El cine de Japón (日本映画, Nihon eiga ) , también conocido localmente como hōga (邦画, "cine doméstico") , tiene una historia que abarca más de 100 años. Japón tiene una de las industrias cinematográficas más antiguas y grandes del mundo; a partir de 2021, fue la cuarta más grande por número de largometrajes producidos. [4] En 2011, Japón produjo 411 largometrajes que recaudaron el 54,9% de un total de taquilla de 2.338 millones de dólares estadounidenses. [5] Se han producido películas en Japón desde 1897.
Durante la década de 1950, un período denominado la "Edad de Oro del cine japonés", las películas jidaigeki de Akira Kurosawa, así como las películas de ciencia ficción de Ishirō Honda y Eiji Tsuburaya, ganaron elogios internacionales del cine japonés e hicieron que estos directores fueran universalmente reconocidos y muy influyentes. Algunas de las películas japonesas de este período ahora están clasificadas como algunas de las mejores de todos los tiempos : Tokyo Story (1953) ocupó el puesto número tres en la lista de críticos de Sight & Sound de las 100 mejores películas de todos los tiempos [6] y también encabezó la encuesta de directores de Sight & Sound de 2012 de Las 50 mejores películas de todos los tiempos , destronando a Ciudadano Kane , [7] [8] mientras que Los siete samuráis de Akira Kurosawa (1954) fue votada como la mejor película en lengua extranjera de todos los tiempos en la encuesta de la BBC de 2018 de 209 críticos en 43 países. [9] Japón también ha ganado el Premio de la Academia al Mejor Largometraje Internacional [nb 1] cinco veces, [nb 2] más que cualquier otro país asiático. [12]
Los cuatro grandes estudios cinematográficos de Japón son Toho , Toei , Shochiku y Kadokawa , que son los únicos miembros de la Asociación de Productores Cinematográficos de Japón (MPPAJ). El Premio de Cine de la Academia de Japón, que se otorga anualmente y es organizado por la Asociación Nippon Academy-shō, se considera el equivalente japonés de los Premios de la Academia .
El kinetoscopio , mostrado comercialmente por primera vez por Thomas Edison en los Estados Unidos en 1894, se mostró por primera vez en Japón en noviembre de 1896. El Vitascopio y el Cinematógrafo de los hermanos Lumière se presentaron por primera vez en Japón a principios de 1897, [13] por empresarios como Inabata Katsutaro . [14] Los camarógrafos Lumière fueron los primeros en filmar películas en Japón. [15] Sin embargo, las imágenes en movimiento no eran una experiencia completamente nueva para los japoneses debido a su rica tradición de dispositivos precinematográficos como el gentō ( utsushi-e ) o la linterna mágica . [16] [17] La primera película japonesa exitosa a fines de 1897 mostró vistas en Tokio. [18]
En 1898 se hicieron algunas películas de fantasmas, como los cortos de Shirō Asano Bake Jizo (Jizo the Spook / 化け地蔵) y Shinin no sosei (La resurrección de un cadáver). [19] El primer documental, el cortometraje Geisha no teodori (芸者の手踊り), se realizó en junio de 1899. Tsunekichi Shibata realizó varias de sus primeras películas, entre ellas Momijigari , un registro de 1899 de dos actores famosos interpretando una escena de un pozo. -Conocida obra de kabuki . Las primeras películas estuvieron influenciadas por el teatro tradicional, por ejemplo, el kabuki y el bunraku .
A principios del siglo XX, los teatros de Japón contrataban a benshi , narradores de historias que se sentaban junto a la pantalla y narraban películas mudas. Eran descendientes de los jōruri del kabuki , los narradores de kōdan , los pregoneros de teatro y otras formas de narración oral. [20] El benshi podía ir acompañado de música como las películas mudas del cine occidental . Con la llegada del sonido a principios de la década de 1930, el benshi fue decayendo gradualmente.
En 1908, Shōzō Makino , considerado el director pionero del cine japonés, comenzó su influyente carrera con Honnōji gassen (本能寺合戦), producida para Yokota Shōkai . Shōzō reclutó a Matsunosuke Onoe , un ex actor de kabuki , para protagonizar sus producciones. Onoe se convirtió en la primera estrella de cine de Japón , apareciendo en más de 1000 películas, en su mayoría cortometrajes, entre 1909 y 1926. La pareja fue pionera en el género jidaigeki . [21] Tokihiko Okada fue un popular protagonista romántico de la misma época.
El primer estudio de producción cinematográfica japonés fue construido en 1909 por la compañía Yoshizawa Shōten en Tokio . [22]
La primera artista japonesa que apareció en una película profesionalmente fue la bailarina y actriz Tokuko Nagai Takagi , quien apareció en cuatro cortometrajes para la compañía estadounidense Thanhouser entre 1911 y 1914. [23]
Entre los intelectuales, las críticas al cine japonés crecieron en la década de 1910 y finalmente se convirtieron en un movimiento que transformó el cine japonés. La crítica cinematográfica comenzó con las primeras revistas de cine como Katsudō shashinkai (que comenzó en 1909) y un libro completo escrito por Yasunosuke Gonda en 1914, pero muchos de los primeros críticos de cine a menudo se centraron en castigar el trabajo de estudios como Nikkatsu y Tenkatsu por ser demasiado teatral (usando, por ejemplo, elementos del kabuki y shinpa como onnagata ) y por no utilizar lo que se consideraban técnicas más cinematográficas para contar historias, confiando en cambio en el benshi. En lo que más tarde se denominó el Movimiento de Cine Puro , los escritores de revistas como Kinema Record pidieron un uso más amplio de tales técnicas cinematográficas. Algunos de estos críticos, como Norimasa Kaeriyama , llevaron a la práctica sus ideas dirigiendo películas como The Glow of Life (1918), que fue una de las primeras películas en utilizar actrices (en este caso, Harumi Hanayagi ). Hubo esfuerzos paralelos en otras partes de la industria cinematográfica. En su película de 1917 The Captain's Daughter (basada en la obra de Choji Nakauchi, basada a su vez en la película alemana Gendarm Möbius ), Masao Inoue comenzó a utilizar técnicas nuevas en la era del cine mudo, como el primer plano y el corte. El Movimiento de Cine Puro fue central en el desarrollo del gendaigeki y la escritura de guiones . [24]
Los nuevos estudios establecidos alrededor de 1920, como Shochiku y Taikatsu , ayudaron a la causa de la reforma. En Taikatsu, Thomas Kurihara dirigió películas con guiones del novelista Junichiro Tanizaki , quien fue un firme defensor de la reforma cinematográfica. [25] Incluso Nikkatsu produjo películas reformistas bajo la dirección de Eizō Tanaka . A mediados de la década de 1920, las actrices habían reemplazado a las onnagata y las películas usaban más los dispositivos iniciados por Inoue. Algunas de las películas mudas más discutidas de Japón son las de Kenji Mizoguchi , cuyos trabajos posteriores (incluidos Ugetsu / Ugetsu Monogatari ) conservan una gran reputación.
Las películas japonesas ganaron popularidad a mediados de la década de 1920 frente a las películas extranjeras, en parte impulsadas por la popularidad de las estrellas de cine y un nuevo estilo de jidaigeki . Directores como Daisuke Itō y Masahiro Makino hicieron películas de samuráis como A Diary of Chuji's Travels y Roningai presentando antihéroes rebeldes en escenas de lucha de corte rápido que fueron aclamadas por la crítica y éxitos comerciales. [26] Algunas estrellas, como Tsumasaburo Bando , Kanjūrō Arashi , Chiezō Kataoka , Takako Irie y Utaemon Ichikawa , se inspiraron en Makino Film Productions y formaron sus propias compañías de producción independientes donde directores como Hiroshi Inagaki , Mansaku Itami y Sadao Yamanaka perfeccionaron sus habilidades. El director Teinosuke Kinugasa creó una compañía de producción para producir la obra maestra experimental Una página de locura , protagonizada por Masao Inoue, en 1926. [27] Muchas de estas compañías, si bien sobrevivieron durante la era del cine mudo frente a grandes estudios como Nikkatsu , Shochiku , Teikine y Toa Studios, no pudieron sobrevivir al costo que implicaba la conversión al sonido.
Con el auge de los movimientos políticos de izquierda y los sindicatos a finales de la década de 1920, surgieron las llamadas películas de tendencia con tendencias de izquierda. Los directores Kenji Mizoguchi , Daisuke Itō , Shigeyoshi Suzuki y Tomu Uchida fueron ejemplos destacados. En contraste con estas películas de 35 mm producidas comercialmente , la Liga de Cine Proletario Marxista de Japón (Prokino) hizo obras de forma independiente en calibres más pequeños (como 9,5 mm y 16 mm ), con intenciones más radicales. [28] Las películas de tendencia sufrieron una severa censura de cara a la década de 1930, y los miembros de Prokino fueron arrestados y el movimiento fue aplastado de manera efectiva. Tales medidas del gobierno tuvieron profundos efectos en la expresión de la disidencia política en el cine de la década de 1930. Las películas de este período incluyen: Sakanaya Honda , Jitsuroku Chushingura , Horaijima, Orochi , Maboroshi, Kurutta Ippeji , Jujiro , Kurama Tengu: Kyōfu Jidai y Kurama Tengu . [29]
Una versión posterior de La hija del capitán dirigida por Namio Ochiai [30] [ referencia circular ] y藤原義江のふるさと ( Fujiwara Yoshie no furusato , conocida internacionalmente como Hometown ) de Kenji Mizoguchi fueron las dos primeras películas sonoras . Utilizaron el sistema Mina Talkie con diálogos escritos en pizarrones y fueron fracasos inmediatos porque Nikkatsu aumentó los precios de admisión en un cincuenta por ciento, lo que los llevó a abandonar temporalmente el cine sonoro. [31] La industria cinematográfica japonesa más tarde se dividió en dos grupos; uno conservó el sistema Mina Talkie, mientras que el otro utilizó el sistema Eastphone Talkie utilizado para hacer las películas de Tojo Masaki.
El terremoto de 1923 , el bombardeo de Tokio durante la Segunda Guerra Mundial y los efectos naturales del tiempo y la humedad de Japón sobre la película de nitrato inflamable e inestable han dado como resultado una gran escasez de películas sobrevivientes de este período.
A diferencia de Occidente, en Japón se siguieron produciendo películas mudas hasta bien entrada la década de 1930; en 1938, un tercio de las películas japonesas eran mudas. [32] Por ejemplo, An Inn in Tokyo (1935) de Yasujirō Ozu , considerada una precursora del género neorrealista , era una película muda. Se hicieron algunos cortometrajes sonoros japoneses en las décadas de 1920 y 1930, pero el primer largometraje sonoro de Japón fue Fujiwara Yoshie no furusato (1930), que utilizó el sistema Mina Talkie . Entre las películas sonoras notables de este período se incluyen Wife, Be Like A Rose! ( Tsuma Yo Bara No Yoni , 1935) de Mikio Naruse , que fue una de las primeras películas japonesas en estrenarse en cines en los EE. UU.; Sisters of the Gion ( Gion no shimai , 1936) de Kenji Mizoguchi ; Osaka Elegy (1936); La historia de los últimos crisantemos (1939); y La humanidad y los globos de papel (1937) de Sadao Yamanaka .
La crítica cinematográfica compartió esta vitalidad, con muchas revistas cinematográficas como Kinema Junpo y periódicos que imprimían discusiones detalladas del cine del momento, tanto en casa como en el extranjero. Una crítica "impresionista" culta llevada a cabo por críticos como Tadashi Iijima , Fuyuhiko Kitagawa y Matsuo Kishi fue dominante, pero se opusieron a ella críticos izquierdistas como Akira Iwasaki y Genjū Sasa que buscaban una crítica ideológica de las películas. [33]
La década de 1930 también vio una mayor participación del gobierno en el cine, que fue simbolizada por la aprobación de la Ley de Cine, que dio al estado más autoridad sobre la industria cinematográfica, en 1939. El gobierno alentó algunas formas de cine, produciendo películas de propaganda y promoviendo películas documentales (también llamadas bunka eiga o "películas culturales"), con importantes documentales realizados por directores como Fumio Kamei . [34] El realismo estaba a favor; teóricos del cine como Taihei Imamura y Heiichi Sugiyama abogaron por el documental o el drama realista, mientras que directores como Hiroshi Shimizu y Tomotaka Tasaka produjeron películas de ficción que eran fuertemente realistas en estilo. Las películas reforzaron la importancia de los valores tradicionales japoneses contra el auge de la chica moderna occidentalizada , un personaje personificado por Shizue Tatsuta en la película de Ozu de 1930 Young Lady . [35]
Debido a la Segunda Guerra Mundial y a la débil economía, el desempleo se generalizó en Japón y la industria cinematográfica sufrió.
Durante este período, cuando Japón estaba expandiendo su Imperio, el gobierno japonés vio el cine como una herramienta de propaganda para mostrar la gloria e invencibilidad del Imperio de Japón . Por lo tanto, muchas películas de este período representan temas patrióticos y militaristas. Sin embargo, a diferencia de la mayoría de las películas de guerra, los japoneses tendían a decir las cosas como son, mostrando las dificultades que enfrentan los soldados todos los días en la batalla. Marchando a través del barro y permaneciendo en pequeños pueblos desconocidos. En 1942, la película de Kajiro Yamamoto La guerra en el mar desde Hawái hasta Malasia retrató el ataque a Pearl Harbor; la película hizo uso de efectos especiales dirigidos por Eiji Tsuburaya , incluido un modelo a escala en miniatura del propio Pearl Harbor.
El kamishibai (紙芝居) o teatro de papel era una forma popular de entretenimiento callejero, especialmente para los niños. El kamishibai se utilizaba a menudo para contar historias de deidades budistas y la historia de algunos templos budistas. En 1920 comenzó como una narración normal para los niños, pero alrededor de 1932 comenzó a inclinarse hacia un punto de vista más militarista.
Yoshiko Yamaguchi fue una actriz muy popular. Saltó a la fama internacional con 22 películas ambientadas en tiempos de guerra. La Asociación de Cine de Manchukuo le permitió utilizar el nombre chino Li Xianglan para que pudiera representar papeles chinos en películas de propaganda japonesas. Después de la guerra, utilizó su nombre oficial japonés y protagonizó otras 29 películas. Fue elegida miembro del parlamento japonés en la década de 1970 y ocupó el cargo durante 18 años.
Akira Kurosawa hizo su debut cinematográfico con Sugata Sanshiro en 1943.
Tras la rendición de Japón en 1945, se abolieron los controles y restricciones de guerra sobre la industria cinematográfica japonesa, y el Comandante Supremo de las Potencias Aliadas (SCAP) estableció la Sección de Información y Educación Civil (CIE), que pasó a gestionar la industria. Todas las propuestas cinematográficas y los guiones debían ser procesados y aprobados por la CIE. A continuación, el guión sería procesado por el Destacamento de Censura Civil (CCD), que estaba bajo el control directo del ejército estadounidense. [36] Las películas de antes de la guerra y de la guerra también estaban sujetas a revisión, y más de 500 fueron condenadas, y la mitad de ellas fueron quemadas. Además, Toho y Daiei destruyeron preventivamente las películas que consideraban incriminatorias. [37] En noviembre de 1945, la CIE anunció que prohibiría las películas que se consideraran:
Una consecuencia importante de estas restricciones fue que la producción de películas jidaigeki , especialmente aquellas que involucraban samuráis , se volvió efectivamente imposible. [39] Un caso notable de censura fue el de la película de guerra Escape at Dawn , escrita por Akira Kurosawa y Senkichi Taniguchi , que fue reescrita más de una docena de veces a pedido de la CIE, borrando en gran medida el contenido original de la historia. [40] Por otro lado, la CIE favoreció la producción de películas que reflejaran las políticas de la Ocupación , como la reforma agrícola y la organización de sindicatos , y promovieron el redesarrollo pacífico de Japón y los derechos de los individuos .
Entre sus películas más importantes se encuentran Setsuko Hara , que apareció en No Regrets for Our Youth (1946) de Akira Kurosawa , A Ball at the Anjo House (1947) de Kōzaburō Yoshimura , Aoi sanmyaku (1949) de Tadashi Imai , etc. Ganó popularidad nacional como estrella que simboliza el comienzo de una nueva era. En Hatachi no Seishun (1946) de Yasushi Sasaki , se filmó la primera escena de beso de una película japonesa. El premio Mainichi Film Award también se creó en 1946. [41]
La primera película estrenada después de la guerra fue Soyokaze , dirigida por Yasushi Sasaki , y el tema principal Ringo no Uta fue un gran éxito. [42]
Las primeras colaboraciones entre Akira Kurosawa y el actor Toshiro Mifune fueron Drunken Angel en 1948 y Stray Dog en 1949. Yasujirō Ozu dirigió Late Spring, un éxito comercial y de crítica en 1949.
En la segunda mitad de la ocupación, el movimiento de reversión entró en vigor. Los cineastas de izquierda desplazados de los grandes estudios en la Purga Roja se unieron a los desplazados tras la represión de las huelgas de Toho , formando un nuevo movimiento cinematográfico independiente . Directores como Fumio Kamei , Tadashi Imai y Satsuo Yamamoto eran miembros del Partido Comunista Japonés . Los dramas realistas sociales independientes experimentaron un pequeño y temporal auge en medio de la ola de dramas de guerra sentimentales producidos tras el fin de la ocupación. [40]
La década de 1950 se considera ampliamente la Edad de Oro del cine japonés. [43] Tres películas japonesas de esta década ( Rashomon , Los siete samuráis y Tokyo Story ) aparecieron entre las diez mejores películas de todos los tiempos en las encuestas de críticos y directores de Sight & Sound en 2002. [44] También aparecieron en las encuestas de 2012, [45] [46] con Tokyo Story (1953) destronando a Ciudadano Kane en la cima de la encuesta de directores de 2012. [ 46]
Se empezaron a producir películas de guerra que cubrían temas que antes estaban restringidos por la SCAP , como " Escucha las voces del mar " de Hideo Sekigawa (1950), "Himeyuri no Tô - La torre de los lirios" de Tadashi Imai (1953), " Veinticuatro ojos " de Keisuke Kinoshita (1954) y " El arpa birmana " de Kon Ichikawa (1956). Las obras que mostraban retrospectivas trágicas y sentimentales de la experiencia de la guerra se convirtieron en un fenómeno público. Otras películas producidas incluyen El acorazado Yamato (1953) y El águila del Pacífico (1953). En estas circunstancias, también aparecieron películas como "El emperador Meiji y la guerra ruso-japonesa (明治天皇と日露大戦争)" (1957), donde Kanjūrō Arashi interpretó al emperador Meiji . una situación impensable antes de la guerra, la comercialización del Emperador que se suponía sagrado e inviolable.
El período posterior a la ocupación estadounidense condujo a un aumento en la diversidad en la distribución de películas gracias al aumento de la producción y la popularidad de los estudios cinematográficos de Toho , Daiei , Shochiku , Nikkatsu y Toei . Este período dio lugar a los seis grandes artistas del cine japonés: Masaki Kobayashi , Akira Kurosawa , Ishirō Honda , Eiji Tsuburaya , Kenji Mizoguchi y Yasujirō Ozu . Cada director abordó los efectos de la guerra y la posterior ocupación por parte de Estados Unidos de formas únicas e innovadoras. Durante esta década, las obras de Kurosawa, Honda y Tsuburaya se convertirían en las primeras películas japonesas en ser ampliamente distribuidas en cines extranjeros.
La década comenzó con Rashomon (1950) de Akira Kurosawa , que ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia en 1951 y el Premio Honorífico de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera en 1952, y marcó la entrada del cine japonés en el escenario mundial. También fue el papel revelación de la legendaria estrella Toshiro Mifune . [47] En 1953, Entotsu no mieru basho de Heinosuke Gosho estuvo en competencia en el 3er Festival Internacional de Cine de Berlín .
La primera película japonesa en color fue Carmen Comes Home dirigida por Keisuke Kinoshita y estrenada en 1951. También hubo una versión en blanco y negro de esta película disponible. Tokyo File 212 (1951) fue el primer largometraje estadounidense filmado íntegramente en Japón. Los papeles principales fueron interpretados por Florence Marly y Robert Peyton. Presentó a la geisha Ichimaru en un breve cameo. La compañía Tonichi Enterprises de Suzuki Ikuzo coprodujo la película. [48] Gate of Hell , una película de 1953 de Teinosuke Kinugasa , fue la primera película filmada con película Eastmancolor , Gate of Hell fue la primera película en color de Daiei y la primera película japonesa en color que se estrenó fuera de Japón, recibiendo un Premio Honorífico de la Academia en 1954 al Mejor Diseño de Vestuario por Sanzo Wada y un Premio Honorífico a la Mejor Película en Lengua Extranjera. También ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes , la primera película japonesa en lograr ese honor.
En 1954 se estrenaron dos de las películas más influyentes de Japón. La primera fue la epopeya de Kurosawa Los siete samuráis , sobre una banda de samuráis a sueldo que protegen a un pueblo indefenso de una banda de ladrones rapaces. El mismo año, el amigo y colega de Kurosawa, Ishirō Honda, dirigió el drama de monstruos antinucleares Godzilla , con efectos premiados de Eiji Tsuburaya. Esta última película fue la primera película japonesa en estrenarse ampliamente en los Estados Unidos, [49] donde fue reeditada en gran medida y presentó nuevas imágenes con el actor Raymond Burr para su distribución en 1956 como Godzilla, King of the Monsters!. [ 50] Aunque fue editada para su estreno en Occidente, Godzilla se convirtió en un ícono internacional de Japón y generó un subgénero completo de películas kaiju , [51] así como la franquicia cinematográfica de mayor duración en la historia . [52] También en 1954, otra película de Kurosawa, Ikiru, estuvo en competencia en el 4º Festival Internacional de Cine de Berlín .
En 1955, Hiroshi Inagaki ganó un Premio Honorífico de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera por la Parte I de su trilogía Samurai y en 1958 ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia por Rickshaw Man . Kon Ichikawa dirigió dos dramas contra la guerra: The Burmese Harp (1956), que fue nominada a Mejor Película en Lengua Extranjera en los Premios de la Academia, y Fires On The Plain (1959), junto con Enjo (1958), que fue adaptada de la novela de Yukio Mishima Temple Of The Golden Pavilion . Masaki Kobayashi hizo tres películas que colectivamente se conocerían como The Human Condition Trilogy : No Greater Love (1959) y The Road To Eternity (1959). La trilogía se completó en 1961, con A Soldier's Prayer .
Kenji Mizoguchi, que murió en 1956, terminó su carrera con una serie de obras maestras, entre ellas La vida de Oharu (1952), Ugetsu (1953) y Sansho the Bailiff (1954). Ganó el Oso de Plata en el Festival de Cine de Venecia por Ugetsu . Las películas de Mizoguchi a menudo tratan sobre las tragedias que la sociedad japonesa inflige a las mujeres. Mikio Naruse hizo Repast (1950), Late Chrysanthemums (1954), The Sound of the Mountain (1954) y Floating Clouds (1955). Yasujirō Ozu comenzó a dirigir películas en color, empezando por Equinox Flower (1958), y más tarde Good Morning (1959) y Floating Weeds (1958), que fue una adaptación de su película muda anterior A Story of Floating Weeds (1934), y fue filmada por el director de fotografía de Rashomon y Sansho, el alguacil Kazuo Miyagawa .
Los premios Blue Ribbon se establecieron en 1950. El primer ganador a Mejor Película fue Until We Meet Again de Tadashi Imai .
El número de películas producidas y la audiencia cinematográfica alcanzaron su pico en la década de 1960. [53] La mayoría de las películas se proyectaban en sesiones dobles, y la mitad de la sesión era una "película de programa" o película de serie B. Una película de programa típica se rodaba en cuatro semanas. La demanda de estas películas de programa en gran cantidad significó el crecimiento de series de películas como The Hoodlum Soldier o Akumyo .
El enorme nivel de actividad del cine japonés de los años 60 también dio lugar a muchos clásicos. Akira Kurosawa dirigió el clásico de 1961 Yojimbo . Yasujirō Ozu hizo su última película, Una tarde de otoño , en 1962. Mikio Naruse dirigió el melodrama de pantalla ancha Cuando una mujer sube las escaleras en 1960; su última película fue Nubes dispersas de 1967 .
Kon Ichikawa capturó el momento decisivo de los Juegos Olímpicos de 1964 en su documental de tres horas Tokyo Olympiad (1965). Seijun Suzuki fue despedido de Nikkatsu por "hacer películas que no tienen ningún sentido y no dan dinero" después de su película surrealista sobre yakuza Branded to Kill (1967).
La década de 1960 fue la época cumbre del movimiento de la Nueva Ola japonesa , que comenzó en la década de 1950 y continuó hasta principios de la década de 1970. Nagisa Oshima , Kaneto Shindo , Masahiro Shinoda , Susumu Hani y Shohei Imamura surgieron como grandes cineastas durante la década. Cruel Story of Youth , Night and Fog in Japan y Death by Hanging de Oshima , junto con Onibaba de Shindo, Kanojo to kare de Hani y The Insect Woman de Imamura , se convirtieron en algunos de los ejemplos más conocidos de la nueva ola cinematográfica japonesa. El documental jugó un papel crucial en la Nueva Ola, ya que directores como Hani, Kazuo Kuroki , Toshio Matsumoto e Hiroshi Teshigahara pasaron del documental al cine de ficción, mientras que directores de largometrajes como Oshima e Imamura también hicieron documentales. Shinsuke Ogawa y Noriaki Tsuchimoto se convirtieron en los documentalistas más importantes: "dos figuras [que] dominan el panorama del documental japonés". [54]
La Mujer en las dunas (1964) de Teshigahara ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes y fue nominada a los Oscar a Mejor Director y Mejor Película en Lengua Extranjera . Kwaidan (1965) de Masaki Kobayashi también recogió el Premio Especial del Jurado en Cannes y recibió una nominación a Mejor Película en Lengua Extranjera en los Premios de la Academia. Bushido, Samurai Saga de Tadashi Imai ganó el Oso de Oro en el 13º Festival Internacional de Cine de Berlín . Amor inmortal de Keisuke Kinoshita y Hermanas gemelas de Kioto y Retrato de Chieko , ambas de Noboru Nakamura , también recibieron nominaciones a Mejor Película en Lengua Extranjera en los Premios de la Academia. Primavera perdida , también de Nakamura, compitió por el Oso de Oro en el 17º Festival Internacional de Cine de Berlín .
En la década de 1970, la audiencia cinematográfica cayó debido a la expansión de la televisión. La audiencia total se redujo de 1.200 millones en 1960 a 0.200 millones en 1980. [55] Las compañías cinematográficas se negaron a contratar a los mejores actores y directores, ni siquiera a las mejores habilidades de producción de las compañías para la industria de la televisión, lo que hizo que las compañías cinematográficas perdieran dinero. [56]
Las compañías cinematográficas contraatacaron de diversas formas, como las películas de mayor presupuesto de Kadokawa Pictures o la inclusión de contenido y lenguaje cada vez más sexual o violento que no podía mostrarse en televisión. La industria cinematográfica rosa resultante se convirtió en el trampolín para muchos jóvenes cineastas independientes. Los años setenta también vieron el comienzo de la "idol eiga", películas protagonizadas por jóvenes "ídolos" , que atraerían al público debido a su fama y popularidad.
Toshiya Fujita realizó la película de venganza Lady Snowblood en 1973. En el mismo año, Yoshishige Yoshida realizó la película Coup d'État , un retrato de Ikki Kita , el líder del golpe japonés de febrero de 1936. Su cinematografía y puesta en escena experimentales, así como su banda sonora vanguardista de Toshi Ichiyanagi , le valieron una amplia aclamación de la crítica en Japón.
En 1976 se creó el Premio de Cine Hochi . La primera ganadora a Mejor Película fue The Inugamis de Kon Ichikawa . Nagisa Oshima dirigió In the Realm of the Senses (1976), una película que narra un crimen pasional en el que está involucrada Sada Abe y que transcurre en la década de 1930. Polémica por su contenido sexual explícito, nunca se ha visto sin censura en Japón.
Kinji Fukasaku completó la serie épica de películas yakuza Batallas sin honor ni humanidad . Yoji Yamada presentó la serie comercialmente exitosa Tora-San , al mismo tiempo que dirigía otras películas, en particular la popular El pañuelo amarillo , que ganó el primer Premio de la Academia de Japón a la Mejor Película en 1978. Los cineastas de la nueva ola Susumu Hani y Shōhei Imamura se retiraron al trabajo documental , aunque Imamura hizo un regreso dramático al cine de largometrajes con Vengeance Is Mine (1979).
Dodes'ka-den de Akira Kurosawa y Sandakan No. 8 de Kei Kumai fueron nominadas al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera.
En la década de 1980 se produjo el declive de los principales estudios cinematográficos japoneses y sus cadenas de cines asociadas: los estudios Toho y Toei apenas se mantuvieron en el negocio, Shochiku se mantuvo casi exclusivamente gracias a las películas de Otoko wa tsurai yo y Nikkatsu decayó aún más.
De la generación anterior de directores, Akira Kurosawa dirigió Kagemusha (1980), que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1980 , y Ran (1985). Seijun Suzuki hizo un regreso comenzando con Zigeunerweisen en 1980. Shohei Imamura ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes por La balada de Narayama (1983). Yoshishige Yoshida hizo Una promesa (1986), su primera película desde Coup d'État de 1973 .
Entre los nuevos directores que aparecieron en la década de 1980 se incluyen el actor Juzo Itami , quien dirigió su primera película, The Funeral , en 1984, y logró un éxito de crítica y taquilla con Tampopo en 1985. Shinji Sōmai , un director populista con inclinaciones artísticas que hizo películas como Typhoon Club , centrada en los jóvenes , y la aclamada película porno romana Love Hotel, entre otras. Kiyoshi Kurosawa , que generaría atención internacional a partir de mediados de la década de 1990, hizo su debut inicial con películas rosas y de género terror.
Durante la década de 1980, el anime ganó popularidad, con nuevas películas animadas lanzadas cada verano e invierno, a menudo basadas en series de televisión de anime populares. Mamoru Oshii lanzó su emblemática Angel's Egg en 1985. Hayao Miyazaki adaptó su serie de manga Nausicaä of the Valley of Wind en una película del mismo nombre en 1984. Katsuhiro Otomo siguió su ejemplo al adaptar su propio manga Akira en una película del mismo nombre en 1988.
El vídeo doméstico hizo posible la creación de una industria cinematográfica directa a vídeo .
Los minicines , un tipo de sala de cine independiente que se caracteriza por un tamaño y una capacidad de asientos más pequeños en comparación con las salas de cine más grandes, ganaron popularidad durante la década de 1980. [57] Los minicines ayudaron a llevar películas independientes y de arte de otros países, así como películas producidas en Japón por cineastas japoneses desconocidos, al público japonés. [57]
Debido a las recesiones económicas, el número de salas de cine en Japón ha ido disminuyendo de forma constante desde los años 1960. En 1993, había menos de 2.000 cines, mientras que en 1960 había más de 7.000. [56] En los años 1990, esta tendencia se revirtió y se introdujeron los multicines en Japón. Al mismo tiempo, los minicines siguieron siendo populares. [57] [58]
Takeshi Kitano emergió como un cineasta importante con trabajos como Sonatine (1993), Kids Return (1996) y Hana-bi (1997), que recibió el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia. Shōhei Imamura volvió a ganar la Palma de Oro (compartida con el director iraní Abbas Kiarostami ), esta vez por The Eel (1997). Se convirtió en el quinto dos veces ganador, uniéndose a Alf Sjöberg , Francis Ford Coppola , Emir Kusturica y Bille August .
Kiyoshi Kurosawa obtuvo reconocimiento internacional tras el estreno de Cure (1997). Takashi Miike inició una prolífica carrera con títulos como Audition (1999), Dead or Alive (1999) y The Bird People in China (1998). El ex documentalista Hirokazu Koreeda inició una aclamada carrera cinematográfica con Maborosi (1996) y After Life (1999).
Hayao Miyazaki dirigió dos enormes éxitos de taquilla y crítica, Porco Rosso (1992), que superó a ET, el extraterrestre (1982) como la película más taquillera en Japón , y La princesa Mononoke (1997), que también ocupó el primer puesto de taquilla hasta Titanic (1997).
Varios directores de anime nuevos alcanzaron un amplio reconocimiento, trayendo consigo nociones del anime no solo como entretenimiento, sino como arte moderno. Mamoru Oshii lanzó la película de acción y ciencia ficción filosófica aclamada internacionalmente Ghost in the Shell en 1996. Satoshi Kon dirigió el galardonado thriller psicológico Perfect Blue . Hideaki Anno también ganó un reconocimiento considerable con The End of Evangelion en 1997.
A principios del siglo XXI, Japón ha sido mencionado en numerosas ocasiones en la cultura popular, lo que fue un éxito relativo para la industria cinematográfica japonesa. El país ha aparecido como escenario y tema en múltiples ocasiones en el cine, la poesía, la televisión y la música. El número de películas que se proyectan en Japón aumentó de manera constante, con aproximadamente 821 películas estrenadas en 2006. Las películas basadas en series de televisión japonesas fueron especialmente populares durante este período. Las películas de anime ahora representaban el 60 por ciento de la producción cinematográfica japonesa. Las décadas de 1990 y 2000 se consideran la "Segunda Edad de Oro del Cine Japonés", debido a la inmensa popularidad del anime, tanto en Japón como en el extranjero. [43]
Aunque no fue un éxito comercial, All About Lily Chou-Chou dirigida por Shunji Iwai fue galardonada en los Festivales de Cine de Berlín, Yokohama y Shanghái en 2001. Takeshi Kitano apareció en Battle Royale y dirigió y protagonizó Dolls y Zatoichi . Varias películas de terror, Kairo , Dark Water , Yogen , la serie Grudge y One Missed Call tuvieron éxito comercial. En 2004, Godzilla: Final Wars , dirigida por Ryuhei Kitamura , se estrenó para celebrar el 50 aniversario de Godzilla. En 2005, el director Seijun Suzuki hizo su 56.ª película, Princess Raccoon . Hirokazu Koreeda ganó premios en festivales de cine de todo el mundo con dos de sus películas Distance y Nobody Knows . La película The Mourning Forest de la directora de cine Naomi Kawase ganó el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes en 2007. Yoji Yamada , director de la serie Otoko wa Tsurai yo , realizó una trilogía de aclamadas películas revisionistas de samuráis, Twilight Samurai de 2002 , seguida de The Hidden Blade en 2004 y Love and Honor en 2006. En 2008, Departures ganó el Premio de la Academia a la mejor película en lengua extranjera.
En el mundo del anime, Hayao Miyazaki dirigió El viaje de Chihiro en 2001, rompiendo récords de taquilla japoneses y ganando varios premios, incluido el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación en 2003 [59], seguida de El castillo ambulante y Ponyo en 2004 y 2008 respectivamente. En 2004, Mamoru Oshii lanzó la película de anime Ghost in the Shell 2: Innocence , que recibió elogios de la crítica en todo el mundo. Su película de 2008 The Sky Crawlers tuvo una recepción internacional igualmente positiva. Satoshi Kon también lanzó tres películas más tranquilas, pero no obstante muy exitosas: Millennium Actress , Tokyo Godfathers y Paprika . Katsuhiro Otomo lanzó Steamboy , su primer proyecto animado desde la compilación de cortometrajes de 1995 Memories , en 2004. En colaboración con Studio 4C , el director estadounidense Michael Arias lanzó Tekkon Kinkreet en 2008, con gran éxito internacional. Después de varios años de dirigir principalmente películas de acción real de bajo perfil, Hideaki Anno formó su propio estudio de producción y revisó su todavía popular franquicia Evangelion con la tetralogía Rebuild of Evangelion , una nueva serie de películas que ofrecen una versión alternativa de la historia original.
Algunos directores de Hollywood han elegido Tokio como escenario para sus películas ambientadas en Japón. Entre los ejemplos del período de posguerra se incluyen Tokyo Joe , My Geisha , Tokyo Story y la película de James Bond Sólo se vive dos veces ; entre los ejemplos más recientes se incluyen Lost in Translation y El último samurái (ambas en 2003), Kill Bill: Volumen 1 y 2 y El día después de mañana (todas en 2004), Memorias de una geisha (2005), Rápido y furioso: Reto Tokio y Babel (ambas en 2006), El día que la Tierra se detuvo (2008), 2012 (2009), Origen (2010), Emperador (2012), Pacific Rim y Lobezno (ambas en 2013), Geostorm (2017) y Vengadores: Endgame (2019).
En febrero de 2000 se creó el Consejo de Promoción de la Comisión Cinematográfica de Japón. El 16 de noviembre de 2001 se presentaron a la Cámara de Representantes las leyes de la Fundación Japonesa para la Promoción de las Artes . Estas leyes tenían por objeto promover la producción de artes mediáticas, incluidas las escenografías cinematográficas, y estipulaban que el gobierno, tanto a nivel nacional como local, debía prestar ayuda para preservar los medios cinematográficos. Las leyes se aprobaron el 30 de noviembre y entraron en vigor el 7 de diciembre. En 2003, en una reunión de la Agencia de Asuntos Culturales, se propusieron doce políticas en un informe escrito para permitir la promoción y exhibición de películas de producción pública en el Centro de Cine del Museo Nacional de Arte Moderno.
Cuatro películas han recibido hasta ahora reconocimiento internacional al ser seleccionadas para competir en los principales festivales de cine: Caterpillar de Kōji Wakamatsu estuvo en competencia por el Oso de Oro en el 60º Festival Internacional de Cine de Berlín y ganó el Oso de Plata a Mejor Actriz , Outrage de Takeshi Kitano estuvo en competencia por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2010 , Himizu de Sion Sono estuvo en competencia por el León de Oro en el 68º Festival Internacional de Cine de Venecia .
En marzo de 2011, la industria cinematográfica y televisiva japonesa se vio afectada por el terremoto y el tsunami de Tohoku y el posterior desastre nuclear de Fukushima , que se vio gravemente afectado debido al triple desastre en curso. [ cita requerida ] Sin embargo, muchos estudios japoneses cerraron oficialmente o se reorganizaron para prevenir el triple desastre. Como resultado, muchos de los estudios japoneses comenzaron a reabrir y las tasas de producción aumentaron.
En octubre de 2011 (después de la reapertura total de la industria cinematográfica y televisiva japonesa), Hara-Kiri: Muerte de un samurái de Takashi Miike compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2012 , la primera película en 3D que se proyectó en competición en Cannes. La película fue coproducida por el productor independiente británico Jeremy Thomas , que había logrado llevar con éxito títulos japoneses como Merry Christmas, Mr Lawrence y Taboo de Nagisa Oshima , Brother de Takeshi Kitano y 13 Assassins de Miike a la escena internacional como productor.
En 2018, Hirokazu Kore-eda ganó la Palma de Oro por su película Shoplifters en el 71º Festival de Cine de Cannes , un festival que también contó con Asako I y II de Ryūsuke Hamaguchi en competencia.
La película dramática japonesa de 2020 Fukushima 50 , estrenada el 6 de marzo de 2020, dirigida por Setsurō Wakamatsu y escrita por Yōichi Maekawa. La película está basada en el libro de Ryusho Kadota, titulado On the Brink: The Inside Story of Fukushima Daiichi , y es la primera película japonesa que retrata el desastre.
A principios de 2020, la industria cinematográfica y televisiva japonesa se vio afectada por la pandemia de COVID-19 , que sufrió mucho debido a las exigencias sanitarias. Esto le dio al país su peor día de industria cinematográfica y televisiva afectada por crisis sanitarias desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Desde el primero (de muchos) "cierres sanitarios" hasta finales de septiembre de 2021, muchos estudios japoneses cerraron o se reorganizaron para adaptarse a los requisitos legales de prevención de la propagación. Esto resultó en la suspensión de la filmación de muchas películas. [ cita requerida ]
En octubre de 2020 (después de la reapertura de la industria cinematográfica), una película de anime japonesa Demon Slayer: Mugen Train basada en la serie de manga Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba rompió todos los récords de taquilla en el país, convirtiéndose en la película más taquillera de todos los tiempos en Japón, la película japonesa más taquillera de todos los tiempos y la película más taquillera de 2020.
En octubre de 2021, el drama japonés Drive My Car ganó el premio a la mejor película en lengua extranjera en los 79.º Globo de Oro y recibió el premio de la Academia a la mejor película internacional en los 94.º Premios de la Academia . [60] [61]
