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El arte persa o arte iraní ( persa : هنر ایرانی , romanizado : Honar-è Irâni ) tiene uno de los patrimonios artísticos más ricos de la historia mundial y ha sido fuerte en muchos medios, incluyendo la arquitectura , la pintura , el tejido , la cerámica , la caligrafía , la metalistería y la escultura . En diferentes momentos, las influencias del arte de las civilizaciones vecinas han sido muy importantes, y últimamente el arte persa dio y recibió influencias importantes como parte de los estilos más amplios del arte islámico . Este artículo cubre el arte de Persia hasta 1925 y el final de la dinastía Qajar ; para el arte posterior, consulte el arte moderno y contemporáneo iraní , y para las artesanías tradicionales, consulte las artes de Irán . El arte rupestre en Irán es su arte sobreviviente más antiguo. La arquitectura iraní se trata en ese artículo.
Desde el Imperio aqueménida de 550 a. C. hasta 330 a. C., durante la mayor parte del tiempo un gran estado de habla iraní ha gobernado áreas similares a las fronteras modernas de Irán , y a menudo áreas mucho más amplias, a veces llamadas Gran Irán , donde un proceso de persianización cultural dejó resultados duraderos incluso cuando el gobierno se separó. Las cortes de las dinastías sucesivas generalmente han liderado el estilo del arte persa, y el arte patrocinado por la corte ha dejado muchas de las supervivencias más impresionantes.
En la antigüedad, los monumentos supervivientes del arte persa destacan por una tradición centrada en la figura humana (en su mayoría masculina y, a menudo, real) y los animales. El arte persa siguió haciendo mayor hincapié en las figuras que el arte islámico de otras áreas, aunque por razones religiosas ahora generalmente evita los ejemplos de gran tamaño, especialmente en esculturas. El estilo islámico general de decoración densa, dispuesta geométricamente, se desarrolló en Persia hasta convertirse en un estilo sumamente elegante y armonioso que combina motivos derivados de plantas con motivos chinos, como la banda de nubes, y a menudo animales que se representan a una escala mucho más pequeña que los elementos vegetales que los rodean. Bajo la dinastía safávida en el siglo XVI, este estilo se utilizó en una amplia variedad de medios y se difundió a partir de los artistas de la corte del sha, la mayoría de los cuales eran principalmente pintores.
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La evidencia de una civilización de cerámica pintada alrededor de Susa se ha datado en torno al 5000 a. C. [1] Susa estaba firmemente dentro de la esfera cultural sumeria de Uruk durante el período Uruk . En Susa se encuentra una imitación de todo el aparato estatal de Uruk, protoescritura , sellos cilíndricos con motivos sumerios y arquitectura monumental. Susa puede haber sido una colonia de Uruk. Como tal, la periodización de Susa corresponde a Uruk; los períodos Susa II Temprano, Medio y Tardío (3800-3100 a. C.) corresponden a los períodos Uruk Temprano, Medio y Tardío.
Poco después de que Susa fuera poblada por primera vez hace 6000 años, sus habitantes erigieron un templo sobre una plataforma monumental que se alzaba sobre el paisaje llano circundante. La naturaleza excepcional del sitio todavía se reconoce hoy en día en el arte de las vasijas de cerámica que se colocaron como ofrendas en mil o más tumbas cerca de la base de la plataforma del templo. Se recuperaron casi dos mil vasijas del cementerio, la mayoría de ellas ahora en el Louvre . Las vasijas encontradas son un testimonio elocuente de los logros artísticos y técnicos de sus creadores, y contienen pistas sobre la organización de la sociedad que las encargó. [2] Las vasijas de cerámica pintada de Susa en el primer estilo más antiguo son una versión regional tardía de la tradición cerámica mesopotámica Ubaid que se extendió por Oriente Próximo durante el quinto milenio a. C. [2]
El estilo de Susa I es en gran medida un producto del pasado y de las influencias de las industrias cerámicas contemporáneas en las montañas del oeste de Irán. La recurrencia en estrecha asociación de recipientes de tres tipos (una copa o vaso para beber, una fuente para servir y una jarra pequeña) implica el consumo de tres tipos de alimentos, aparentemente considerados tan necesarios para la vida en el más allá como lo es en este. Las cerámicas de estas formas, que fueron pintadas, constituyen una gran proporción de los recipientes del cementerio. Otros son jarras y cuencos de tipo rústico para cocinar con bandas simples pintadas sobre ellos y probablemente fueron los ajuares funerarios de los lugares de los ciudadanos más humildes, así como de adolescentes y, tal vez, niños. [3] La cerámica está hecha cuidadosamente a mano. Aunque es posible que se haya utilizado un torno lento, la asimetría de los recipientes y la irregularidad del dibujo de las líneas y bandas circundantes indican que la mayor parte del trabajo se hizo a mano alzada.
Los relieves rupestres del reino montañoso de Lullubi , especialmente el relieve rupestre de Anubanini , son relieves rupestres de alrededor del 2300 a. C. o principios del segundo milenio a. C., los relieves rupestres más antiguos de Irán. Se encuentran en la provincia de Kermanshah . [4] [5] Se cree que estos relieves influyeron en los posteriores relieves aqueménidas de Behistún , aproximadamente un milenio y medio después. [4] [6]
El arte elamita , del sur y el oeste del Irán moderno, compartía muchas características con el arte vecino de Mesopotamia , aunque a menudo era menos sofisticado. Se han encontrado sellos cilíndricos , pequeñas figuras de fieles, dioses y animales, relieves poco profundos y algunas estatuas grandes de gobernantes. Hay una pequeña cantidad de vasijas de oro muy finas con figuras en relieve. [7]
Los bronces de Luristán (raramente "Lorestān", "Lorestāni", etc. en las fuentes en inglés) son pequeños objetos fundidos decorados con esculturas de bronce de la Edad del Hierro Temprana que se han encontrado en grandes cantidades en la provincia de Lorestān y Kermanshah en el centro-oeste de Irán . [8] Incluyen una gran cantidad de adornos, herramientas, armas, accesorios para caballos y una cantidad menor de vasijas, incluidas las situlae , [9] y los que se encuentran en excavaciones registradas generalmente se encuentran en entierros. [10] La etnia de las personas que los crearon sigue sin estar clara, [11] aunque bien podrían haber sido persas , posiblemente relacionados con el pueblo Lur moderno que ha dado su nombre a la zona. Probablemente datan de entre aproximadamente 1000 y 650 a. C. [12]
Los bronces tienden a ser planos y utilizan calados , como la metalistería relacionada del arte escita . Representan el arte de un pueblo nómada o trashumante , para quien todas las posesiones debían ser ligeras y portátiles, y los objetos necesarios como armas, remates (quizás para postes de tiendas), accesorios para arneses de caballos, alfileres, copas y pequeños accesorios están profusamente decorados en su pequeña superficie. [13] Las representaciones de animales son comunes, especialmente cabras u ovejas con grandes cuernos, y las formas y estilos son distintivos e inventivos. El motivo del " amo de los animales ", que muestra a un humano posicionado entre y agarrando dos animales enfrentados es común [14] pero típicamente muy estilizado. [15] Se ven algunas "amas de los animales" femeninas. [16]
El tesoro de Ziwiye , del año 700 a. C., es una colección de objetos, en su mayoría de metal, que tal vez no se hayan encontrado todos juntos, de la misma fecha aproximadamente, que probablemente muestran el arte de las ciudades persas de la época. Se han encontrado delicados objetos de metal de la Edad del Hierro II en Hasanlu y aún antes en Marlik . [7]
El arte aqueménida incluye relieves de frisos , trabajos en metal, decoración de palacios, mampostería de ladrillos vidriados, artesanía fina (mampostería, carpintería, etc.) y jardinería. La mayoría de los restos del arte cortesano son esculturas monumentales, sobre todo los relieves , los capiteles de columnas persas con cabezas de animales dobles y otras esculturas de Persépolis (véase más abajo los pocos pero impresionantes relieves rupestres aqueménidas). [17]
Aunque los persas tomaron artistas, con sus estilos y técnicas, de todos los rincones de su imperio, no produjeron simplemente una combinación de estilos, sino una síntesis de un nuevo estilo persa único. [18] De hecho, Ciro el Grande tenía una extensa herencia iraní antigua detrás de él; la rica orfebrería aqueménida, que las inscripciones sugieren que puede haber sido una especialidad de los medos, estaba, por ejemplo, en la tradición de sitios anteriores.
El vaso para beber ritón , con forma de cuerno y que normalmente termina en forma de animal, es el tipo de metal de gran tamaño más común que ha sobrevivido, como en un excelente ejemplo en Nueva York . Hay una serie de piezas de joyería más pequeñas muy finas o incrustaciones en metales preciosos, también con animales en su mayoría, y el Tesoro del Oxus tiene una amplia selección de tipos. Las piezas pequeñas, normalmente de oro, eran cosidas a la ropa por la élite, y han sobrevivido varios torques de oro . [17]
El gran relieve tallado en roca , típicamente colocado en lo alto de una carretera y cerca de una fuente de agua, es un medio común en el arte persa, utilizado principalmente para glorificar al rey y proclamar el control persa sobre el territorio. [19] Comienza con los relieves rupestres de Lullubi y Elamite , como los de Sarpol-e Zahab (circa 2000 a. C.), Kul-e Farah y Eshkaft-e Salman en el suroeste de Irán, y continúa bajo los asirios. El relieve e inscripción de Behistún , realizado alrededor de 500 a. C. para Darío el Grande , es de una escala mucho más grandiosa, reflejando y proclamando el poder del imperio aqueménida . [20] Los gobernantes persas comúnmente se jactaban de su poder y logros, hasta que la conquista musulmana eliminó las imágenes de tales monumentos; mucho más tarde hubo un pequeño renacimiento bajo la dinastía Qajar . [21]
Behistún es inusual por tener una inscripción grande e importante, que al igual que la piedra Rosetta egipcia repite su texto en tres idiomas diferentes, aquí todos usando escritura cuneiforme : persa antiguo, elamita y babilónico (una forma posterior de acadio ). [22] Esto fue importante en la comprensión moderna de estos idiomas. Otros relieves persas generalmente carecen de inscripciones, y los reyes involucrados a menudo solo pueden identificarse tentativamente. El problema se soluciona en el caso de los sasánidas por su costumbre de mostrar un estilo diferente de corona para cada rey, que se puede identificar a partir de sus monedas. [21]
Naqsh-e Rustam es la necrópolis de la dinastía aqueménida (500-330 a. C.), con cuatro grandes tumbas excavadas en la pared del acantilado. Estas tienen principalmente decoración arquitectónica, pero las fachadas incluyen grandes paneles sobre las puertas, cada uno muy similar en contenido, con figuras del rey siendo investido por un dios, sobre una zona con filas de figuras más pequeñas que llevan tributo, con soldados y funcionarios. Las tres clases de figuras están claramente diferenciadas en tamaño. La entrada a cada tumba está en el centro de cada cruz, que se abre a una pequeña cámara, donde el rey yacía en un sarcófago . [23] Se cree que la viga horizontal de cada una de las fachadas de la tumba es una réplica de la entrada del palacio de Persépolis .
Solo uno tiene inscripciones y la correspondencia de los otros reyes con las tumbas es algo especulativa; las figuras en relieve no están pensadas como retratos individualizados. La tercera desde la izquierda, identificada por una inscripción, es la tumba de Darío I el Grande ( c. 522-486 a. C.). Se cree que las otras tres son las de Jerjes I ( c. 486-465 a. C.), Artajerjes I ( c. 465-424 a. C.) y Darío II ( c. 423-404 a. C.) respectivamente. Una quinta inacabada podría ser la de Artajerjes III, que reinó durante los dos años más largos, pero es más probable que sea la de Darío III ( c. 336-330 a. C.), último de los dinastas aqueménidas. Las tumbas fueron saqueadas tras la conquista del Imperio aqueménida por Alejandro Magno . [23]
Muy por debajo de las tumbas aqueménidas, cerca del nivel del suelo, hay relieves rupestres con grandes figuras de reyes sasánidas , algunos enfrentándose a dioses, otros en combate. El más famoso muestra al rey sasánida Sapor I a caballo, con el emperador romano Valeriano inclinándose ante él en señal de sumisión, y Filipo el Árabe (un emperador anterior que pagó tributo a Sapor) sosteniendo el caballo de Sapor, mientras que el emperador Gordiano III , muerto en batalla, yace debajo (se han sugerido otras identificaciones). Esto conmemora la Batalla de Edesa en 260 d. C., cuando Valeriano se convirtió en el único emperador romano que fue capturado como prisionero de guerra, una humillación duradera para los romanos. La colocación de estos relieves sugiere claramente la intención sasánida de vincularse con las glorias del anterior Imperio aqueménida . [24] Hay otras tres tumbas reales aqueménidas con relieves similares en Persépolis , una inacabada. [25]
Los siete relieves sasánidas, cuyas fechas aproximadas van desde el 225 al 310 d. C., muestran temas que incluyen escenas de investidura y batallas. El relieve más antiguo del sitio es elamita , de alrededor del 1000 a. C. A aproximadamente un kilómetro de distancia se encuentra Naqsh-e Rajab , con otros cuatro relieves rupestres sasánidas, tres de ellos celebrando a reyes y uno a un sumo sacerdote. Otro sitio sasánida importante es Taq Bostan con varios relieves que incluyen dos investiduras reales y una famosa figura de un catafracto o jinete pesado persa, de aproximadamente el doble del tamaño natural, que probablemente representa al rey Khosrow Parviz montado en su caballo favorito Shabdiz ; la pareja continuó siendo celebrada en la literatura persa posterior. [26] Firuzabad, Fars y Bishapur tienen grupos de relieves sasánidas, el primero incluye el más antiguo, una gran escena de batalla, ahora muy desgastada. [27] En Barm-e Delak un rey ofrece una flor a su reina.
Los relieves sasánidas se concentran en los primeros 80 años de la dinastía, aunque un conjunto importante es del siglo VI y se encuentra en relativamente pocos sitios, principalmente en el corazón del territorio sasánida. Los posteriores en particular sugieren que se basan en una tradición ahora perdida de relieves similares en palacios en estuco . Los relieves rupestres probablemente estaban recubiertos de yeso y pintados. [21]
Los relieves rupestres de los seléucidas y partos persas anteriores son generalmente más pequeños y más toscos, y no todos fueron encargos reales directos como claramente lo fueron los sasánidas. [28] En Behistún, un relieve anterior que incluía un león fue adaptado a un Heracles reclinado en un estilo completamente helenístico ; se recuesta sobre una piel de león. Esto solo se descubrió bajo escombros relativamente recientemente; una inscripción lo data en 148 a. C. [29] Otros relieves en Irán incluyen al rey asirio en relieve superficial en Shikaft-e Gulgul ; no todos los sitios con relieves persas están en el Irán moderno. [21] Al igual que otros estilos sasánidas, la forma disfrutó de un pequeño renacimiento bajo el Qajar, cuyos relieves incluyen un panel grande y animado que muestra la caza en el coto de caza real de Tangeh Savashi , y un panel, todavía en gran parte con su colorido intacto, en Taq Bostan que muestra al shah sentado con asistentes.
El catálogo estándar de relieves persas preislámicos enumera los ejemplos conocidos (hasta 1984) de la siguiente manera: Lullubi n.° 1–4; Elam n.° 5–19; Asirio n.° 20–21; Aqueménida n.° 22–30; Tardío/Postaqueménida y Seléucida n.° 31–35; Parto n.° 36–49; Sasánida n.° 50–84; otros n.° 85–88. [30]
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El arte de los partos era una mezcla de estilos iraníes y helenísticos . El Imperio parto existió desde el 247 a. C. hasta el 224 d. C. en lo que hoy es el Gran Irán y varios territorios fuera de él. Los lugares partos a menudo se pasan por alto en las excavaciones, y las capas partas son difíciles de distinguir de las que las rodean. [31] Por lo tanto, la situación de la investigación y el estado del conocimiento sobre el arte parto todavía son muy irregulares; la datación es difícil y los restos más importantes provienen de los márgenes del imperio, como en Hatra en el moderno Irak , que ha producido la mayor cantidad de esculturas partas excavadas hasta ahora. [32] Incluso después del período de la dinastía parta, el arte en su estilo continuó en las áreas circundantes durante algún tiempo. Incluso en las representaciones narrativas, las figuras miran frontalmente al espectador en lugar de mirarse entre sí, una característica que anticipa el arte de la Antigüedad tardía , la Europa medieval y Bizancio . Se presta gran atención a los detalles de la vestimenta, que en las figuras de cuerpo entero se muestra decorada con diseños elaborados, probablemente bordados, incluso en figuras de gran tamaño. [33]
Las excavaciones en Dura Europos en el siglo XX aportaron numerosos descubrimientos nuevos. El arqueólogo clásico y director de las excavaciones, Michael Rostovtzeff , se dio cuenta de que el arte de los primeros siglos d. C., Palmira , Dura Europos , pero también en Irán hasta la India budista, seguía los mismos principios. Denominó a esta obra de arte arte parto . [34]
El rasgo más característico del arte "parto" es la frontalidad, que no es una característica especial del arte iraní o parto y que apareció por primera vez en el arte de Palmira . [35] Hay dudas sobre si este arte puede llamarse arte "parto" o si debería asociarse con alguna zona regional en particular; no hay evidencia de que este arte fuera creado fuera de la región del Éufrates medio y luego llevado a Palmira, por ejemplo. [36] Es mejor pensar en este arte como un desarrollo local común a la región del Éufrates medio. [36] Los relieves rupestres partos se tratan más arriba.
En arquitectura, los dibujos en yeso eran muy populares, y hoy se han perdido casi todos. Una vez que se desarrolló la técnica, estos cubrían grandes superficies y tal vez compartían elementos de su diseño con alfombras y otros textiles, también hoy casi perdidos. [37] Los rhyta partos continuaron el estilo aqueménida, pero en el mejor de los casos los animales en la terminal (o protome ) son más naturalistas, probablemente bajo influencia griega.
El arte sasánida se produjo bajo el Imperio sasánida , que gobernó desde el siglo III al VII d. C., antes de que se completara la conquista musulmana de Persia alrededor del 651. En el 224 d. C., el último rey parto fue derrotado por Ardashir I. La dinastía sasánida resultante duraría cuatrocientos años, gobernando el Irán moderno, Irak y gran parte del territorio al este y norte del Irán moderno. En ocasiones, el Levante, gran parte de Anatolia y partes de Egipto y Arabia estaban bajo su control. Comenzó una nueva era en Irán y Mesopotamia , que en muchos sentidos se basó en las tradiciones aqueménidas , incluido el arte de la época. Sin embargo, también hubo otras influencias en el arte de la época que vinieron desde lugares tan lejanos como China y el Mediterráneo. [38]
El arte superviviente de los sasánidas se aprecia mejor en su arquitectura, relieves y trabajos en metal, y hay algunas pinturas supervivientes de lo que evidentemente fue una producción generalizada. Los relieves de piedra probablemente fueron superados en gran número por los de yeso para interiores, de los que sólo han sobrevivido fragmentos. Las esculturas exentas perdieron popularidad en esta época en comparación con el período de los partos, pero la Estatua Colosal de Sapor I (r. 240-272 d. C.) es una excepción importante, tallada a partir de una estalagmita cultivada en una cueva; [39] hay menciones literarias de otras estatuas colosales de reyes, ahora perdidas. [40] Los importantes relieves rupestres sasánidas están cubiertos arriba, y la tradición parta de la decoración de estuco moldeado para los edificios continuó, incluyendo también grandes escenas figurativas. [39]
El arte sasánida que sobrevivió representa escenas cortesanas y caballerescas, con un estilo de considerable grandeza, que reflejan la vida suntuosa y la ostentación de la corte sasánida, tal como lo registraron los embajadores bizantinos . Las imágenes de gobernantes dominan muchas de las obras supervivientes, aunque ninguna es tan grande como la Estatua Colosal de Sapor I. Las escenas de caza y batalla gozaron de especial popularidad, al igual que las bailarinas y los artistas con ropas ligeras. Las representaciones a menudo se organizan como un escudo de armas, lo que a su vez puede haber tenido una fuerte influencia en la producción artística en Europa y Asia Oriental. Aunque el arte parto prefería la vista frontal, las representaciones narrativas del arte sasánida a menudo presentan figuras mostradas de perfil o en una vista de tres cuartos. Las vistas frontales ocurren con menos frecuencia. [39]
Uno de los pocos sitios donde sobrevivieron pinturas murales en cantidad es Panjakent en el Tayikistán moderno , y la antigua Sogdia , que apenas estaba, o nada, bajo el control del poder central sasánida. La antigua ciudad fue abandonada en las décadas posteriores a que los musulmanes finalmente tomaran la ciudad en 722 y ha sido excavada extensamente en tiempos modernos. Grandes áreas de pinturas murales sobrevivieron del palacio y las casas privadas, que ahora se encuentran principalmente en el Museo del Hermitage o Tashkent . Cubrían habitaciones enteras y estaban acompañadas por grandes cantidades de relieves en madera. Los temas son similares a otro arte sasánida, con reyes entronizados, fiestas, batallas y mujeres hermosas, y hay ilustraciones de epopeyas persas e indias, así como una compleja mezcla de deidades. En su mayoría datan de los siglos VII y VIII. [41] En Bishapur se han conservado mosaicos de suelo de estilo grecorromano, que probablemente estaban muy extendidos en otros entornos de élite, tal vez hechos por artesanos del mundo griego. [42]
Se han conservado varios vasos de plata sasánidas, especialmente platos o cuencos de gran tamaño utilizados para servir comida. Estos tienen una decoración grabada o en relieve de gran calidad procedente de un repertorio cortesano de reyes o héroes montados y escenas de caza, combate y banquetes, a menudo parcialmente doradas . Los jarros, presumiblemente para el vino, pueden presentar bailarinas en relieve. Se exportaban a China y también a Occidente. [43]
El vidrio sasánida continuó y desarrolló la tecnología del vidrio romano. En formas más simples, parece haber estado disponible para una amplia gama de la población y fue un producto de exportación de lujo popular en Bizancio y China, apareciendo incluso en entierros de élite de la época en Japón. Técnicamente, se trata de una producción de vidrio de sílice-sodocálcico caracterizada por vasos gruesos de vidrio soplado con una decoración relativamente sobria, evitando los colores lisos en favor de la transparencia y con vasos trabajados en una sola pieza sin modificaciones demasiado elaboradas. Así, la decoración suele consistir en motivos sólidos y visuales del molde (relieves), con facetas acanaladas y profundamente cortadas, aunque se practicaron otras técnicas como motivos de arrastre y aplicados. [39] La cerámica sasánida no parece haber sido utilizada por las élites, y es principalmente utilitaria.
Las alfombras podían alcanzar un alto nivel de sofisticación, como lo demuestran los elogios que los conquistadores musulmanes dedicaron a la perdida alfombra real de Baharestan . Pero los únicos fragmentos supervivientes que podrían tener su origen en la Persia sasánida son producciones más humildes, probablemente hechas por tribus nómadas. Los textiles sasánidas eran famosos y han sobrevivido fragmentos, en su mayoría con diseños basados en animales en compartimentos, en un estilo duradero. [39]
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El arte sogdiano se refiere al arte, la arquitectura y las formas artísticas producidas por los sogdianos, un pueblo iraní que vivió principalmente en Sogdia, en Asia Central , pero que también tuvo una gran diáspora que se extendió por toda Asia, especialmente en China, donde su arte era muy apreciado e influyó en los chinos. Esta influencia en los chinos abarcó desde la metalurgia hasta la música. Hoy en día, los sogdianos son más conocidos por sus pinturas, pero también tenían una escultura y una arquitectura distintivas.
Los sogdianos tenían un talento especial para trabajar el metal, y su trabajo en este campo inspiró a los chinos, que se contaban entre sus mecenas junto con los turcos. La metalistería sogdiana puede confundirse con la sasánida, y algunos estudiosos aún hoy las confunden. Sin embargo, se diferencian en la técnica y la forma, así como en la iconografía. Gracias al trabajo del arqueólogo Boris Marshak , se han establecido varias características de la metalistería sogdiana: con respecto a los vasos sasánidas, las producciones sogdianas son menos masivas, su forma difiere de la sasánida, al igual que las técnicas empleadas en su producción. Además, los diseños de las producciones sogdianas son más dinámicos. [44] [45]
Los sogdianos vivían en moradas arquitectónicamente complejas que se parecían a sus templos. Estos lugares estaban decorados con pinturas notables, un arte en el que los sogdianos sobresalían. De hecho, preferían producir pinturas y tallas de madera para decorar sus propias casas. Las pinturas murales sogdianas son brillantes, vigorosas y de una belleza notable, pero también hablan sobre la vida sogdiana. Reproducen, por ejemplo, los trajes de la época, el equipo de juego y los arneses. También representan historias y epopeyas basadas en temas iraníes, del Cercano Oriente (maniqueos, nestorianos) e indios. El arte religioso sogdiano refleja las afiliaciones religiosas de los sogdianos, y este conocimiento se deriva principalmente de pinturas y osarios . [46] A través de estos artefactos, es posible "experimentar la vitalidad de la vida y la imaginación sogdianas". [46]
Los artistas y mecenas sogdianos prestaban mucha atención a la vida social y la reflejaban en sus obras; por eso, los banquetes, la caza y el entretenimiento son recurrentes en sus representaciones. Los sogdianos eran narradores de historias: les encantaba contarlas. Por eso, sus pinturas son de naturaleza narrativa. [47]
Los sogdianos buscaban representar tanto el mundo sobrenatural como el natural. Este deseo "se extendió a la representación de su propio mundo". Sin embargo, no "representaron sus actividades mercantiles, una fuente importante de su riqueza, sino que optaron por mostrar su disfrute de ella, como en las escenas de banquetes en Panjikent. En estas pinturas vemos cómo se veían a sí mismos los sogdianos". [47]
Muchas pinturas sogdianas fueron destruidas durante las diversas invasiones que sufrieron en su territorio. Entre las obras que sobrevivieron, algunas de las más conocidas son los murales de Afrasiab y los murales de Penjikent .
Persia logró conservar su identidad cultural después de la conquista musulmana de Persia , que se completó en 654, y los conquistadores árabes pronto abandonaron los intentos de imponer la lengua árabe a la población, aunque se convirtió en la lengua utilizada por los eruditos. Los pueblos turcos adquirieron cada vez más importancia en el Gran Irán, especialmente en las partes orientales, lo que dio lugar a una tradición cultural turco-persa . La estructura política era compleja, y el poder efectivo a menudo lo ejercían los gobernantes locales. [48]
Durante la Edad de Oro islámica , especialmente los siglos IX y X, Nishapur fue uno de los grandes centros de cerámica y artes afines. [49] La mayoría de los artefactos cerámicos descubiertos en Nishapur se conservan en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York y en museos de Teherán y Mashhad . La cerámica producida en Nishapur mostró vínculos con el arte sasánida y el arte de Asia Central . [50]
La decoración arquitectónica islámica geométrica en estuco, azulejos, ladrillo y madera tallada y piedra se volvió elaborada y refinada, y junto con los textiles que usaban los ricos era probablemente el principal tipo de arte que podía ser visto por toda la población, con otros tipos esencialmente restringidos a las esferas privadas de los ricos. [51] Las alfombras están registradas en varios relatos de la vida en la época, pero no queda ninguna; tal vez eran principalmente un arte popular rural en este período. Se producían trabajos en metal muy decorados en aleaciones de cobre ( latón o bronce ), aparentemente para un mercado urbano sofisticado. Al parecer existían equivalentes de oro y plata, pero en su mayoría se han reciclado por sus materiales preciosos; los pocos supervivientes se comercializaban principalmente hacia el norte por pieles y luego se enterraban como ajuares funerarios en Siberia . La iconografía sasánida de héroes montados, escenas de caza y gobernantes sentados con asistentes siguió siendo popular en cerámica y metalistería, ahora a menudo rodeada de elaborada decoración geométrica y caligráfica. [52] Los ricos textiles de seda que eran una exportación importante de Persia también continuaron utilizando las figuras animales, y a veces humanas, de sus predecesores sasánidas. [53]
Durante el período samánida se creó la cerámica epigráfica. Estas piezas eran, por lo general, vasijas de barro con letras en letra cúfica pintadas en negro sobre una base de engobe blanco. Estas vasijas solían llevar inscripciones con bendiciones o proverbios y se utilizaban para servir comida. [54] Samarcanda y Nishapur eran centros de producción de este tipo de cerámica. [55]
Los selyúcidas , nómadas de origen turco de la actual Mongolia, aparecieron en el escenario de la historia islámica hacia finales del siglo X. Se apoderaron de Bagdad en 1048, antes de desaparecer en 1194 en Irán, aunque la producción de obras "selyúcidas" continuó hasta finales del siglo XII y principios del XIII bajo los auspicios de soberanos y mecenas más pequeños e independientes. Durante su época, el centro de la cultura, la política y la producción artística se trasladó de Damasco y Bagdad a Merv , Nishapur , Rayy e Isfahán , todos en Irán. [56] Los centros palaciegos selyúcidas a menudo presentaban figuras de estuco selyúcidas .
El mecenazgo popular se expandió debido a una economía en crecimiento y a la nueva riqueza urbana. Las inscripciones en la arquitectura tendían a centrarse más en los mecenas de la pieza. Por ejemplo, los sultanes, visires o funcionarios de menor rango eran mencionados a menudo en las inscripciones de las mezquitas. Mientras tanto, el crecimiento de la producción y venta de arte para el mercado masivo lo hizo más común y accesible para comerciantes y profesionales. [57] Debido al aumento de la producción, muchas reliquias han sobrevivido de la era selyúcida y se pueden fechar fácilmente. En cambio, la datación de obras anteriores es más ambigua. Por lo tanto, es fácil confundir el arte selyúcida con nuevos desarrollos en lugar de herencia de fuentes clásicas iraníes y turcas. [58]
Las innovaciones en cerámica de este período incluyen la producción de cerámica mina'i , pintada con esmaltes con figuras sobre un fondo blanco. Esta es la cerámica más antigua del mundo en utilizar pintura de esmalte sobre vidriado , que solo comenzó en China un poco más tarde, y en Europa en el siglo XVIII. Este y otros tipos de cerámica fina utilizan frita , una pasta a base de silicona , en lugar de arcilla. [59] Los trabajadores del metal resaltaron sus intrincados diseños martillados con incrustaciones de metales preciosos. [60] A lo largo de la era selyúcida, desde Irán hasta Irak, se puede ver una unificación de la pintura de libros. Estas pinturas tienen figuras animalescas que transmiten un fuerte significado simbólico de fidelidad, traición y coraje. [61]
Los persas adoptaron gradualmente las escrituras árabes después de la conquista, y la caligrafía persa se convirtió en un medio artístico importante, a menudo utilizado como parte de la decoración de otras obras en la mayoría de los medios. [62]
Durante el siglo XIII, los mongoles, bajo el liderazgo de Gengis Kan, arrasaron el mundo islámico. Tras su muerte, su imperio se dividió entre sus hijos y se formaron muchas dinastías: los Yuan en China, los Iljánidas en Irán y la Horda de Oro en el norte de Irán y el sur de Rusia; estas dos últimas se convirtieron al Islam en pocas décadas. [63]
Bajo el reinado de estos «pequeños kanes», que en un principio estaban subordinados al emperador Yuan, pero que rápidamente se independizaron, se desarrolló una rica civilización. La actividad arquitectónica se intensificó a medida que los mongoles se volvían sedentarios y conservaban rastros de sus orígenes nómadas, como la orientación norte-sur de los edificios. Al mismo tiempo se produjo un proceso de «iranización» y se reanudó la construcción según tipos previamente establecidos, como las mezquitas de «plan iraní». El arte del libro persa también nació bajo esta dinastía, y fue alentado por el mecenazgo aristocrático de grandes manuscritos como el Jami' al-tawarikh compilado por Rashid-al-Din Hamadani , y el Demotte o Gran Shahnameh mongol , probablemente encargado por su hijo. Aparecieron nuevas técnicas en cerámica, como la lajvardina (una variación de la loza lustrosa ), y la influencia china es perceptible en todas las artes. [64] [65]
Durante el reinado de los timúridas , comenzó la edad de oro de la pintura persa, y la influencia china continuó, ya que los artistas timúridas refinaron el arte persa del libro, que combina papel, caligrafía, iluminación, ilustración y encuadernación en un conjunto brillante y colorido. [66] Desde el principio se utilizó papel, en lugar de pergamino como en Europa. Fue la etnia mongol de los kanes chagatayidas y timúridas la que es la fuente de la representación estilística de la figura humana en el arte persa durante la Edad Media. Estos mismos mongoles se casaron con los persas y turcos de Asia Central, incluso adoptando su religión y sus idiomas. Sin embargo, su simple control del mundo en ese momento, particularmente en los siglos XIII al XV, se reflejó en la apariencia idealizada de los persas como mongoles. Aunque la composición étnica se mezcló gradualmente con las poblaciones locales iraníes y mesopotámicas , el estilismo mongol continuó mucho después y se trasladó a Asia Menor e incluso al norte de África. [67]
El tejido de alfombras es una parte esencial de la cultura y el arte persas . Dentro del grupo de alfombras orientales producidas por los países del llamado "cinturón de alfombras", la alfombra persa destaca por la variedad y la elaboración de sus diseños. [68]
Las alfombras y tapices persas de diversos tipos fueron tejidos en paralelo por tribus nómadas, en talleres de pueblos y ciudades, y por fábricas de la corte real por igual. Como tales, representan diferentes líneas de tradición simultáneas, y reflejan la historia de Irán y sus diversos pueblos. Las alfombras tejidas en las fábricas de la corte safávida de Isfahán durante el siglo XVI son famosas por sus elaborados colores y diseño artístico, y hoy en día se atesoran en museos y colecciones privadas de todo el mundo. Sus patrones y diseños han establecido una tradición artística para las fábricas de la corte que se mantuvo viva durante toda la duración del Imperio persa hasta la última dinastía real de Irán. Entre las alfombras safávidas individuales excepcionales se incluyen la alfombra Ardabil (ahora en Londres y Los Ángeles) y la alfombra de la Coronación (ahora en Copenhague ). Mucho antes, la alfombra Baharestan es una alfombra sasánida perdida para el palacio real de Ctesifonte , y la alfombra significativa más antigua, la alfombra Pazyryk , posiblemente se fabricó en Persia. [68]
Las alfombras tejidas en ciudades y centros regionales como Tabriz , Kerman , Mashhad , Kashan , Isfahán , Nain y Qom se caracterizan por sus técnicas de tejido específicas y el uso de materiales, colores y patrones de alta calidad. Las fábricas urbanas como las de Tabriz han desempeñado un papel histórico importante en la reactivación de la tradición del tejido de alfombras después de períodos de decadencia. Las alfombras tejidas por los pueblos y varias tribus de Irán se distinguen por su lana fina, colores brillantes y elaborados y patrones tradicionales específicos. Los tejedores nómadas y de pequeñas aldeas a menudo producen alfombras con diseños más atrevidos y, a veces, más burdos, que se consideran las alfombras más auténticas y tradicionales de Persia, a diferencia de los diseños artísticos y planificados de antemano de los lugares de trabajo más grandes. Las alfombras Gabbeh son el tipo de alfombra más conocido de esta línea de tradición. [68]
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El arte y la artesanía del tejido de alfombras ha pasado por períodos de decadencia durante tiempos de agitación política o bajo la influencia de las demandas comerciales. Sufrió particularmente la introducción de tintes sintéticos durante la segunda mitad del siglo XIX. El tejido de alfombras todavía juega un papel importante en la economía del Irán moderno. [68] La producción moderna se caracteriza por el resurgimiento del teñido tradicional con tintes naturales , la reintroducción de patrones tribales tradicionales, pero también por la invención de diseños modernos e innovadores, tejidos con la técnica de siglos de antigüedad. Las alfombras y tapetes persas tejidos a mano fueron considerados objetos de alto valor artístico y utilitario y prestigio desde la primera vez que fueron mencionados por los escritores griegos antiguos, hasta hoy.
Aunque el término "alfombra persa" se refiere con mayor frecuencia a los textiles de pelo, las alfombras y tapices de tejido plano como el kilim , el soumak y los tejidos bordados como el suzani son parte de la rica y variada tradición del tejido persa. Persia fue famosa por sus textiles al menos tan pronto como por sus alfombras. [68]
En 2010, las "técnicas tradicionales de tejido de alfombras" en Fārs y Kashan fueron inscritas en las Listas del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO . [69] [70]
Una miniatura persa es una pequeña pintura sobre papel, ya sea una ilustración de un libro o una obra de arte separada destinada a conservarse en un álbum de tales obras llamado muraqqa . Las técnicas son ampliamente comparables a las tradiciones occidental y bizantina de miniaturas en manuscritos iluminados . Aunque existe una tradición persa más antigua de pintura mural, la tasa de supervivencia y el estado de conservación de las miniaturas es mejor, y las miniaturas son la forma más conocida de pintura persa en Occidente, y muchos de los ejemplos más importantes se encuentran en museos occidentales o turcos. La pintura en miniatura se convirtió en un género persa significativo en el siglo XIII, recibiendo influencia china después de las conquistas mongolas , [71] y el punto más alto de la tradición se alcanzó en los siglos XV y XVI. [72] La tradición continuó, bajo cierta influencia occidental, después de esto, [73] y tiene muchos exponentes modernos. La miniatura persa fue la influencia dominante en otras tradiciones de miniatura islámicas, principalmente la miniatura otomana en Turquía y la miniatura mogol en el subcontinente indio.
La tradición surgió a partir de la ilustración de libros, que ilustraba muchas escenas narrativas, a menudo con muchas figuras. Las convenciones de representación que se desarrollaron son efectivas pero diferentes de la perspectiva gráfica occidental . Las figuras más importantes pueden ser algo más grandes que las que las rodean, y las escenas de batalla pueden estar muy abarrotadas de gente. La recesión (profundidad en el espacio de la imagen) se indica colocando las figuras más distantes más arriba en el espacio. Se presta gran atención al fondo, ya sea un paisaje o edificios, y el detalle y la frescura con que se muestran las plantas y los animales, las telas de las tiendas, los tapices o las alfombras, o los patrones de azulejos es uno de los grandes atractivos de la forma. La vestimenta de las figuras también se muestra con gran cuidado, aunque los artistas, comprensiblemente, a menudo evitan representar la tela estampada que muchos habrían usado. Los animales, especialmente los caballos que aparecen muy a menudo, se muestran en su mayoría de lado; incluso las historias de amor que constituyen gran parte del material clásico ilustrado se desarrollan en gran parte en la silla de montar, en lo que respecta al príncipe protagonista. Los paisajes suelen ser montañosos (las llanuras que componen gran parte de Persia rara vez se intentan representar), lo que se indica mediante un horizonte alto y ondulado y afloramientos de roca desnuda que, al igual que las nubes en la zona normalmente pequeña de cielo que queda sobre el paisaje, se representan según convenciones derivadas del arte chino. Incluso cuando se muestra una escena en un palacio, el punto de vista a menudo parece ser desde un punto a varios metros en el aire. [74]
El arte persa bajo el Islam nunca había prohibido por completo la figura humana, y en la tradición de la miniatura la representación de figuras, a menudo en grandes cantidades, es central. Esto se debió en parte a que la miniatura es una forma privada, guardada en un libro o álbum y solo mostrada a quienes el propietario elige. Por lo tanto, era posible ser más libre que en las pinturas murales u otras obras vistas por un público más amplio. No se sabe que el Corán y otras obras puramente religiosas hayan sido ilustradas de esta manera, aunque las historias y otras obras literarias pueden incluir escenas relacionadas con la religión, incluidas las que representan a Mahoma , después de 1500, generalmente sin mostrar su rostro. [75]
Además de las escenas figurativas en miniaturas y cenefas, existía un estilo paralelo de decoración ornamental no figurativa que se encontraba en cenefas y paneles en páginas de miniaturas, y en espacios al principio o al final de una obra o sección, y a menudo en páginas enteras que actuaban como frontispicios. En el arte islámico esto se conoce como "iluminación", y los manuscritos del Corán y otros libros religiosos a menudo incluían un número considerable de páginas iluminadas. [76] Los diseños reflejaban el trabajo contemporáneo en otros medios, siendo en períodos posteriores especialmente cercanos a las cubiertas de libros y las alfombras persas, y se cree que muchos diseños de alfombras fueron creados por artistas de la corte y enviados a los talleres de las provincias. [77]
El arte safávida es el arte de la dinastía safávida persa de 1501 a 1722. Fue un punto culminante para el arte del libro y la arquitectura, y también incluía la cerámica, el metal, el vidrio y los jardines. Las artes del período safávida muestran un desarrollo mucho más unitario que en cualquier otro período del arte persa, [78] con el mismo estilo, difundido desde la corte, que aparece en alfombras, azulejos arquitectónicos, cerámica e iluminación de manuscritos. [79]
Cuando los safávidas tomaron el trono, el arte persa se había dividido en dos estilos: en el este, una continuación de los estilos timúridas, y en el oeste, un estilo turcomano . Dos gobernantes de la nueva dinastía lograron fomentar nuevos estilos que se extendieron por todos sus territorios: Shah Tahmasp I , que reinó entre 1524 y 1576 pero perdió el interés por el arte después de aproximadamente 1555, y Shah Abbas I (r. 1588-1629). [80]
Los dibujos de imitación chinos surgieron en el arte persa del siglo XV. Los estudiosos han señalado que las obras existentes del período postmongol contienen una abundancia de motivos comunes al arte chino, como dragones, simurgh , bandas de nubes, troncos de árboles retorcidos y flores de loto y peonía . La chinoiserie fue popular durante este período. Los temas que se habían convertido en estándar en el arte persa en los siglos XVI y XVII incluían escenas de caza, paisajes con animales y jinetes luchando contra leones. Las escenas literarias que representaban fábulas de animales y dragones también aparecieron en las obras de arte de este período. Los estudiosos no han encontrado evidencia de dibujos persas antes de las invasiones mongolas, pero se cree que la caza, el combate entre hombres y animales y las fábulas de animales son temas persas o de Asia Central. [81]
Bajo los safávidas, el arte del libro, especialmente la pintura en miniatura persa , constituyó la fuerza impulsora esencial de las artes. El ketab khaneh , el taller-biblioteca real, proporcionó la mayoría de las fuentes de motivos para objetos como alfombras, cerámicas o metales. Se copiaron, iluminaron, encuadernaron y, a veces, ilustraron varios tipos de libros: libros religiosos ( Corán , pero también comentarios sobre el texto sagrado y obras teológicas) y libros de literatura persa (el Shahnameh , el Khamsa de Nizami , Jami al-Tawarikh de Rashid-al-Din Hamadani y relatos más breves del Mi'raj , o "Viaje nocturno" del Profeta). [82]
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El papel español musulmán , que llegó pronto a Irán (siglo XIII), se utilizó siempre. Es frecuente el uso de papeles coloreados. Hacia 1540, apareció también un papel jaspeado, que sin embargo desapareció rápidamente. Las encuadernaciones eran en su mayoría de cuero marroquí teñido de muy buena calidad. Podían estar doradas y estampadas con motivos geométricos, florales o figurativos, o estampadas en azul. En la segunda mitad del siglo XVI, se perforaron las tapas de cuero para permitir que se vieran las páginas de papel coloreado o de seda. En el mismo período, en Shiraz , aparecieron encuadernaciones lacadas, que siguen siendo muy raras y muy valoradas en Irán. La decoración de los márgenes de las páginas se realizaba de diversas formas: a veces se insertaban en un papel diferente (una tradición que apareció en el siglo XV); se rociaban con oro, siguiendo una costumbre china; o se pintaban con colores u oro. El estilo de las ilustraciones variaba mucho de un manuscrito a otro, según el período y el centro de producción. [83]
Durante los primeros años de su reinado, Tahmasp I fue un generoso financista del taller real, responsable de varios de los manuscritos persas más magníficos, pero a partir de la década de 1540 se vio cada vez más preocupado por los escrúpulos religiosos, hasta que en 1556 finalmente emitió un "Edicto de sincero arrepentimiento" en el que intentaba prohibir la pintura en miniatura, la música y otras artes. [84] Esto perturbó enormemente las artes, y muchos pintores, como Abd al-Samad y Mir Sayyid Ali, se trasladaron a la India para desarrollar la miniatura mogol ; estos dos fueron los pioneros, perseguidos por el emperador mogol Humayun cuando estaba en el exilio en 1546. Otros encontraron trabajo en las cortes provinciales de los parientes de Tahmasp. [85]
A partir de esta dispersión del taller real se produjo un cambio de énfasis desde los grandes libros ilustrados para la corte hacia la producción de hojas sueltas diseñadas para ser colocadas en una muraqqa o álbum. Esto permitió a los coleccionistas con presupuestos más modestos adquirir obras de pintores destacados. A finales de siglo, las escenas narrativas complicadas con muchas figuras eran menos populares, sustituidas por hojas con figuras individuales, a menudo pintadas solo parcialmente y con un fondo de jardín dibujado en lugar de pintado. El maestro de este estilo fue Reza Abbasi, cuya carrera coincidió en gran medida con el reinado de Abbas I, su principal empleador. Aunque pintó figuras de ancianos, sus temas más comunes fueron hombres jóvenes hermosos y (con menos frecuencia) mujeres o parejas de amantes. [86]
El estudio y la datación de la cerámica bajo Shah Ismail y Shah Tahmasp es difícil porque hay pocas piezas que estén datadas o que mencionen el lugar de producción. La porcelana china era coleccionada por la élite y era más valorada que las producciones locales; Shah Abbas I donó gran parte de la colección real a los santuarios de Ardabil y Mashad , renovando una habitación en Ardabil para exhibir piezas en nichos. [88] Se han identificado muchas ubicaciones de talleres, aunque no con certeza, en particular: Nishapur , cerámica Kubachi , Kerman (piezas monocromáticas moldeadas) y Mashhad . La cerámica lustrosa fue revivida, utilizando una técnica diferente de la producción anterior, y típicamente produciendo piezas pequeñas con un diseño en un color cobre oscuro sobre un fondo azul oscuro. A diferencia de otras cerámicas, estas utilizan formas y decoraciones tradicionales de Medio Oriente en lugar de las de inspiración china . [79]
En general, los diseños tienden a imitar los de la porcelana china, con la producción de piezas azules y blancas con forma y motivos chinos, con motivos como nubes chi y dragones. [79] El azul persa se distingue del azul chino por sus matices más numerosos y sutiles. A menudo, aparecen en los patrones de las volutas cuartetas de poetas persas, a veces relacionadas con el destino de la pieza (alusión al vino para una copa, por ejemplo). Un tipo de diseño completamente diferente, mucho más raro, lleva una iconografía muy específica del Islam (zodíaco islámico, escamas de capullos, arabescos) y parece influenciado por el mundo otomano, como lo evidencian los anthemions con bordes de plumas (adornos de madreselva) ampliamente utilizados en Turquía. Aparecieron nuevos estilos de figuras, influenciados por el arte del libro: jóvenes y elegantes coperos, mujeres jóvenes con siluetas curvas o, sin embargo, cipreses enredando sus ramas, que recuerdan las pinturas de Reza Abbasi .
Se produjeron numerosos tipos de piezas: copas, platos, botellas de cuello largo, escupideras, etc. Una forma común son los frascos con cuellos muy pequeños y cuerpos aplanados por un lado y muy redondeados por el otro. Son características las formas tomadas de la metalistería islámica con decoración inspirada en gran medida en la porcelana china. [89] Con el cierre del mercado chino en 1659, la cerámica persa se elevó a nuevas alturas, para satisfacer las necesidades europeas. La aparición de falsas marcas de talleres chinos en el reverso de algunas cerámicas marcó el gusto que se desarrolló en Europa por la porcelana del lejano oriente, satisfecha en gran parte por la producción safávida. Este nuevo destino provocó un uso más amplio de la iconografía china y exótica (elefantes) y la introducción de nuevas formas, a veces asombrosas ( narguiles , platos octogonales, objetos con forma de animales).
La metalistería sufrió un declive gradual durante la dinastía safávida y sigue siendo difícil de estudiar, en particular debido al escaso número de piezas datadas. Bajo el reinado de Shah Ismail, se perpetúan las formas y decoraciones de las incrustaciones timúridas: motivos de glorias almendradas, de shamsa (soles) y de nubes chi se encuentran en los tinteros en forma de mausoleos o en las jarras globulares que recuerdan a la de jade de Ulugh Beg . Bajo el reinado de Shah Tahmasp, las incrustaciones desaparecieron rápidamente, como lo atestigua un grupo de candelabros en forma de pilares. [90]
Las incrustaciones de pasta de colores (roja, negra, verde) comienzan a sustituir a las incrustaciones anteriores de plata y oro. Aparecen paneles calados de acero, para usos como elementos de puertas, placas con inscripciones y cabezas de 'alams, los estandartes que se llevan en las procesiones religiosas chiítas. [91] Los santuarios importantes fueron dotados de puertas y rejas de jali en plata e incluso en oro. [92]
Las tallas de piedra dura persas , que en su día se creía que databan principalmente de los siglos XV y XVI, ahora se cree que se extienden a un período más amplio. El jade fue cada vez más apreciado a partir del período ilkhanida. Además de copas de vino, [93] hay una serie de jarras con vientres globulares, montadas sobre una pequeña base en forma de anillo y con cuellos anchos y cortos. Dos de ellas (una de jade negro con incrustaciones de oro, la otra de jade blanco) tienen inscrito el nombre de Ismail I. El asa tiene forma de dragón, lo que delata una influencia china, pero este tipo de jarra proviene de hecho directamente del período anterior: su prototipo es la jarra de Ulugh Beg. También conocemos hojas y mangos de cuchillos en jade, a menudo con incrustaciones de hilo de oro y grabados. La piedra dura también sirve para hacer joyas para incrustar en objetos de metal, como la gran botella de zinc con incrustaciones de oro, rubíes y turquesas que data del reinado de Ismail y se conserva en el museo de Topkapi en Estambul .
El arte Qajar se refiere al arte, la arquitectura y las formas artísticas de la dinastía Qajar del Imperio persa tardío , que duró desde 1781 hasta 1925. El auge de la expresión artística que se produjo durante la era Qajar fue el afortunado efecto secundario del período de relativa paz que acompañó al gobierno de Agha Muhammad Khan y sus descendientes. Con su ascenso, la agitación sangrienta que había sido el siglo XVIII en Persia llegó a su fin, y permitió que las artes en tiempos de paz florecieran nuevamente. La influencia europea fue fuerte y produjo nuevos géneros como la decoración de esmalte pintado sobre metal, típicamente con flores que se inspiran claramente en los estilos francés y otros estilos europeos. La laca sobre madera se utiliza de manera similar. [94]
La pintura adoptó la técnica europea de la pintura al óleo . Se produjeron grandes murales de escenas de juerga y escenas históricas como murales para palacios y cafeterías, y muchos retratos tienen una parte superior arqueada que muestra que estaban destinados a ser incrustados en las paredes. El arte Qajar tiene un estilo distintivo de retrato. Las raíces de la pintura tradicional Qajar se pueden encontrar en el estilo de pintura que surgió durante el imperio safávida precedente . Durante este tiempo, hubo una gran influencia europea en la cultura persa , especialmente en las artes de la realeza y las clases nobles. Aunque se utiliza algo de modelado, predomina la aplicación intensa de pintura y grandes áreas de colores planos, oscuros, ricos y saturados . [95]
Aunque la representación de objetos inanimados y naturalezas muertas se considera muy realista en la pintura Qajar, la representación de seres humanos está decididamente idealizada . Esto es especialmente evidente en la representación de la realeza Qajar, donde los sujetos de las pinturas están colocados de manera muy formal con rasgos estandarizados. Sin embargo, el impacto de la fotografía aumentó enormemente la individualidad de los retratos a finales del siglo XIX. [96]
Kamal-ol-molk (1845-1940) procedía de una familia de pintores de la corte, pero también se formó con un pintor que había estudiado en Europa. Tras una carrera en la corte, visitó Europa en 1898, a la edad de 47 años, donde permaneció unos cuatro años. Fue uno de los artistas que introdujo un estilo más europeo en la pintura persa. [97]
Las obras de arte más famosas de Qajar son los retratos que se hicieron de los diversos shahs persas . Cada gobernante, y muchos de sus hijos y otros familiares, encargaron retratos oficiales de ellos mismos, ya sea para uso privado o para exhibición pública. Los más famosos de estos son los innumerables retratos que se pintaron de Fath Ali Shah Qajar , quien, con su cintura estrecha, su larga barba negra bifurcada y sus ojos más profundos, ha llegado a ejemplificar la imagen romántica del gran gobernante oriental. Muchas de estas pinturas fueron obra del artista Mihr 'Ali . Si bien los retratos se ejecutaron en varios puntos a lo largo de la vida del sha , se adhieren a un canon en el que se enfatizan los rasgos distintivos del gobernante. [98]
Existen retratos de Fath Ali Shah en una amplia variedad de contextos, desde el rey guerrero con armadura hasta el caballero que huele flores, pero todos son similares en su representación del Shah, diferenciándose solo ligeramente, generalmente debido al artista específico del retrato. Es apropiado que este Shah en particular sea inmortalizado en este estilo, ya que fue bajo su gobierno como el segundo shah Qajar que el estilo realmente floreció. Una razón para esto fueron los lazos diplomáticos cada vez más fuertes que los gobernantes Qajar estaban cultivando con las potencias europeas. [99]
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