Una rave (del verbo : to rave ) es una fiesta de baile en un almacén, club u otro lugar público o privado, que generalmente presenta actuaciones de DJ que tocan música electrónica de baile . El estilo se asocia más con la escena de música de baile de principios de la década de 1990, cuando los DJ tocaban en eventos ilegales en estilos musicales dominados por la música electrónica de baile de una amplia gama de subgéneros, incluidos drum and bass , dubstep , trap , break , happy hardcore , trance , techno , [1] hardcore , house , [1] y dance alternativo . Ocasionalmente, se sabe que músicos en vivo actúan en raves, además de otros tipos de artistas de performance como bailarines go-go y bailarines de fuego . La música se amplifica con un sistema de refuerzo de sonido grande y potente , generalmente con grandes subwoofers para producir un sonido de graves profundos. La música a menudo está acompañada de espectáculos de luces láser , imágenes de colores proyectadas , efectos visuales y máquinas de humo .
Aunque algunas raves pueden ser pequeñas fiestas celebradas en clubes nocturnos o casas particulares, algunas raves han crecido hasta alcanzar un tamaño inmenso, como los grandes festivales y eventos que presentan múltiples DJ y áreas de baile (por ejemplo, el Castlemorton Common Festival en 1992). Algunos festivales de música electrónica de baile tienen características de las raves, pero a una escala mayor, a menudo comercial. Las raves pueden durar mucho tiempo, y algunos eventos continúan durante veinticuatro horas y duran toda la noche. Las redadas policiales y las leyes anti-raves han presentado un desafío a la escena rave en muchos países. [2] Esto se debe a la asociación de la cultura rave con drogas ilegales como MDMA [3] [4] (a menudo denominada " droga de club " o "droga de fiesta" junto con MDA [5] ), anfetamina , LSD , [3] [4] GHB , [3] [4] ketamina , [3] [4] [6] metanfetamina , [3] [4] cocaína , [4] y cannabis . [7] Además de las drogas, las raves a menudo hacen uso de lugares secretos y no autorizados, como fiestas en casas desocupadas, [8] almacenes en desuso, [9] o hangares de aviones. [10] [11] Estas preocupaciones a menudo se atribuyen a un tipo de pánico moral que rodea a la cultura rave. [12]
A finales de los años 1950 en Londres, Inglaterra, el término "rave" se utilizó para describir las " fiestas bohemias salvajes " del ambiente beatnik del Soho . [13] El músico de jazz Mick Mulligan , conocido por caer en tales excesos, tenía el apodo de "rey de los ravers". [14] En 1958, Buddy Holly grabó el éxito " Rave On ", citando la locura y el frenesí de un sentimiento y el deseo de que nunca termine. [15] La palabra "rave" se utilizó más tarde en la floreciente cultura juvenil mod de principios de los años 1960 como la forma de describir cualquier fiesta salvaje en general. Las personas que eran animales de fiesta gregarios eran descritas como "ravers". Músicos pop como Steve Marriott de Small Faces y Keith Moon de The Who se autodenominaban "ravers". [16]
La palabra «rave» era un término común utilizado para referirse a la música de las bandas de garage rock y psicodelia de mediados de los años 1960 ( sobre todo los Yardbirds , que lanzaron un álbum en los Estados Unidos llamado Having a Rave Up ). Además de ser un término alternativo para referirse a las fiestas en este tipo de eventos de garage en general, el «rave-up» se refería a un momento de crescendo específico cerca del final de una canción en el que la música se tocaba más rápido, con más fuerza y con solos intensos o elementos de retroalimentación controlada. Más tarde fue parte del título de un evento de interpretación de música electrónica celebrado el 28 de enero de 1967 en el Roundhouse de Londres titulado «Million Volt Light and Sound Rave». El evento contó con la única emisión pública conocida de un collage de sonido experimental creado para la ocasión por Paul McCartney de los Beatles : la legendaria grabación « Carnival of Light ». [17]
Con el rápido cambio de la cultura pop británica desde la era mod de 1963-1966 a la era hippie de 1967 y más allá, el término cayó en desuso. El movimiento Northern soul es citado por muchos como un paso significativo hacia la creación de la cultura de club contemporánea y de la cultura de DJ superestrella de la década de 2000. [18] Al igual que en la cultura de club contemporánea, los DJ de Northern soul crearon un grupo de seguidores basado en satisfacer los deseos de la multitud de música que no podían escuchar en ningún otro lugar. Muchos sostienen que el Northern soul fue fundamental en la creación de una red de clubes, DJ, coleccionistas de discos y comerciantes en el Reino Unido, y fue la primera escena musical en proporcionar a las listas británicas discos que se vendían completamente gracias a la fuerza de la reproducción en clubes. [19] Una técnica empleada por los DJ de northern soul en común con sus contrapartes posteriores fue la secuenciación de discos para crear altos y bajos eufóricos para la multitud; DJ Laurence "Larry" Proxton era conocido por usar este método. Las personalidades de DJ y sus seguidores involucrados en el movimiento original del Northern Soul se convirtieron en figuras importantes en las escenas de la música house y dance . [20] Durante la década de 1970 y principios de la de 1980 hasta su resurrección, el término no estaba de moda, con una notable excepción en la letra de la canción " Drive-In Saturday " de David Bowie (de su álbum de 1973 Aladdin Sane ) que incluye la línea "Es un curso intensivo para los ravers". Su uso durante esa época habría sido percibido como un uso pintoresco o irónico de una jerga pasada: parte del léxico anticuado de la década de 1960 junto con palabras como "groovy".
La percepción de la palabra "rave" cambió nuevamente a fines de la década de 1980 cuando el término fue revivido y adoptado por una nueva cultura juvenil, posiblemente inspirada por el uso del término en Jamaica. [13]
A mediados y finales de la década de 1980, una ola de música psicodélica y otra música electrónica de baile , sobre todo la música acid house , surgió de las fiestas de música acid house a mediados y finales de la década de 1980 en el área de Chicago en los Estados Unidos. [21] Después de que los artistas de acid house de Chicago comenzaron a experimentar éxito en el extranjero, el acid house se extendió rápidamente y se popularizó en el Reino Unido [22] [23] dentro de clubes, almacenes y fiestas gratuitas, primero en Manchester a mediados de la década de 1980 y luego más tarde en Londres. A fines de la década de 1980, se adoptó la palabra "rave" para describir la subcultura que surgió del movimiento acid house. [24] Las actividades estaban relacionadas con el ambiente de fiesta de Ibiza , una isla mediterránea en España, frecuentada por jóvenes británicos, italianos, griegos, irlandeses y alemanes de vacaciones, que celebraban raves y fiestas de baile. [25]
En los años 90, géneros como el acid , el breakbeat hardcore , el hardcore , el happy hardcore , el gabber , el drum and bass , el postindustrial y la electrónica se hacían presentes en las raves, tanto grandes como pequeñas. Había eventos mainstream que atraían a miles de personas (hasta 25.000 [26] en lugar de las 4.000 que acudían a las fiestas anteriores en almacenes). Las fiestas de música acid house fueron rebautizadas por primera vez como "fiestas rave" en los medios durante el verano de 1989 por Genesis P-Orridge durante una entrevista televisiva; sin embargo, el ambiente de la rave no se formó por completo hasta principios de los años 90. En 1990, las raves se celebraron "underground" en varias ciudades, como Berlín , Milán y Patras , en sótanos, almacenes y bosques. [27]
Los políticos británicos respondieron con hostilidad a la tendencia emergente de las fiestas rave. Se manifestaron en contra de las fiestas y comenzaron a multar a los promotores que organizaban fiestas no autorizadas. Las medidas represivas de la policía contra estas fiestas, a menudo no autorizadas, llevaron la escena rave al campo. La palabra "rave" de alguna manera se popularizó en el Reino Unido para describir las fiestas semiespontáneas comunes de fin de semana que tenían lugar en varios lugares conectados por la nueva autopista de circunvalación londinense M25 que rodeaba Londres y los condados de Home Counties ; fue esto lo que le dio a la banda Orbital su nombre. Estas fiestas iban desde antiguos almacenes y sitios industriales en Londres hasta campos y clubes de campo en el campo.
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La música rave puede referirse a los géneros house , new beat , breakbeat , acid house , techno y hardcore techno de finales de los años 1980 y principios de los años 1990 , que fueron los primeros géneros musicales que se tocaron en las fiestas rave, o a cualquier otro género de música electrónica de baile (EDM) que pueda tocarse en una rave.
El género "rave", también conocido como hardcore (que no debe confundirse con hardcore punk ) por los primeros ravers, apareció por primera vez entre el movimiento "acid" del Reino Unido a fines de la década de 1980 en fiestas en almacenes y otros lugares underground , así como en estaciones de radio piratas del Reino Unido . [28] Otro género llamado "rave" durante la década de 1990, fue la música hardcore techno belga que surgió del new beat , cuando el techno se convirtió en el estilo principal en la escena EDM belga. [29]
El género "rave" se convertiría en hardcore de la vieja escuela , que dio lugar a nuevas formas de música rave como el drum and bass , el 2-step y el happy hardcore , así como otros géneros techno hardcore , como el gabber y el hardstyle . [30]
La música rave suele presentarse en forma de mezclas de DJ , aunque no son infrecuentes las actuaciones en directo.
Los estilos de música incluyen:
Los estilos downtempo y menos orientados al baile, a veces llamados música chill-out , que se pueden escuchar en una sala "chill-out" de una rave o en una rave que toca música electrónica más lenta, incluyen:
Históricamente, las raves se han referido a fiestas de baile organizadas por la base, antisistema y sin licencia que duran toda la noche. [ 34] Antes de la comercialización de la escena rave, cuando los grandes lugares legales se convirtieron en la norma para estos eventos, la ubicación de la rave se mantenía en secreto hasta la noche del evento, generalmente comunicándose a través de mensajes de contestador automático , [35] mensajería móvil, folletos secretos y sitios web. Este nivel de secreto, necesario para evitar cualquier interferencia de la policía, también debido al uso de drogas ilícitas, permitió a los ravers utilizar lugares en los que podían permanecer durante diez horas seguidas. Promovió la sensación de desviación y alejamiento del control social. [36] En la década de 2000, este nivel de secreto todavía existe en la escena rave underground. Sin embargo, los clubes "after-hours", así como los grandes eventos al aire libre, crean un tipo similar de atmósfera alternativa, pero se centran mucho más en efectos visuales vibrantes, como accesorios y decoración. En años más recientes, [ ¿ cuándo? ] Los grandes eventos comerciales se llevan a cabo en los mismos lugares año tras año con temas recurrentes similares todos los años. Eventos como Electric Daisy Carnival y Tomorrowland generalmente se llevan a cabo en el mismo lugar que acoge a una gran cantidad de personas.
Algunas raves hacen uso del simbolismo pagano . Los locales modernos de raves intentan sumergir al raver en un mundo de fantasía. La imaginería y la espiritualidad indígenas pueden ser características del espíritu raver. En los colectivos New Moon y Gateway, "se instalan altares paganos, imágenes sagradas de culturas primitivas decoran las paredes y se realizan rituales de purificación sobre los platos giratorios y la pista de baile" [37]. Este tipo de estrategia espacial es una parte integral de la experiencia rave porque establece la "vibra" inicial en la que se sumergirán los ravers. Esta "vibra" es un concepto en el espíritu raver que representa el atractivo y la receptividad de la energía retratada y/o innata de un entorno. El paisaje es una característica integral en la composición del rave, al igual que en los rituales paganos. Por ejemplo, los rituales de los Numic Ghost Dancers se celebraban en sitios geográficos específicos, considerados como portadores de poderosos flujos naturales de energía. Estos sitios fueron representados más tarde en las danzas rítmicas, para lograr un mayor nivel de conectividad. [38]
El festival Falls en Byron Bay incluye una fiesta rave escondida detrás de una lavadora en una lavandería automática. [39]
La siguiente es una lista incompleta de lugares asociados con la subcultura rave:
La sensación de participar en un evento grupal es uno de los principales atractivos de la música rave y bailar al ritmo de ritmos vibrantes es su salida inmediata. [46] [47] El rave en sí mismo es un baile sin temario, en el que los movimientos no están predefinidos y el baile se realiza de forma aleatoria ; los bailarines se inspiran inmediatamente en la música, su estado de ánimo y al ver a otras personas bailar. Por lo tanto, los bailes electrónicos, rave y de club, también conocidos como bailes post-Internet [48] se refieren a los estilos de baile callejero que evolucionaron junto con la cultura de la música electrónica.
Una característica común que comparten todos estos bailes, además de haberse originado en clubes, raves y festivales de música de todo el mundo y en diferentes años, es que cuando YouTube y otras redes sociales comenzaron a popularizarse (alrededor de 2006), estos bailes comenzaron a popularizarse gracias a videos de raves. [49]
Desde finales de los años 1980, la moda rave ha experimentado una constante evolución con cada nueva generación de ravers. Muchas de las tendencias de la moda rave han surgido a nivel internacional, pero también ha habido desarrollos individuales de una región a otra y de una escena a otra. [50]
En las primeras fiestas rave, a menudo se usaban ropa y prendas similares a disfraces con un aspecto de color de señalización, como trajes protectores, chalecos de seguridad , máscaras contra el polvo y el gas, y se combinaban con accesorios como aspiradoras o gafas inspiradas en el cyberpunk . La ropa con lemas como " Paz, amor, unidad " y camisetas con caras sonrientes apareció por primera vez con el movimiento acid house de la década de 1980. Otros temas populares de la escena rave temprana fueron la estética plástica, varios estilos fetichistas, DIY , los años 70, la óptica de segunda mano, la ropa deportiva retro (como los chándales Adidas ), el sexo (mostrar mucha piel y desnudez, por ejemplo, usar tops transparentes o cortos), la guerra (por ejemplo, en forma de botas de combate o pantalones de camuflaje) y la ciencia ficción. [51]
Los estilos de moda comunes de la década de 1990 incluyen camisas de nailon ajustadas, chalecos acolchados de nailon ajustados, pantalones de campana , chaquetas de neopreno, cinturones con tachuelas, zapatos de plataforma , chaquetas, bufandas y bolsos hechos de piel flokati , botas mullidas y pantalones anchos , a menudo en colores brillantes y neón. También el cabello de colores llamativos, las rastas, los tatuajes y los piercings se pusieron de moda entre los ravers. Los accesorios generalizados incluían muñequeras y collares, silbatos , chupetes , guantes blancos, barras luminosas , boas de plumas , gafas de sol de gran tamaño y bolsas de discos hechas de lonas de camiones. [52] [53] A principios de la década de 1990, las primeras tendencias de moda rave comercial se desarrollaron a partir de esto, que fueron rápidamente adoptadas por la industria de la moda y comercializadas bajo el término clubwear . [51] También evolucionaron diferentes códigos de vestimenta en las diversas subescenas de la cultura rave. Por ejemplo, el típico raver de gabber o psytrance se vestía significativamente diferente a los ravers "normales", pero los rasgos básicos comunes seguían siendo reconocibles.
Desde la década de 2000, el estilo de vestimenta de la cultura rave sigue siendo heterogéneo, al igual que sus seguidores. Particularmente en América del Norte, la moda rave continúa caracterizándose por ropa y accesorios coloridos, más notablemente las joyas "kandi" que emiten fluorescencia bajo luz ultravioleta. [ cita requerida ] Contienen palabras o frases que son exclusivas del raver y que pueden elegir intercambiar entre sí utilizando "PLUR" (Paz, Amor, Unidad, Respeto). Este estilo de vestimenta fue nuevamente adoptado por la industria de la moda y comercializado como "moda rave" o "moda de festival", que ahora incluye todo tipo de accesorios para crear looks únicos según el evento. [54] En contraste con esto y comenzando en los clubes techno de Berlín como Berghain en la década de 2000, un estilo estrictamente negro, en parte tomado de la escena oscura , se ha establecido dentro de partes de la escena techno. [55] Ciertos eventos rave como Sensation también tienen una estricta política de vestimenta minimalista, ya sea atuendo completamente blanco o negro.
Algunos ravers participan en uno de los cuatro bailes orientados a la luz, llamados glowsticking , glowstringing , gloving y lightshows . De los cuatro tipos de bailes orientados a la luz, el gloving en particular ha evolucionado mucho más allá de la cultura rave. Otros tipos de bailes relacionados con la luz incluyen luces LED , linternas y luces estroboscópicas parpadeantes. Los LED vienen en varios colores con diferentes configuraciones. El gloving se ha convertido en una forma de baile separada que ha crecido exponencialmente en los últimos años a principios de 2010. [56] Los glovers usan sus dedos y manos para moverse al ritmo de la música. Y usan el color para crear patrones y tienen diferentes configuraciones de velocidad para las luces en sus guantes. [57] Estos componentes le dan al artista del guante diferentes formas de fascinar a los espectadores de sus espectáculos de luces. El uso de luces puede mejorar la forma en que las personas reaccionan durante las canciones o durante el concierto en sí. [57] Desde entonces, la cultura se ha extendido a todas las edades, desde niños en sus primeros años de adolescencia hasta estudiantes universitarios y más. Las luces Rave tradicionales son limitadas ahora, pero muchas tiendas han desarrollado versiones de luces más nuevas, más brillantes y más avanzadas con una gran cantidad de colores y modos: los modos incluyen sólido, cinta, estroboscópico , dops, hiperflash y otras variaciones.
Entre los diversos elementos de la subcultura disco de los años 70 que los ravers adoptaron, además de basar su escena en la música de baile mezclada por DJ, los ravers también heredaron la actitud positiva hacia el uso de drogas de club para "mejorar... la experiencia sensorial" de bailar con música a todo volumen. [58] [59] El estado mental conocido como "éxtasis" (que no debe confundirse con el término del argot para MDMA ) buscado por los ravers ha sido descrito como "un resultado de cuando varios factores armonizan el ego con los otros elementos como el lugar y la música y [uno] entra en un "estado único" donde [no] puede distinguir lo que es material o no, donde las cosas entran en sintonía y constituyen un momento único, precisamente el tipo buscado en la meditación". [60]
Sin embargo, los bailarines de discoteca y los ravers preferían drogas diferentes. Mientras que los miembros de la escena disco de los años 70 preferían la cocaína y el depresor/sedante Quaaludes , los ravers preferían MDMA, 2C-B, anfetamina y otras pastillas. Según el FBI, las raves son uno de los lugares más populares donde se distribuyen drogas de club y, como tales, presentan una subcultura de drogas prominente. [61] [62] Las drogas de club incluyen MDMA (más comúnmente conocida como "éxtasis", "E" o "molly"), 2C-B (más comúnmente conocida como "nexus"), anfetamina (comúnmente conocida como "speed"), GHB (comúnmente conocido como "fantasía" o "E líquido"), cocaína (comúnmente conocida como "coca"), DMT y LSD (comúnmente conocido como "lucy" o "ácido"). [63] [64] [65] [66] [67]
" Poppers " es el nombre callejero de los nitritos de alquilo (el más conocido es el nitrito de amilo ), que se inhalan por sus efectos intoxicantes, en particular el "subidón" o "colocón" que pueden proporcionar. Los nitritos originalmente venían como pequeñas cápsulas de vidrio que se abrían, lo que llevó al apodo de "poppers". La droga se hizo popular en los EE. UU. primero en la escena disco/club de la década de 1970 y luego en los lugares de baile y rave en las décadas de 1980 y 1990. En la década de 2000, las fenetilaminas sintéticas como 2C-I , 2C-B y DOB han sido referidas como drogas de club debido a su naturaleza estimulante y psicodélica (y su relación química con MDMA ). [68] A fines de 2012, los derivados de las drogas psicodélicas 2C-X, los NBOMes y especialmente 25I-NBOMe , se habían vuelto comunes en las raves en Europa. En los EE. UU., algunas agencias de aplicación de la ley han calificado la subcultura como una cultura centrada en las drogas , ya que se sabe que los asistentes a las fiestas rave consumen drogas como cannabis , 2C-B y DMT . [ cita requerida ]
Desde principios de la década de 2000, los profesionales médicos han reconocido y abordado el problema del creciente consumo de bebidas alcohólicas y drogas de club (como MDMA , cocaína , rohipnol , GHB , ketamina , PCP , LSD y metanfetamina ) asociadas con la cultura rave entre adolescentes y adultos jóvenes en el mundo occidental. [63] [64] [65] [66] [67] Los estudios han demostrado que los adolescentes son más propensos que los adultos jóvenes a consumir múltiples drogas, [69] y el consumo de drogas de club está altamente asociado con la presencia de conductas delictivas y abuso o dependencia reciente del alcohol . [70] En mayo de 2007, Antonio Maria Costa, director ejecutivo de la Oficina de las Naciones Unidas contra la Droga y el Delito , abogó por las pruebas de drogas en las carreteras como una contramedida contra el consumo de drogas en las raves. [71] Gran parte de la controversia, el pánico moral y la atención de las fuerzas del orden dirigidas a la cultura rave y su asociación con el consumo de drogas pueden deberse a informes de sobredosis de drogas (en particular MDMA) en raves, conciertos y festivales. [72]
La escena y el sonido rave belga tienen sus raíces en las escenas EBM y New Beat belgas de finales de los años 80.
Originalmente creado por DJs que ralentizaban los discos gay Hi-NRG de 45 rpm a 33 rpm para crear un ritmo trance-dance, el New Beat evolucionó hasta convertirse en una forma nativa de hardcore techno en los años 90 con la introducción de discos de techno reproducidos a sus velocidades originales o incluso ligeramente aceleradas. [73] Este nuevo estilo brutal de hardcore se extendió por todo el circuito rave europeo y penetró en las listas de éxitos pop. [74]
La contribución musical del DJ y productor de Brooklyn Joey Beltram a R&S Records, dirigida por Renaat Vandepapeliere, fue fundamental en el desarrollo de sonidos e himnos icónicos del techno belga . [75] [76]
Exodus Productions fue posiblemente la primera compañía de producción en Canadá en organizar eventos regulares de estilo rave en el espacio de almacén conocido como 23 Hop, ubicado en 318 Richmond Street West en el Distrito de Entretenimiento de Toronto . [77] La primera fiesta se celebró el 31 de agosto de 1991. Varias compañías de producción seguirían rápidamente su ejemplo, y la escena rave pronto explotaría en una escena masiva, con 23 Hop como plataforma de lanzamiento inicial, hasta su cierre en 1995. Un documental titulado The Legend of 23 Hop destacó las primeras etapas de Exodus y compañías de producción con modelos similares. [78] Entre los DJ notables que actuaron en 23 Hop se encuentran Moby , Mark Oliver, Dino & Terry, Sean L., Dr. No, Malik X, DJ Ruffneck, Jungle PhD, Kenny Glasgow, Matt C, John E, Danny Henry y David Crooke. [79]
En 2001, Calgary, Alberta, se convirtió en el primer municipio importante de Canadá en aprobar una ordenanza sobre las fiestas rave. La intención de la ordenanza era garantizar que las fiestas rave fueran seguras para los participantes y que no causaran una perturbación excesiva a los barrios adyacentes. La ordenanza se creó en consulta con representantes del municipio, la provincia de Alberta y la comunidad rave. [80]
En Alemania Occidental y Berlín Occidental , una importante escena de acid house se había establecido a fines de la década de 1980. [81] En el club Ufo de Berlín Occidental , un lugar de fiesta ilegal ubicado en el sótano de un antiguo edificio de apartamentos, las primeras fiestas de acid house tuvieron lugar en 1988. [82] [83] En Munich en este momento, el Negerhalle (1983-1989) y el ETA-Halle se establecieron como los primeros clubes de acid house en salas industriales en ruinas y utilizadas temporalmente, marcando el comienzo de la llamada cultura de la sala en Alemania. [84] [85] En julio de 1989, tuvo lugar el primer Love Parade en Berlín Occidental. [83] [86]
Inmediatamente después de la caída del Muro de Berlín el 9 de noviembre de 1989, las fiestas techno underground gratuitas proliferaron en Berlín Oriental . [82] Según el DJ de Alemania del Este Paul van Dyk, la escena rave basada en el techno fue una fuerza importante en el restablecimiento de las conexiones sociales entre Alemania Oriental y Occidental durante el período de unificación. [87] Pronto surgieron los primeros clubes techno en Berlín Oriental, como el Tresor (fundado en 1991), el Planet (1991-1993) y el Bunker (1992-1996). [88] En Frankfurt , el Omen abrió en 1988, que bajo su operador Sven Väth se convirtió en el centro de la escena en el área de Rhein-Main en los años siguientes. En 1990, el Babalu Club abrió en Múnich, introduciendo el concepto de afterhours en Alemania. [89]
A finales de los años 1990, los locales Tresor y E-Werk (1993-1997) en Berlín, Omen (1988-1998) y Dorian Gray (1978-2000) en Frankfurt, Ultraschall (1994-2003), KW – Das Heizkraftwerk (1996-2003) y Natraj Temple (1996-2008) en Múnich, así como Stammheim (1994-2002) en Kassel , se habían consolidado como los clubes techno más reconocidos de Alemania. [90]
Paralelamente a la escena de clubes establecida, las raves ilegales siguieron siendo una parte integral de la escena rave alemana durante la década de 1990. En la Alemania urbanizada, las raves ilegales y las fiestas techno a menudo preferían escenarios industriales como centrales eléctricas abandonadas, fábricas, canalizaciones o antiguas propiedades militares de la guerra fría. [91]
En el transcurso de la década de 1990, la cultura rave se convirtió en parte de un nuevo movimiento juvenil en Alemania y Europa. Los DJ y productores de música electrónica como WestBam proclamaron la existencia de una "sociedad rave" y promovieron la música electrónica como competencia legítima para el rock and roll . De hecho, la música electrónica de baile y la subcultura rave se convirtieron en movimientos de masas. Desde mediados de la década de 1990, las raves tuvieron decenas de miles de asistentes, las revistas juveniles presentaron consejos de estilo y las cadenas de televisión lanzaron revistas musicales sobre música house y techno. [52] [86] Los festivales anuales Love Parade en Berlín y más tarde el área metropolitana del Ruhr atrajeron repetidamente a más de un millón de asistentes a la fiesta entre 1997 y 2010. Docenas de otros technoparades anuales tuvieron lugar en Alemania y Europa Central en la década de 1990 y principios de la década de 2000, siendo los más grandes Union Move , Generation Move, Reincarnation y Vision Parade, así como Street Parade y Lake Parade en Suiza. Entre las grandes raves comerciales desde los años noventa se incluyen Mayday , Nature One , Time Warp , SonneMondSterne y Melt!. [ 86]
Desde finales de la década de 2000, Berlín sigue siendo considerada la capital del techno y el rave, y los clubes techno como Berghain , Tresor , KitKatClub o Watergate y la forma de festejar en locales apenas renovados, ruinas o chozas de madera como, entre muchos otros, Club der Visionaere , Wilde Renate o Bar 25 , atrajeron la atención de los medios internacionales. [92] Una película que retrata la escena de la década de 2000 es Berlin Calling , protagonizada por Paul Kalkbrenner. En la década de 2010, siguió habiendo una viva escena rave y techno en todo el país, incluidos numerosos festivales y clubes techno de clase mundial también fuera de Berlín, como por ejemplo MMA Club y Blitz Club en Múnich, Institut für Zukunft en Leipzig o Robert Johnson en Offenbach. [93]
A finales de los años 80 y principios de los 90, el Reino Unido fue finalmente reconocido por su cultura rave. En 1991, organizaciones como Fantazia y Raindance ya celebraban raves masivas y legales en campos y almacenes de todo el país. La fiesta Fantazia en Castle Donington, en julio de 1992, fue un evento al aire libre que duró toda la noche. La fiesta Vision en el aeródromo de Pophams en agosto de 1992 y la reunión tribal de Universe en 1993 tenían un aire más festivo.
A mediados de 1992, la escena fue cambiando lentamente, con los ayuntamientos aprobando ordenanzas y aumentando las tasas en un esfuerzo por evitar o disuadir a las organizaciones rave de adquirir las licencias necesarias. [ cita requerida ] Esto significaba que los días de las grandes fiestas únicas estaban contados. A mediados de los 90, la escena también se había fragmentado en muchos estilos diferentes de música de baile, lo que hacía que las grandes fiestas fueran más caras de organizar y más difíciles de promocionar. El sonido que impulsaba las grandes raves de principios de los 90 se había dividido a finales de 1993 en dos estilos distintos y polarizados, el jungle más oscuro y el happy hardcore más rápido . Aunque muchos ravers abandonaron la escena debido a la división, promotores como ESP Dreamscape y Helter Skelter todavía disfrutaban de una gran popularidad y asistencia con eventos en múltiples estadios que atendían a los diversos géneros. Entre los eventos notables de este período se incluyen el evento al aire libre Dreamscape 20 de ESP el 9 de septiembre de 1995 en los campos del aeródromo de Brafield, Northants, y el evento al aire libre Energy 97 de Helter Skelter el 9 de agosto de 1997 en el aeródromo de Turweston, Northants.
La escena de fiestas gratuitas ilegales también alcanzó su apogeo en esa época después de un festival particularmente grande, cuando muchos sistemas de sonido individuales como Bedlam, Circus Warp, DIY y Spiral Tribe se instalaron cerca de Castlemorton Common. El gobierno actuó. Según la Ley de Justicia Penal y Orden Público de 1994 , la definición de música que se toca en una rave se dio como:
"Música" incluye sonidos caracterizados total o predominantemente por la emisión de una sucesión de ritmos repetitivos.
— Ley de justicia penal y orden público de 1994 [94]
Las secciones 63, 64 y 65 de la Ley apuntaban a la música electrónica de baile que se tocaba en las raves. La Ley de Justicia Penal y Orden Público facultaba a la policía a detener una rave al aire libre cuando asistían cien o más personas, o cuando dos o más se estaban preparando para una rave. La sección 65 permite a cualquier agente uniformado que crea que una persona se dirige a una rave dentro de un radio de cinco millas detenerla y alejarla del área; los ciudadanos que no cumplan pueden estar sujetos a una multa máxima que no exceda el nivel 3 en la escala estándar (£1000). La Ley se introdujo oficialmente debido al ruido y las molestias que causaban las fiestas nocturnas a los residentes cercanos, y para proteger el campo. Sin embargo, algunos participantes en la escena afirmaron que era un intento de alejar a la cultura juvenil del MDMA y devolverla al alcohol sujeto a impuestos . [95] En noviembre de 1994, los Zippies organizaron un acto de desobediencia civil electrónica para protestar contra la CJB (es decir, el Proyecto de Ley de Justicia Penal ).
Después de 1993, el principal punto de venta de raves en el Reino Unido eran una serie de fiestas autorizadas, entre ellas Helter Skelter , Life at Bowlers (Trafford Park, Manchester), The Edge (antes Eclipse [Coventry]), The Sanctuary (Milton Keynes) y Club Kinetic. [96] En Londres, por su parte, había unos pocos clubes grandes que organizaban raves de forma regular, entre los que destacaban "The Laser Dome", "The Fridge", " The Hippodrome ", "Club UK" y "Trade". "The Laser Dome" contaba con dos zonas de baile independientes, "Hardcore" y "Garage", así como más de 20 máquinas de videojuegos, una sala de proyección de películas mudas, réplicas de la "Estatua de la Libertad", el "Puente de San Francisco" y un gran laberinto de cristal. En Escocia, los promotores de eventos Rezerection celebraron eventos a gran escala por todo el país. [97]
En 1997, la popularidad de las noches semanales de Superclub había superado al antiguo formato Rave, con una serie de nuevos géneros basados en clubes que irrumpieron (por ejemplo, Trance, Hard House, Speed y UK Garage) junto con el sonido House más tradicional que había recuperado popularidad. Clubes como Gatecrasher y Cream cobraron importancia con códigos de vestimenta y políticas de entrada que eran el polo opuesto de sus contrapartes rave; las historias de personas a las que se les negó la entrada por no llevar la ropa adecuada eran comunes, pero aparentemente no hicieron nada para disuadir la asistencia a Superclub. [ cita requerida ]
En agosto de 2020, tras la proliferación de reuniones ilegales, el gobierno británico introdujo una legislación adicional que permite a la policía imponer multas de 10.000 libras a los organizadores de reuniones ilegales. [98]
La escena de música electrónica de baile estadounidense es una de las primeras, y la cultura rave tiene sus raíces en las " fiestas de circuito " y los clubes de discoteca de finales de la década de 1970. Estos estaban dispersos en ciudades grandes y pequeñas en todo Estados Unidos, desde Buffalo hasta Cleveland y Aspen, Colorado . Ciudades como Chicago, Detroit, Miami y la ciudad de Nueva York pronto vieron el surgimiento de géneros de música electrónica fundamentales para la cultura rave, como la música house , el techno y el breakbeat . Los ravers estadounidenses, al igual que sus homólogos del Reino Unido y Europa, han sido comparados con los hippies de la década de 1960 debido a su interés compartido en la no violencia y la psicodelia. [99] La cultura rave incorporó el mismo amor de la cultura disco por la música de baile hecha por DJ, la exploración de drogas, la promiscuidad sexual y el hedonismo. Aunque la cultura disco había prosperado en la corriente principal, la cultura rave haría un esfuerzo por mantenerse clandestina para evitar la animosidad que todavía rodeaba a la música disco y de baile. El motivo principal para permanecer en la clandestinidad en muchas partes de los EE. UU. tenía que ver con el toque de queda y el cierre habitual de los clubes a las 2:00 a. m. Fue el deseo de mantener la fiesta más allá del horario legal lo que creó la tendencia underground. Debido a la legalidad, tuvieron que mantener el secreto sobre la hora y el lugar.
A principios de los años 80, Chicago creó la " música house " y creció rápidamente con la ciudad. Esta escena musical ha sido una de las primeras y más influyentes en la historia de la música de baile. Frankie Knuckles, también conocido como "el padrino de la música house" [100], fue un DJ y productor considerado el inventor de la "música house de Chicago". Mezclaba una variedad de clásicos del disco, melodías soul de sellos independientes y synth-disco europeos que ahora se consideran " música house ". Frankie tocaba sus ritmos house en The Warehouse (1977-1982), un club exclusivo para miembros que atraía a muchos hombres homosexuales negros, pero su música ganó un público más amplio que luego atrajo a multitudes más heterosexuales y blancas. Esto llevó al propietario del club, Robert Williams, a deshacerse de las membresías por completo. Frankie se fue para crear su propio club llamado "Power Plant" (1983-1985) [101] que ganó la atención de un público completamente diverso. Creó su música house utilizando sus propias ediciones y ampliando los ritmos de las canciones para mantener la pista de baile llena toda la noche. Finalmente, este fenómeno se extendió exponencialmente por Chicago durante 1986-1987. La música house de Chicago influyó en ella, lo que creó la "música house" en Inglaterra durante 1986 [102] , lo que se convirtió en la música electrónica de baile actual.
A finales de los años 80, la cultura rave empezó a filtrarse en Norteamérica a través de expatriados ingleses y DJs estadounidenses que visitaban Europa. Sin embargo, la mayor expansión de la cultura rave en Norteamérica suele atribuirse a Frankie Bones , quien, después de organizar una fiesta en un hangar de aviones en Inglaterra, ayudó a organizar algunas de las primeras raves estadounidenses en los años 90 en la ciudad de Nueva York, llamadas "Storm Raves". Las Storm Raves tenían un público central constante, fomentado por los fanzines de su compañero Storm DJ (y cofundador, junto con Adam X y Frankie Bones, de la tienda de discos techno estadounidense Groove Records). Heather Heart celebró Under One Sky. Simultáneamente, en Nueva York, los eventos estaban introduciendo la música electrónica de baile en la escena dance de esta ciudad. Entre 1992 y 1994, surgieron grupos de promoción en toda la costa este.
En la década de 1990, San Diego celebraba grandes raves con miles de asistentes. Estos festivales se celebraban en reservas indígenas y estaciones de esquí durante los meses de verano y estaban encabezados por DJ como Doc Martin, Daniel Moontribe, Dimitri de Deee-lite , Afrika Islam y los hermanos Hardkiss de San Francisco. Estos ayudaron a crear el movimiento Right to Dance, una protesta no violenta celebrada en San Diego y más tarde en Los Ángeles.
En estos eventos actuaron los DJ locales de San Diego Jon Bishop, Steve Pagan, Alien Tom, Jeff Skot, Jon-e Thin, Paolo, Merlyn, Gmaxim, Tony Fiore, Damon y Mark E. Quark. En los eventos se utilizaron grandes accesorios y temas. La moda de las hadas y los duendes, con ravers que se hacían tatuajes de hadas y usaban alas de hadas en las fiestas, estaba asociada con la región. El grupo de percusión Crash Worship estaba activo aquí.
En 1993, del movimiento rave underground de Los Ángeles, surgió Moontribe, la reunión original de la Luna Llena del Sur de California, en la que participaron los DJ Daniel Moontribe (también conocido como Daniel Chávez, también conocido como Dcomplex, también conocido como Dcomplexity) y otros.
A finales de los años 1980 y principios de los años 1990, la cultura rave se vio en pleno auge en la zona de la bahía de San Francisco . Al principio, surgieron pequeñas fiestas clandestinas por todo el distrito SOMA en almacenes vacíos, lofts y clubes. La regla de no beber alcohol impulsó las fiestas impulsadas por el éxtasis. Las pequeñas raves clandestinas estaban empezando a surgir y se expandieron más allá de SF para incluir la zona de East Bay y South Bay, incluidas las playas de San José, Santa Clara y Santa Cruz.
A finales de 1991, las raves empezaron a expandirse por el norte de California y por ciudades como Sacramento, Oakland y Silicon Valley (Palo Alto, San José). Las fiestas masivas se celebraban en campos al aire libre, hangares de aviones y cimas de las colinas que rodean el valle. Los primeros promotores y DJ de San Francisco eran del Reino Unido y Europa. Las raves se celebraban en algunos de los eventos del museo de arte SOMA, como "Where the wild things are" en el museo situado en la cima del Sony Metreon y en el Maritime Hall (1998-2002).
A finales de 1994, una nueva generación de ravers se sintió atraída por los nuevos sonidos. La EDM empezó a popularizarse. Las raves se podían encontrar en muchos tipos de locales diferentes, en lugar de solo en sótanos y almacenes. Los promotores empezaron a tomar nota y a reunir a los grandes de finales de los 90 con muchas formas musicales bajo un mismo techo para eventos de 12 horas. Hasta 2003, la escena rave siguió creciendo lentamente y se mantuvo estable hasta que hubo cada vez más conciencia y publicidad sobre el consumo de drogas ilícitas en las raves, en particular el éxtasis. Paralelamente al crecimiento de la escena rave, se produjo un aumento de las políticas antidrogas, que estaban directamente dirigidas e indirectamente influían en la gestión organizativa y los eventos rave. El 30 de abril de 2003, el Congreso de los Estados Unidos aprobó la Ley contra la proliferación de drogas ilícitas , que tiene su origen en un proyecto de ley de 2002 con un propósito similar, pero que no se aprobó. Ese proyecto de ley se llama notablemente The RAVE Act . En consecuencia, a mediados de la década de 2000 y finales de la década de 2000, las raves más grandes aparecieron de forma más esporádica. [103] Sin embargo, y en paralelo a las nuevas ordenanzas municipales sobre toques de queda y control de drogas, las empresas promotoras de eventos rave como Go ventures e Insomniac persistieron y continuaron con eventos rave programados anualmente como Monster Massive , Together as One y Electric Daisy Carnival . A partir de esta base de eventos programados de rutina y consistencia, la escena rave resurgió en 2010 con aún más asistencia y lugares para bailar. La abrumadora asistencia, incluida la falta de restricciones de asistencia para menores de edad, alcanzó un punto de inflexión con las 185.000 personas estimadas en asistencia al Electric Daisy Carnival (EDC) de 2010. Ese evento de 2010 ganó una amplia atención debido a la muerte y sobredosis de una niña de 15 años, Sasha Rodríguez. [103] [104] La muerte provocó una investigación del fundador de Insomniac de EDC, Pasquale Rotella. Esa investigación dio como resultado que se le acusara de soborno al empleado público Todd DeStefano. En ese momento, DeStefano era el gerente de eventos del Coliseo de Los Ángeles, que fue la ubicación de EDC de 2010. [105] Esto, a su vez, condujo a una reorganización de los eventos rave de Insomniac. Para EDC en particular, mientras estaba libre bajo fianza, Pasquale Rotella trasladó EDC de 2011 de Los Ángeles a Las Vegas a partir de entonces, así como también aumentó las ubicaciones programadas de EDC. Rotella luego llegó a un acuerdo con la fiscalía y evitó la cárcel. [105]
A mediados de los años 1990 y principios de los años 2000, la ciudad de Seattle también participó de la tradición de la cultura rave de la Costa Oeste. Aunque era una escena más pequeña en comparación con San Francisco, Seattle también tenía muchos grupos de raves, promotores, DJ y fanáticos diferentes. El estilo, la amistad y la cultura de Candy Raver se hicieron populares en la escena rave de la Costa Oeste, tanto en Seattle como en San Francisco. En el auge de la popularidad de la rave de la Costa Oeste, Candy Raver y la rave masiva (1996-1999), era común encontrarse con grupos de ravers, promotores y DJ que viajaban con frecuencia entre Seattle y San Francisco, así como Bellingham, Vancouver, Canadá y Portland, Oregón. Esto difundió el sentido general de la cultura rave de la Costa Oeste y el fenómeno de las "masivas" de la Costa Oeste.
En 2010, las raves se estaban convirtiendo en el equivalente de los festivales de música rock a gran escala, pero muchas veces incluso más grandes y rentables. El Electric Daisy Carnival en Las Vegas atrajo a más de 300.000 fanáticos durante tres días en el verano de 2012, lo que lo convirtió en el festival de música EDM más grande de Norteamérica. El Ultra Music Festival en Miami atrajo a 150.000 fanáticos durante tres días en 2012, mientras que otras raves como Electric Zoo en Nueva York, Beyond Wonderland en Los Ángeles, Movement en Detroit, Electric Forest en Michigan, Spring Awakening Music Festival en Chicago y docenas más atraen ahora a cientos de miles de "ravers" cada año. Estos nuevos eventos rave basados en EDM (ahora simplemente denominados genéricamente " festivales de música ") agotan las entradas. La asistencia al festival Electric Daisy Carnival (EDC) aumentó un 39,1%, o 90.000 asistentes de 2011 a 2012. En 2013, EDC tuvo una asistencia de aproximadamente 345.000 personas, un récord para el festival. La entrada promedio para EDC costó más de $300 y el evento contribuyó con $278 millones a la economía del condado de Clark en 2013. [106] Este festival se lleva a cabo en un complejo de 1.000 acres que cuenta con media docena de escenarios hechos a medida, enormes instalaciones de arte interactivas y cientos de artistas de EDM. Insomniac , un promotor de eventos de EDM de EE. UU., organiza anualmente EDC y otros eventos de EDM.
Las fiestas rave comenzaron en Australia a principios de los años 1980 y continuaron hasta finales de los años 1990. Eran versiones movilizadas de las "fiestas de almacén" en toda Gran Bretaña. Al igual que en Estados Unidos y Gran Bretaña, las raves en Australia no tenían licencia y se celebraban en espacios normalmente utilizados para fines industriales y de fabricación, como almacenes , fábricas y salas de exposición de alfombras. Además, también se utilizaban lugares suburbanos: gimnasios de baloncesto, estaciones de tren e incluso carpas de circo eran lugares comunes. En Sydney , las áreas comunes utilizadas para eventos al aire libre incluían Sydney Park , un vertedero de basura recuperado en el suroeste interior de la ciudad, Cataract Park y varios otros lugares naturales sin uso y tierras boscosas. Las raves pusieron un gran énfasis en la conexión entre los humanos y el medio ambiente natural, por lo que muchas raves en Sydney se celebraron al aire libre, en particular las fiestas "Happy Valley" (1991-1994), "Ecology" (1992) y "Field of Dreams 4" (6 de julio de 1996). [107] [108] A mediados de los años 1990 se produjo un ligero descenso de la asistencia a las fiestas rave, atribuido a la muerte de Anna Wood en un local autorizado del centro de la ciudad de Sydney, que organizaba una fiesta rave conocida como "Apache". Wood había tomado éxtasis y murió en el hospital unos días después, lo que provocó una amplia exposición en los medios de comunicación sobre la correlación de la cultura de las drogas y sus vínculos con la escena rave en Australia.
La tradición continuó en Melbourne , con las fiestas "Earthcore". Las raves también se volvieron menos underground como lo fueron en la década de 1990, y muchas se llevaron a cabo en lugares con licencia hasta bien entrada la década de 2000. A pesar de esto, las fiestas rave del tamaño de la década de 1990 se volvieron menos comunes. No obstante, la escena rave en Australia experimentó un resurgimiento durante la década de 2010. Durante este período, el resurgimiento del "Melbourne Shuffle", un estilo de baile de club/rave de Melbourne, se convirtió en una tendencia de YouTube y se subieron videos. La subcultura rave en Melbourne se fortaleció con la apertura de clubes como Bass Station y Hard Candy y el auge de grupos de fiestas gratuitas como Melbourne Underground. En Melbourne, las fiestas okupadas en almacenes y las raves al aire libre se celebraron con frecuencia durante la década de 2010, con una asistencia que ocasionalmente alcanzaba los miles.
La siguiente es una lista incompleta de raves notables.
La siguiente es una lista incompleta de sistemas de sonido notables :
El término rave se empezó a utilizar a finales de los años 50 en Gran Bretaña como nombre para las fiestas bohemias salvajes de la época.
Quizás el evento más famoso en el que participó Unit Delta Plus fue el
Million Volt Light and Sound Rave
de 1967 en el Roundhouse de Londres, organizado por los diseñadores Binder, Edwards y Vaughan (que previamente habían sido contratados por Paul McCartney para decorar un piano). El evento tuvo lugar durante dos noches (28 de enero y 4 de febrero de 1967) e incluyó una interpretación de música en cinta de Unit Delta Plus, así como una reproducción del legendario
Carnival of Light , un collage de sonido de catorce minutos ensamblado por McCartney en la época de las sesiones de
Penny Lane
de los Beatles
.
Una rave o un concierto de rock no es simplemente una presentación a la que asiste el público, sino un evento comunitario (como un servicio religioso secular) en el que todos participan activamente.
{{cite journal}}: CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace )El new beat comenzó cuando los DJs empezaron a pinchar discos gay Hi-NRG a 33 rpm en lugar de las 45 rpm correctas, creando un ritmo inquietante, viscoso y de trance-dance. En el apogeo de la locura, recordó Renaat, el club Boccaccio de Gante "era como un templo. Todo el mundo iba vestido de blanco y negro, bailando este extraño baile robótico". [...] A medida que avanzaban los noventa, los bpm volvieron a la normalidad, luego se aceleraron, a medida que los DJs empezaron a pinchar techno con sus platos a +8. Nació un hardcore nativo, con sellos como Hithouse, Big Time International, Who's That Beat, Beat Box y Music Man, y grupos como Set Up System, Cubic 22, T99, 80 Aum, Incubus, Holy Noise y Meng Syndicate.
Mientras el hardcore belga inundaba Europa, dominando el circuito rave underground y penetrando en las listas de éxitos del pop, los entendidos del techno palidecieron de horror ante el brutalismo del nuevo estilo.
Las semillas del nuevo sonido, sin embargo, germinaron en algún lugar entre Bélgica y Brooklyn, Nueva York, donde DJ-productores como Lenny Dee, Mundo Muzique y Joey Beltram estaban impulsando la música rave en una dirección más dura y rápida.
