En arte , el claroscuro ( en italiano : [ ˌkjaroˈskuːro ] ; lit. ' claro - oscuro ' ) es el uso de fuertes contrastes entre luz y oscuridad, generalmente contrastes audaces que afectan a toda una composición. También es un término técnico utilizado por artistas e historiadores del arte para el uso de contrastes de luz para lograr una sensación de volumen al modelar objetos y figuras tridimensionales. [1] Efectos similares en el cine y la fotografía en blanco y negro y en clave baja también se denominan claroscuro.
Otros usos especializados del término incluyen "xilografía de claroscuro" para xilografías en color impresas con diferentes bloques, cada uno utilizando una tinta de diferente color; y "claroscuro" para dibujos en papel de color en un medio oscuro con resaltado blanco.
El claroscuro se originó en el período del Renacimiento, pero se asocia más notablemente con el arte barroco. [2] El claroscuro es uno de los modos de pintura canónicos del Renacimiento (junto con el cangiante , el sfumato y el unione ) (véase también arte renacentista ). Entre los artistas conocidos por utilizar la técnica se incluyen Leonardo da Vinci , Caravaggio , [3] Rembrandt , [4] [5] Vermeer , [6] Goya , [7] y Georges de La Tour .
El término claroscuro se originó durante el Renacimiento como dibujo sobre papel de color, donde el artista trabajaba desde el tono base del papel hacia la luz usando gouache blanco , y hacia la oscuridad usando tinta, color de cuerpo o acuarela . [8] [9] Estos a su vez se basaron en tradiciones de manuscritos iluminados que se remontan a manuscritos del Imperio Romano tardío sobre pergamino teñido de púrpura . Tales obras se denominan " dibujos en claroscuro ", pero solo pueden describirse en la terminología de los museos modernos con fórmulas como "pluma sobre papel preparado, realzado con color de cuerpo blanco". [10] Los grabados en madera en claroscuro comenzaron como imitaciones de esta técnica. [11] Cuando se habla de arte italiano, el término a veces se usa para significar imágenes pintadas en monocromo o dos colores, más generalmente conocido en inglés por el equivalente francés, grisalla . El término amplió su significado desde el principio para cubrir todos los fuertes contrastes en la iluminación entre las áreas claras y oscuras en el arte, que ahora es el significado principal.
El uso más técnico del término claroscuro es el efecto del modelado de la luz en la pintura , el dibujo o el grabado , donde el volumen tridimensional se sugiere mediante la gradación de valores del color y la división analítica de las formas de luz y sombra, a menudo llamado " sombreado ". La invención de estos efectos en Occidente, " skiagraphia " o "pintura de sombras" para los antiguos griegos, tradicionalmente se atribuyó al famoso pintor ateniense del siglo V a. C., Apolodoro . Aunque sobreviven pocas pinturas de la Antigua Grecia, su comprensión del efecto del modelado de la luz todavía puede verse en los mosaicos de finales del siglo IV a. C. de Pella , Macedonia, en particular el Mosaico de la caza del ciervo , en la Casa del rapto de Helena, inscrito gnosis epoesen , o "el conocimiento lo hizo".
La técnica también sobrevivió en una forma estandarizada bastante cruda en el arte bizantino y se perfeccionó nuevamente en la Edad Media para convertirse en estándar a principios del siglo XV en la pintura y la iluminación de manuscritos en Italia y Flandes, y luego se extendió a todo el arte occidental.
Según la teoría de la historiadora del arte Marcia B. Hall , [12] que ha ganado considerable aceptación, [13] el claroscuro es uno de los cuatro modos de pintar colores disponibles para los pintores italianos del Alto Renacimiento , junto con el cangiante , el sfumato y el unione . [14]
El cuadro de Rafael ilustrado, con luz que viene de la izquierda, muestra tanto un delicado claroscuro de modelado para dar volumen al cuerpo del modelo, como un fuerte claroscuro en el sentido más común, en el contraste entre el modelo bien iluminado y el fondo muy oscuro de follaje. Sin embargo, para complicar aún más las cosas, el claroscuro compositivo del contraste entre el modelo y el fondo probablemente no se describiría utilizando este término, ya que los dos elementos están casi completamente separados. El término se utiliza principalmente para describir composiciones en las que al menos algunos elementos principales de la composición principal muestran la transición entre la luz y la oscuridad, como en las pinturas de Baglioni y Geertgen tot Sint Jans ilustradas arriba y abajo.
El modelado en claroscuro se da hoy por sentado, pero ha tenido algunos oponentes; a saber: el miniaturista de retratos inglés Nicholas Hilliard advirtió en su tratado sobre pintura contra todo uso que no fuera el mínimo que vemos en sus obras, reflejando las opiniones de su mecenas, la reina Isabel I de Inglaterra : "viendo que para mostrarse mejor no se necesita la sombra del lugar sino más bien la luz abierta... Su Majestad... eligió su lugar para sentarse para ese propósito en el callejón abierto de un hermoso jardín, donde no había ningún árbol cerca, ni sombra alguna..." [15]
En los dibujos y grabados, el modelado del claroscuro se consigue a menudo mediante el uso de sombreado o líneas paralelas. Otras técnicas son los lavados, los efectos de puntillismo y el " tono de superficie " en los grabados.
Los grabados en madera en claroscuro son grabados de maestros antiguos en madera que utilizan dos o más bloques impresos en diferentes colores; no necesariamente presentan fuertes contrastes de luz y oscuridad. Se produjeron por primera vez para lograr efectos similares a los dibujos en claroscuro. Después de algunos experimentos tempranos en la impresión de libros, el verdadero grabado en madera en claroscuro concebido para dos bloques probablemente fue inventado por primera vez por Lucas Cranach el Viejo en Alemania en 1508 o 1509, aunque antedató algunas de sus primeras impresiones y agregó bloques de tono a algunas impresiones producidas primero para impresión monocroma, seguido rápidamente por Hans Burgkmair el Viejo . [16] Se afirma que el cortador de bloques o cortador de formas que trabajó en la imprenta de Johannes Schott en Estrasburgo fue el primero en lograr xilografías en claroscuro con tres bloques. [17] A pesar de la afirmación de Vasari de que Ugo da Carpi tiene precedencia italiana , está claro que sus primeros ejemplos italianos datan de alrededor de 1516. [18] [19] Pero otras fuentes sugieren que el primer grabado en madera en claroscuro es El triunfo de Julio César , creado por Andrea Mantegna , un pintor italiano, entre 1470 y 1500. [20] Otra opinión afirma que: "Lucas Cranach retrotrajo dos de sus obras en un intento de apoderarse de la gloria" y que la técnica fue inventada "con toda probabilidad" por Burgkmair "a quien el emperador Maximiliano encargó encontrar una forma barata y eficaz de difundir ampliamente la imagen imperial, ya que necesitaba conseguir dinero y apoyo para una cruzada". [21]
Otros grabadores que han utilizado esta técnica son Hans Wechtlin , Hans Baldung Grien y Parmigianino . En Alemania, la técnica alcanzó su mayor popularidad alrededor de 1520, pero se utilizó en Italia durante todo el siglo XVI. Artistas posteriores como Goltzius la utilizaron en ocasiones. En la mayoría de las impresiones alemanas de dos bloques, el bloque clave (o "bloque de línea") se imprimía en negro y el bloque o bloques de tono tenían áreas planas de color. En Italia, los grabados en madera en claroscuro se producían sin bloques clave para lograr un efecto muy diferente. [22]
La iluminación de manuscritos fue, como en muchas áreas, especialmente experimental en el intento de lograr efectos de iluminación ambiciosos, ya que los resultados no estaban destinados a ser exhibidos en público. El desarrollo del claroscuro compositivo recibió un impulso considerable en el norte de Europa a partir de la visión de la Natividad de Jesús de Santa Brígida de Suecia , una mística muy popular. Ella describió al niño Jesús emitiendo luz; las representaciones redujeron cada vez más otras fuentes de luz en la escena para enfatizar este efecto, y la Natividad siguió siendo muy comúnmente tratada con claroscuro hasta el Barroco. Hugo van der Goes y sus seguidores pintaron muchas escenas iluminadas solo por velas o la luz divina del niño Jesús. Al igual que con algunos pintores posteriores, en sus manos el efecto era de quietud y calma en lugar del dramatismo con el que se usaría durante el Barroco.
El claroscuro intenso se convirtió en un efecto popular durante el siglo XVI en el arte manierista y barroco . La luz divina continuó iluminando, a menudo de forma bastante inadecuada, las composiciones de Tintoretto , Veronés y sus numerosos seguidores. El uso de temas oscuros dramáticamente iluminados por un haz de luz proveniente de una única fuente restringida y a menudo invisible, fue un recurso compositivo desarrollado por Ugo da Carpi (c. 1455 - c. 1523), Giovanni Baglione (1566-1643) y Caravaggio (1571-1610), el último de los cuales fue crucial en el desarrollo del estilo del tenebrismo , donde el claroscuro dramático se convierte en un recurso estilístico dominante.
El tenebrismo se practicó especialmente en España y en el reino de Nápoles , gobernado por los españoles , por Jusepe de Ribera y sus seguidores. Adam Elsheimer (1578-1610), un artista alemán que vivía en Roma, produjo varias escenas nocturnas iluminadas principalmente por fuego y, a veces, por la luz de la luna. A diferencia de las de Caravaggio, sus áreas oscuras contienen detalles e interés muy sutiles. Las influencias de Caravaggio y Elsheimer fueron fuertes en Peter Paul Rubens , quien explotó sus respectivos enfoques de la tenebrosidad para lograr un efecto dramático en pinturas como La elevación de la cruz (1610-1611). Artemisia Gentileschi (1593-1656), una artista barroca que fue seguidora de Caravaggio, también fue una destacada exponente del tenebrismo y el claroscuro.
Un género particular que se desarrolló fue la escena nocturna iluminada por velas, que se remonta a artistas nórdicos anteriores como Geertgen tot Sint Jans y, más inmediatamente, a las innovaciones de Caravaggio y Elsheimer. Este tema se desarrolló con muchos artistas de los Países Bajos en las primeras décadas del siglo XVII, donde se asoció con los caravaggistas de Utrecht como Gerrit van Honthorst y Dirck van Baburen , y con pintores barrocos flamencos como Jacob Jordaens . Las primeras obras de Rembrandt van Rijn (1606-1669) de la década de 1620 también adoptaron la fuente de luz de una sola vela. La escena nocturna a la luz de las velas resurgió en la República Holandesa a mediados del siglo XVII en una escala más pequeña en las obras de fijnschilders como Gerrit Dou y Gottfried Schalken .
El interés de Rembrandt por los efectos de la oscuridad cambió en sus obras de madurez. Se apoyó menos en los marcados contrastes de luz y oscuridad que marcaron las influencias italianas de la generación anterior, un factor que se encuentra en sus grabados de mediados del siglo XVII. En ese medio, compartió muchas similitudes con su contemporáneo en Italia, Giovanni Benedetto Castiglione , cuyo trabajo en el grabado lo llevó a inventar el monotipo .
Fuera de los Países Bajos, artistas como Georges de La Tour y Trophime Bigot en Francia y Joseph Wright de Derby en Inglaterra, continuaron con este tipo de claroscuros intensos, pero graduados, a la luz de las velas. Watteau utilizó un claroscuro suave en los fondos frondosos de sus fêtes galantes , y esto fue continuado en las pinturas de muchos artistas franceses, en particular Fragonard . A finales de siglo, Fuseli y otros utilizaron un claroscuro más intenso para lograr un efecto romántico, al igual que Delacroix y otros en el siglo XIX.
El uso francés del término clair-obscur fue introducido por el crítico de arte del siglo XVII Roger de Piles en el curso de un famoso debate ( Débat sur le coloris ) sobre los méritos relativos del dibujo y el color en la pintura (sus Dialogues sur le coloris , 1673, [23] fue una contribución clave al Débat ).
En inglés, el término italiano se ha utilizado (originalmente como claro-obscuro y chiaro-scuro [24]) al menos desde fines del siglo XVII. El término se utiliza con menos frecuencia para referirse al arte después de fines del siglo XIX, aunque el expresionismo y otros movimientos modernos hacen un gran uso del efecto.
Especialmente desde el fuerte ascenso de la reputación de Caravaggio en el siglo XX, en el uso no especializado el término se utiliza principalmente para fuertes efectos de claroscuro como los suyos o los de Rembrandt. Como dice la Tate : "El claroscuro generalmente solo se destaca cuando es una característica particularmente prominente de la obra, generalmente cuando el artista usa contrastes extremos de luz y sombra". [25] [26]
El claroscuro se utiliza en cinematografía para lograr una iluminación extremadamente baja y de alto contraste que permita crear zonas de luz y oscuridad diferenciadas en las películas, especialmente en blanco y negro. Algunos ejemplos clásicos son El gabinete del doctor Caligari (1920), Nosferatu (1922), Metrópolis (1927), El jorobado de Notre Dame (1939), El diablo y Daniel Webster (1941) y las escenas en blanco y negro de Stalker (1979) de Andrei Tarkovski . [27]
Por ejemplo, en Metrópolis , la iluminación en claroscuro crea un contraste entre la puesta en escena y las figuras, claras y oscuras, y resalta las diferencias entre la élite capitalista y los trabajadores.
En fotografía , el claroscuro se puede lograr utilizando la " iluminación Rembrandt ". En procesos fotográficos más desarrollados, la técnica puede denominarse "iluminación ambiental/natural", aunque cuando se utiliza para lograr el efecto, el aspecto es artificial y, por lo general, no documental. En particular, Bill Henson , junto con otros, como W. Eugene Smith , Josef Koudelka , Lothar Wolleh , Annie Leibovitz , Floria Sigismondi y Ralph Gibson, pueden considerarse algunos de los maestros modernos del claroscuro en la fotografía documental.
Tal vez el uso más directo del claroscuro en el cine sea la película Barry Lyndon de Stanley Kubrick de 1975. [28] Cuando se le informó que ningún objetivo tenía una apertura lo suficientemente amplia para filmar un drama de época ambientado en grandes palacios utilizando solo la luz de las velas, Kubrick compró y adaptó un objetivo especial para el propósito: una cámara Mitchell BNC modificada y un objetivo Zeiss fabricado para los rigores de la fotografía espacial , con una apertura máxima de f/0,7 . La iluminación natural, sin aumentos, de los decorados de la película ejemplificaba la iluminación natural y discreta en el trabajo cinematográfico en su forma más extrema, fuera de la tradición cinematográfica de Europa del Este/Soviética (a su vez ejemplificada por el duro estilo de iluminación discreta empleado por el cineasta soviético Sergei Eisenstein ).
Sven Nykvist , colaborador de Ingmar Bergman desde hace mucho tiempo , también influyó en gran parte de su fotografía con realismo de claroscuro, al igual que Gregg Toland , quien influyó en directores de fotografía como László Kovács , Vilmos Zsigmond y Vittorio Storaro con su uso de un enfoque profundo y selectivo aumentado con una fuerte iluminación clave a nivel del horizonte que penetra a través de ventanas y puertas. Gran parte de la célebre tradición del cine negro se basa en técnicas relacionadas con el claroscuro que Toland perfeccionó a principios de la década de 1930 (aunque la iluminación en clave alta , la iluminación del escenario, la iluminación frontal y otros efectos del cine negro se intercalan de formas que disminuyen el reclamo del claroscuro).
Claroscuro en el modelado; pinturas
Claroscuro en el modelado; grabados y dibujos
El claroscuro como elemento principal de la composición: la pintura
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El claroscuro como elemento principal de la composición: la fotografía
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Rostros en claroscuro
Dibujos y xilografías en claroscuro
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