El manierismo es un estilo del arte europeo que surgió en los últimos años del Alto Renacimiento italiano alrededor de 1520, se extendió alrededor de 1530 y duró aproximadamente hasta finales del siglo XVI en Italia, cuando el estilo barroco lo reemplazó en gran medida. El manierismo del norte continuó hasta principios del siglo XVII. [1]
El manierismo abarca una variedad de enfoques influenciados por, y que reaccionan a, los ideales armoniosos asociados con artistas como Leonardo da Vinci , Rafael , Vasari , [2] y los primeros Miguel Ángel . Mientras que el arte del Alto Renacimiento enfatiza la proporción, el equilibrio y la belleza ideal, el manierismo exagera esas cualidades, lo que a menudo da como resultado composiciones asimétricas o anormalmente elegantes. [3] Destacado por sus cualidades artificiales (a diferencia de las naturalistas), [4] este estilo artístico privilegia la tensión y la inestabilidad compositivas en lugar del equilibrio y la claridad de la pintura del Renacimiento anterior. El manierismo en la literatura y la música se destaca por su estilo muy florido y su sofisticación intelectual. [5]
La definición de manierismo y las fases del mismo sigue siendo un tema de debate entre los historiadores del arte. Por ejemplo, algunos estudiosos han aplicado la etiqueta a ciertas formas modernas tempranas de literatura (especialmente poesía) y música de los siglos XVI y XVII. El término también se utiliza para referirse a algunos pintores del gótico tardío [6] que trabajaron en el norte de Europa entre 1500 y 1530 aproximadamente, especialmente los manieristas de Amberes [7] , un grupo no relacionado con el movimiento italiano. El manierismo también se ha aplicado por analogía a la Edad de Plata de la literatura latina . [8]
La palabra "Manierismo" deriva del italiano maniera , que significa "estilo" o "manera". Al igual que la palabra inglesa "estilo", maniera puede indicar un tipo específico de estilo (un estilo hermoso, un estilo abrasivo) o indicar un absoluto que no necesita calificación (alguien "tiene estilo"). [9] En la segunda edición de sus Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos (1568), Giorgio Vasari [10] utilizó maniera en tres contextos diferentes: para discutir la manera o el método de trabajo de un artista; para describir un estilo personal o grupal, como el término maniera greca para referirse al estilo medieval italo-bizantino o simplemente a la maniera de Miguel Ángel; y afirmar un juicio positivo sobre la calidad artística. [11] Vasari también fue un artista manierista y describió el período en el que trabajó como "la maniera moderna", o el "estilo moderno". [12] James V. Mirollo describe cómo los poetas de la "bella maniera" intentaron superar en virtuosismo los sonetos de Petrarca . [13] Esta noción de "bella maniera" sugiere que los artistas que se inspiraron así buscaron copiar y mejorar a sus predecesores, en lugar de confrontar la naturaleza directamente. En esencia, "bella maniera" utilizó lo mejor de varios materiales originales, sintetizándolos en algo nuevo. [13]
Como etiqueta estilística, el "manierismo" no se define fácilmente. Fue utilizado por el historiador suizo Jacob Burckhardt y popularizado por historiadores del arte alemanes a principios del siglo XX para categorizar el arte aparentemente no categorizable del siglo XVI italiano, arte que ya no exhibía los enfoques armoniosos y racionales asociados con el Alto Renacimiento. El "Alto Renacimiento" connotaba un período caracterizado por la armonía, la grandeza y el resurgimiento de la antigüedad clásica. El término "manierista" fue redefinido en 1967 por John Shearman [14] tras la exposición de pinturas manieristas organizada por Fritz Grossmann en la Manchester City Art Gallery en 1965. [15]
Sin embargo, los historiadores difieren en cuanto a si el manierismo es un estilo, un movimiento o un período. Algunos autores lo han denominado "Renacimiento tardío". [16] Aunque el término sigue siendo controvertido, todavía se usa comúnmente para identificar el arte y la cultura europeos en el siglo XVI. [17]
Al final del Alto Renacimiento, los artistas jóvenes vivieron una crisis: [3] parecía que todo lo que se podía lograr ya estaba logrado. No quedaban más dificultades, técnicas o de otro tipo, por resolver. El conocimiento detallado de la anatomía, la luz, la fisonomía y la forma en que los humanos registran las emociones en la expresión y el gesto, el uso innovador de la forma humana en la composición figurativa, el uso de la sutil gradación de tono, todo había alcanzado casi la perfección. Los jóvenes artistas necesitaban encontrar un nuevo objetivo y buscaron nuevos enfoques. [18] En este punto comenzó a surgir el manierismo. [3] El nuevo estilo se desarrolló entre 1510 y 1520 ya sea en Florencia, [19] o en Roma, o en ambas ciudades simultáneamente. [20]
Este período ha sido descrito como una "extensión natural" [5] del arte de Andrea del Sarto , Miguel Ángel y Rafael. Miguel Ángel desarrolló su propio estilo a una edad temprana, un estilo profundamente original que fue muy admirado al principio y luego copiado e imitado a menudo por otros artistas de la época. [5] Una de las cualidades más admiradas por sus contemporáneos fue su terribilità , una sensación de grandeza sobrecogedora, y los artistas posteriores intentaron imitarla. [5] Otros artistas aprendieron el estilo apasionado y muy personal de Miguel Ángel copiando las obras del maestro, una forma estándar en la que los estudiantes aprendían a pintar y esculpir. El techo de la Capilla Sixtina les proporcionó ejemplos a seguir, en particular su representación de figuras reunidas a menudo llamadas ignudi y de la Sibila libia , su vestíbulo de la Biblioteca Laurenciana , las figuras de sus tumbas de los Medici y, sobre todo, su Juicio Final . El último Miguel Ángel fue uno de los grandes modelos del manierismo. [5] Jóvenes artistas irrumpieron en su casa y le robaron dibujos. [21] En su libro Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más eminentes , Giorgio Vasari señaló que Miguel Ángel afirmó una vez: "Aquellos que son seguidores nunca pueden pasar por alto a quienes siguen". [21]
El espíritu competitivo fue cultivado por mecenas que animaban a los artistas patrocinados a enfatizar la técnica virtuosa y competir entre sí por los encargos. Llevó a los artistas a buscar nuevos enfoques y escenas dramáticamente iluminadas, ropas y composiciones elaboradas, proporciones alargadas, poses muy estilizadas y falta de perspectiva clara. Leonardo da Vinci y Miguel Ángel recibieron el encargo del gonfaloniere Piero Soderini de decorar una pared del Salón de los Quinientos de Florencia. Estos dos artistas iban a pintar uno al lado del otro y competir entre sí, [ cita necesaria ] alimentando el incentivo para ser lo más innovadores posible. [ cita necesaria ]
Los primeros manieristas de Florencia (especialmente los estudiantes de Andrea del Sarto , como Jacopo da Pontormo y Rosso Fiorentino ) se destacan por sus formas alargadas, sus poses precariamente equilibradas, una perspectiva colapsada, sus escenarios irracionales y su iluminación teatral. Parmigianino (un alumno de Correggio ) y Giulio Romano (el asistente principal de Rafael) se movían en direcciones estéticas estilizadas similares en Roma. Estos artistas habían madurado bajo la influencia del Alto Renacimiento, y su estilo se ha caracterizado como una reacción o una extensión exagerada del mismo. En lugar de estudiar la naturaleza directamente, los artistas más jóvenes comenzaron a estudiar la escultura helenística y las pinturas de maestros del pasado. Por lo tanto, este estilo a menudo se identifica como "anticlásico", [22] sin embargo, en ese momento se consideraba una progresión natural del Alto Renacimiento. La fase experimental más temprana del manierismo, conocida por sus formas "anticlásicas", duró hasta aproximadamente 1540 o 1550. [20] Marcia B. Hall , profesora de historia del arte en la Universidad de Temple, señala en su libro After Raphael que la muerte prematura de Raphael Marcó el inicio del manierismo en Roma. [ cita necesaria ]
En análisis anteriores, se ha observado que el manierismo surgió a principios del siglo XVI al mismo tiempo que otros movimientos sociales, científicos, religiosos y políticos como el heliocentrismo copernicano , el saqueo de Roma en 1527 y la creciente reforma protestante. desafío al poder de la Iglesia Católica. Debido a esto, las formas alargadas y distorsionadas del estilo alguna vez se interpretaron como una reacción a las composiciones idealizadas que prevalecían en el arte del Alto Renacimiento. [23] Esta explicación para el cambio estilístico radical c. 1520 ha perdido el favor de los eruditos, aunque el arte manierista temprano todavía contrasta marcadamente con las convenciones del Alto Renacimiento; la accesibilidad y el equilibrio logrados por la Escuela de Atenas de Rafael ya no parecían interesar a los artistas jóvenes. [ cita necesaria ]
El segundo período del manierismo se diferencia comúnmente [ cita necesaria ] de la fase anterior, llamada "anticlásica". Los manieristas posteriores enfatizaron la vanidad intelectual y el virtuosismo artístico, características que han llevado a críticos posteriores a acusarlos de trabajar de una "manera" antinatural y afectada ( maniera ). Los artistas de Maniera consideraban a su contemporáneo Miguel Ángel como su modelo principal; el suyo era un arte que imitaba al arte, más que un arte que imitaba a la naturaleza. El historiador de arte Sydney Joseph Freedberg sostiene que el aspecto intelectualizador del arte maniera implica esperar que su audiencia note y aprecie esta referencia visual: una figura familiar en un entorno desconocido encerrada entre "comillas invisibles, pero sentidas". [24] El colmo del artificio es la inclinación del pintor Maniera por apropiarse deliberadamente indebidamente de una cita. Agnolo Bronzino y Giorgio Vasari ejemplifican esta corriente de Maniera que duró aproximadamente entre 1530 y 1580. Basado principalmente en las cortes y en los círculos intelectuales de toda Europa, el arte de Maniera combina la elegancia exagerada con una atención exquisita a la superficie y al detalle: figuras de piel de porcelana se reclinan en posición uniforme. , luz templada, que reconoce al espectador con una mirada fría, si es que establece contacto visual. El tema de Maniera rara vez muestra mucha emoción y por esta razón las obras que ejemplifican esta tendencia a menudo se llaman "frías" o "distantes". Esto es típico del llamado "estilo elegante" o Maniera en su madurez. [25]
Las ciudades de Roma, Florencia y Mantua fueron centros manieristas en Italia. La pintura veneciana siguió un rumbo diferente, representado por Tiziano en su dilatada carrera. Varios de los primeros artistas manieristas que habían estado trabajando en Roma durante la década de 1520 huyeron de la ciudad después del saqueo de Roma en 1527. A medida que se extendieron por todo el continente en busca de empleo, su estilo se difundió por Italia y el norte de Europa. [26] El resultado fue el primer estilo artístico internacional desde el gótico . [27] Otras partes del norte de Europa no tuvieron la ventaja de un contacto tan directo con los artistas italianos, pero el estilo manierista hizo sentir su presencia a través de grabados y libros ilustrados. Los gobernantes europeos, entre otros, compraron obras italianas, mientras que los artistas del norte de Europa continuaron viajando a Italia, ayudando a difundir el estilo manierista. Los artistas italianos que trabajaron en el Norte dieron origen a un movimiento conocido como Manierismo del Norte . Francisco I de Francia , por ejemplo, recibió Venus, Cupido, la locura y el tiempo de Bronzino . El estilo decayó en Italia después de 1580, cuando una nueva generación de artistas, incluidos los hermanos Carracci , Caravaggio y Cigoli , revivieron el naturalismo. Walter Friedlaender identificó este período como "antimanierismo", del mismo modo que los primeros manieristas fueron "anticlásicos" en su reacción lejos de los valores estéticos del Alto Renacimiento [28] y hoy se coincide en que los hermanos Carracci y Caravaggio comenzaron la transición a la pintura de estilo barroco que dominaba en 1600.
Fuera de Italia, sin embargo, el manierismo continuó hasta el siglo XVII. En Francia, donde Rosso viajó para trabajar para la corte de Fontainebleau , se le conoce como " estilo Enrique II " y tuvo un impacto particular en la arquitectura. Otros centros continentales importantes del manierismo del norte incluyen la corte de Rodolfo II en Praga , así como Haarlem y Amberes . El manierismo como categoría estilística se aplica con menos frecuencia a las artes visuales y decorativas inglesas , donde se aplican más comúnmente etiquetas nativas como " isabelino " y " jacobeo ". El manierismo artesanal del siglo XVII es una excepción, aplicado a la arquitectura que se basa en libros de patrones más que en precedentes existentes en Europa continental. [29]
De particular interés es la influencia flamenca en Fontainebleau, que combinó el erotismo del estilo francés con una versión temprana de la tradición vanitas que dominaría la pintura holandesa y flamenca del siglo XVII. Prevalecía en esta época el pittore vago , una descripción de los pintores del norte que ingresaban a los talleres de Francia e Italia para crear un estilo verdaderamente internacional.
Al igual que en la pintura, la escultura manierista italiana temprana fue en gran medida un intento de encontrar un estilo original que superara los logros del Alto Renacimiento , que en escultura significaba esencialmente Miguel Ángel, y gran parte de la lucha para lograrlo se desarrolló en encargos para llenar Otros lugares en la Piazza della Signoria de Florencia, junto al David de Miguel Ángel . Baccio Bandinelli retomó el proyecto de Hércules y Caco del propio maestro, pero entonces no era mucho más popular que ahora y Benvenuto Cellini lo comparó maliciosamente con "un saco de melones", aunque tuvo un efecto duradero en aparentemente introduciendo paneles en relieve en el pedestal de las estatuas. Como otras obras suyas y de otros manieristas, elimina mucho más del bloque original de lo que habría hecho Miguel Ángel. [30] El Perseo en bronce con la cabeza de Medusa de Cellini es sin duda una obra maestra, diseñado con ocho ángulos de visión, otra característica manierista, y artificialmente estilizado en comparación con los David de Miguel Ángel y Donatello. [31] Originalmente orfebre, su famoso Salero de oro y esmalte (1543) fue su primera escultura y muestra su talento en su máxima expresión. [32]
Las pequeñas figuras de bronce para los gabinetes de los coleccionistas , a menudo temas mitológicos con desnudos, fueron una forma popular del Renacimiento en la que Giambologna , originalmente flamenca pero radicada en Florencia, se destacó en la última parte del siglo. También creó esculturas de tamaño natural, de las cuales dos entraron en la colección de la Piazza della Signoria. Él y sus seguidores idearon elegantes ejemplos alargados de la figura serpentinata , a menudo de dos figuras entrelazadas, que eran interesantes desde todos los ángulos. [33]
Las opiniones de Giorgio Vasari sobre el arte de la pintura emergen en los elogios que otorga a sus colegas artistas en sus Vidas de los artistas de varios volúmenes : creía que la excelencia en la pintura exigía refinamiento, riqueza de invención ( invenzione ), expresada a través de una técnica virtuosa ( maniera ), y el ingenio y estudio que se reflejaban en la obra terminada, criterios todos ellos que enfatizaban el intelecto del artista y la sensibilidad del mecenas. El artista ya no era sólo un miembro capacitado del Gremio de San Lucas local. Ahora ocupó su lugar en la corte junto a eruditos, poetas y humanistas, en un clima que fomentaba el aprecio por la elegancia y la complejidad. El escudo de armas de los Medici , mecenas de Vasari, aparece en la parte superior de su retrato, como si fuera el del propio artista. El encuadre de la imagen grabada en madera de Las Vidas de Vasari se llamaría " jacobeo " en un entorno de habla inglesa. En él, las tumbas de los Medici de Miguel Ángel inspiran los elementos "arquitectónicos" antiarquitectónicos de la parte superior, el marco perforado como papel y los desnudos sátiros de la base. Como mero marco es extravagante: manierista, en definitiva.
Otra figura literaria de la época es Gian Paolo Lomazzo , quien produjo dos obras, una práctica y otra metafísica, que ayudaron a definir la relación consciente del artista manierista con su arte. Su Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura (Milán, 1584) es en parte una guía de los conceptos contemporáneos de decoro , que el Renacimiento heredó en parte de la Antigüedad pero que el Manierismo desarrolló. La codificación sistemática de la estética de Lomazzo, que tipifica los enfoques más formalizados y académicos típicos de finales del siglo XVI, enfatizó una consonancia entre las funciones de los interiores y los tipos de decoraciones pintadas y esculpidas que serían adecuadas. La iconografía, a menudo complicada y abstrusa, es un elemento más destacado en los estilos manieristas. Su Idea del tempio della pittura ( El templo ideal de la pintura , Milán, 1590), menos práctica y más metafísica, ofrece una descripción en la línea de la teoría de los " cuatro temperamentos " de la naturaleza y la personalidad humanas, definiendo el papel de la individualidad en el juicio y en el arte. invención.
El manierismo fue un movimiento anticlásico que difería mucho de las ideologías estéticas del Renacimiento . [34] Aunque el manierismo fue inicialmente aceptado con positividad basándose en los escritos de Vasari , [34] más tarde fue considerado de manera negativa porque se lo ve únicamente como "una alteración de la verdad natural y una repetición trillada de fórmulas naturales". [34] Como momento artístico, el manierismo implica muchas características que son únicas y específicas de la experimentación de cómo se percibe el arte. A continuación se muestra una lista de muchas características específicas que los artistas manieristas emplearían en sus obras de arte.
La obra de Jacopo da Pontormo es una de las aportaciones más importantes al manierismo. [36] A menudo extraía su tema de narrativas religiosas; Fuertemente influenciado por las obras de Miguel Ángel, [36] con frecuencia alude o utiliza formas escultóricas como modelos para sus composiciones. [34] Un elemento muy conocido de su obra es la representación de miradas de varias figuras que a menudo perforan al espectador en varias direcciones. [34] Dedicado a su trabajo, Pontormo a menudo expresaba ansiedad por su calidad y era conocido por trabajar lenta y metódicamente. [34] Su legado es muy apreciado, ya que influyó en artistas como Agnolo Bronzino y los ideales estéticos del manierismo tardío. [36]
José en Egipto de Pontormo , pintado en 1517, [34] retrata una narrativa continua de cuatro escenas bíblicas en las que José se reconecta con su familia. En el lado izquierdo de la composición, Pontomoro representa una escena en la que José presenta a su familia al faraón de Egipto . A la derecha, José está montado en un banco rodante, mientras querubines llenan la composición a su alrededor, además de otras figuras y grandes rocas en un camino en la distancia. Sobre estas escenas, hay una escalera de caracol por la que José guía a uno de sus hijos hasta su madre en la cima. La escena final, a la derecha, es la etapa final de la muerte de Jacob mientras sus hijos observan desde cerca. [34]
José en Egipto de Pontormo presenta muchos elementos manieristas. Un elemento es la utilización de colores incongruentes, como varios tonos de rosas y azules, que constituyen la mayor parte del lienzo . Un elemento adicional del manierismo es el manejo incoherente del tiempo en la historia de José a través de diversas escenas y uso del espacio. A través de la inclusión de cuatro narrativas diferentes, Ponotormo crea una composición desordenada y una sensación general de estar ocupado.
Rosso Fiorentino , que había sido compañero de Pontormo en el estudio de Andrea del Sarto , llevó en 1530 el manierismo florentino a Fontainebleau , donde se convirtió en uno de los fundadores del manierismo francés del siglo XVI, conocido popularmente como la Escuela de Fontainebleau .
Los ejemplos de un estilo decorativo rico y frenético en Fontainebleau difundieron aún más el estilo italiano a través de grabados hasta Amberes , y desde allí por todo el norte de Europa, desde Londres hasta Polonia. El diseño manierista se extendió a artículos de lujo como plata y muebles tallados. Una sensación de emoción tensa y controlada expresada en elaborados simbolismos y alegorías , y un ideal de belleza femenina caracterizado por proporciones alargadas son características de este estilo.
Agnolo Bronzino fue alumno de Pontormo, [37] cuyo estilo fue muy influyente y a menudo confuso en términos de determinar la atribución de muchas obras de arte. [37] Durante su carrera, Bronzino también colaboró con Vasari como escenógrafo para la producción "Comedia de magos", donde pintó numerosos retratos . [37] La obra de Bronzino fue buscada y disfrutó de gran éxito cuando se convirtió en pintor de la corte de la familia Medici en 1539. [37] Una característica manierista única de la obra de Bronzino fue la representación de tez lechosa . [37]
En el cuadro Venus, Cupido, Locura y Tiempo , Bronzino retrata una escena erótica que deja al espectador con más preguntas que respuestas. En primer plano, Cupido y Venus están a punto de besarse, pero hacen una pausa como si los sorprendieran en el acto. Encima de la pareja hay figuras mitológicas, el Padre Tiempo a la derecha, que corre una cortina para revelar a la pareja y la representación de la diosa de la noche a la izquierda. La composición también incluye un grupo de máscaras, una criatura híbrida compuesta por los rasgos de una niña y una serpiente, y un hombre representado con un dolor agonizante. Hay muchas teorías disponibles sobre la pintura, como que transmite los peligros de la sífilis o que la pintura funcionaba como un juego de corte . [38]
Los retratos manieristas de Bronzino se distinguen por una serena elegancia y una meticulosa atención al detalle. Como resultado, se dice que los modelos de Bronzino proyectan un distanciamiento y una marcada distancia emocional del espectador. También hay una concentración virtuosa en capturar el patrón preciso y el brillo de los ricos textiles. Específicamente, dentro de Venus, Cupido, Locura y Tiempo , Bronzino utiliza las tácticas del movimiento manierista, la atención al detalle, el color y las formas escultóricas. La evidencia del movimiento manierista es evidente en los movimientos incómodos de Cupido y Venus, mientras contorsionan sus cuerpos para abrazarse parcialmente. En particular, Bronzino pinta la tez con las múltiples formas como un perfecto blanco porcelana con un suave borramiento de sus músculos que proporciona una referencia a la suavidad de la escultura.
Susana y los ancianos ( abajo ), de Alessandro Allori (1535-1607 ), se distingue por un erotismo latente y un detalle de bodegones conscientemente brillante, en una composición abarrotada y retorcida.
Jacopo Tintoretto ha sido conocido por sus contribuciones muy diferentes a la pintura veneciana después del legado de Tiziano . Su obra, que difería mucho de la de sus predecesores, había sido criticada por Vasari por su "estilo fantástico, extravagante y extraño". [39] Dentro de su obra, Tintoretto adoptó elementos manieristas que lo han distanciado de la noción clásica de la pintura veneciana, ya que a menudo creaba obras de arte que contenían elementos de fantasía y conservaban el naturalismo . [39] Otros elementos únicos del trabajo de Tintoretto incluyen su atención al color mediante la utilización regular de pinceladas ásperas [39] y la experimentación con pigmentos para crear ilusión. [39]
Una obra de arte que se asocia con características manieristas es la Última Cena ; fue encargado por Michele Alabardi para San Giorgio Maggiore en 1591. [39] En La Última Cena de Tintoretto , la escena se representa desde el ángulo de un grupo de personas a lo largo del lado derecho de la composición. En el lado izquierdo del cuadro, Cristo y los Apóstoles ocupan un lado de la tabla y destacan a Judas . Dentro del espacio oscuro, hay pocas fuentes de luz; una fuente es emitida por el halo de Cristo y la antorcha que cuelga sobre la mesa.
En su composición distintiva, la Última Cena retrata características manieristas. Una característica que utiliza Tintoretto es el fondo negro. Aunque la pintura da alguna indicación de un espacio interior mediante el uso de la perspectiva , los bordes de la composición están en su mayor parte envueltos en sombras, lo que proporciona dramatismo a la escena central de la Última Cena . Además, Tintoretto utiliza los efectos del foco con la luz, especialmente con el halo de Cristo y la antorcha que cuelga sobre la mesa. Una tercera característica manierista que emplea Tintoretto son los efectos atmosféricos de figuras modeladas en humo y flotando sobre la composición.
El Greco intentó expresar la emoción religiosa con rasgos exagerados. Después de la representación realista de la forma humana y el dominio de la perspectiva logrado en el Alto Renacimiento, algunos artistas comenzaron a distorsionar deliberadamente las proporciones en un espacio inconexo e irracional para lograr efectos emocionales y artísticos. El Greco sigue siendo un artista profundamente original. Los estudiosos modernos lo han caracterizado como un artista tan individual que no pertenece a ninguna escuela convencional. [5] Los aspectos clave del manierismo en El Greco incluyen la discordante paleta "ácida", la anatomía alargada y torturada, la perspectiva y la luz irracionales, y una iconografía oscura e inquietante. [40] [41] El estilo de El Greco fue la culminación de desarrollos únicos basados en su herencia griega y sus viajes a España e Italia. [42]
La obra de El Greco refleja una multitud de estilos que incluyen elementos bizantinos , así como la influencia de Caravaggio y Parmigianino , además del color veneciano . [42] Un elemento importante es su atención al color, ya que lo consideraba uno de los aspectos más importantes de su pintura. [43] A lo largo de su carrera, la obra de El Greco siguió teniendo una gran demanda, ya que completó importantes encargos en lugares como el Colegio de la Encarnación de Madrid . [42]
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El estilo pictórico único de El Greco y su conexión con las características manieristas prevalecen especialmente en la obra Laocoonte . Pintado en 1610, [44] representa la historia mitológica de Laocoonte , quien advirtió a los troyanos sobre el peligro del caballo de madera que los griegos presentaban como ofrenda de paz a la diosa Minerva . Como resultado, Minerva tomó represalias convocando serpientes para matar a Laocoonte y sus dos hijos. En lugar de tener como telón de fondo Troya , El Greco situó la escena cerca de Toledo, España , para "universalizar la historia destacando su relevancia para el mundo contemporáneo". [44]
El estilo único de El Greco en Laocoonte ejemplifica muchas características manieristas. Prevalece el alargamiento de muchas de las formas humanas a lo largo de la composición junto con su movimiento serpentino, lo que proporciona una sensación de elegancia. Un elemento adicional del estilo manierista son los efectos atmosféricos en los que El Greco crea un cielo brumoso y un paisaje borroso en el fondo.
Benvenuto Cellini creó el Salero Cellini de oro y esmalte en 1540 con Poseidón y Anfitrite (agua y tierra) colocados en posiciones incómodas y con proporciones alargadas. Está considerada una obra maestra de la escultura manierista.
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Lavinia Fontana (1552-1614) fue una retratista manierista a menudo reconocida como la primera artista de carrera en Europa occidental. [45] Fue nombrada retratista ordinaria en el Vaticano . [46] Su estilo se caracteriza por estar influenciado por la familia de pintores Carracci por los colores de la Escuela Veneciana. Es conocida por sus retratos de mujeres nobles y por su representación de figuras desnudas, algo inusual para una mujer de su época. [47]
Taddeo Zuccaro nació en Sant'Angelo in Vado , cerca de Urbino, hijo de Ottaviano Zuccari, un pintor casi desconocido. Su hermano Federico , nacido hacia 1540, también fue pintor y arquitecto.
La carrera documentada de Federico Zuccaro como pintor comenzó en 1550, cuando se trasladó a Roma para trabajar con Taddeo , su hermano mayor. Continuó completando las decoraciones para Pío IV y ayudó a completar las decoraciones al fresco en la Villa Farnese en Caprarola . Entre 1563 y 1565 estuvo activo en Venecia con la familia Grimani de Santa María Formosa. Durante su etapa veneciana, viajó junto a Palladio en Friuli.
Joachim Wtewael (1566-1638) continuó pintando en un estilo manierista del norte hasta el final de su vida, ignorando la llegada del arte barroco y convirtiéndolo quizás en el último artista manierista importante que aún sigue trabajando. Sus temas incluían grandes escenas con naturalezas muertas a la manera de Pieter Aertsen y escenas mitológicas, muchas pequeñas pinturas de gabinete bellamente ejecutadas sobre cobre y la mayoría con desnudez.
Giuseppe Arcimboldo es más conocido por sus obras de arte que incorporan naturalezas muertas y retratos . [48] Su estilo se considera manierista con el estilo de ensamblaje de frutas y verduras en el que su composición se puede representar de varias maneras: boca arriba y boca abajo. [48] Las obras de arte de Arcimboldo también se han aplicado al manierismo en términos de humor que transmite a los espectadores, porque no tiene el mismo grado de seriedad que las obras del Renacimiento. [48] Estilísticamente, las pinturas de Arcimboldo son conocidas por su atención a la naturaleza y el concepto de una "apariencia monstruosa". [48]
Una de las pinturas de Arcimboldo que contiene varias características manieristas es Vertumnus . Pintado sobre un fondo negro hay un retrato de Rodolfo II , cuyo cuerpo está compuesto de diversas verduras, flores y frutas. [48] El chiste de la pintura comunica el humor del poder: el emperador Rodolfo II esconde un yo interior oscuro detrás de su imagen pública. [48] Por otro lado, el tono serio del cuadro presagia la buena fortuna que prevalecería durante su reinado. [48]
Vertumnus contiene varios elementos manieristas en cuanto a su composición y mensaje. Un elemento es el fondo negro y plano que Arcimboldo utiliza para enfatizar el estatus y la identidad del Emperador, además de resaltar la fantasía de su reinado. En el retrato de Rodolfo II, Arcimboldo también se aleja de la representación naturalista del Renacimiento y explora la construcción de la composición representándolo a partir de una mezcla de frutas, verduras, plantas y flores. Otro elemento del manierismo que retrata la pintura es la doble narrativa de una broma y un mensaje serio; El humor no se utilizaba normalmente en las obras de arte del Renacimiento.
La arquitectura manierista se caracterizó por engaños visuales y elementos inesperados que desafiaron las normas del Renacimiento . [49] Los artistas flamencos, muchos de los cuales habían viajado a Italia y fueron influenciados por los desarrollos manieristas allí, fueron responsables de la expansión de las tendencias manieristas en Europa al norte de los Alpes, incluido el ámbito de la arquitectura. [50] Durante el período, los arquitectos experimentaron con el uso de formas arquitectónicas para enfatizar las relaciones sólidas y espaciales. El ideal renacentista de armonía dio paso a ritmos más libres e imaginativos. El arquitecto más conocido asociado con el estilo manierista y pionero de la Biblioteca Laurenciana fue Miguel Ángel (1475-1564). [51] Se le atribuye la invención del orden gigante , una gran pilastra o columna que se extiende desde la parte inferior hasta la parte superior de una fachada de varios pisos. [52] Usó esto en su diseño para la Piazza del Campidoglio en Roma. El estilo herreriano ( en español : estilo herreriano o arquitectura herreriana ) de arquitectura se desarrolló en España durante el último tercio del siglo XVI bajo el reinado de Felipe II (1556-1598), [53] y continuó vigente en el siglo XVII. pero transformado por el estilo barroco de la época. Corresponde a la tercera y última etapa de la arquitectura renacentista española , que evolucionó hacia una progresiva depuración ornamental, desde el plateresco inicial al purismo clásico del segundo tercio del siglo XVI y al desnudo total decorativo que introdujo el estilo herreriano.
Antes del siglo XX, el término manierismo tenía connotaciones negativas, pero ahora se utiliza para describir el período histórico en términos más generales y sin prejuicios. [54] La arquitectura manierista también se ha utilizado para describir una tendencia en las décadas de 1960 y 1970 que implicaba romper las normas de la arquitectura modernista y al mismo tiempo reconocer su existencia. [55] Al definir el manierismo en este contexto, el arquitecto y autor Robert Venturi escribió "El manierismo para la arquitectura de nuestro tiempo que reconoce el orden convencional en lugar de la expresión original, pero rompe el orden convencional para dar cabida a la complejidad y la contradicción y, por lo tanto, aborda la ambigüedad sin ambigüedades". [55]
Un ejemplo de arquitectura manierista es la Villa Farnese en Caprarola , [56] en la escarpada campiña en las afueras de Roma. La proliferación de grabadores durante el siglo XVI difundió los estilos manieristas más rápidamente que cualquier estilo anterior.
Densa con adornos de detalles "romanos", la puerta de exhibición del Castillo de Colditz ejemplifica el estilo norteño, aplicado característicamente como una "pieza escenificada" aislada contra muros vernáculos sin pretensiones. [ cita necesaria ]
A partir de finales de la década de 1560, el arquitecto Girolamo Cassar diseñó muchos edificios en estilo manierista en La Valeta , la nueva capital de Malta . Dichos edificios incluyen la Concatedral de San Juan , el Palacio del Gran Maestre y los siete albergues originales . Muchos de los edificios de Cassar fueron modificados a lo largo de los años, especialmente en el período barroco . Sin embargo, algunos edificios, como el Auberge d'Aragon y el exterior de la Concatedral de San Juan, conservan la mayor parte del diseño manierista original de Cassar. [57]
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Mientras que muchos estilos arquitectónicos exploran ideales armoniosos, el manierismo quiere llevar el estilo un paso más allá y explora la estética de la hipérbole y la exageración. [3] El manierismo se destaca por su sofisticación intelectual, así como por sus cualidades artificiales (en contraposición a las naturalistas). [59] El manierismo favorece la tensión y la inestabilidad compositivas en lugar del equilibrio y la claridad. [5] La definición de manierismo, y las fases dentro del mismo, sigue siendo objeto de debate entre los historiadores del arte.
Amberes fue un centro del diseño manierista durante su auge en el siglo XVI. A través de Amberes, los estilos renacentista y manierista se introdujeron ampliamente en Inglaterra, Alemania y el norte y este de Europa en general. [ cita necesaria ]
El manierismo literario involucró a figuras como Miguel Ángel , Clément Marot , Giovanni della Casa , Giovanni Battista Guarini , Torquato Tasso , Verónica Franco , Miguel de Cervantes y otros. [60]
En la literatura inglesa , el manierismo se identifica comúnmente con las cualidades de los " poetas metafísicos ", de los cuales el más famoso es John Donne . [61] La ingeniosa salida de un escritor barroco, John Dryden , contra los versos de Donne en la generación anterior, ofrece un contraste conciso entre los objetivos barrocos y manieristas en las artes:
Afecta a la metafísica, no sólo en sus sátiras sino en sus versos amorosos, donde sólo debe reinar la naturaleza; y deja perplejas las mentes del bello sexo con agradables especulaciones filosóficas cuando debería ocupar sus corazones y entretenerlos con las suavidades del amor. [62] : 15 (cursiva agregada)
Las ricas posibilidades musicales de la poesía de finales del siglo XVI y principios del XVII proporcionaron una base atractiva para el madrigal , que rápidamente alcanzó prominencia como la forma musical preeminente en la cultura musical italiana, como lo analiza Tim Carter :
El madrigal, particularmente en su apariencia aristocrática, fue obviamente un vehículo para el "estilo estilizado" del manierismo, en el que poetas y músicos se deleitaban con ocurrencias ingeniosas y otros trucos visuales, verbales y musicales para deleitar al conocedor. [63]
La palabra manierismo también se ha utilizado para describir el estilo de música polifónica muy florida y contrapuntísticamente compleja realizada en Francia a finales del siglo XIV. [64] Este período ahora se suele denominar ars subtilior .
The Early Commedia dell'Arte (1550-1621): The Manierist Context de Paul Castagno analiza el efecto del manierismo en el teatro profesional contemporáneo. [65] El de Castagno fue el primer estudio en definir una forma teatral como manierista, empleando el vocabulario del manierismo y maniera para discutir la tipificación, exageración y effetto meraviglioso de los comici dell'arte . Véase la Parte II del libro anterior para una discusión completa de las características manieristas en la commedia dell'arte . El estudio es en gran medida iconográfico y presenta una evidencia pictórica de que muchos de los artistas que pintaron o imprimieron imágenes de comedia estaban en realidad, provenientes de los talleres de la época, fuertemente arraigados en la tradición maniera.
El preciosismo de los minúsculos grabados de Jacques Callot parece contradecir una escala de acción mucho mayor. Balli di Sfessania ( literalmente, 'danza de las nalgas') de Callot celebra el descarado erotismo de la comedia, con falos protuberantes, lanzas posadas con la anticipación de una resma cómica y máscaras tremendamente exageradas que mezclan lo bestial con lo humano. El erotismo de los enamorados ("amantes"), incluida la exposición de los senos o el velo excesivo, estaba bastante de moda en las pinturas y grabados de la segunda escuela de Fontainebleau , particularmente en aquellos que detectan una influencia franco-flamenca. Castagno demuestra vínculos iconográficos entre la pintura de género y las figuras de la commedia dell'arte que demuestran cómo esta forma teatral estaba integrada en las tradiciones culturales de finales del cinquecento . [66]
Existen corolarios importantes entre el diseño interno , que sustituyó al diseño esterno (diseño externo) en la pintura manierista. Esta noción de proyectar una visión profundamente subjetiva como superior a la naturaleza o a los principios establecidos (la perspectiva, por ejemplo), en esencia, aleja el énfasis del objeto hacia su sujeto, y ahora enfatiza la ejecución, las demostraciones de virtuosismo o técnicas únicas. Esta visión interior está en el corazón de la interpretación cómica. Por ejemplo, en el momento de la improvisación el actor expresa su virtuosismo sin prestar atención a límites formales, decoro, unidad o texto. Arlecchino se volvió emblemático de la discordia concors manierista (la unión de los opuestos), en un momento sería gentil y amable, luego, en un momento, se convertiría en un ladrón que actuaría violentamente con su batalla. Arlecchino podía moverse con gracia, pero en el siguiente tiempo tropezó torpemente con sus pies. Liberado de las reglas externas, el actor celebró la evanescencia del momento; De la misma manera que Benvenuto Cellini deslumbraba a sus clientes cubriendo sus esculturas, revelándolas con efectos de iluminación y una sensación de lo maravilloso. La presentación del objeto llegó a ser tan importante como el objeto mismo.
En el siglo XX, el surgimiento del neomanierismo provino del artista Ernie Barnes . El estilo estuvo fuertemente influenciado tanto por la comunidad judía como por la comunidad afroamericana, lo que llevó a la exposición "La belleza del gueto" entre 1972 y 1979. La exposición recorrió las principales ciudades estadounidenses y fue presentada por dignatarios y atletas profesionales. y celebridades. Cuando la exposición estuvo expuesta en 1974 en el Museo de Arte Africano de Washington, DC, el representante John Conyers destacó el importante mensaje positivo de la exposición en el Registro del Congreso .
El estilo de neomanierismo, desarrollado por Barnes, incluye sujetos con extremidades y cuerpos alargados, así como movimientos exagerados. Otro tema común fueron los ojos cerrados de los sujetos, como una representación visual de "cuán ciegos estamos ante la humanidad de los demás". [67] "Nos miramos y decidimos inmediatamente: Esta persona es negra, entonces debe serlo... Esta persona vive en la pobreza, entonces debe ser...".
En una entrevista, el director de cine Peter Greenaway menciona a Federico Fellini y Bill Viola como dos grandes inspiraciones para su juego exhaustivo y autorreferencial con la tensión insoluble entre la forma de base de datos de las imágenes y las diversas interfaces análogas y digitales que las estructuran cinematográficamente. Esta obra puede llamarse neomanierista precisamente en la medida en que se distingue del (neo)barroco: "Así como el catolicismo romano te ofrecería el paraíso y el cielo, hay un paraíso comercial equivalente que se ofrece en gran medida gracias a todo el efecto capitalista. que está asociado con el cine occidental. Esta es mi analogía política en términos del uso de multimedia como arma política. Yo equipararía, en cierto sentido, la gran Contrarreforma barroca, su actividad cultural, con lo que el cine, el cine estadounidense predominantemente , lo ha estado haciendo en los últimos setenta años." [68]
Según el crítico de arte Jerry Saltz , el "neomanierismo" (nuevo manierismo) es uno de varios clichés que están "exprimiendo la vida del mundo del arte". [69] El neomanierismo describe el arte del siglo XXI producido por estudiantes cuyos profesores académicos "los han asustado para que sean agradablemente mansos, imitativos y comunes y corrientes". [69]
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![Catedral Basílica de Salvador, Brasil, construida entre 1657 y 1746, declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO[58]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8f/Catedral_Bas%C3%ADlica_Salvador_2019-6527.jpg/1280px-Catedral_Bas%C3%ADlica_Salvador_2019-6527.jpg)
