Edward Hopper (22 de julio de 1882 – 15 de mayo de 1967) fue un pintor y grabador realista estadounidense . Es uno de los artistas más reconocidos de Estados Unidos y es conocido por su habilidad para capturar la vida y los paisajes estadounidenses a través de su arte.
Nacido en Nyack, Nueva York , en el seno de una familia de clase media, Hopper tuvo una temprana exposición al arte gracias a sus padres. Estudió en la Escuela de Arte de Nueva York con William Merritt Chase y Robert Henri , donde desarrolló su estilo característico, caracterizado por su énfasis en la soledad, la luz y la sombra.
La obra de Hopper, que abarca óleos , acuarelas y grabados , explora predominantemente temas de soledad y aislamiento en entornos urbanos y rurales estadounidenses. Su pintura más famosa, Nighthawks (1942), personifica su interés por los momentos tranquilos e introspectivos de la vida cotidiana. A pesar de un comienzo lento, Hopper logró un reconocimiento significativo en la década de 1920, y su obra se convirtió en un elemento básico en los principales museos estadounidenses. La técnica de Hopper, marcada por una composición de formas y el uso de la luz para evocar estados de ánimo, ha sido influyente en el mundo del arte y la cultura popular. Sus pinturas, a menudo ambientadas en los paisajes arquitectónicos de Nueva York o los entornos serenos de Nueva Inglaterra , transmiten una sensación de profundidad narrativa y resonancia emocional, lo que lo convierte en una figura fundamental del realismo estadounidense. Hopper creó un drama tenue a partir de temas comunes con capas de significado poético, invitando a interpretaciones narrativas. Fue elogiado por la "veracidad total" en la América que retrató.
En 1924, Hopper se casó con Josephine Nivison , también artista, que desempeñó un papel crucial en la gestión de su carrera y sirvió como modelo para muchas de sus figuras. La pareja vivió una vida modesta en la ciudad de Nueva York, con veranos pasados en Cape Cod , lo que influyó en gran parte del trabajo posterior de Hopper. A pesar de su éxito, Hopper siguió siendo un individuo privado e introspectivo, dedicado a explorar las sutilezas de la experiencia humana y el paisaje americano. Su representación de la escena americana, con su énfasis en el aislamiento y la contemplación, sigue siendo un aspecto definitorio de su atractivo y su importancia en la historia del arte americano.
Hopper nació en 1882 en Nyack, Nueva York , un centro de construcción de yates en el río Hudson al norte de la ciudad de Nueva York. [1] [2] Fue uno de los dos hijos de una familia acomodada. Sus padres, de ascendencia mayoritariamente holandesa , fueron Elizabeth Griffiths Smith y Garret Henry Hopper, un comerciante de artículos de mercería. [3] Aunque no tuvo tanto éxito como sus antepasados, Garret mantuvo bien a sus dos hijos con una ayuda considerable de la herencia de su esposa. Se jubiló a los cuarenta y nueve años. [4] Edward y su hermana, Marion, asistieron a escuelas privadas y públicas. Se criaron en un estricto hogar bautista . [5] Su padre tenía un carácter apacible y la casa estaba dominada por mujeres: la madre de Hopper, su abuela, su hermana y su criada. [6]
Su lugar de nacimiento y hogar de la infancia fue incluido en el Registro Nacional de Lugares Históricos en 2000. Ahora funciona como el Museo y Centro de Estudios Edward Hopper House, [7] sirviendo como un centro cultural comunitario sin fines de lucro que presenta exhibiciones, talleres, conferencias, actuaciones y eventos especiales. [8]
Hopper fue un buen estudiante en la escuela primaria y a los cinco años ya se notaba su talento para el dibujo. Absorbió con facilidad las tendencias intelectuales de su padre y su amor por las culturas francesa y rusa . También demostró la herencia artística de su madre. [9] Los padres de Hopper alentaron su arte y lo abastecieron con abundante material, revistas instructivas y libros ilustrados.
Hopper comenzó a firmar y fechar sus dibujos a la edad de 10 años. Entre los primeros de estos dibujos se encuentran bocetos en carboncillo de formas geométricas, un jarrón, un cuenco, una taza y cajas. [10] El examen detallado de la luz y la sombra que continuó a lo largo de su carrera ya es visible en estas primeras obras. [10] En su adolescencia, trabajaba con pluma y tinta, carboncillo, acuarela y óleo, dibujando de la naturaleza mientras también hacía caricaturas políticas. [11] En 1895, creó su primera pintura al óleo firmada, Rowboat in Rocky Cove , que copió de una reproducción en The Art Interchange , una revista popular para artistas aficionados. Otros óleos tempranos de Hopper, como Old ice pond at Nyack y su pintura Ships de c.1898 , han sido identificados como copias de pinturas de artistas como Bruce Crane y Edward Moran . [12] [13]
En sus primeros autorretratos, Hopper tendía a representarse a sí mismo como flaco, desgarbado y feo. Aunque era un adolescente alto y tranquilo, su sentido del humor pícaro encontró salida en su arte, a veces en representaciones de inmigrantes o de mujeres dominando a hombres en situaciones cómicas. Más adelante en su vida, representó principalmente a mujeres como figuras en sus pinturas. [14] En la escuela secundaria (se graduó de la Nyack High School en 1899), [15] talló modelos de madera de veleros y barcazas y soñó con convertirse en arquitecto naval , [16] pero después de la graduación declaró su intención de seguir una carrera en el arte. Los padres de Hopper insistieron en que estudiara arte comercial para tener un medio confiable de ingresos. [17] En el desarrollo de su autoimagen y su filosofía individualista de la vida, Hopper estuvo influenciado por los escritos de Ralph Waldo Emerson . Más tarde dijo: "Lo admiro mucho... lo leo una y otra vez". [18]
Hopper comenzó sus estudios de arte con un curso por correspondencia en 1899. Pronto se trasladó a la Escuela de Arte y Diseño de Nueva York, precursora de la Escuela de Diseño Parsons . Allí, estudió durante seis años con profesores como William Merritt Chase , quien le enseñó pintura al óleo. [17] Al principio, Hopper modeló su estilo a partir de Chase y de los maestros impresionistas franceses Édouard Manet y Edgar Degas . [19] Sin embargo, dibujar a partir de modelos vivos resultó un desafío y algo chocante para Hopper, criado de manera conservadora.
Otro de sus profesores, el artista Robert Henri , impartía clases de vida. Henri animaba a sus alumnos a utilizar su arte para "causar revuelo en el mundo". También aconsejaba a sus alumnos: "No es el tema lo que cuenta, sino lo que sientes al respecto" y "Olvídate del arte y pinta cuadros de lo que te interesa en la vida". [17] De esta manera, Henri influyó en Hopper, así como en los futuros artistas George Bellows y Rockwell Kent . Los alentó a imbuir su trabajo de un espíritu moderno. Algunos artistas del círculo de Henri, incluido John Sloan , se convirtieron en miembros de "The Eight", también conocida como la Escuela Ashcan de Arte Americano . [20] La primera pintura al óleo sobreviviente de Hopper que insinúa su uso de interiores como tema fue Figura solitaria en un teatro (c.1904). [21] Durante sus años de estudiante, también pintó docenas de desnudos, estudios de naturaleza muerta, paisajes y retratos, incluidos autorretratos. [22]
En 1905, Hopper consiguió un trabajo a tiempo parcial en una agencia de publicidad, donde creó diseños de portadas para revistas especializadas. [23] Hopper llegó a detestar la ilustración. Se vio atado a ella por necesidad económica hasta mediados de la década de 1920. [24] Escapó temporalmente haciendo tres viajes a Europa, cada uno centrado en París, aparentemente para estudiar su escena artística. De hecho, trabajó principalmente solo y no pareció verse afectado por las nuevas corrientes del arte. Más tarde, dijo que no "recordaba haber oído hablar de Picasso en absoluto". [20] Quedó muy impresionado por Rembrandt , en particular su Ronda de noche , que dijo que era "lo más maravilloso que he visto de él; es increíble en su realidad". [25]
Hopper comenzó a pintar escenas urbanas y arquitectónicas en una paleta oscura. Luego pasó a los tonos más claros de los impresionistas antes de volver a la paleta más oscura, con la que se sentía más cómodo. Más tarde dijo: "Superé eso y las cosas posteriores que hice en París fueron más del tipo de cosas que hago ahora". [26] Hopper pasó gran parte de su tiempo dibujando escenas de calles y cafés, y yendo al teatro y la ópera. A diferencia de muchos de sus contemporáneos que imitaron los experimentos cubistas abstractos , Hopper se sintió atraído por el arte realista . Más tarde, afirmó tener pocas influencias europeas aparte de Rembrandt , Goya y el grabador francés Charles Meryon, cuyas melancólicas escenas de París imitó Hopper. [27] [28]
Tras regresar de su último viaje a Europa, Hopper alquiló un estudio en la ciudad de Nueva York, donde luchó por definir su propio estilo. A regañadientes, volvió a la ilustración para ganarse la vida. Como era un profesional independiente, Hopper se vio obligado a solicitar proyectos y tuvo que llamar a las puertas de las oficinas de revistas y agencias para encontrar trabajo. [29] Su pintura languideció: "Me resulta difícil decidir lo que quiero pintar. A veces paso meses sin encontrarlo. Viene lentamente". [30] Su colega ilustrador Walter Tittle describió el estado emocional depresivo de Hopper en términos más nítidos, al ver a su amigo "sufriendo... largos períodos de inercia invencible, sentado durante días seguidos frente a su caballete en una infelicidad impotente, incapaz de levantar una mano para romper el hechizo". [31]
Del 22 de febrero al 5 de marzo de 1912, fue incluido en la exposición de Los Independientes, un grupo de artistas por iniciativa de Robert Henri pero no realizó ninguna venta. [30]
En 1912, Hopper viajó a Gloucester, Massachusetts , para buscar algo de inspiración e hizo sus primeras pinturas al aire libre en Estados Unidos. [30] Pintó Squam Light , la primera de muchas pinturas de faros que vendrían después. [32]
En 1913, en el Armory Show , Hopper ganó 250 dólares cuando vendió su primer cuadro, Sailing (1911), al empresario estadounidense Thomas F Vietor, que había pintado sobre un autorretrato anterior. [33] Hopper tenía treinta y un años, y aunque esperaba que su primera venta condujera a otras en poco tiempo, su carrera no despegaría hasta muchos años más. [34] Continuó participando en exposiciones colectivas en lugares más pequeños, como el MacDowell Club de Nueva York. [35] Poco después de la muerte de su padre ese mismo año, Hopper se mudó al apartamento 3 Washington Square North en la sección Greenwich Village de Manhattan , donde viviría el resto de su vida.
Al año siguiente recibió un encargo para crear algunos carteles de películas y encargarse de la publicidad de una compañía cinematográfica. [37] Aunque no le gustaba el trabajo de ilustración, Hopper fue un devoto de toda la vida del cine y el teatro, ambos temas que utilizó para sus pinturas. Cada forma influyó en sus métodos de composición. [38]
En un punto muerto con sus pinturas al óleo, en 1915 Hopper se dedicó al grabado. En 1923 había producido la mayoría de sus aproximadamente 70 obras en este medio, muchas de escenas urbanas tanto de París como de Nueva York. [39] [40] También produjo algunos carteles para el esfuerzo bélico, además de continuar con proyectos comerciales ocasionales. [41] Cuando pudo, Hopper hizo algunas pinturas al óleo al aire libre en visitas a Nueva Inglaterra, especialmente en las colonias de arte de Ogunquit y Monhegan Island . [42]
A principios de la década de 1920, sus grabados empezaron a recibir reconocimiento público. Expresaban algunos de sus temas posteriores, como en Noche en el tren elevado (parejas en silencio), Viento vespertino (mujer solitaria) y El barco de los gatos (escena náutica sencilla). [43] Dos pinturas al óleo notables de esta época fueron Interior de Nueva York (1921) y Restaurante de Nueva York (1922). [44] También pintó dos de sus muchas pinturas de "ventanas" que vendrían después: Chica en la máquina de coser e Interior a la luz de la luna , ambas muestran una figura (vestida o desnuda) cerca de una ventana de un apartamento vista como si mirara hacia afuera o desde el punto de vista desde afuera mirando hacia adentro. [45]
Aunque estos fueron años frustrantes, Hopper ganó cierto reconocimiento. En 1918, Hopper recibió el premio de la US Shipping Board por su cartel de guerra, Smash the Hun . Participó en tres exposiciones: en 1917 con la Society of Independent Artists, en enero de 1920 (una exposición individual en el Whitney Studio Club, que fue el precursor del Museo Whitney) y en 1922 (de nuevo con el Whitney Studio Club). En 1923, Hopper recibió dos premios por sus grabados: el Premio Logan de la Chicago Society of Etchers y el Premio W. A. Bryan. [46]
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En 1923, el lento ascenso de Hopper finalmente produjo un gran avance. Se reencontró con Josephine Nivison , una artista y exalumna de Robert Henri , durante un viaje de pintura de verano en Gloucester, Massachusetts. Eran opuestos: ella era baja, abierta, sociable, sociable y liberal, mientras que él era alto, reservado, tímido, tranquilo, introspectivo y conservador. [41] Con el estímulo de Jo, Hopper recurrió al medio de la acuarela, produciendo numerosas escenas de Gloucester. Se casaron un año después con el artista Guy Pène du Bois como su padrino. [3] Nivison comentó una vez: "A veces hablar con Eddie es como dejar caer una piedra en un pozo, excepto que no golpea cuando toca el fondo". [47] Ella subordinó su carrera a la de él y compartió su estilo de vida solitario. El resto de sus vidas giraron en torno a su apartamento de lujo en la ciudad y sus veranos en South Truro en Cape Cod . Ella manejó su carrera y sus entrevistas, fue su modelo principal y su compañera de vida. [47]
Con la ayuda de Nivison, seis de las acuarelas de Hopper sobre Gloucester fueron admitidas en una exposición en el Museo de Brooklyn en 1923. Una de ellas, The Mansard Roof , fue adquirida por el museo para su colección permanente por la suma de 100 dólares. [48] Los críticos en general elogiaron su obra; uno afirmó: "¡Qué vitalidad, fuerza y franqueza! Observe lo que se puede hacer con el tema más hogareño". [48] Hopper vendió todas sus acuarelas en una exposición individual al año siguiente y finalmente decidió dejar atrás la ilustración.
El artista había demostrado su capacidad para trasladar su atracción por la arquitectura parisina a la arquitectura urbana y rural estadounidense. Según la curadora del Museo de Bellas Artes de Boston , Carol Troyen, "a Hopper le gustaba mucho la forma en que estas casas, con sus torres y torreones , porches , tejados abuhardillados y adornos, proyectaban sombras maravillosas. Hopper siempre decía que lo que más le gustaba era pintar la luz del sol en el lateral de una casa". [49]
A los cuarenta y un años, Hopper recibió un mayor reconocimiento por su trabajo. Siguió albergando amargura por su carrera y más tarde rechazó presentaciones y premios. [47] Con su estabilidad financiera asegurada por ventas constantes, Hopper viviría una vida simple y estable y continuaría creando arte en su estilo personal durante cuatro décadas más.
Su Dos en el pasillo (1927) se vendió por un récord personal de 1.500 dólares, lo que le permitió a Hopper comprar un automóvil, que utilizó para hacer viajes de campo a áreas remotas de Nueva Inglaterra. [50] En 1929, produjo Chop Suey y Atardecer en el ferrocarril . Al año siguiente, el mecenas de arte Stephen Clark donó Casa junto al ferrocarril (1925) al Museo de Arte Moderno , la primera pintura al óleo que adquirió para su colección. [51] Hopper pintó su último autorretrato al óleo alrededor de 1930. Aunque Josephine posó para muchas de sus pinturas, posó solo para un retrato al óleo formal de su esposo, Jo Painting (1936). [52]
Hopper tuvo mejor suerte que muchos otros artistas durante la Gran Depresión . Su prestigio aumentó drásticamente en 1931 cuando los principales museos, incluido el Museo Whitney de Arte Americano y el Museo Metropolitano de Arte , pagaron miles de dólares por sus obras. Vendió 30 pinturas ese año, incluidas 13 acuarelas. [50] Al año siguiente participó en el primer Anuario del Whitney y continuó exponiendo en todos los anuarios del museo durante el resto de su vida. [50] En 1933, el Museo de Arte Moderno le dio a Hopper su primera retrospectiva a gran escala. [53]
En 1930, los Hopper alquilaron una cabaña en South Truro, en Cape Cod. Regresaron todos los veranos durante el resto de sus vidas y construyeron allí una casa de verano en 1934. [54] Desde allí, hacían viajes en automóvil a otras áreas cuando Hopper necesitaba buscar material nuevo para pintar. En los veranos de 1937 y 1938, la pareja pasó largas estancias en Wagon Wheels Farm en South Royalton, Vermont , donde Hopper pintó una serie de acuarelas a lo largo del río White. Estas escenas son atípicas entre las obras maduras de Hopper, ya que la mayoría son paisajes "puros", desprovistos de arquitectura o figuras humanas. First Branch of the White River (1938), ahora en el Museo de Bellas Artes de Boston, es el más conocido de los paisajes de Vermont de Hopper. [55]
Hopper fue muy productivo durante la década de 1930 y principios de la de 1940, produciendo entre muchas obras importantes New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) y Morning in a City (1944). Sin embargo, a finales de la década de 1940 sufrió un período de relativa inactividad. Admitió: "Me gustaría poder pintar más. Me canso de leer e ir al cine". [56] Durante las siguientes dos décadas, su salud flaqueó y tuvo varias cirugías de próstata y otros problemas médicos. [56] Pero, en la década de 1950 y principios de la de 1960, creó varias obras más importantes, entre ellas First Row Orchestra (1951); así como Morning Sun y Hotel by a Railroad , ambas en 1952; e Intermission en 1963. [57]
En 1966, Hopper recibió la Medalla Edward MacDowell de la Colonia MacDowell por sus destacadas contribuciones a la cultura estadounidense. [58]
Hopper murió por causas naturales en su estudio cerca de Washington Square en la ciudad de Nueva York el 15 de mayo de 1967. Fue enterrado dos días después en la parcela familiar del cementerio Oak Hill en Nyack, Nueva York, su lugar de nacimiento. [59] Su esposa murió diez meses después y está enterrada con él.
La esposa de Edward Hopper, Josephine, legó su colección conjunta de más de tres mil piezas al Museo Whitney . [60] Arthayer Sanborn, un ministro bautista que visitaba con frecuencia su casa para cuidar de la hermana de Edward, Marion, llegó a poseer trescientos dibujos y pinturas de Hopper. La historiadora de arte Gail Levin ha destacado que, si bien el Museo Whitney tiene una amplia documentación de cómo Josephine distribuyó las piezas de su pareja, las pinturas adquiridas a Sanborn carecen de procedencia, lo que demuestra que la familia donó voluntariamente el tesoro de piezas que Sanborn informó haber encontrado en su ático. [61] El Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Centro de Arte de Des Moines y el Instituto de Arte de Chicago tienen colecciones importantes de pinturas de Hopper.
Siempre reacio a hablar de sí mismo y de su arte, Hopper simplemente dijo: "La respuesta completa está ahí, en el lienzo". [53] Hopper era estoico y fatalista, un hombre introvertido tranquilo con un suave sentido del humor y modales francos. Hopper era alguien atraído por un simbolismo emblemático y antinarrativo , [62] que "pintaba breves momentos aislados de configuración, saturados de sugerencia". [63] Sus espacios silenciosos y encuentros incómodos "nos tocan donde somos más vulnerables", [64] y tienen "una sugerencia de melancolía, esa melancolía siendo representada". [65] Su sentido del color lo reveló como un pintor puro [66] ya que "convirtió al puritano en purista, en sus lienzos tranquilos donde las imperfecciones y las bendiciones se equilibran". [67] Según el crítico Lloyd Goodrich , fue "un pintor eminentemente nativo, que más que ningún otro estaba logrando más de la calidad de América en sus lienzos". [68] [69]
Conservador en política y asuntos sociales (Hopper afirmaba, por ejemplo, que "las vidas de los artistas deberían ser escritas por personas muy cercanas a ellos"), [70] aceptaba las cosas como eran y mostraba falta de idealismo. Culto y sofisticado, era un hombre culto, y muchas de sus pinturas muestran figuras leyendo. [71] En general, era una buena compañía y no le perturbaban los silencios, aunque a veces se mostraba taciturno, gruñón o distante. Siempre se tomaba en serio su arte y el arte de los demás, y cuando se le preguntaba, respondía con opiniones francas. [72]
La declaración más sistemática de Hopper sobre su filosofía como artista fue dada en una nota escrita a mano, titulada "Declaración", enviada en 1953 a la revista Reality :
El gran arte es la expresión exterior de la vida interior del artista, y esta vida interior dará como resultado su visión personal del mundo. Ninguna invención hábil puede reemplazar el elemento esencial de la imaginación. Una de las debilidades de gran parte de la pintura abstracta es el intento de sustituir las invenciones del intelecto humano por una concepción imaginativa privada.
La vida interior de un ser humano es un reino vasto y variado y no se ocupa únicamente de estimulantes arreglos de color, forma y diseño.
El término vida utilizado en el arte no es algo que se pueda despreciar, pues implica toda la existencia y la misión del arte es reaccionar ante ella y no rehuirla.
La pintura tendrá que abordar de forma más completa y menos oblicua la vida y los fenómenos de la naturaleza antes de poder volver a ser grande. [73]
Aunque Hopper afirmaba que no incorporaba conscientemente un significado psicológico a sus pinturas, estaba profundamente interesado en Freud y el poder de la mente subconsciente. En 1939 escribió: "Gran parte de cada arte es una expresión del subconsciente, por lo que me parece que la mayoría de las cualidades importantes se ponen ahí inconscientemente, y que el intelecto consciente les da poca importancia". [74]
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Aunque es más conocido por sus pinturas al óleo, Hopper alcanzó inicialmente el reconocimiento por sus acuarelas y también produjo algunos grabados que tuvieron éxito comercial. Además, sus cuadernos contienen bocetos a lápiz y pluma de alta calidad que nunca estuvieron destinados a ser expuestos al público.
Hopper prestaba especial atención al diseño geométrico y a la cuidadosa colocación de las figuras humanas en el equilibrio adecuado con su entorno. Era un artista lento y metódico; como escribió, "Se necesita mucho tiempo para que una idea se produzca. Luego tengo que pensar en ella durante mucho tiempo. No empiezo a pintar hasta que lo tengo todo resuelto en mi mente. Estoy bien cuando llego al caballete". [75] A menudo hacía bocetos preparatorios para elaborar sus composiciones cuidadosamente calculadas. Él y su esposa llevaban un registro detallado de sus obras, anotando elementos como "rostro triste de mujer sin luz", "luz eléctrica del techo" y "muslos más frescos". [76]
Para New York Movie (1939), Hopper demuestra su minuciosa preparación con más de 53 bocetos del interior del teatro y la figura de la acomodadora pensativa. [77]
El uso eficaz de la luz y la sombra para crear un ambiente es también fundamental en los métodos de Hopper. La luz del sol brillante (como emblema de la intuición o la revelación) y las sombras que proyecta también desempeñan papeles simbólicamente poderosos en pinturas de Hopper como Early Sunday Morning (1930), Summertime (1943), Seven AM (1948) y Sun in an Empty Room (1963). Su uso de los efectos de luz y sombra ha sido comparado con la cinematografía del cine negro . [78]
Aunque era un pintor realista, el realismo "suave" de Hopper simplificaba las formas y los detalles. Utilizaba colores saturados para realzar el contraste y crear ambiente.
Hopper extrajo su temática de dos fuentes principales: una, las características comunes de la vida estadounidense (gasolineras, moteles, restaurantes, teatros, ferrocarriles y escenas callejeras) y sus habitantes; y dos, paisajes marinos y rurales. En cuanto a su estilo, Hopper se definió como "una amalgama de muchas razas" y no miembro de ninguna escuela, en particular de la " Escuela Ashcan ". [79] Una vez que Hopper alcanzó su estilo maduro, su arte se mantuvo consistente y autónomo, a pesar de las numerosas tendencias artísticas que aparecieron y desaparecieron durante su larga carrera. [79]
Los paisajes marinos de Hopper se dividen en tres grupos principales: paisajes puros de rocas, mar y hierba de playa; faros y casas de campo; y veleros. A veces combinaba estos elementos. La mayoría de estas pinturas representan una luz fuerte y un clima agradable; mostró poco interés en las escenas de nieve o lluvia, o en los cambios de color estacionales. Pintó la mayoría de los paisajes marinos puros en el período entre 1916 y 1919 en la isla Monhegan . [80] The Long Leg (1935) de Hopper es un cuadro de navegación casi completamente azul con los elementos más simples, mientras que Ground Swell (1939) es más complejo y representa a un grupo de jóvenes navegando, un tema que recuerda al icónico Breezing Up (1876) de Winslow Homer . [81]
La arquitectura urbana y los paisajes urbanos también fueron temas importantes para Hopper. Estaba fascinado por el paisaje urbano americano, "nuestra arquitectura nativa con su horrible belleza, sus techos fantásticos, pseudogóticos, mansardos franceses , coloniales, mestizos o lo que sea, con colores que deslumbran o delicadas armonías de pintura descolorida, que se suceden unas a otras a lo largo de calles interminables que se estrechan hasta convertirse en pantanos o vertederos". [82]
En 1925, produjo House by the Railroad (Casa junto al ferrocarril) . Esta obra clásica representa una mansión victoriana de madera aislada, parcialmente oscurecida por el terraplén elevado de una vía férrea. Marcó la madurez artística de Hopper. Lloyd Goodrich elogió la obra como "una de las piezas de realismo más conmovedoras y desoladoras". [83] La obra es la primera de una serie de escenas rurales y urbanas austeras que utilizan líneas nítidas y formas grandes, con una iluminación inusual para capturar el estado de ánimo solitario de sus sujetos. Aunque los críticos y los espectadores interpretan el significado y el estado de ánimo en estos paisajes urbanos, Hopper insistió en que "estaba más interesado en la luz del sol sobre los edificios y las figuras que en cualquier simbolismo". [84] Como para demostrarlo, su última pintura Sun in an Empty Room (El sol en una habitación vacía, 1963) es un estudio puro de la luz solar. [85]
La mayoría de las pinturas de figuras de Hopper se centran en la interacción sutil de los seres humanos con su entorno, ya sea en solitario, en pareja o en grupo. Sus principales temas emocionales son la soledad, el arrepentimiento, el aburrimiento y la resignación. Expresa sus emociones en diversos entornos, como la oficina, los lugares públicos, los apartamentos, la carretera o las vacaciones. [86] Como si estuviera creando fotogramas para una película o cuadros para una obra de teatro, Hopper posicionó a sus personajes como si los hubieran capturado justo antes o después del clímax de una escena. [87]
Las figuras solitarias de Hopper son en su mayoría mujeres, vestidas, semidesnudas y desnudas, que a menudo leen o miran por la ventana o en el lugar de trabajo. A principios de la década de 1920, Hopper pintó sus primeras imágenes de este tipo: Chica en la máquina de coser (1921), Interior de Nueva York (otra mujer cosiendo) (1921) e Interior a la luz de la luna (una desnuda metiéndose en la cama) (1923). Sin embargo, Automat (1927) y Habitación de hotel (1931) son más representativas de su estilo maduro, ya que enfatizan la soledad de manera más abierta. [88]
Como escribió el estudioso de Hopper, Gail Levin, sobre Hotel Room :
Las franjas de color verticales y diagonales sobrias y las sombras eléctricas nítidas crean un drama conciso e intenso en la noche... Al combinar una temática conmovedora con un arreglo formal tan poderoso, la composición de Hopper es lo suficientemente pura como para acercarse a una sensibilidad casi abstracta, pero con un significado poético para el observador. [89]
La habitación de Hopper en Nueva York (1932) y Atardecer en Cape Cod (1939) son ejemplos excelentes de sus pinturas de "pareja". En la primera, una pareja joven aparece alienada y poco comunicativa: él lee el periódico mientras ella holgazanea junto al piano. El espectador asume el papel de voyeur, como si mirara con un telescopio a través de la ventana del apartamento para espiar la falta de intimidad de la pareja. En la última pintura, una pareja mayor que no tiene mucho que decirse juega con su perro, cuya atención se desvía de la de sus amos. [90] Hopper lleva el tema de la pareja a un nivel más ambicioso con Excursión a la filosofía (1959). Un hombre de mediana edad se sienta abatido en el borde de una cama. A su lado hay un libro abierto y una mujer parcialmente vestida. Un haz de luz ilumina el suelo frente a él. Jo Hopper anotó en su cuaderno de bitácora: "[E]l libro abierto es Platón , releído demasiado tarde".
Levin interpreta el cuadro:
El filósofo de Platón, en busca de lo real y lo verdadero, debe apartarse de este reino transitorio y contemplar las Formas e Ideas eternas. El hombre pensativo del cuadro de Hopper se sitúa entre el atractivo del dominio terrenal, representado por la mujer, y la llamada del dominio espiritual superior, representado por la caída de luz etérea. El dolor de pensar en esta elección y sus consecuencias, después de leer a Platón toda la noche, es evidente. Está paralizado por el ferviente trabajo interior del melancólico . [91]
En Office at Night (1940), otro cuadro de "pareja", Hopper crea un rompecabezas psicológico. El cuadro muestra a un hombre concentrado en sus papeles de trabajo, mientras que cerca de él su atractiva secretaria saca un archivo. Varios estudios para el cuadro muestran cómo Hopper experimentó con la posición de las dos figuras, tal vez para aumentar el erotismo y la tensión. Hopper presenta al espectador la posibilidad de que el hombre esté verdaderamente desinteresado en el atractivo de la mujer o que esté esforzándose por ignorarla. Otro aspecto interesante del cuadro es cómo Hopper emplea tres fuentes de luz, [90] desde una lámpara de escritorio, a través de una ventana y luz indirecta desde arriba. Hopper continuó haciendo varios cuadros de "oficina", pero ningún otro con un trasfondo sensual.
El cuadro más conocido de Hopper, Nighthawks (1942), es uno de sus cuadros de grupos. Muestra a clientes sentados en el mostrador de un restaurante abierto toda la noche. Las formas y diagonales están cuidadosamente construidas. El punto de vista es cinematográfico, desde la acera, como si el espectador se estuviera acercando al restaurante. La dura luz eléctrica del restaurante lo distingue de la noche oscura del exterior, realzando el estado de ánimo y la emoción sutil. [92] Como en muchos cuadros de Hopper, la interacción es mínima. El restaurante representado se inspiró en uno de Greenwich Village. Tanto Hopper como su esposa posaron para las figuras, y Jo Hopper dio el título al cuadro. La inspiración para el cuadro puede haber venido del cuento de Ernest Hemingway " The Killers ", que Hopper admiraba mucho, [93] o del más filosófico " A Clean, Well-Lighted Place ". [94] El estado de ánimo del cuadro a veces se ha interpretado como una expresión de ansiedad en tiempos de guerra. [95] En consonancia con el título de su pintura, Hopper dijo más tarde que Nighthawks tiene más que ver con la posibilidad de que haya depredadores en la noche que con la soledad. [96]
Su segunda pintura más reconocible después de Nighthawks es otra pintura urbana, Early Sunday Morning (originalmente llamada Seventh Avenue Shops ), que muestra una escena callejera vacía con una fuerte luz lateral, con una boca de incendios y un poste de barbero como sustitutos de figuras humanas. Originalmente, Hopper tenía la intención de colocar figuras en las ventanas del piso superior, pero las dejó vacías para aumentar la sensación de desolación. [97]
Las escenas rurales de Nueva Inglaterra de Hopper , como Gas (1940), no son menos significativas. Gas representa "un refugio diferente, igualmente limpio y bien iluminado... que se mantiene abierto para quienes lo necesitan mientras navegan por la noche, recorriendo sus propios kilómetros antes de dormir". [98] La obra presenta una fusión de varios temas de Hopper: la figura solitaria, la melancolía del anochecer y el camino solitario. [99]
En Habitaciones junto al mar (1951), de Hopper , se muestra una puerta abierta con vista al océano, sin escalera ni escalones aparentes y sin ninguna indicación de playa. [100]
Después de sus años de estudiante, los desnudos de Hopper eran todos de mujeres. A diferencia de los artistas anteriores que pintaban el desnudo femenino para glorificar la forma femenina y resaltar el erotismo femenino, los desnudos de Hopper son de mujeres solitarias que están psicológicamente expuestas. [101] Una audaz excepción es Girlie Show (1941), donde una reina del striptease pelirroja camina con confianza por un escenario acompañada por los músicos en el foso. Girlie Show se inspiró en la visita de Hopper a un espectáculo de burlesque unos días antes. La esposa de Hopper, como de costumbre, posó para él para la pintura y anotó en su diario: "Ed comenzando un nuevo lienzo, una reina del burlesque haciendo un striptease, y yo posando sin una puntada frente a la estufa, nada más que tacones altos en una pose de baile de lotería". [102]
Los retratos y autorretratos de Hopper fueron relativamente escasos después de sus años de estudiante. [103] Hopper produjo un "retrato" por encargo de una casa, The MacArthurs' Home (1939), donde detalla fielmente la arquitectura victoriana de la casa de la actriz Helen Hayes . Ella dijo más tarde: "Supongo que nunca conocí a un individuo más misántropo y gruñón en mi vida". Hopper se quejó durante todo el proyecto y nunca volvió a aceptar un encargo. [104] Hopper también pintó Portrait of Orleans (1950), un "retrato" de la ciudad de Cape Cod desde su calle principal. [105]
Aunque estaba muy interesado en la Guerra Civil estadounidense y en las fotografías de los campos de batalla de Mathew Brady , Hopper sólo pintó dos cuadros históricos. Ambos retrataban a soldados en camino a Gettysburg . [106] También son poco frecuentes entre sus temas las pinturas que muestran acción. El mejor ejemplo de una pintura de acción es Bridle Path (1939), pero la lucha de Hopper con la anatomía adecuada de los caballos puede haberlo disuadido de realizar intentos similares. [107]
El último óleo de Hopper, Dos comediantes (1966), pintado un año antes de su muerte, se centra en su amor por el teatro. Dos actores de pantomima franceses , uno masculino y otro femenino, ambos vestidos con trajes blancos brillantes, hacen una reverencia frente a un escenario oscuro. Jo Hopper confirmó que su esposo pretendía que las figuras sugirieran que estaban haciendo la última reverencia de su vida juntos como marido y mujer. [108]
Los cuadros de Hopper han sido vistos a menudo por otros como si tuvieran un contenido narrativo o temático que el artista puede no haber pretendido. Se puede añadir mucho significado a un cuadro por su título, pero los títulos de los cuadros de Hopper a veces fueron elegidos por otros, o fueron seleccionados por Hopper y su esposa de una manera que no deja claro si tienen alguna conexión real con el significado del artista. Por ejemplo, Hopper dijo una vez a un entrevistador que le gustaba " Early Sunday Morning ... pero no era necesariamente domingo. Esa palabra la añadió alguien más tarde". [109]
La tendencia a leer contenido temático o narrativo en las pinturas de Hopper, algo que Hopper no había pretendido, se extendió incluso a su esposa. Cuando Jo Hopper comentó sobre la figura de Cape Cod Morning : "Es una mujer que mira hacia afuera para ver si el clima es lo suficientemente bueno para tender la ropa", Hopper replicó: "¿He dicho eso? Estás haciendo que sea Norman Rockwell. Desde mi punto de vista, ella simplemente está mirando por la ventana". [110] Otro ejemplo del mismo fenómeno se registra en un artículo de 1948 en Time :
La Tarde de verano de Hopper , en la que una pareja joven habla bajo la dura luz del porche de una cabaña, es ineludiblemente romántica, pero Hopper se sintió herido por la sugerencia de un crítico de que podría servir para una ilustración en "cualquier revista femenina". Hopper tuvo la pintura en mente "durante 20 años y nunca pensé en poner las figuras hasta que realmente comencé el verano pasado. ¿Por qué un director de arte destrozaría el cuadro? Las figuras no eran lo que me interesaba; era la luz que caía y la noche a mi alrededor". [111]
Al centrarse principalmente en los momentos tranquilos, y rara vez mostrar acción, Hopper empleó una forma de realismo adoptada por otro destacado realista estadounidense, Andrew Wyeth , pero la técnica de Hopper era completamente diferente del estilo hiperdetallado de Wyeth. [53] En connivencia con algunos de sus contemporáneos, Hopper compartió su sensibilidad urbana con John Sloan y George Bellows , pero evitó su acción y violencia manifiestas. Mientras que Joseph Stella y Georgia O'Keeffe glorificaron las estructuras monumentales de la ciudad, Hopper las redujo a geometrías cotidianas y describió el pulso de la ciudad como desolado y peligroso en lugar de "elegante o seductor". [112]
Charles Burchfield , a quien Hopper admiraba y con quien lo comparaban, dijo de Hopper: "logra una veracidad tan completa que puedes leer en sus interpretaciones de las casas y en sus concepciones de la vida de Nueva York cualquier implicación humana que desees". [113] También atribuyó el éxito de Hopper a su "individualismo audaz... En él hemos recuperado esa sólida independencia estadounidense que nos dio Thomas Eakins , pero que por un tiempo se perdió". [114] Hopper consideró esto un gran cumplido ya que consideraba a Eakins el mejor pintor estadounidense. [115]
Deborah Lyons, estudiosa de Hopper, escribe: "Nuestros propios momentos de revelación suelen verse reflejados, trascendentes, en su obra. Una vez vistas, las interpretaciones de Hopper existen en nuestra conciencia en tándem con nuestra propia experiencia. Siempre vemos un cierto tipo de casa como una casa Hopper, investida tal vez con un misterio que Hopper implantó en nuestra propia visión". Las pinturas de Hopper resaltan las escenas aparentemente mundanas y típicas de nuestra vida cotidiana y les dan motivo de epifanía. De esta manera, el arte de Hopper toma el áspero paisaje americano y las gasolineras solitarias y crea dentro de ellos una sensación de hermosa anticipación. [116]
Aunque se le comparaba con su contemporáneo Norman Rockwell en cuanto a la temática, a Hopper no le gustaba la comparación. Hopper se consideraba más sutil, menos ilustrativo y, desde luego, nada sentimental. Hopper también rechazaba las comparaciones con Grant Wood y Thomas Hart Benton, afirmando: "Creo que los pintores de la escena americana caricaturizaron a Estados Unidos. Siempre quise hacerme a mí mismo". [117]
La influencia de Hopper en el mundo del arte y la cultura pop es innegable; véase § En la cultura popular para numerosos ejemplos. Aunque no tuvo estudiantes formales, muchos artistas lo han citado como influencia, incluidos Willem de Kooning , Jim Dine y Mark Rothko . [79] Una ilustración de la influencia de Hopper es la obra temprana de Rothko, Composición I (c. 1931), que es una paráfrasis directa de Chop Suey de Hopper . [118]
Las composiciones cinematográficas de Hopper y su uso dramático de la luz y la oscuridad lo han convertido en un favorito entre los cineastas. Por ejemplo, se informa que House by the Railroad influyó mucho en la icónica casa de la película Psicosis de Alfred Hitchcock . [119] La misma pintura también ha sido citada como una influencia en la casa de la película Días del cielo de Terrence Malick . La película de 1981 Pennies from Heaven incluye un cuadro viviente de Nighthawks , con los actores principales en los lugares de los comensales. El director alemán Wim Wenders también cita la influencia de Hopper. [79] Su película de 1997 El fin de la violencia también incorpora un cuadro viviente de Nighthawks , recreado por actores. El conocido director de películas de terror surrealista Dario Argento llegó al extremo de recrear el restaurante y los clientes de Nighthawks como parte de un escenario para su película de 1976 Deep Red (también conocida como Profondo Rosso ). Ridley Scott ha citado la misma pintura como inspiración visual para Blade Runner . Para establecer la iluminación de las escenas de la película Camino a la perdición de 2002 , el director Sam Mendes se inspiró en las pinturas de Hopper, particularmente en New York Movie . [120]
Los homenajes a Nighthawks con personajes de dibujos animados o íconos famosos de la cultura pop como James Dean y Marilyn Monroe se encuentran a menudo en tiendas de carteles y tiendas de regalos. El canal de televisión por cable Turner Classic Movies a veces emite clips animados basados en pinturas de Hopper antes de emitir sus películas. Las influencias musicales incluyen el álbum en vivo en el estudio de 1975 del cantautor Tom Waits titulado Nighthawks at the Diner , en honor a la pintura. En 1993, Madonna se inspiró lo suficiente en la pintura de Hopper de 1941 Girlie Show como para nombrar su gira mundial en honor a ella e incorporó muchos de los elementos teatrales y el estado de ánimo de la pintura en el espectáculo. En 2004, el guitarrista británico John Squire (anteriormente de The Stone Roses ) lanzó un álbum conceptual basado en la obra de Hopper titulado Marshall's House . Cada canción del álbum está inspirada en una pintura de Hopper y comparte su título con ella. El grupo de rock canadiense The Weakerthans lanzó su álbum Reunion Tour en 2007 con dos canciones inspiradas y nombradas en honor a las pinturas de Hopper, "Sun in an Empty Room" y "Night Windows", y también lo han mencionado en canciones como "Hospital Vespers". Compartment C, Car 293 de Hopper inspiró Compartment 2, Car 7 para violín, viola, violonchelo y vibráfono (2003) del compositor polaco Paweł Szymański , así como la canción Compartiment C Voiture 293 Edward Hopper 1938 (2011) de Hubert-Félix Thiéfaine . El trabajo de Hopper ha influenciado múltiples grabaciones de la banda británica Orchestral Manoeuvres in the Dark . Early Sunday Morning fue la inspiración para la portada de Crush (1985). [ cita requerida ] El sencillo de 2013 de la misma banda " Night Café " fue influenciado por Nighthawks y menciona a Hopper por su nombre. Siete de sus pinturas son referenciadas en las letras. [121]
En poesía, numerosos poemas se han inspirado en las pinturas de Hopper, típicamente como vívidas descripciones y dramatizaciones; este género se conoce como ekphrasis . Además de numerosos poemas individuales inspirados en Hopper, varios poetas han escrito colecciones basadas en las pinturas de Hopper. El poeta francés Claude Esteban escribió una colección de poemas en prosa , Soleil dans une pièce vide ( Sol en una habitación vacía , 1991), basada en cuarenta y siete pinturas de Hopper de entre 1921 y 1963, terminando con Sol en una habitación vacía (1963), de ahí el título. [122] Cada poema dramatizaba una pintura de Hopper, imaginando una historia detrás de escena; El libro ganó el premio Prix France Culture en 1991. Ocho de los poemas - Ground Swell , Girl at Sewing Machine , Compartment C, Car 293 , Nighthawks , South Carolina Morning , House by the Railroad , People in the Sun y Roofs of Washington Square - fueron posteriormente musicalizados por la compositora Graciane Finzi y grabados con lectura de la cantante Natalie Dessay en su álbum Portraits of America (2016), donde se complementaron seleccionando diez pinturas adicionales de Hopper y canciones del cancionero estadounidense para acompañarlas. [123] De manera similar, el poeta español Ernest Farrés escribió una colección de cincuenta y un poemas en catalán , bajo el nombre de Edward Hopper (2006, traducción al inglés de 2010 de Lawrence Venuti), y James Hoggard escribió Triangles of Light: The Edward Hopper Poems (Wings Press, 2009). Se organizó una colección de varios poetas en The Poetry of Solitude: A Tribute to Edward Hopper 1995 (editada por Gail Levin ). Los poemas individuales incluyen Byron Vazakas (1957) y John Stone (1985) inspirados en Early Sunday Morning , y Mary Leader inspirada en Girl at Sewing Machine .
En 1980, la muestra Edward Hopper: El arte y el artista se inauguró en el Museo Whitney de Arte Americano y visitó Londres, Düsseldorf y Ámsterdam, así como San Francisco y Chicago. Por primera vez, esta muestra presentó las pinturas al óleo de Hopper junto con estudios preparatorios para esas obras. Este fue el comienzo de la popularidad de Hopper en Europa y su gran reputación en todo el mundo. [ cita requerida ]
En 2004, una gran selección de pinturas de Hopper recorrió Europa, visitando el Museo Ludwig de Colonia (Alemania) y la Tate Modern de Londres. La exposición de la Tate se convirtió en la segunda más popular en la historia de la galería, con 420.000 visitantes en los tres meses que estuvo abierta.
En 2007, se presentó una exposición centrada en el período de los mayores logros de Hopper, desde aproximadamente 1925 hasta mediados de siglo, en el Museo de Bellas Artes de Boston . La exposición comprendía cincuenta pinturas al óleo, treinta acuarelas y doce grabados, incluidos los favoritos Nighthawks , Chop Suey y Lighthouse and Buildings . La exposición fue organizada por el Museo de Bellas Artes de Boston, la Galería Nacional de Arte de Washington y el Instituto de Arte de Chicago y patrocinada por la firma de consultoría de gestión global Booz Allen Hamilton .
En 2010, la Fundación del Hermitage en Lausana, Suiza, organizó una exposición que abarcó toda la carrera de Hopper, con obras extraídas en gran parte del Museo Whitney de la ciudad de Nueva York. Incluía pinturas, acuarelas, grabados, caricaturas, carteles, así como algunos de los estudios preparatorios para pinturas seleccionadas. La exposición se había visto anteriormente en Milán y Roma. En 2011, el Museo Whitney de Arte Estadounidense organizó una exposición llamada Edward Hopper y su época .
En 2012 se inauguró en el Grand Palais de París una exposición que pretendía arrojar luz sobre la complejidad de sus obras maestras, lo que es un indicio de la riqueza de la obra de Hopper. Se dividió cronológicamente en dos partes principales: la primera sección abarcó los años de formación de Hopper (1900-1924), comparando su obra con la de sus contemporáneos y el arte que vio en París, que pudo haberlo influenciado. La segunda sección se centró en el arte de sus años de madurez, desde las primeras pinturas emblemáticas de su estilo personal, como Casa junto a la vía del tren (1924), hasta sus últimas obras.
En 2020, la Fundación Beyeler organizó una exposición que mostraba el arte de Hopper. La exposición se centró en las "representaciones icónicas de la extensión infinita de los paisajes y paisajes urbanos estadounidenses" de Hopper. [124] Este aspecto rara vez se ha mencionado en las exposiciones, pero es un ingrediente clave para comprender la obra de Hopper.
De 2022 a 2023, su obra se presentó en el Museo Whitney de la ciudad de Nueva York, en una exposición titulada "La Nueva York de Edward Hopper". [125]
Las obras de Hopper rara vez aparecen en el mercado. El artista no fue prolífico, pintó solo 366 lienzos; durante la década de 1950, cuando tenía más de 70 años, produjo aproximadamente cinco pinturas al año. El comerciante de Hopper durante mucho tiempo, Frank Rehn, quien le dio al artista su primera exposición individual en 1924, vendió Hotel Window (1956) a la coleccionista Olga Knoepke por $ 7,000 (equivalente a $ 75,938 en 2023) en 1957. En 1999, la Colección Forbes se la vendió al actor Steve Martin de manera privada por alrededor de $ 10 millones. [126] En 2006, Martin la vendió por $ 26,89 millones en Sotheby's Nueva York, un récord de subasta para el artista. [127]
En 2013, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia puso a la venta East Wind Over Weehawken (1934) de Hopper , con la esperanza de recaudar los 22–28 millones de dólares en los que está valorada la pintura, [128] para establecer un fondo para adquirir "arte contemporáneo" que se apreciaría en valor. [129] Es una escena callejera representada en tonos oscuros y terrosos que representa la casa a dos aguas en 1001 Boulevard East en la esquina de 49th Street en Weehawken, Nueva Jersey , y se considera una de las mejores obras de Hopper. [130] Fue adquirida directamente del comerciante que manejaba las pinturas del artista en 1952, quince años antes de la muerte del pintor, a un precio muy bajo. La pintura se vendió por un récord de 36 millones de dólares en Christie's en Nueva York, [129] a un postor telefónico anónimo.
En 2018, tras la muerte del coleccionista de arte Barney A. Ebsworth y la posterior subasta de muchas de las piezas de su colección, Chop Suey (1929) se vendió por 92 millones de dólares, convirtiéndose en la obra más cara de Hopper jamás comprada en una subasta. [131] [132]
Además de su influencia (ver § Influencia), Hopper es frecuentemente mencionado en la cultura popular.
En 1981, Hopper's Silence , un documental de Brian O'Doherty producido por el Museo Whitney de Arte Estadounidense, se mostró en el Festival de Cine de Nueva York en el Alice Tully Hall . [133]
El director austríaco Gustav Deutsch creó la película Shirley – Visiones de la realidad de 2013 basada en 13 pinturas de Edward Hopper. [134] [135]
Otras obras basadas o inspiradas en las pinturas de Hopper incluyen el álbum Nighthawks at the Diner de Tom Waits de 1975 y una serie de fotografías de 2012 de Gail Albert Halaban . [135] [136]
En el libro (1985, 1998) y la exposición itinerante Hopper's Places , Gail Levin localizó y fotografió los lugares donde se pintaron muchas de las pinturas de Hopper. En su reseña de 1985 de una exposición relacionada organizada por Levin, Vivien Raynor escribió en el New York Times : "Las deducciones de la señorita Levin son invariablemente esclarecedoras, como cuando infiere que la tendencia de Hopper a alargar las estructuras era un reflejo de su propia gran altura". [137]
El álbum Crush de 1985 de la banda de new wave Orchestral Manoeuvres in the Dark presenta ilustraciones inspiradas en varias pinturas de Hopper, incluidas Early Sunday Morning , Nighthawks y Room in New York . [138] El sencillo de 2013 de la banda "Night Cafe" fue influenciado por Nighthawks y menciona a Hopper por su nombre. Siete de sus pinturas son referenciadas en las letras. [121]
La Ópera de la Ciudad de Nueva York presentó el estreno en la Costa Este de "Hopper's Wife" de Stewart Wallace , una ópera de cámara de 1997 sobre un matrimonio imaginario entre Edward Hopper y la columnista de chismes Hedda Hopper , en el Harlem Stage en 2016. [139]
La novelista irlandesa Christine Dwyer Hickey publicó una novela, The Narrow Land , en 2019, en la que Edward y Jo Hopper eran personajes centrales. [140]
Paul Weller incluyó una canción llamada 'Hopper' en su álbum de 2017 A Kind Revolution .
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