Chop Suey (1929) es una pintura al óleo sobre lienzo del artista estadounidense Edward Hopper . El primer plano de la obra muestra a dos mujeres conversando en un restaurante. En noviembre de 2018, se vendió por 92 millones de dólares, un precio récord para la obra del artista. [1] [2]
La escena muestra a dos mujeres en una mesa de un restaurante con otra pareja al fondo. Los únicos elementos que se muestran con especial detalle son el rostro de la mujer pintada, el abrigo que cuelga sobre ella, la espalda de su compañero [al espectador], los rasgos de la pareja en el fondo, la tetera sobre la mesa, el panel inferior enmascarado de la ventana. y el cartel del restaurante afuera. Todos estos son rasgos que aportarían un elemento sensorial (además de la vista) al recuerdo pintado: el zumbido de la luz exterior, las voces de la gente del fondo, la textura del abrigo, el sabor del té y el olor de el humo del cigarrillo (sostenido por el hombre) y la luz confusa que entra por la ventana enmascarada.
La obra de arte de Edward Hopper es conocida por sus escenas realistas que tocan temas de aislamiento y yo mismo en lugar de un contexto narrativo. A menudo describía su arte como una "transcripción [de sus] impresiones más íntimas de la naturaleza", lo que significa que relacionaba el proceso de la pintura con el de la memoria. [3] Esta idea podría describirse de otra manera, como cuando, por ejemplo, algo se extrae de una memoria personal, se pueden recordar ciertos detalles pero todo lo que está fuera del enfoque principal es un fondo en blanco. Chop Suey captura este concepto de memoria, haciendo que el espectador se centre en elementos particulares de la iconografía sensorial mientras representa un tema de aislamiento debido al yo.
Según el estudioso del arte David Anfam , un "detalle sorprendente del Chop Suey es que el sujeto femenino se enfrenta a su doppelgänger ". [4] Otros han señalado que no sería tan inusual que dos mujeres usaran sombreros similares, y que es presuntuoso afirmar que son dobles cuando el rostro de un sujeto no es visible para el espectador. [5] La pintura tiene un tema interior, ya que se encuentra dentro de un café, y no se centra en ninguna figura determinada. Como ocurre con muchas de las obras de Hopper, la pintura presta especial atención a los efectos de la luz sobre sus sujetos.
Al detallar sólo la iconografía sensorial, la pintura da un paso atrás respecto del realismo puro, como si al pintar la memoria completa se destruyeran los finos detalles que la hacen activamente realista. Rolf G. Renner, autor de Hopper afirma que "... parte de lo que 'tratan' las imágenes [de Hopper] es esa muerte o decadencia que todas las pinturas representan en algún sentido, ya que destruyen la inmediatez de la percepción a través de la transformación en una imagen". . [6]
Aunque la escena del cuadro se desarrolla en un entorno social, prevalece el sentimiento de soledad. La mujer de verde que mira al espectador está sentada con su compañera pero no parece estar interactuando con ella. Al igual que la pareja del fondo, el hombre parece apartado de la mujer frente a la cual está sentado. Cada figura humana está aislada, retirada una de otra y reservada dentro de sí misma. Esto se retrata con rostros ocultos u oscurecidos, retirando la esencia humana de las figuras. Esto se aplica además a la mujer en detalle; A pesar de que tenemos una vista completa de su rostro, hay un desapego en ella debido a su maquillaje austero.
La piel de alabastro con el colorete intenso y los labios pintados sólo sugieren la impresión de una mujer, similar a una muñeca. Normalmente en contexto con el estilo de la época (finales de la década de 1920), este podría considerarse un estilo moderno y animado, "los suéteres ajustados de las mujeres, los sombreros campana y las caras maquilladas, que en una época anterior habrían marcado considerarlos sexualmente disponibles, se había convertido en algo común". [7] Pero Hopper niega eso al hacer que el rostro de la mujer tenga el mismo valor de blanco que otros rasgos en blanco en el fondo, vaciando así su esencia humana. El espectador interpreta que ella está "distraída" o escuchando sin intención en lugar de hacer contacto visual e interactuar con el espectador, como si no estuviera concentrada en su entorno. [8]
La composición de Chop Suey abarca además la memoria conceptual de Hopper en lugar del realismo total. El equilibrio se mantiene en la sección central de la pintura y hay más áreas sin detalles justo encima de la línea de visión, estas áreas están marcadas con marcas de pincel más ásperas. El espacio negativo/sin detalles en el fondo se suma a esto porque el ojo simplemente pasa sobre ellos y se enfoca más en los detalles presentados. Estos espacios son simples porque son elementos de fondo que no fueron memorizados. Hay "peso" en la presencia de detalles contenidos entre las figuras en las mesas hasta los detalles en el diseño del letrero exterior, la chaqueta colgante y la cubierta inferior de la ventana. Esto da el efecto de que el espectador ve la escena y todos los aspectos importantes, ignorando el contexto exterior. Así lo describe un artículo de la revista USA Today : "La breve interrupción de la acción, el rostro en forma de máscara del protagonista y las geometrías abstractas en las ventanas contribuyen a la sensación de que la narrativa que se desarrolla no trata sobre estas acciones específicas o este lugar, sino más bien de un estado de ser moderno". [9]
Teniendo esto en cuenta, el espectador puede asumir la narrativa detrás de este recuerdo en particular. En una bibliografía de Gail Levin , la ubicación de Chop Suey se describe como "[recordando] el económico restaurante chino del segundo piso que los Hoppers habían estado frecuentando en Columbus Circle". [10] Esto podría explicar el enfoque principal en la mujer y el aburrimiento del entorno. Si era un lugar que Edward Hopper había visitado con frecuencia entonces no habría razón para concentrarse en los alrededores, sino más bien en el momento de la escena. Su esposa y modelo frecuente Jo Hopper probablemente modeló para las tres figuras femeninas.
Barney A. Ebsworth era dueño de la pintura y la había prometido al Museo de Arte de Seattle . [11] Sin embargo, a su muerte, la propiedad se transfirió a su patrimonio. En noviembre de 2018, la pintura se vendió por 92 millones de dólares, un nuevo récord para una obra del artista. [2] [12]
Un parachoques reproducido en el canal de cable Turner Classic Movies , titulado The Sunny Side of Life, se inspiró en Chop Suey y otras pinturas de Hopper.