modestia está notoriamente ausente en esta obra. Un crítico contemporáneo denunció la mano izquierda de Olimpia "flexionada descaradamente", que le parecía una burla de la mano relajada y protectora de la Venus de Tiziano. [26] Del mismo modo, el gato negro alerta al pie de la cama tiene una nota sexualmente rebelde en contraste con la del perro dormido en la representación de la diosa que hace Tiziano en su Venus de Urbino .
Olimpia fue objeto de caricaturas en la prensa popular, pero fue defendida por la comunidad de vanguardia francesa, y el significado de la pintura fue apreciado por artistas como Gustave Courbet , Paul Cézanne , Claude Monet y, más tarde, Paul Gauguin .
Al igual que El almuerzo sobre la hierba , la pintura planteó la cuestión de la prostitución en la Francia contemporánea y los roles de la mujer dentro de la sociedad. [5]
Tras la muerte de su padre en 1862, Manet se casó en 1863 con Suzanne Leenhoff en una iglesia protestante . [27] Leenhoff era una profesora de piano de origen holandés dos años mayor que Manet, con la que había mantenido una relación sentimental durante aproximadamente diez años. Leenhoff había sido contratada inicialmente por el padre de Manet, Auguste, para enseñarle piano a Manet y a su hermano menor. Es posible que también fuera la amante de Auguste. En 1852, Leenhoff dio a luz, fuera del matrimonio, a un hijo, Leon Koella Leenhoff.
Manet pintó a su esposa en La lectura , entre otras pinturas. Su hijo, Leon Leenhoff, cuyo padre puede haber sido cualquiera de los Manet, posó a menudo para Manet. Su tema más famoso es El niño que lleva una espada de 1861 ( Museo Metropolitano de Arte , Nueva York ). También aparece como el niño que lleva una bandeja en el fondo de El balcón (1868-69). [28]
Manet se hizo amigo de los impresionistas Edgar Degas , Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Alfred Sisley , Paul Cézanne y Camille Pissarro a través de otra pintora, Berthe Morisot , que era miembro del grupo y lo atrajo hacia sus actividades. Más tarde se hicieron ampliamente conocidos como el grupo de Batignolles (Le groupe des Batignolles).
La supuesta sobrina nieta del pintor Jean-Honoré Fragonard , Morisot, vio su primer cuadro aceptado en el Salón de París en 1864, y continuó exponiendo allí durante los diez años siguientes.
Manet se convirtió en amiga y colega de Morisot en 1868. Se le atribuye haber convencido a Manet para que intentara pintar al aire libre , algo que había estado practicando desde que otro amigo suyo, Camille Corot , le presentó . Tuvieron una relación recíproca y Manet incorporó algunas de sus técnicas a sus pinturas. En 1874, se convirtió en su cuñada cuando se casó con su hermano, Eugène . Se ha especulado que había un amor reprimido entre Manet y Morisot, ejemplificado por los numerosos retratos que hizo de ella antes de que ella se casara con su hermano. [29] [30]
A diferencia del núcleo del grupo impresionista, Manet sostenía que los artistas modernos debían intentar exponer en el Salón de París en lugar de abandonarlo en favor de exposiciones independientes. Sin embargo, cuando Manet fue excluido de la Exposición Internacional de 1867, organizó su propia exposición. Su madre temía que desperdiciara toda su herencia en este proyecto, que era enormemente costoso. Si bien la exposición recibió malas críticas de los principales críticos, también le proporcionó sus primeros contactos con varios futuros pintores impresionistas, entre ellos Degas.
Aunque su propia obra influyó y anticipó el estilo impresionista, Manet se resistió a participar en exposiciones impresionistas, en parte porque no quería ser visto como el representante de una identidad de grupo y en parte porque prefería exponer en el Salón. Eva Gonzalès , hija del novelista Emmanuel Gonzalès , fue su única alumna formal.
Recibió la influencia de los impresionistas, especialmente de Monet y Morisot. Su influencia se aprecia en el uso que hace Manet de colores más claros: a partir de principios de la década de 1870, hizo menos uso de fondos oscuros, pero mantuvo su uso distintivo del negro, poco característico de la pintura impresionista. Pintó muchas piezas al aire libre (plein air), pero siempre volvió a lo que él consideraba el trabajo serio del estudio.
Manet mantuvo una estrecha amistad con el compositor Emmanuel Chabrier , de quien pintó dos retratos; el músico poseía 14 pinturas de Manet y dedicó su Impromptu a la esposa de Manet. [31]
Una de las modelos frecuentes de Manet a principios de la década de 1880 fue la "semimondaine" Méry Laurent , que posó para siete retratos al pastel. [32] Los salones de Laurent acogieron a muchos escritores y pintores franceses (e incluso estadounidenses) de su tiempo; Manet tenía conexiones e influencia a través de tales eventos.
A lo largo de su vida, aunque los críticos de arte se resistieron, Manet contó entre sus defensores a Émile Zola , que lo apoyó públicamente en la prensa, Stéphane Mallarmé y Charles Baudelaire , que lo desafió a representar la vida tal como era. Manet, a su vez, dibujó o pintó a cada uno de ellos.
Las pinturas de Manet de escenas de café son observaciones de la vida social en París del siglo XIX. Se representa a personas bebiendo cerveza, escuchando música, coqueteando, leyendo o esperando. Muchas de estas pinturas se basaron en bocetos ejecutados en el lugar. Manet visitaba a menudo la Brasserie Reichshoffen en el bulevar de Rochechourt, en la que se basó En el café en 1878. Varias personas están en la barra y una mujer se enfrenta al espectador mientras otras esperan a ser atendidas. Estas representaciones representan el diario pintado de un flâneur . Están pintadas en un estilo suelto, que hace referencia a Hals y Velázquez , pero capturan el estado de ánimo y el sentimiento de la vida nocturna parisina. Son instantáneas pintadas de la bohemia , la gente trabajadora urbana , así como de parte de la burguesía .
En Corner of a Café-Concert , un hombre fuma mientras detrás de él una camarera sirve bebidas. En The Beer Drinkers, una mujer disfruta de su cerveza en compañía de una amiga. En The Café-Concert , que se muestra a la derecha, un caballero sofisticado está sentado en una barra mientras una camarera permanece de pie resueltamente en el fondo, sorbiendo su bebida. En The Waitress , una camarera se detiene un momento detrás de un cliente sentado fumando una pipa, mientras una bailarina de ballet, con los brazos extendidos a punto de girar, está en el escenario al fondo.
Manet también se sentó en el restaurante de la avenida de Clichy llamado Père Lathuille's, que tenía un jardín además del comedor. Uno de los cuadros que pintó aquí fue Chez le père Lathuille (En casa del Père Lathuille), en el que un hombre muestra un interés no correspondido por una mujer que cena cerca de él.
En Le Bon Bock (1873), un hombre grande, alegre y barbudo se sienta con una pipa en una mano y un vaso de cerveza en la otra, mirando directamente al espectador.
Manet pintó a la clase alta disfrutando de actividades sociales más formales. En El baile de máscaras en la ópera , Manet muestra una multitud animada de personas disfrutando de una fiesta. Los hombres están de pie con sombreros de copa y trajes negros largos mientras hablan con mujeres con máscaras y disfraces. Incluyó retratos de sus amigos en esta imagen.
Su cuadro de 1868 El almuerzo fue pintado en el comedor de la casa Manet.
Manet representó otras actividades populares en su obra. En Las carreras de Longchamp , se emplea una perspectiva inusual para subrayar la furiosa energía de los caballos de carreras que se precipitan hacia el espectador. En Patinaje , Manet muestra a una mujer bien vestida en primer plano, mientras otros patinan detrás de ella. Siempre existe la sensación de una vida urbana activa que continúa detrás del sujeto, extendiéndose fuera del marco del lienzo.
En vista de la Exposición Internacional , los soldados descansan, sentados y de pie, las parejas adineradas conversan, hay un jardinero, un niño con un perro, una mujer a caballo... En resumen, una muestra de las clases y las edades de los habitantes de París.
La respuesta de Manet a la vida moderna incluyó obras dedicadas a la guerra, en temas que pueden verse como interpretaciones actualizadas del género de la "pintura histórica". [34] La primera de estas obras fue La batalla del Kearsarge y el Alabama (1864), una escaramuza marítima conocida como la Batalla de Cherburgo de la Guerra Civil estadounidense que tuvo lugar frente a la costa francesa y que pudo haber sido presenciada por el artista. [35]
El siguiente tema de interés fue la intervención francesa en México; de 1867 a 1869, Manet pintó tres versiones de La ejecución del emperador Maximiliano , un acontecimiento que suscitó inquietudes en relación con la política exterior e interior francesa. [36] Las diversas versiones de La ejecución se encuentran entre las pinturas más grandes de Manet, lo que sugiere que el tema era uno de los que el pintor consideraba más importante. Su tema es la ejecución por un pelotón de fusilamiento mexicano de un emperador de los Habsburgo que había sido instalado por Napoleón III . Ni las pinturas ni una litografía del tema fueron permitidas para ser exhibidas en Francia. [37] Como una acusación de matanza formalizada, las pinturas se remontan a Goya , [38] y anticipan el Guernica de Picasso .
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Durante la guerra franco-prusiana , Manet sirvió en la Guardia Nacional para ayudar a defender la ciudad durante el asedio de París , junto con Degas. [39] En enero de 1871, viajó a Oloron-Sainte-Marie en los Pirineos . En su ausencia, sus amigos añadieron su nombre a la "Fédération des artistes" (véase: Courbet ) de la Comuna de París . Manet se mantuvo alejado de París, tal vez, hasta después de la semana sangrienta : en una carta a Berthe Morisot en Cherburgo (10 de junio de 1871) escribe: "Hemos vuelto a París hace unos días..." (la semana sangrienta terminó el 28 de mayo).
La colección de grabados y dibujos del Museo de Bellas Artes de Budapest cuenta con una acuarela / gouache de Manet, La barricada , que representa una ejecución sumaria de comuneros a manos de las tropas de Versalles basada en una litografía de la ejecución de Maximiliano . Una pieza similar, La barricada (óleo sobre madera contrachapada), se conserva en poder de un coleccionista privado.
El 18 de marzo de 1871, escribió a su amigo (confederado) Félix Bracquemond en París sobre su visita a Burdeos , la sede provisional de la Asamblea Nacional Francesa de la Tercera República Francesa , donde Émile Zola le presentó los lugares: "Nunca imaginé que Francia pudiera estar representada por viejos tontos tan chochos, sin exceptuar a ese pequeño imbécil de Thiers ..." [40] Si esto pudiera interpretarse como un apoyo a la Comuna, una carta posterior a Bracquemond (21 de marzo de 1871) expresó su idea con más claridad: "Solo los mercenarios del partido y los ambiciosos, los Henry de este mundo siguiendo los pasos de los Milliéres, los grotescos imitadores de la Comuna de 1793". Sabía que el comunero Lucien Henry había sido modelo de un pintor y Millière, un agente de seguros. "¡Qué estímulo para las artes son todas estas cabriolas sanguinarias! Pero hay al menos un consuelo en nuestras desgracias: que no somos políticos y no tenemos ningún deseo de ser elegidos diputados".
La figura pública que más admiraba Manet era el republicano Léon Gambetta . [41] En el calor del golpe de Estado de 1877, Manet abrió su taller a una reunión electoral republicana presidida por el amigo de Gambetta, Eugène Spuller . [41]
Manet representó muchas escenas de las calles de París en sus obras. La calle Mosnier adornada con banderas muestra banderines rojos, blancos y azules que cubren los edificios a ambos lados de la calle; otra pintura del mismo título presenta a un hombre con una sola pierna que camina con muletas. Otra vez representando la misma calle, pero esta vez en un contexto diferente, está la calle Mosnier con adoquines , en la que los hombres reparan la calzada mientras pasan personas y caballos.
El ferrocarril , más conocido como La estación Saint-Lazare , fue pintado en 1873. El escenario es el paisaje urbano de París a finales del siglo XIX. Utilizando su modelo favorita en su último cuadro de ella, una colega pintora, Victorine Meurent , también modelo de Olimpia y El almuerzo sobre la hierba , está sentada frente a una valla de hierro sosteniendo un cachorro dormido y un libro abierto en su regazo. Junto a ella hay una niña de espaldas al pintor, mirando pasar un tren debajo de ellas.
En lugar de elegir la vista natural tradicional como fondo para una escena al aire libre, Manet opta por la reja de hierro que "se extiende con audacia a través del lienzo". [42] La única evidencia del tren es su nube blanca de vapor. A lo lejos se ven edificios de apartamentos modernos. Esta disposición comprime el primer plano en un foco estrecho. Se ignora la convención tradicional del espacio profundo.
La historiadora Isabelle Dervaux ha descrito la recepción que tuvo esta pintura cuando se exhibió por primera vez en el Salón oficial de París de 1874: "Los visitantes y los críticos encontraron su tema desconcertante, su composición incoherente y su ejecución esquemática. Los caricaturistas ridiculizaron el cuadro de Manet, en el que solo unos pocos reconocieron el símbolo de la modernidad en que se ha convertido hoy". [43] La pintura se encuentra actualmente en la Galería Nacional de Arte en Washington, DC [44]
Manet pintó varios temas de navegación en 1874. Navegación , ahora en el Museo Metropolitano de Arte, ejemplifica en su concisión las lecciones que Manet aprendió de los grabados japoneses, y el recorte abrupto del marco del barco y la vela se suma a la inmediatez de la imagen. [45]
En 1875, una edición francesa de El cuervo, de Edgar Allan Poe, incluía litografías de Manet y traducción de Mallarmé. [46]
En 1881, bajo la presión de su amigo Antonin Proust , el gobierno francés concedió a Manet la Legión de Honor . [47]
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A mediados de sus cuarenta, la salud de Manet se deterioró y desarrolló fuertes dolores y parálisis parcial en las piernas. En 1879 comenzó a recibir tratamientos de hidroterapia en un balneario cerca de Meudon con la intención de mejorar lo que él creía que era un problema circulatorio , pero en realidad sufría de ataxia locomotora , un conocido efecto secundario de la sífilis . [48] [49] En 1880, pintó allí un retrato de la cantante de ópera Émilie Ambre como Carmen . Ambre y su amante Gaston de Beauplan tenían una propiedad en Meudon y habían organizado la primera exposición de La ejecución del emperador Maximiliano de Manet en Nueva York en diciembre de 1879. [50]
En sus últimos años, Manet pintó numerosos bodegones de frutas y verduras en pequeño formato , como Un manojo de espárragos y El limón (ambos de 1880). [51] Completó su última obra importante, Un bar en el Folies-Bergère (Un Bar aux Folies-Bergère) , en 1882, y estuvo expuesta en el Salón ese mismo año. Después, se limitó a pequeños formatos.
Los últimos cuadros de Manet fueron de flores en jarrones de cristal. [52] Se conocen 20 cuadros de este tipo, el último de los cuales fue pintado en marzo de 1883, apenas dos meses antes de su muerte. [53] Citado en Venecia trece años después, a Manet se le atribuye haber afirmado que un artista puede decir todo lo que tiene que decir con "flores, frutas y nubes". Sus últimos cuadros de flores son una demostración de esa creencia. [53]
En 2023, el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York exhibió una exposición de dos personas de Manet con Degas . [54]
En abril de 1883, le amputaron el pie izquierdo a causa de una gangrena provocada por complicaciones de la sífilis y el reumatismo . Murió once días después, el 30 de abril, en París. Está enterrado en el cementerio de Passy de la ciudad. [55]
La carrera pública de Manet duró desde 1861, año de su primera participación en el Salón, hasta su muerte en 1883. Sus obras conocidas existentes, catalogadas en 1975 por Denis Rouart y Daniel Wildenstein, comprenden 430 pinturas al óleo, 89 pasteles y más de 400 obras sobre papel. [56]
Aunque fue duramente condenada por los críticos que criticaron su falta de acabado convencional, la obra de Manet tuvo admiradores desde el principio. Uno de ellos fue Émile Zola, quien escribió en 1867: "No estamos acostumbrados a ver traducciones tan simples y directas de la realidad. Además, como dije, hay una torpeza sorprendentemente elegante... Es una experiencia verdaderamente encantadora contemplar esta pintura luminosa y seria que interpreta la naturaleza con una brutalidad suave". [57]
El estilo de pintura tosca y la iluminación fotográfica en las pinturas de Manet se consideraron específicamente modernas y un desafío a las obras renacentistas que copió o utilizó como material de referencia. Rechazó la técnica que había aprendido en el estudio de Thomas Couture , en la que se construía una pintura utilizando capas sucesivas de pintura sobre un fondo de tono oscuro, en favor de un método directo, alla prima , utilizando pintura opaca sobre un fondo claro. Este método, novedoso en su época, hizo posible completar una pintura en una sola sesión. Fue adoptado por los impresionistas y se convirtió en el método predominante de pintura al óleo para las generaciones siguientes. [58] La obra de Manet se considera "moderna temprana", en parte debido a la planitud opaca de sus superficies, los frecuentes pasajes similares a bocetos y el contorno negro de las figuras, todo lo cual llama la atención sobre la superficie del plano del cuadro y la calidad material de la pintura.
La historiadora del arte Beatrice Farwell afirma que Manet "ha sido considerado universalmente como el padre del modernismo . Junto con Courbet, fue uno de los primeros en asumir serios riesgos con el público cuyo favor buscaba, el primero en hacer de la pintura alla prima la técnica estándar para la pintura al óleo y uno de los primeros en tomarse libertades con la perspectiva renacentista y en ofrecer la 'pintura pura' como fuente de placer estético. Fue pionero, de nuevo junto con Courbet, en el rechazo de los temas humanísticos e históricos, y compartió con Degas el establecimiento de la vida urbana moderna como material aceptable para el arte elevado". [58]
El último cuadro de Manet, Le Printemps (1881), se vendió al Museo J. Paul Getty por 65,1 millones de dólares, lo que estableció un nuevo récord de subasta para Manet, superando su estimación previa a la venta de 25 a 35 millones de dólares en Christie's el 5 de noviembre de 2014. [59] El récord de subasta anterior lo tenía Autorretrato con paleta , que se vendió por 33,2 millones de dólares en Sotheby's el 22 de junio de 2010. [60]
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Todos los retratos de Berthe Morisot por Manet son magníficos, pleins de son amour pour celle qui avait épousé son frère Eugène. Ils disent un désir qui n'a pu s'exprimer et c'est autour de cette part manquante que j'ai imaginé mon exposition
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